GUSTAVO SANTAOLALLA, DESDE ARCO IRIS HASTA HOY
“Me excita escuchar algo que no escuché antes”
Músico, productor, ganador de dos Oscar, fabricante de vino y cerveza y ahora jurado de un concurso de bandas de rock: ni él mismo sabe cómo funciona su vida, que describe como “una especie de caos organizado”. “Debo tener una buena utilización del tiempo”, arriesga.
Por Cristian Vitale Pagina/12
Está Gardel. Y está Evita en salvavidas, metida en una pelopincho. Hay soldados empuñando una bandera de los pueblos originarios, retratos de Bolívar, San Martín y Chávez, jugadores de los Chicago Bulls, Moctezuma con la serpiente emplumada en la cabeza y un obrero haciendo asado... El inmenso mural que colorea la planta baja del gigante de 33 pisos que YPF levantó en Puerto Madero habla de ciertos cambios. Claro, no está soberana, pública y nacional como la forjó Mosconi, allá por los años ’20, y como devino hasta 1989, cuando la avanzada neoliberal primero la reconvirtió en sociedad anónima y luego la vendió. Pero tampoco es, acompañando la impronta de estos tiempos, propiedad exclusiva de un grupo extranjero: el 25 por ciento, al menos, ya es de un capital privado argentino. “Fue una de las razones que me llevaron a aceptar participar de este concurso”, dispara Gustavo Santaolalla, cómodamente sentado en una de las oficinas del piso 27.
El “Gurú” fue convocado por la empresa para dirigir el jurado de Destino Rock, algo así como un campeonato nacional de bandas que tiene como objeto recibir, escuchar y seleccionar demos de grupos de rock de todo el país (ver las bases en www.ypfdestinorock.com) para premiar con la grabación de un disco y un DVD a aquellas cuatro que resulten elegidas. “No es menor el detalle de que parte de la empresa esté volviendo para acá, si tenemos en cuenta que en un momento casi deja de ser argentina. Esto es muy importante porque, si bien en forma particular estoy a favor de todo tipo de energías alternativas, soy consciente de que el petróleo es central para la economía de un país, y es bueno que esas fuentes estén relacionadas con nosotros y no con el capital de afuera”, se explaya Santaolalla, con la voz algo ronca y apenas mejorada por la intervención en su garganta de un té de jengibre con miel.
El multipremiado productor hizo un alto en sus constantes vueltas por el globo para hacer base en uno de sus destinos recurrentes. Y sumarle a una hiperactividad de múltiples direcciones –producción de bandas, elaboración de vinos y cervezas, shows con Bajofondo, creación musical cuando queda tiempo– una específica: escuchar los demos de todas las bandas que lleguen, seleccionar 100, luego 25 y finalmente 4, ayudado por los restantes miembros del jurado que él mismo eligió: Claudio Kleiman, Marcelo Fernández Bitar y Alfredo Rosso. “Dado el conservadurismo que se da en las épocas de crisis, eso de ‘ya sabemos lo que va a funcionar’, me parece valioso tener la posibilidad de que aparezca un concurso así, porque una de las cosas que sigue motivándome más que nada es descubrir nuevos talentos. Aunque me guste escuchar lo que ya conozco, Los Beatles o Dylan, yo qué sé, nada me excita más que escuchar algo que no escuché antes, alguien con una guitarra y una voz peculiar que me sorprenda.”
–El problema es el tiempo. ¿Alcanza?
–Es muy difícil para mí tratar de entender cómo funciona mi vida, es como una especie de caos organizado en el que, al final del día, todas las cosas están: los libros, los discos, las películas, Bajofondo, los vinos, las cervezas, e incluso el tiempo para escuchar nuevas bandas. No sé, debo tener una buena utilización del tiempo, aunque no lo tenga muy estructurado.
–¿Qué fue lo que lo llevó a aceptar esta tarea, más allá de la compulsión a escuchar nuevos músicos o, en otro sentido, la tendencia a la “recuperación” argentina de la empresa?
–En lo específico, que haya un concurso. No hay tantos y menos aún por parte de empresas con los medios que tiene YPF. Necesitás una plataforma importante en términos de difusión y llegada. También es importante poder trabajar en todo el país, porque nos permite abrir el juego y, sobre todo, estar acompañado en el jurado por tres pilares de la historia del periodismo argentino como Kleiman, Ro-sso y Bitar, tres personas que aman la música. Esto no es menor, porque una de las cosas con las que te encontrás en todas partes del mundo es gente que trabaja en la música pero odia la música, que no tiene ningún interés por ella.
–¿Con qué ojos ve que grandes empresas intervengan en un movimiento que fue marginal y contestatario, y lo utilicen como una manera de posicionar tal marca entre la masa joven de consumidores?
–Bueno, el mundo cambió y es difícil hacer un juicio de valor al respecto. Desgraciadamente, vivimos en una sociedad capitalista, y haciendo un análisis objetivo de la realidad, hay gente que vive de escribir canciones y eso también tiene que ser tenido en cuenta. Estamos en una transición en la que no sabemos bien qué va a pasar. Lo mismo pasa con la intervención de las grandes compañías: no todos los casos son iguales. Que una compañía se apropie de los contenidos artísticos es una cosa, otra es que te dé libertad de elección en términos artísticos, por ejemplo.
–Está bien, pero debería haber un reconocimiento más consciente para gente como Gieco, Pappo, Nebbia, Spinetta y todos los que hicieron el rock argentino. Hay cierta falta de respeto en este sentido, cierto ninguneo de la historia y sus actores, ¿no le parece?
–Sí, pero hay un contrapeso: creo que en este gran momento que se vive en la Argentina la juventud está activa, con la cabeza abierta y no yendo por el carril por el que le dicen que hay que ir, sino cuestionando, diciendo “che, pará, a mí esto no me lo venden más”. En ese contexto, siempre confié mucho en la juventud y siento que hay un gran reconocimiento de los pibes para con nosotros, una revalorización, más allá de lo que implique determinado negocio.
–Lo mismo opinan los tangueros que han quedado, algo que a usted también le compete a través de Bajofondo y Café de los Maestros.
–Es el momento en que más gente está estudiando bandoneón en la historia. Hay búsquedas nuevas y también un reconocimiento de lo original, en mi caso puedo hablar del Café de los Maestros. Lo que sí me gustaría es que hubiera un reconocimiento más inmediato de lo nuevo, porque hubo un momento en la historia en el que parecía que te tenías que convertir en una especie de “Grandes valores del rock” para que la gente te aceptara. Tenías que llegar a los 30 años, por lo menos, y haberte comido diez de tocar, grabar y tocar. Cuando empezamos no era así, éramos ídolos para un grupo de seguidores y éramos jóvenes. Como Eminem, que se hizo famoso a los 20 años. Me encantaría que surgiera un rockstar en el buen sentido de la palabra; no el que rompe el hotel, sino que el que se comunica con un lenguaje gro-sso a través del voltaje que tiene la música de rock... Que tenga 20, 21 años y sea aceptado masivamente.
–Algo inimaginable en la época de Arco Iris.
–Totalmente (risas).
La mención de Arco Iris lleva a Santaolalla directo a El Palomar. Allí nació el 19 de agosto de 1951, allí vive su madre y allí formó una de las bandas más originales, trabajadoras y prolíficas de la década del ’70. Arco Iris fue algo así como la semilla estética que lo iba a transformar en una esponja de sonidos y géneros, en un oído capaz de captar, resignificar y mezclar lo inevitable del rock con el folklore argentino, las músicas afroamericanas, y los ritmos de América latina. Cuando llegó la hora de las producciones en cadena, que lo llevaron a sacarles el jugo a más de cien bandas y solistas de las más diversas tendencias, el “Gurú” ya había hecho todas las inferiores como músico y productor de sus propias bandas: había compuesto y grabado discos que fueron joyas, como Sudamérica, Tiempo de resurrección o Agitor Lucens V (es un verdadero despropósito validar la obra de Arco Iris sólo a través de “Mañanas campestres”); había armado una banda, Soluna, cuyo único disco (Energía natural) ranquea entre las mejores expresiones folk rock de la historia, con un par de años como puente, el primer gran disco de new wave en la Argentina, el de “Ando rodando”. “Si me llaman por teléfono no estoy..., ésa es una canción para Arco Iris”, se ríe.
–Siete discos en seis años, primera banda en tocar en la cancha de River, un estilo muy original y al final todo mal. ¿Qué pasó con Arco iris?
–Hubo grandes discrepancias ideológicas y sus puestas en práctica. Pasó esto: desde chiquito siempre tuve una gran conexión entre la expresión artística y la concepción espiritual del universo, digamos. De hecho, iba a ser cura, pero a los 11 años tuve una crisis espiritual, me separé de la Iglesia y me metí en Arco Iris, porque me interesaban el estudio comparativo de las religiones y las filosofías orientales. Obviamente que vivíamos en un país muy politizado y empecé a vivir ese clima que el resto de los músicos de Arco Iris no compartía. De hecho, estaba conectado con gente y recibía información sin que el grupo se enterara. Dentro del grupo se armaron dos corrientes ideológicas... la mía, implícita, y la de los demás, explícita.
–La de Ara y Dana Tokatlian, la “guía espiritual”, en especial...
–Claro, y ese tipo de agrupaciones con ese tipo de disciplinas corría el riesgo de adoptar políticas autoritarias, algo que no me iba más. Llegó un momento que discrepaba profundamente con ellos en la forma de entender el universo, y me fui.
–Fue después de ese disco increíble que fue Agitor Lucens V.
–Sí, pero la brecha se venía ensanchando casi desde el principio. No me fui antes porque realmente la música era tan poderosa, tan hermosa, que lo ideológico pasaba a segundo plano. La música me hizo posponer una decisión que ya estaba tomada, aunque también existía un trabajo psicológico dentro de la organización que me hacía sentir atemorizado, una división del mundo del afuera y del adentro, una serie de cosas que te condicionaban de una manera no tan fácil de evadir.
–Dana murió hace ocho años. ¿Tuvo conexión con el resto después de la fractura?
–Guillermo Bordarempé vive cerca de casa y pasamos las fiestas juntos, a Droopy (Gianello) hace mucho que no lo veo, pero tengo la mejor. Con quien no tengo conexión es con Ara. Hemos hablado un par de veces por teléfono, pero vemos la vida de maneras muy distintas. Es un tipo que admiro como músico, pero no comparto para nada su manera de ver la vida.
–De hecho, cuando usted dejó Arco Iris se le abrió un mundo incierto que se contraponía a los preceptos de la comunidad. Soluna, el viaje a Estados Unidos, la aparición de Wet Picnic o la grabación de su primer disco solista, considerado como el primero de new wave en el rock argentino...
–Claro, el de la tapa con el electrocardiograma y el electroencefalograma míos (risas). Hasta ahí estaba bien, ahora no sé.
–Entre 1982 y 1995, cuando editó GAS, no sacó ningún disco. ¿Por qué se entregó de lleno a la producción?
–Pasó una cosa fundamental que fue De Ushuaia a La Quiaca. Hasta ese disco, yo solamente producía mi música y el único artista que producía fuera de mis grupos era León Gieco. Pasó que vivía las 24 horas del día obsesionado con Arco Iris, Soluna o Wet Picnic, y me di cuenta de que no sólo me hacía mal a mí, sino que les hacía mal a mis compañeros. De Ushuaia a La Quiaca me hizo cambiar totalmente. Me marcó muchísimo hacer cuarenta eventos musicales con artistas de todo el país, a los que no les interesaba ni salir en la tele, ni hacer discos ni nada, que hacían música porque si no se morían. Entre esa experiencia y el hecho de darme cuenta de que la obsesión me estaba destruyendo, decidí poner mi talento al servicio de otra gente, y sacar un disco de vez en cuando.
–Y produjo cien discos.
–Que han vendido millones, ¿no? Siento que he ayudado a otros a convertir su música en grandes discos, algo que es todo un tema. Hacer un buen disco no tiene sólo que ver con escribir una buena canción. Siento que en algún momento alguien estaba tomando nota de esto de trabajar con gente con visiones muy fuertes como Café Tacuba, los Bersuit o el Kronos Quartet, con los que tenía que relegar mi ego y ser consciente de que si el disco dice Café Tacuba es de Café Tacuba, es de ellos, aunque también lo viva como mío. Pero, digo, alguien tomó nota de todo eso y pasó lo que pasó con las películas y con Bajofondo, que empezó como un experimento de hacer un disco en estudio con Juan Campodónico y de pronto se transformó en un grupo con giras por el mundo.
–Y pasó el disco Ronroco como la plataforma musical para las películas que lo llevaron a los Oscar.
–Un día Jaime Torres me dijo “tenés que hacer un disco porque esto vale”. Fue él (risas).
–Hubo mucha gente que se “colgó” de su éxito después de verlo en televisión de smoking recibiendo la estatuilla.
–(Se ríe.) Totalmente. Están los que te llaman porque te hiciste famoso y los otros que te llaman para que le pongas música a su película sólo porque te ganaste un Oscar. “Che, consíganme a ese que se ganó el Oscar”, y después te piden una cosa que nada que ver. Llamalo a John Williams si querés una música como la de él (risas).
–¿Qué ruido le hacen los premios?
–Ninguno. Ojo, sería de necio negar que dan un lindo nivel de gratificación, más en el caso de los Oscar y teniendo en cuenta las dos veces que me quisieron descalificar, pero son premios y me alegro de que me hayan llegado en un momento de mi vida para ponerlos donde tienen que estar.
–¿Dónde están?
–En un bolso adentro del placard (risas). Digamos que son un mimo que se contrapone a la inseguridad típica que tenemos todos los artistas: un Oscar te relaja, y dos, aún más.
–¿Valida más un Oscar o una maestra que les enseña a sus alumnos una baguala escuchando a Leda Valladares en De Ushuaia a La Quiaca?
–Eso tiene que ver con los markers que tiene la sociedad. Pero los premios, bueno, yo qué sé, llegaba a lugares que me daban premios solamente por los que había ganado. Era para morirse de risa, loco. Una vez en Catania, los tipos me dieron uno solamente porque ya me habían premiado. ¿Premio a qué? Muy impresionante...
RATA BLANCA, FESTEJO EN EL LUNA PARK
20 años no son nada para un tango, pero para un disco de rock, es todo un acontecimiento que merece ser festejado y eso es lo que hizo Rata Blanca el pasado sábado en el estadio Luna Park.
A 20 años de la edición del exitoso álbum "Magos, espadas y rosas", la banda, realizó un concierto a sala llena (7.000 personas) que se prolongo durante casi 3 horas de show. El set estuvo claramente dividido en dos grandes partes la primera a caballo del puro rock and roll, con "Diario de una sombra", "Bajo el poder del sol", "Endorfina" y "La llave de la puerta secreta" entre otros temas.
Para el segundo tramo, las huestes de Giardino y Barilari, se tomaron el homenaje bien a pecho y tras unas breves palabras que sintetizaron recuerdos y agradecimientos de Giardino "Todos estos años de éxitos se lo debemos también a todos los músicos que en algún momento pasaron por la banda y principalmente a ustedes..." la banda se lanzo con casi todos los temas del disco, así pasaron: "La leyenda del hada y el mago", "Mujer amante", "El beso de la bruja", "Haz tu jugada", "Días duros", "Porque es tan difícil amar", "El círculo del fuego" y "Preludio obsesivo".
Con un sonido acorde a las expectativas de lo esperado para una banda de esta categoría, el triplete: "El reino olvidado", "Chico callejero" y "Guerrero del arco iris", cerraron la noche que permitió recordar los 20 primeros años de la edición de un disco, que en la actualidad ha superado el millón de copias vendidas en todo el mundo.
LUIS ALBERTO SPINETTA
Lo de Cerati le "cambió todo"
Es uno de los pocos artistas que pudieron acercarse al ex líder de Soda durante su internación. Así fue su encuentro.
Pocas cosas resultan tan difíciles como apoyar a los seres queridos en los momentos álgidos de la vida, pero el entorno de Gustavo Cerati parece haberse nutrido con una gran cantidad de acompañantes, muchos de ellos colegas del ex Soda Stereo.
Por ejemplo, Luis Alberto Spinetta, quien le llevó de regalo una guitarra que el autor de "Fuerza Natural" le había regalado a su hijo Dante. Pero además, la experiencia movió fibras sensibles dentro de "el Flaco".
"Yo venía de la muerte de mi viejo, que me tocó muy duro, y ahora tengo a mi viejita bastante viejita, pero lúcida y muy genia. Y como el sanatorio donde estaba Gustavo está muy cerca de donde vive mi madre, me fui a cuidarla inmediatamente", contó emocionado Spinetta al sitio chileno La Tercera.
"Eso fue lo que sentí. Una necesidad de abrigo y cuidado. No soy el mismo tras visitar a ese gigante dormido", comento el "Flaco" tras visitar al Soda Stereo en la clínica ALCLA donde lleva meses internado en estado inconciente tras el accidente cerebrovascular que sufrió en mayo del año pasado.
"Lo he visto una sola vez en el anterior sanatorio donde estuvo. Le dejé la primera guitarra que le compramos a Dante para que me la cuidara y para que fuera su compañera. El es el guardián de esta viola y está mejorando con paso lento", aseguró Spinetta. El regalo, que Cerati le dio al hijo mayor del músico cuando cumplió 15 años, volvió ahora al líder de Soda Stereo para que le haga compañía.
Spinetta aseguró que el caso de Cerati le cambió "todo" y le dio una nueva perspectiva. "Darme cuenta que no tienen valor las cosas a las que uno les da importancia. Es un respeto diferente por las horas que uno vive", explicó. "Al ver a este genio dormido, uno realmente no tiene derecho a estar ni de mal humor si está bien de salud", remató con disciplina.
"Uno debe estar dispuesto a una entrega constante, por eso me pareció tan importante correr al regazo de mi madre y poderme refugiar en ella", confesó Spinetta, quien coincidió por última vez en un escenario con Cerati en el festival "Argentina abraza a Chile" que se realizó a beneficio de las vícitmas del terremoto que sacudió el país vecino en enero de 2010.
Pasó más de un año desde que el ACV irrumpiera en la vida de Cerati y lo dejara mudo, dormido. Ricardo Mollo, Leo García y muchos otros músicos pasaron a visitarlo y hasta cantaron en su oído para ayudarlo a reaccionar, pero fue Spinetta quien le dedicó un poema propio, unas palabras sólo para él.
GUSTAVO SANTAOLALLA
"Las Madres de Plaza de Mayo son inensuciables"
El músico ganador de dos Oscar, salió al cruce de la ofensiva que, esta vez desde Perfil, llevan adelante los multimedios contra la historia y el presente de las Madres de Plaza de Mayo y Hebe de Bonafini. Además dijo que votará por Filmus y Cristina.
La campaña de los medios monopólicos para enturbiar la historia de las Madres de Plaza de Mayo y ensuciar su obra con la excusa del "affaire Schoklender" llega a todos lados, hasta los suplementos de espectáculos de los diarios.
Hoy, Perfil trae una entrevista con Gustavo Santaolalla en la que también se aborda el tema. Ante la pregunta "¿El llamado 'escándalo Schoklender' manchó a Hebe de Bonafini y a las Madres?", el músico -dos veces premiado con el Oscar- respondió clara y contundentemente:
—Las Madres son “inensuciables”, porque las atrocidades que se cometieron en nuestro país no tienen calificativo y la forma en que estas mujeres se organizaron, con sus versiones diferentes... Porque están las Madres de Hebe, las Madres Línea Fundadora, las Abuelas de Estela–, y cada una tiene su punto de vista. Hebe, siendo la más controversial de todas, jamás en la vida podré pensar que ella esté metida en un tema de corrupción. Yo no soy peronista ni kirchnerista, soy artista, pero tengo memoria y, sin dejar de ver lo que falta hacer y que no está bien, apoyo las cosas valiosas. No dejo de ver que dentro de la estructura enorme que es un gobierno ¡sería ridículo pensar que todas las personas que lo integran son honestas! ¡En cualquier organización! ¿O la oposición puede asegurar que si está en el gobierno todos serán incorruptibles?
Luego se le preguntó si "con tantos viajes, ¿vas a venir a votar?" Santaolalla respondió:
—¡Por supuesto que vendré a votar! Y en la Ciudad voy a votar a Filmus y por la presidencia a Cristina.
—Pero te has fotografiado con Macri y Filmus, con Cristina y Cobos...
—¡No, perdón: con Macri no me fotografié nunca! Y con Cobos lo hice cuando pensé que formaba parte de un proyecto en común, y después me di cuenta que no era así. Recuerdo que en una foto me tocó justo al lado de Cobos. Estábamos como a un metro de distancia y yo me alejaba y él se acercaba.
El músico también se refirió a Mirtha Legrand y a sus almuerzos: “Hay mucha gente que se niega sentarse a su mesa y no por ser oficialista, sino por una posición filosófica ante la vida. Por ejemplo, su relación con su hijo y la no aceptación de que haya sido gay, hasta la manera de tratar a ciertas personas en su programa.”
Sobre el debate alrededor del consumo personal de marihuana opinió: “El consumo de cannabis se ha difundido por todo el mundo y están probados los beneficios y perjuicios que ocasiona, como los tiene también el alcohol. Una copa de vino por día es buena para el organismo, pero tres litros diarios es malo. Con el cannabis es lo mismo y demonizarlo trae más problemas que su legalización.”
Y sobre el aborto señaló: “No hay que abrir un juicio de valor sobre si está bien o está mal el aborto, sino que hay que considerar que es algo que se practica desde que el tiempo es tiempo. Cuando vivíamos en tribus, había mujeres que no querían tener ese hijo y tomaban una raíz para abortar. Pienso que la intervención del hombre tiene que ser siempre desde una segunda fila. En la primer fila tienen que estar sólo las mujeres. Nosotros podremos acompañarlas y decir lo que opinamos, pero es un tema íntimamente ligado a la mujer.”
PEDRO AZNAR
“A solas con el mundo”
Pedro Aznar, uno de los músicos más talentosos que haya dado la Argentina, presentará su nuevo disco “A solas con el mundo” en Buenos Aires, y hará un recorrido por su extensa trayectoria, en un show único e irrepetible.
“A solas con el mundo” fue grabado en vivo en sus conciertos unipersonales, donde Pedro toca todos los instrumentos, generando un clima íntimo y de gran proximidad con el público.
Este trabajo cuenta con 10 canciones de autores que Pedro ha seleccionado minuciosamente, reversionándolas con la exquisitez propia de sus arreglos y el inconfundible sello que Aznar le imprime a toda su música. Amelia (Joni Mitchell), Tema del Angel (Juan Carlos Pérez), Si llega a ser Tucumana (Cuchi Leguizamón – Miguel Ángel Pérez), Calling you (Bob Telson), Media Verónica (Andrés Calamaro), Vos sos mi Amor (David Gray), While my guitar (George Harrison), Y Arriba quemando el Sol (Violeta Parra), Tan alta que está la Luna (canción popular) y Todo amor que exista en esta Vida (Cazuza – Frejat) constituyen el repertorio del disco, y son canciones de autores que forman parte de la vida y la carrera de Pedro, desde siempre.
Como él mismo cuenta, acerca de este trabajo y los conciertos unipersonales:
El trabajo de crear música, de escribir letras, suele ser una tarea solitaria, reconcentrada e interior, que ocurre generalmente de noche, cuando casi todo hace silencio. Es en esa atmósfera que la expresión del alma del que crea cobra vuelo y se dice a sí misma más allá del propio autor. Esas canciones, más tarde, toman vida propia en quienes las adoptan para acompañar sus vidas, y al fin se vuelven algo de todos.
El creador termina, así, creciendo en público, reflexionando y haciéndose preguntas cruciales frente a la mirada de los otros. No es fácil, puede ser incómodo o demasiado expuesto, pero siempre necesario para el que está destinado a navegar con el arte como estrella guía.
Este show, un unipersonal, provoca una sensación de desnudez muy parecida. En este caso es el intérprete el que salta sin red, sin demasiado acolchonamiento musical que lo proteja. Está a solas con su voz, a solas con su corazón vertido en las palabras y en el canto, y a la vez con una audiencia tan cercana y en tan honda íntimidad como se puede estar. Le pone un cuerpo a esas preguntas solitarias llevadas al papel en la alta noche. Es la voz que les da voz frente a cada uno y todos los que escuchan, en una y mil ciudades de una punta a la otra de la tierra. Está a solas con el mundo.
Pedro actualmente está haciendo una gira por todo el país, dentro de la cual ya ha realizado alrededor de 50 presentaciones, llevando este show unipersonal a cada rincón de la Argentina.
A mediados de octubre partirá hacia Chile donde brindará una serie de conciertos y está prevista una posterior gira por otros países de Latinoamérica.
HOMENAJE A SODA STEREO EN MIAMI
El viernes 10 de junio toda la Florida se tiño de rock en la segunda Mega Fiesta organizada por la productora Forcada Music del programa radial “Defende tu rock” en transmisión directa a Argentina junto a Yaque Monzón; en donde se presentaron el grupo Rockadictos que hace poco lanzaron su primer álbum “100% Enviciados” y que se encuentran en su gira promocional por todo Estados Unidos con lo mejor de su hard rock; y la participación especial de la noche, el ya reconocido cantante Ariel Nan con toda su banda, que ya suena en radios de toda Latinoamérica con su hit “Realidades”, y que muy pronto lanzará su segundo álbum “Alianza” y su segundo video en Ingles “Nocturnal”, canción que forma parte del film Moonlighter.
Ariel Nan fue el encargado de llevar a cabo un esperado y merecido Tributo/ Homenaje a una de las más importantes y míticas bandas de rock Latino de todos los tiempos, Soda Stereo, con una noche inolvidable acompañado de personalidades de los medios locales de televisión y radio, y los medios gráficos más importantes de la Florida, junto a miembros del Fans Club Oficial de Gustavo Cerati de Argentina, avalando esta gran fiesta.
VOX DEI
Se presenta en el mítico bar La Perla del barrio de Once
La emblemática y legendaria banda Vox Dei se presentará el próximo sábado a las 21.30 en el mítico Bar La Perla, ubicado en Rivadavia 2800, en Once.
El grupo, formado en la primavera de 1967, está integrado actualmente por Willy Quiroga (uno de sus fundadores) en bajo y voz; Simón Quiroga en batería y Carlos Gardellini en guitarra.
El sábado, el trío recorrerá buena parte de los clásicos de la banda, tocará nuevos temas y, además, aprovechará la ocasión para hacer un fragmento de la obra “La Biblia según Vox Dei”, uno de sus 18 discos editados, a 40 años de su lanzamiento.
Los conciertos de junio en La Perla continuarán con las actuaciones de Ricardo Soulé y La Bestia Emplumada (17), Alma y Vida (18), JAF (24) y Kubero Díaz al frente de su trío
CIELO RAZZO: SUELO FÉRTIL DE ROCK, GRUNGE Y MÁS
Elargentino.com
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“Ya no decía nada, aquel cuarto gris/ Tenía en sus fantasmas, abismo singular”. Sin embargo, al parecer, ese cuarto cobijaba más colores que el gris y tenía algunas cuantas cosas que decir sobre el abismo. Por ello es que inspirados en la dinámica de su sala de ensayo, los Cielo Razzo decidieron bautizar a su último disco Compost, ese proceso en el cual el desperdicio orgánico genera tierra fértil. Este disco, editado en el 2010 y sexto en la historia de la banda rosarina, consiste en una obra donde ese particular sonido -punto intermedio entre el rock rioplatense y el grunge- se fusiona con nuevos sonidos e instrumentaciones, alejándose de la intencionalidad radial y profundizando una lírica que contiene atisbos de existencialismo y oscuridad. Sobre el mismo versará el show que darán mañana en la Sala Opera (58 e/10 y 11) a partir de las 21. “El show básicamente es la presentación de Compost, pero sin dejar de lado el trayecto por todos los discos de nuestra carrera -nos cuenta el bajista Christian Narváez-. Vamos a hacer un mix que venimos presentando (el fin de semana pasado estuvimos en Córdoba) y en todos los lugares es muy buena la aceptación. Estamos con ganas de tocar el último disco y también lo que la gente quiere escuchar, así que va ser un show largo y entretenido”.
Cielo Razzo ya se había presentado en nuestra ciudad el pasado 4 de diciembre, pero en aquella ocasión, apenas tocaron tres o cuatro temas de Compost. “La otra vez hablábamos con colegas que este es el disco que toda banda necesita tener. De reflexión, de experimentar. Creo que es un disco en el que buscamos mejorar el sonido a pleno. Y a nivel composición, es mucho más compleja que los discos anteriores”, señala sobre el trabajo que cuenta con la producción artística de Matías “El Chávez” Méndez .
Haciendo un balance sobre el extenso recorrido de la banda liderada por Pablo Pino, distingue: “Nuestro primer disco, Buenas, sale en el 2001 pero tiene canciones que se venían trabajando desde 1993. Tiene más tiempo de composición. El último acentúa más la ejecución, en los instrumentos”.
Y respecto a esos casi veinte años en la ruta, asegura: “La verdad que hemos tenido de picos altos, pero nunca nos mareamos. Sólo disfrutamos el hecho de poder seguir haciendo lo que nos gusta, y disfrutar en familia, porque eso somos. Semana a semana esperamos que llegue el show, para estar tempranito en la sala para subir al micro. Esa vibra nos hace muy bien y nos saca de la realidad. Es lo que nos dice la gente: ‘Con este disco nos ayudaron un montón’, ‘tal tema me hizo bien’. A nosotros nos pasa lo mismo. Así que es inyectarse de buena energía, salir a tocar y no dejar que otras cosa te confunda”.
Ese micro al que refiere el músico, genera intriga: “Pasa de todo -responde entre risas- Jugamos al poker… la play la queremos incorporar, pero la otra vez me robaron un juego… miramos películas, contamos anécdotas. En síntesis, es un viaje de estudios”. En el mismo es infaltable escuchar a La cruda, una histórica banda de Santa Fe, que puede mezclarse con Metallica o Audioslave.
Mucho antes de rotar en radios y canales de televisión nacional, los Cielo Razzo ya eran una banda convocante en Rosario, siempre a base de un trabajo de hormiga. “Para cualquier banda que esté fuera de Capital Federal, es complicado. Quizá para nosotros de Rosario es un poco menos difícil que para bandas de Santa Fe o La Rioja. Pero creo que a toda banda le cuesta”, resume y comenta que “el rock de Rosario tiene muchos buenos músicos y bandas, que están haciendo sus pasos… Los Vándalos, Fluidos. Nosotros hemos podido invitar a varias de ellas y darles una mano”.
Y es que Rosario siempre estuvo cerca. Y mañana por la noche, un poco más.
SERGIO CH DE LOS NATAS: MÚSICA PARA SACARSE LAS ENTRAÑAS
El sábado en El Teatro de Colegiales tendrá lugar el South American Sludge: el líder del trío cuenta de qué se trata y adelanta lo nuevo de Ararat, su grupo junto a un ex Redondos
Por Diego Mancusi – Revista RS
El South American Sludge es, además de la reunión cumbre de las juventudes psico-valvulares latinas, un viejo sueño concretado: con casi dos décadas en la ruta, Los Natas vienen encarando desde hace años el trabajo de hormiga de congregar a los exponentes más destacados del género a nivel continental en una especie de entidad sindical etérea, deseosa de cultivar sus mayores pasiones: el rock setentoso de Black Sabbath y Pink Floyd, el metal más duro de Pantera y Slayer y el placer de armar quilombo. Así, el trío compartirá cartel con bandas de Uruguay, Chile, Brasil y Argentina, en lo que será la última oportunidad de verlos en Buenos Aires antes de que Sergio Ch, guitarrista y voz cantante, se aboque a su proyecto paralelo Ararat, grupo que comparte con el ex Redonditos de Ricota Tito Fargo. Didáctico y movedizo, él mismo define los límites de este género sin límites.
¿Qué está pasando con el sludge en Latinoamérica?
Primero están Los Natas, que este año cumplen 17 años haciendo la misma música. Después, en Chile está Hielo Negro desde hace muchos años, en Uruguay está Guachass, que es una banda de chicas que yo produje el año pasado, en Brasil está Astafix, en Perú está La Ira de Dios, en Venezuela está Cultura 3. En toda Sudamérica se armó la movida de este estilo en español, con letras que representan a los países, hablando del sufrimiento de los pueblos.
¿Por qué creció tanto el estilo en los últimos años?
Los Natas abrimos el camino: cincelar la misma piedra con el mismo martillo hizo que la gente abra la cabeza y vaya dejándose garchar por el sonido. Hace quince años, un show de Los Natas sería inescuchable y hoy la gente aplaude y nos ponen en lugares centrales en los festivales. Y por otro lado, tiene que ver con cómo va creciendo la música: los chicos de veinte años no tienen ganas de escuchar música fácil y ridículamente superficial. Lo que te permite este estilo es sacar las entrañas de tu persona, tirarlas en una mesa y observarlas desde afuera. La gente con este estilo se encuentra consigo misma, tanto con las partes de metal como las colgadas de psicodelia. En el año anterior al supuesto fin del mundo, la gente necesita un lugar espiritual fuerte de donde agarrarse. No tiene que ver con jugar a ser rockero: este es el límite mismo, y vos te vas a parar ahí y nuestro deber es volarte la peluca y regar con tus sesos toda la sala. Los chicos encontraron un estilo en el que pueden desenvolverse rápido y fácil. Sin tener que estudiar veinte años en un conservatorio, se compran una guitarra, un equipo grandote, y con un buen batero y un bajista, en un par de meses están disfrutando de la música. La simpleza, la contundencia, la sinceridad y la realidad que te presenta el sludge, y a la vez el abanico de sensaciones que te presenta entre lo psicodélico hasta el máximo punto del metal, sirve para mater esa desesperación de vida, esa angustia, esa soledad.
Si bien comparte cosas con el metal, el género parece no tener esos códigos sectarios que a veces caracterizan al heavy, ¿no?
Exacto. Lo que tiene este estilo -que hasta hace poco se llamaba stoner, pero dejó de usarse ese nombre porque se asociaba con las drogas, o con los Stones- es que, en su punta más áspera, no llega a tener los códigos mogólicos y sectarios del metal, ni los códigos de moda. Y tampoco del lado del hippismo llega a tener ese nihilismo que va regando semillas por el mundo sin saber qué hacer. Es un hippie comprometido y es un metalero ablandado.
Más allá de esto, ¿qué planes tenés con el grupo?
Lo primero con Los Natas es hacer este show, que va a ser el único en la Argentina este año. Después tenemos una mini gira internacional con Kyuss, que es la banda padre de este estilo, y por ahora vamos a estar parados, por razones de salud, de fuerza mayor y por estar 16 años rompiéndose el lomo y necesitando un descanso. Por ahora estamos con el Motoclub, y después salimos con el segundo disco del trío Ararat. El primero salió hace dos años y fue un disco experimental que hicimos con mi hermano Santiago. Se llamó Música de la resistencia. Y este año salimos con Ararat 2, que ya está terminado. La agrupación en vivo la conforman Tito Fargo en ruidos, slides y cosas análogas que generan sonido, y Alfredo Felipe que es el baterista de Taura y Banda de la Muerte. Ararat te propone un viaje sludge desde lo más hippie colgado hasta el metal más lento, y con mucha poesía también. Es más arriba, y las letras bajan más línea. Tiene que ver con este momento: siento la necesidad de bajar línea. Sin llegar a ser un Ricardo Iorio, por favor, pero ya que estás ahí. ¡decí algo, la concha de Dios!
IRON MAIDEN: "SOMOS MEJORES QUE METALLICA"
¿Duelo de titanes? Bruce Dickinson dijo en una entrevista que la banda liderada por James Hetfield podrá vender más tickets pero no serán nunca como Iron Maiden;
La bestia de metal se enfrenta al monstruo del thrash: en una entrevista con la revista Metal Hammer, Bruce Dickinson hizo declaraciones polémicas con respecto a la relación de la banda que lidera, Iron Maiden, claro, y Metallica. Así fue, el cantante británico dijo que ellos son mejores que los estadounidenses comandados por Hetfield. "Podrán ser más grandes que nosotros, podrán vender más tickets, podrán convocar a más burguesía de clase media a sus shows pero no son Iron Maiden", declaró. Lo que pasó fue que Metallica fue elegida por la revista Kerrang! como la mejor banda de rock de los últimos treinta años, dejando a Maiden en tercer lugar (Green Day en el medio) y se ve que a Bruce no le cayó nada bien.
Luego de que se indujera su intención sobradora a partir del comentario, admitió: "Me metí en problemas por decir que somos mejores que Metallica pero... es verdad".
Las comparaciones siempre son innecesarias pero vamos a alimentar la polémica, no podemos evitarlo: ¿Metallica o Iron Maiden?
ERIC CLAPTON: ENTRADAS A LA VENTA
A partir del domingo 12, podés adquirir tus tickets para ver a la leyenda el 14 de octubre en River
Revista RS
Falta todavía. Para la presentación de Eric Clapton en el Estadio River Plate quedan meses aún: el mítico guitarrista llegará recién el 14 de octubre y hay que controlar la ansiedad. Sin embargo, a partir de este domingo 12 de junio, las entradas para verlo ya se podrán adquirir: estarán disponibles a través de Livepass, llamando al 5353-0606, en TicketPortal, La Trastienda Club y en los distintos puntos de venta.
Los precios oscilarán entre los 100 y los 1800 pesos (mirá el plano con las ubicaciones).
El violero se embarcará en lo que será su tercera gira latinoamericana y, aunque viene en plan de presentación de su disco nuevo (Clapton, editado durante el año pasado), parece ser que repasará su discografía tocando los clásicos que todos queremos escuchar. Teniendo en cuenta que pasó una década desde su última visita, no estaría nada mal...
CARAJO, DIEZ AÑOS DESPUÉS: "NO TENEMOS RELIGIÓN"
A una década de su formación, tan cerca de Cristo como del punk, los Carajo buscan un hit no tanto como intentan encontrar la paz; el viernes 1 de julio repasan su carrera en el Luna Park
Revista RS
Encontrar la sala de ensayo, flamante estudio y búnker de Carajo en Chacarita es un desafío. Así como Parque Chas tiene sus leyendas de taxistas errantes que vagaron por sus laberínticas calles circulares durante años sin encontrar la salida, esta zona de la ciudad de Buenos Aires, de árboles grises, cortadas atrevidas y puestos de flores viejos, podría verse desde el aire como un puzzle imperfecto.
En su vientre, flanqueado por gigantescos galpones y fábricas silenciosas, el espacio donde el trío formado por el bajista y cantante Marcelo "Corvata" Corvalán, el baterista Andrés Vilanova y el guitarrista Hernán "Tery" Langer pasa varias horas del día tiene la personalidad de sus dueños: sobrio, seguro, tranquilo y con ausencia de colores estrafalarios y decoración. Sólo una cocina pequeña, una heladera para la subsistencia diaria, un austero sillón azul y una pequeña mesa con tres sillas. Allí es donde ellos, los tres de Carajo, discuten sobre el concepto estético de la próxima gira por el conurbano bonaerense que están por comenzar, con motivo de la primera década del grupo. Y, sí... Carajo ya cumplió diez años y se erige hoy como la banda más importante de heavy alternativo de Argentina y, sin duda, en vivo, uno de los grupos más poderosos del rock nacional junto con Divididos. Pero en todos estos años, han trazado un camino silencioso del que hasta ellos tres se sienten sorprendidos.
"La verdad, cuando se termina la historia de A.N.I.M.A.L., que fue muy doloroso para todos, no esperaba empezar con un proyecto de estas características desde cero y ganar un lugar tan rápidamente. Ninguno lo esperaba", suelta Corvata. "Y tampoco nos damos cuenta mucho de lo que pasa. Nos hacen más notas y, de hecho, estamos teniendo un lugar importante en los festivales sin haber pensado nunca una canción para que funcione como hit", dice, y no se despega un minuto de su clásico pañuelo-vincha. El tono de voz de Corvata es suave, ameno y carga una paz que se extiende hasta sus ojos de cachorro. Andrés, descalzo y en bermudas, asiente. Si bien los tres Carajo no son tipos de declaraciones impactantes ni se mueven en los márgenes de la noche sin fin, analizan cada respuesta minuciosamente. Y la entrevista, por momentos, se vuelve una improvisada sesión de psicoanálisis. "Yo nunca pensé que lo íbamos a lograr tan rápido, te soy sincero. Lo que pasa es que estamos tan metidos en trabajar la música que no te das cuenta a veces cómo vas creciendo. Estamos muy contentos con el disco y con Ale Vázquez, nuestro productor desde siempre. Creemos que hicimos un buen disco, pero nada más. Uno siempre va a pensar que hizo un buen disco, pero esta vez es verdad que notamos una apreciación similar en mucha gente... ¡Debe ser un buen disco, entonces!"
El mar de las almas, el cuarto trabajo discográfico del grupo y sucesor de Inmundo (2007), se mece en un océano de aguas eléctricas, oleadas de guitarras que flotan sobre las líneas asesinas del bajo de Corvata, mitad responsable de la "pared de sonido" que se forma cuando choca con el incansable pie derecho de Vilanova. "La construcción de las canciones esta vez fue diferente, como si fuera un disco conceptual con dos caras bien reconocibles", explica el batero. "Si te fijás... de «Limbo» a «Virus anti-amor» media un mar. de almas, justamente", bromea. "Jamás habíamos hecho algo así, de ir a los extremos", suma Tery. "Pero si nadie imaginó que podíamos hacer el [show acústico] Electrorroto, quedate tranquilo que a esto se van a acostumbrar rápido."
PRESENTAN EL DIARIO DE ERNESTO "CHE" GUEVARA
Télam
"Diario de un combatiente. Ernesto Che Guevara. Sierra Maestra-Santa Clara 1956-1958", el libro que reúne momentos claves de la lucha armada en Cuba narrados por el propio Guevara, será presentado el próximo 14 de junio en la capital cubana, según confirmó el sitio digital de Prensa Latina.
La presentación del volumen, de 303 páginas, entre ellas 40 dedicadas a fotos y facsimilares, coincidirá con el aniversario 83 del nacimiento del legendario guerrillero y revolucionario argentino, y contará con el apoyo de la Organización de Solidaridad con los Pueblos de África, Asia y América Latina, y las editoriales Ocean Sur y Ocean Press.
El diario describe los pormenores del combate desde la llegada del yate Granma el 2 de diciembre de 1956 hasta el triunfo revolucionario del 1 de enero de 1959, narrados por quien fue uno de sus principales protagonistas.
En sus páginas abundan reflexiones que van cobrando mayor profundidad a medida que los escenarios donde el Che interviene se complejizan y su participación en la guerra se va tornando cada vez más comprometida, así como también se hace un acercamiento a las percepciones del guerrillero sobre la realidad de la isla, su cultura, identidad y contexto político.
Daily Pérez, del "Centro de Estudios Che Guevara", precisó que el suceso editorial tendrá lugar a las 10, en el Centro de Prensa Internacional.
GUASONES
Presentará el disco "Parque de depresiones" en el Luna Park
El grupo Guasones actuará por segunda vez en el estadio Luna Park el 19 de agosto para presentar en vivo los temas del disco "Parque de depresiones".
Con 19 años de carrera, la banda platense llegará por segunda vez al predio de Corrientes y Bouchard para repasar el material de su octava producción discográfica.
"Parque de depresiones" fue grabado en los estudios Argot de La Plata y Monsterland de Buenos Aires, con producción artística de Guasones y Álvaro Villagra.
El nuevo trabajo del conjunto que integran Facundo Soto, Maxi Tym, Estean Monti y Damián Calefón está integrado por trece temas entre los que se incluye "El forastero", un viejo tema de Riff que el conjunto grabó en homenaje a Pappo y su banda.
Para promocionar el lanzamiento, Guasones estrenó recientemente el videoclip de "Heaven or Hell", que fue rodado en locaciones de La Plata con dirección del cineasta Octavio Lovisolo.
100 ANÉCDOTAS DE PAPPO
Yamila Cazabet – Blogrock.com.ar
100 veces Pappo: Las increíbles historias del último rocker argentino. Ese largo título responde al nombre del libro escrito por José Bellas y Fernando García. El tema: la vida de Pappo abarcada por medio de anécdotas contadas por el propio Norberto Napolitano o por su entorno. Todas ellas chequeadas por quienes estuvieron muy cerca del rockero.
La historia del libro comienza hace unos cuantos años. Estos dos periodistas tenían como hobby juntar historias del Carpo. Su curiosidad se desata “a partir de ese evento extraodinario que es la vida de Pappo, todo lo que emanaba y generaba con su propia vida”, nos cuenta Fernando.
La inquietud se hace libro cuando representes de la editorial Norma le piden que escriban una biografía de Pappo. Como su vida no fue convencional, su libro tampoco podía serlo. Narrar cronológicamente los hechos que atravesaron al artista hubiera dejado mucho de lado. La parte interesante, jugosa, hubiera quedado afuera. La originalidad se encuentra allí, en que el libro sea un rock & roll. Ambos autores coinciden en que “trata de emular lo que era Pappo. Cuando nos pusimos a escribir el libro, dijimos que tenía que ser como sonaba un solo de guitarra de Pappo, tenía que responder esa métrica”.
Las anécdotas son simplemente él. Son como él, como lo fue su vida. Algunas divertidas, otras casi mitológicas. García nos resume cómo era Pappo “Más que políticamente incorrecto, yo creo que Pappo era sensiblemente incorrecto, porque era sensible a cosas que el resto del ambiente cree que no debería ser, como los motores, las milanesas. Si vos sos sensible a la poesía de una flor está todo bien, pero si hablás de un motor te miran raro”.
JERIKO SE HACE GRANDE
“Cromañón frenó al metal”
Esta banda histórica del “jevi” nacional dice que el ambiente metalero festeja de una manera bien distinta al rock barrial: “Se toman unas birras, se ponen en pedo y hacen pogo, pero es difícil ver una pelea”.
Por Juan Ignacio Provéndola – Pagina/12
No hay instancias más imprecisas en toda la cadena productiva del periodismo que las gacetillas de prensa, esa suerte de folletines explicativos en donde el organizador de un evento da cuenta del mismo apelando, comúnmente, a una exacerbación casi obscena de las bondades que éste supone ofrecer. Así las cosas, llega la del grupo Jerikó prenunciando su show del domingo próximo en El Teatro de Flores como “el más importante de su carrera”. Jerikó no es un grupo de adolescentes que busca financiar su viaje de egresados a través de un té canasta, o que viene de ganar un concurso para tocar en un megafestival de la era sponsorizada del rock. Se trata de una banda que en pocos meses va a redondear dos décadas de tranco ininterrumpido en este asunto que se llama ha dado en llamar jevi nacional, definición que lo mismo denota cariño o desprecio según sea quién lo enuncie. Evidentemente estamos en presencia de una verdad excepcional. “Ibamos a hacer un show en un lugar más chico, pero se cruzaba con la fecha de una banda de afuera, así que salió esto y tuvimos que acomodarnos”, se sincera Javier Cuevas, guitarrista y uno de los tres miembros que perduran en el combo desde su fundación, en 1992, junto al otro violero Claudio Duliba y al bajista Marcelo Bracalente. Eran tiempos en los que el metal local se despojaba de los años inocentes e informales de V8 para expresar en carne propia esa pequeña cosita llamada popularidad a través de Rata Blanca y Hermética, presentando (oh, casualidad), Magos, espadas y rosas y Acido argentino, sus álbumes más célebres y taquilleros.
Y mientras estas dos padecieron la descompostura del éxito de diversas maneras, Jerikó continuó su marcha lenta pero ininterrumpida hasta el día de la fecha a través multitudes de anécdotas (como haber sido varias veces la banda del ex Iron Maiden, Paul Di Anno), siete discos, entre los que se encuentran los dos primeros (Tierra violada, de 1997 y Tensiones, de 1999) bajo la producción del ex baterista de Hermética y Malón, Claudio Strunz –también compañero de Cuevas y Bracalente en Heinkel–, un álbum sin nombre que en 2004 reunió inéditos, rarezas y temas grabados en la época que el actual Horcas, Walter Meza, era la voz cantante, y el flamante En origen, grabado a contrarreloj en el estudio casero de Cuevas y presentado en una versión digipack de madera que se vende junto a la entrada del show del domingo en El Teatro, una cita de dimensiones inéditas para un grupo de estas características.
–¿De dónde se saca pila para sostenerse durante 20 años?
–Será que, evidentemente, nos gusta mucho. Es la única explicación que le encuentro, porque uno debe resignar muchas cosas todos los putos días para sostener algo como esto. Hay grupos que tocan y, cuando terminan, se escapan. Nosotros nos quedamos hasta el final, casi que cerramos los boliches con el dueño de lugar... ¡quien se quiere matar porque le chupamos todo! Pero no lo hacemos de simpáticos sino porque realmente lo disfrutamos.
–Hay una diferencia de cantidad muy grosera entre la gente que acompaña shows internacionales y la que va a ver bandas locales. ¿A qué responde ese malinchismo tan típico del metal argentino?
–Es cierto. Uno a veces analiza y dice: “La puta madre, viene una banda de afuera, pone la entrada a tres gambas y llena estadios, pero ni el 5 por ciento de toda esa gente va a los shows locales”. Creo que algo tiene que ver el hecho de que, a veces, el músico es bastante pelotudo, pero la gente no. Estamos en un palo donde existe mucha competencia entre bandas y músicos, y eso me parece que siempre terminó jugando en contra. Si te fijás, no hay grupos que hayan durado mucho. Se separan muy rápido, cada uno inicia otro proyecto y se sacan el cuero entre sí. Tal vez existan otras razones, pero no las entiendo. El heavy, en la Argentina, tuvo varias oportunidades para pegar algo más masivo, pero las peleas diluyeron toda posibilidad. Por ahí se deba a que el género tiene mucha energía y no está bien canalizada, a diferencia del reggae, donde están más relajados y la llevan de otra forma (risas). En algo se falla, indudablemente.
–El episodio en el recital de La Renga reavivó el debate sobre la pirotecnia en el rock, algo a lo que el metal local siempre pareció estar ajeno. ¿A qué creés que responde eso?
–A que el público metalero es apasionado y fiel, pero se expresa de otra forma. Se toman unas birras, se ponen en pedo y hacen pogo, pero es difícil ver una pelea. Es un público muy respetuoso que se preocupa por los mensajes de las letras. Son cabezas que piensan. Entre tanta multitud puede pasar que se te escape un pelotudo que tira una bengala, pero el ambiente del metal es más chico y tal vez eso haya influido en que esas prácticas nunca se hayan divulgado. Además hay otro dato: lo de Cromañón nos fulminó a nosotros casi más que a ningún otro género. Cromañón frenó al metal local y nunca nos pudimos recomponer.
CADENA PERPETUA CUMPLE 20 AñOS
“La gente quiere ser más partícipe de lo que debería ser”
Estos músicos marcan la cancha: cantan contra la religión, contra la miseria, la corrupción, la pobreza, los políticos, la industria de la moda, la televisión, el sistema... ¿Están a favor de algo?
Por Brian Majlin – Pagina/12
Es lunes y hace frío. El sol se cae detrás de la autopista que arranca en la 9 de Julio y se va hasta La Plata. Del otro lado, desde “la otra punta de la ciudad”, asoma Cadena Perpetua, la banda de punk rock de Villa del Parque. Los lunes siempre son medio jodidos para los que no creen en el sistema, la rutina, el mundo capitalista. El comienzo de la semana recuerda que todavía hay oficinas, garcas, mercado, obligaciones. Dicen que los fantasmas se exorcizan con la música. Los muchachos llegan acalorados, vienen de ensayar y apagan la sed con una Coca-Cola. Al menos dos de los tres integrantes. El tercero, Hernán “Vala” Valente, voz y frontman, se saca la campera y se toma un café endulzado.
Esquivos al principio, algo tensos, relajan los músculos de la cara y del cuerpo a medida que la adrenalina del ensayo deja lugar a la charla. “No nos gusta mucho toda esta parte de las notas y las promociones, ni los videos. Lo entendemos, eh –aclara rápido de reflejos el Vala–. Pero es como que escapa a lo nuestro. Todo lo que es extramusical nos cansa.” Las caras del Vala, de Eduardo Graziadei y Damián “Chino” Biscotti resumen la postura. Finalmente, la costumbre le gana al disgusto. Y claro, son 20 años de carrera.
“Cuando empezamos, no soñábamos ni con sacar un disco”, cuenta el Vala, mientras simula la sonrisa que le arrebató Frost Bite cuando en 1995 –y ya con 5 años de darle a la guitarrita– les ofreció grabar el primer disco. “Para nosotros esto siempre fue un juego”, suma Edu. Quizás eso lo explique todo. Muchas bandas se separan o cambian su composición. Este trío de amigos del barrio mantiene su formación desde hace 15 años, el Chino llegó con la banda ya empezada. Quizá la falta de plata mantuvo la unión. Hay algo más que los amalgama. Tienen, casi como emblema, una visión del mundo. “Una posición sobre la realidad”, resume el Vala.
Desde el sonido furioso de Cadena Perpetua, el primer disco, al sonido más complejo y melódico de Plaga, el último disco que presentan en el Estadio Malvinas Argentinas este sábado, han pasado 15 años y cuatro discos. La maduración es evidente, pero hay algo del mensaje que supera el paso del tiempo.
–No es lo mismo escribir sobre la realidad social en el ‘90 que ahora. ¿Cómo afectó el paso del tiempo a las letras?
Hernán Valente: –Las letras se fueron adecuando a los momentos vividos...
Eduardo Graziadei: –Hay mucho de testimonial en lo más viejo; ahora, además de la denuncia, hay corazón. Con Largas noches (2000) aprendimos a decir las cosas de otra manera. Pero el mensaje sigue siendo claro.
–Son veinte años de compromiso social...
E.G.: –Seguimos marcando nuestra posición sobre la realidad.
H.V.: –Empezamos de adolescentes, escuchábamos a La Polla Records, que nos ha influido mucho. Nuestro público es más que nada adolescente y tomamos ese rol de ser una banda que trate de despertar un poco a los que la escuchan. Hay herramientas muy jodidas, sutiles y estratégicas que intentan imponer una forma de ver el mundo. Estamos para decirles a los que nos siguen que se fijen, que no es tan así, que busquen más información.
–Marcan la cancha. Cantan contra la religión, contra la miseria, la corrupción, la pobreza, los políticos, la industria de la moda, la televisión, el sistema... ¿Están a favor de algo?
H.V.: (Risas) –Del liberalismo. De la libertad humana.
E.G.: –Sí, de libertades humanas, porque el liberalismo tiene una connotación complicada.
Damián Biscotti: –Sí, me hace acordar a (Alvaro) Alsogaray eso... (más risas).
Cuando se juntan tres amigos a tocar, las risas y los silencios cómplices son condimento asegurado. Cuando hay un garaje (como el de la foto), las bandas que supieron tocar en ellos se identifican. Se miran, se ríen. “Nosotros pudimos salir del under hace poco. Nos llevó mucho tiempo salir de los antros”, explica Edu.
–Antes de la masacre de Cromañón tocaron ahí, por ejemplo. Les afectó el cierre de lugares...
E.G.: –No, porque cuando tocamos en Cromañón ya llevábamos gente y quedaron algunos lugares para esa capacidad. Los que venían debajo la sufrieron más. Fue muy jodido para la cultura under. Hoy mejoró un poco, pero el costo fue muy caro.
–La vida de varios costó. Y la muerte de Miguel Ramírez, ¿es un costo para abandonar las bengalas definitivamente?
E.G.: –La gente quiere ser más partícipe de lo que debería ser en un recital. La bengala no funciona, ni en lugares cerrados, ni al aire libre. Se confunde el folklore con el protagonismo. Pasó en Cromañón y pasó en el recital de La Renga en La Plata.
H.V.: –Tenemos que hacernos cargo y hacer un mea culpa. Fuimos un poco cómplices de esto, porque decíamos: “Uh mirá, una bengala”. Y la verdad es que es una mierda.
D.B.: –Igual, el punk rock no es un palo tan bengalero. La bengala es más de rock barrial, que es público más de cancha. De todas formas fuimos parte de esa inconciencia generalizada. Tocábamos en cualquier lugar, en cualquier condición.
E.G.: –”¡Es rock!”, decíamos. Y ya fue.
–¿Ya no?
E.G.: –No, hoy entrás a un lugar y estás mirando todo. Todos asustados, desde el productor y el dueño del local, hasta el público y la banda.
H.V.: –Igual, el rock es sólo una parte de la sociedad. Hay obras en construcción que se caen y mueren obreros. Hay accidentes de autos y violencia en el fútbol. El rock es algo más que muestra el deterioro cultural en el que estamos.
–¿Por eso Plaga?
H.V.: –Sí, mostrar que el hombre es la plaga del hombre.
–Cómo decía Thomas Hobbes, “hombre lobo del hombre”...
E.G.: –Sí, jodíamos mucho con esa frase y pegó.
H.V.: –El ser humano siempre culpa a otros por complicar su existencia, pero no se hace cargo. Plaga está apuntado a que el ser humano es detestable. Sobre todo en las grandes ciudades. Y me incluyo. Sé que soy extremista, pero creo que es así.
–¡Qué esperanza...! (Risas)
H.V.: –Yo apuesto al cambio individual a partir de la reflexión. Por eso decimos lo que decimos.
E.G.: –Yo todavía pongo una ficha más. Por eso me junté con un movimiento de artistas que apoya al Frente de Izquierda y de los Trabajadores; tuvimos una charla con Jorge Altamira.
–¿Apostás a la política?
E.G.: –El año pasado hubo dos cosas tremendas que me marcaron. La primera, cuando fuimos a tocar a Neuquén y nos visitó el sindicato ceramista de la recuperada Zanon y nos contó cosas tremendas. A los tres nos pegó mucho.
H.V.: –Sí, fue muy bueno...
E.G.: –El otro episodio que me marcó fue el asesinato de Mariano Ferreyra. Yo tengo un amigo del Partido Obrero hace mucho y cuando dieron la noticia, se me vino a la cabeza y pensé: “¿Cómo pueden seguir ocurriendo estas cosas en 2011?”. Después de lo de (Maximiliano) Kosteki y (Darío) Santillán no podía volver a pasar. Pero aún pasa y, aunque está todo muy podrido a todo nivel, la esperanza no la perdemos nunca. Y yo vuelvo a involucrarme.
–No se llega a veinte años tan fácil...
E.G.: –Menos en bandas como la nuestra, que venimos del under y vivimos de esto hace poco.
H.V.: –Esto es un sueño. Llegamos al Malvinas y, aunque me siento mejor que en el Obras de hace cuatro años y que tengo más espalda, desde ayer ya no pude dormir. Mirá si hay nervios.
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