NOTICIAS DEL ROCK DAK 27 al 01/07/11

RESISTENCIA COPA EL OESTE

Emmanuel Angelozzi – blogrock.com.ar

Resistencia Suburbana se presenta éste sábado 2 de julio,en el Micro-Estadio Morón. A horas de su show hablamos con Fabián Leroux.

¿Piensan que el reggae es un género militante?

No necesariamente, según lo que quiera hacer cada artista.

Sus letras hacen hincapié en la denuncia social de diferentes situaciones cotidianas, ¿Por qué eligieron hablar sobre eso?

Porque dentro del reggae elegimos hablar el mismo idioma que aprendimos de los discos de Marley y Tosh, llevados a lo que pasa en el barrio.

¿Sufrieron algún tipo de prejuicio o prohibición por elegir ese mensaje?

No

¿Qué opinión tienen sobre el escenario político actual de cara a las elecciones de octubre?

En este caso no te doy la opinión de la banda ya que somos 8 integrantes y no todos pensamos lo mismo. Mi opinión es que la Oposición es un cachivache impresentable.

¿Por qué eligieron mantenerse en el camino de la independencia?

Porque nunca nos propusieron nada serio y ahora, aunque nos lo propongan, no lo aceptaríamos porque ya hicimos un camino que nos gustó y que nos sirvió.

Incrementaron mucho su cantidad de seguidores, algo que los llevó, por ejemplo, a presentar su último disco en el Malvinas Argentinas. ¿Qué herramientas del under conservan aún?

Todas… salvo las que, por una cuestión de convocatoria, tenemos que cuidar más que si tocáramos en un pub de 100 personas. El resto es casi igual, te diría.

Si bien en “Por cultivar marihuana” hablan al respecto, ¿cuál es su posición sobre la despenalización del consumo de cannabis?

Ya lo escribimos en una letra anterior que es la de “Sensemina”. Podés comprar un arma en una armería y no podés tener una plantita en tu casa. Podés comprar cigarrillos y alcohol, pero no faso… O sea: midamos todo con la misma vara.

Son uno de los principales exponentes de la movida reggae nacional. ¿Qué sienten que aportaron para que el género despierte esta adhesión en nuestras tierras?

Una mirada diferente que aporta un granito de arena al gran collage que es el Reggae Nacional. Todos esos granitos conforman el género en la Argentina.

El público que sigue a los grupos del género es heterogéneo. ¿Con qué elementos logró seducir por igual a un público de diferentes clases sociales, por ejemplo?

Sin ir más lejos está lleno de militantes sociales que viven en cómodas casas de clase media e igual van a las villas y asentamientos a ayudar. Al que le va bien también le gusta escuchar música con mensaje. Al que le va mal le llega que hablen de sus problemas. No hacemos música para un solo sector.

¿Piensan que nuestras bandas lograron un sonido propio que les permite ser reconocidas en el exterior?

Si, a veces me pregunto qué diría sinceramente un jamaiquino de cómo sonamos los argentinos. Aún tengo la incógnita.

Son una banda que suele tocar mucho en vivo. ¿Cómo preparan los conciertos?

Nuestra preparación es no prepararnos: una herramienta bien del under.

NO TE VA GUSTAR DURANTE 17 AÑOS

Alejandro Nuñez – Blogrock.com.ar

Tras una fructífera gira por EE.UU. y Canadá, dos shows en José C. Paz y otro en González Catán, los charrúas desembocaron con un par de recitales en el Estadio GEI de Ituzaingó, nada más ni nada menos que en el marco de su festejo número 17 como banda.

Rondando las 21:20 las luces se apagaron y los N.T.V.G. saltaron al escenario, ante un lugar totalmente completo (la noche anterior también se había vendido hasta la última entrada), infestado por almas que, pese al inviolable frío, dieron todo de sí, dejando el corazón en cada estrofa que Emiliano Brancciari entonaba.

Es cierto que les costó un par de temas para poder acomodar el sonido, pero ya para cuando “Verte reir” (con dedicación incluída) dio sus primeros pasos, la cosa estaba que explotaba. “Como si estuviera” y “Cero a la izquierda” demostraron que la agrupación está más fresca que nunca. Y que verlos en vivo sigue siendo un deleite para el paladar de todos los que consumimos buen rock.

“Éste es un tema que habla de toda la discriminación que nos rodea”. Así decidió Emi arrancar “Con la misma vara”, para que le siguieran “Tan lejos”, “Tirano” y “Mirarte a los ojos”, con un Denis Ramos en trombón, que cada vez le aporta más festividad a éstos rituales que engendran noche a noche.

Luego de que “Arde” y “Memorias del olvido” prepararan el clima, se vino uno de esos momentos que la gente espera con ansias. Es increíble el amor que se genera entre los fanáticos al oír los primeros acordes, tanto de “Cosa linda”, como de “Clara”. Los casi 1.500 aullidos que se emanaban desde abajo de las tablas hacían que hasta los mismísimos integrantes de N.T.V.G. se sorprendieran por tal acto de cariño.

La fiesta continuó de la mano de “Navegar” y “Tu defecto es el mío” (exquisita obra de arte). En un momento se oyó el canto de los fans que rezaba un “Vinimo’ a ver la fiesta. ¿La fiesta en donde está?”, a lo que Emi respondió: “Es cierto. ¿La fiesta donde está? ¡Baila Ituzaingó! ¡Baila!”. Una intro a puro juego de vientos (entre trompeta, saxo y trombón), le dio pie a “Pensar”, para que la propia noche se comenzara a olvidar del frío que hacía afuera.

“Chau” (último corte de “Por lo menos hoy”) fue coreado palabra a palabra y letra a letra, aunque lo que acompañó a dicho tema fue descomunal. Si “Al vacío” no es hoy en día el tema más aclamado de No Te Va Gustar… entonces no se cual será. Una marea de sentimiento, efusividad y pasión a flor de piel, que ya no posee descripción alguna. Hay que vivirla desde el pogo, para saber lo que se siente.

“Mucho más feliz”, “Déjame bailar” y “Te voy a llevar” (previa intro electrónica, y enganchada como siempre sobre el final con “Todo un palo”, himno ricotero), empezaron a dar muestras de que el final se avecinaba.

“No hay dolor” fue otra clara muestra de la fidelidad que hay de los seguidores para con el grupo. A lo que “No era cierto” aparentó poner un broche de oro a otra gran velada.

Pero ante el eterno “Una más y no jodemos más”, los muchachos volvieron a la carga con los bises. Decepcionó un poco la frialdad de la gente ante, quizá, una de las mejores composiciones de Brancciari: “El oficial”, tema que supo pertenecer al sagrado “Todo es tan inflamable”, del año 2006.

El momento emotivo de la noche llegó en la previa a “El camino”, donde la banda hizo una mención especial para el fallecido Bocha Sokol, quien supo poner su voz en la grabación de dicho tema.

Solo quedó “Nada para ver”, y un largo “Olé, olé, olé, No Te, No Te…”, para ir poniéndole la frutilla al postre. Dos horas incesantes de un grupo que, mal que les pese a ellos mismos… Hace 17 años que Si Nos Viene Gustando… Y mucho. Por lo menos, hoy…

ENTREVISTA. MARCIANO CANTERO

El cantante de Los Enanitos Verdes habla del éxito de la banda en los Estados Unidos.

Por Eduardo Slusarczuk eslusarczuk@clarin.com

Marciano Cantero atiende el celular mientras viaja de Washington DC a Nueva York, donde lo esperan dos presentaciones en el Fillmore local, cuyas entradas ya sabe que están agotadas. Es la recta final de una gira que pasó por 13 ciudades de los Estados Unidos, donde una sola boletería no fue cerrada con el cartel de “Sold Out”.

“Faltaron vender cinco entradas”, detalla el cantante, compositor, y bajista mendocino, que algo más de tres décadas atrás, junto a Felipe Staiti y Daniel Píccolo, formaba Los Enanitos Verdes, y se animaba a hacerse un lugar en la efervescente escena del rock argentino de fines de la peor dictadura militar que sufrió nuestro país.

Canciones como Tus viejas cartas, La muralla verde, Por el resto y Te vi en un tren dispararon la popularidad de la banda más allá de las fronteras de la Argentina, y detrás de los pasos de Miguel Mateos y Soda Stereo, emprendían un camino que aún recorren.

“Cuando salió La muralla verde, en el ‘86, el éxito fue casi inmediato. Enseguida fuimos a Chile, pasamos a Perú y fuimos subiendo por el mapa, hasta que legamos a México en el ‘88. A partir de entonces, ya no dejamos año sin ir. Y en el ‘94 llegamos a los Estados Unidos, donde todo fue mejorando con el paso del tiempo”, resume.

A esta altura, él y sus compañeros de ruta, Felipe Staiti y su hijo Juan Pablo -ambos guitarristas- y el baterista Jota Morelli aseguran que ya perdieron la cuenta de las veces que tocaron en algunos teatros emblemáticos para el rock del país del norte.

Como también perdieron, en parte, un lugar de pertenencia. O, quizá, ganaron muchos otros. “Somos como viajeros constantes -explica el músico-. Todo depende de dónde vamos a parar cuando terminan las giras. Yo paso una buena parte del año en México, pero también viajo mucho a Buenos Aires, donde tengo un hijo. Felipe, en cambio, tiene un hijo en Pasadena. Así que está parte del tiempo en Mendoza, y parte en California. Y más de una vez, al término de una gira, que te deja medio quemado, decidimos pasar unos días en Chicago, o en algún otro lugar, para descansar. Como decía la canción, no soy de aquí ni soy de allá. Pero somos argentinos. Somos netamente argentinos.”

Hace poco, Miguel Mateos admitía que pasar mucho tiempo en el exterior tuvo un costo, en términos de pérdida de popularidad en la Argentina. ¿Evaluaron eso en algún momento?

No hay mucho que evaluar. Es como si te dijera que te ofrecen trabajar en el The New York Times, con una muy buena oferta económica. ¿Qué harías? En algún momento a nosotros nos pasó eso. Empezamos a tocar afuera y nuestra música gustó. ¿Qué íbamos a hacer? Además, no era perder todo. La Argentina la hemos recorrido entera, varias veces, con nuestra música. Hemos tocado en cada provincia. No tenemos cuentas pendientes. Lo que sucede es que no podés estar en todos lados al mismo tiempo. Pero lo que teníamos para hacer aquí era y sigue siendo muy interesante.

En línea con su respuesta, Cantero agrega que hace tiempo que dejaron de pensar dónde les va mejor. “El otro día, le decía a mi hijo que hay músicos que componen para novelas, películas, teatro, otros que componen canciones, otros que son intérpretes y otros que son performers, que tocan en vivo casi todo el tiempo, y que es lo que somos nosotros. Yo lo entendí después de haber protestado, más de una vez, por tener que estar todo el tiempo de gira. Pero llegó un momento en el que me dije: ‘Nací para hacer esto, y para llevarle alegría a la gente’. A veces pienso en la película de los Blues Brothers, cuando hablan de que están en una misión. Bueno, la nuestra es cantar. Y lo seguiremos haciendo hasta que nos de el cuerpo”, reflexiona.

¿Han cambiado sus influencias musicales a lo largo del tiempo?

No. Una de las cosas particulares de la banda es que tenemos gustos distintos. Felipe es más metalero, yo soy más pop, más beatle, y Jota es un músico de una musicalidad muy amplia, sin dejar de ser un baterista de rock and roll. Y lo que hacemos es un compendio de todo lo que vivimos. Lo más bonito es cuando ves que las canciones tienen un sentido universal. Que hayan pegado tanto en la gente, habla de la universalidad de los sentimientos que expresan. En un punto, creo que somos, como nos dijo una vez Fito (Páez), artesanos de la canción.

Sin embargo, han cambiado la formación, y abandonaron el teclado.

Sí. Más que nada para probar. Así, con dos guitarras, es una banda más fresca. Pero, también es una cuestión temporal. En cualquier concierto, o si hacemos otro disco y lo necesitamos, puede aparecer un tecladista.

El cambio, de paso, les permitió incorporar a Juan Pablo, que no había nacido cuando formaron el grupo.

El ya había demostrado interés por la guitarra mucho tiempo atrás, y Felipe le dijo que si quería tocar, se pusiera a estudiar. Se fue a Los Angeles, donde estuvo estudiando un par de años, y donde tocaba como invitado siempre que íbamos a California. Era un placer. Así que, cuando cambiamos la formación, estaba primero en la lista. Y cerró el círculo perfectamente.

Y la historia familiar le sirve a Cantero para reivindicar una vez más el carácter artesanal de la banda, más allá de su “status internacional”: “En este mundo de la música hay mucho fake, mucha mentira. Hay tipos a los que escuchás cantando en el disco, y después cuando suben al escenario no cantan ni para atrás. Nosotros siempre hemos cantado de frente. Y esa es, creo, la razón por la que la gente nos viene a ver. En general es todo tocado a pulmón. Somos un grupo de verdad.”.«

Presencia en los angeles

Para llegar al Gibson Theatre, en el corazón de los Universal Studios, en Los Angeles, hay que recorrer unos 200 metros iluminados por una infinidad de carteles de neón cuyo colorido contrasta con la calma que se vive frente a la entrada del teatro. Sin embargo, puertas adentro, alrededor de ocho mil personas ocupan hasta el último rincón de la sala, que estalla cuando Marciano Cantero y los suyos aparecen en escena, tras la actuación de los españolísimos Hombres G. Desde ese momento, y durante algo más de una hora y media, el cuarteto desandará sus más de 30 años de historia, aunque evitará meterse en el túnel del tiempo que supone que todo pasado fue mejor. Al contrario, viejos clásicos como La muralla verde, Por el resto y Lamento boliviano se mezclan con temas más recientes como A las tres y Mariposas, que igualmente serán cantados por la multitud sin errar una sola coma. La puesta, de estricto rock garagero, como el backstage. Dos guitarras al frente, al mando de Felipe y Juan Pablo Staiti, el bajo y la voz de Cantero, y a la batería, un Jota Morelli que pone su enorme cantidad de recursos al servicio de las canciones. Y de las excursiones instrumentales por fragmentos stones de Start Me Up y I Miss You. Una manera de volver a las fuentes.

MIGUEL CANTILO

“No me interesa el afán de polarizar”

Por Diego Gez – Diario Tiempo Argentino

El cantautor presenta en sociedad su vigésimo segundo disco, Cantilenas. Recuerda a Miguel Abuelo, su militancia por la libertad y explica por qué se le ocurrió publicar un EP.

El lanzamiento de un EP al que le seguirá un flamante disco, un próximo libro, y un nuevo show que se suma a una nueva gira son parte de lo que se viene alrededor de la figura de un músico que siempre hizo de sus inquietudes el principio de futuras certezas. Hablar con Miguel Cantilo sobre su actualidad no significa solamente abordar su aquí y ahora como único propósito, también aporta la mirada y experiencia de un músico contracultural, que supo de idas y vueltas con la fama, el éxito y el peso de su leyenda. Pero a él poco parece importarle todo eso, sentado en un lugar acogedor de Palermo que, como él bien dice, “poco o nada va quedando del barrio que fue” y que supo tener entre sus habitantes históricos al gran Miguel Abuelo, otro de sus amigos que revolotea por la charla y al que recordará con una sola palabra: “Único”.

Cantilenas es el nuevo y vigésimo segundo disco de Miguel, algo que se toma con tranquilidad pero también con humor. “Podría sacar más discos, como Litto Nebbia (risas). Es como decía Antonio Machado, porque uno va dejando discos como huellas por el camino, aunque siempre estoy más atento al paso que voy a dar más adelante. No por eso desvalorizo el pasado, porque sirve para reflexionar. Por eso hace cinco discos que soy el productor de mis obras, porque muchas están descatalogadas o perdidas. Es muy feo el trato que se le da al material de catálogo, así que ahora me encargo de todo. Pero volviendo a tu pregunta, mirar para atrás y ver que uno ya tiene 22 discos editados es una de las razones para seguir sacando discos porque hablan de la actualidad de los artistas. Y Cantilenas es mi hoy, mi actualidad”, acota.

Esa actualidad comenzó hace unos dos años atrás, cuando le entregó una buena cantidad de temas a uno de sus hijos, que esta vez oficia de productor. “Estábamos en la búsqueda de un sonido y un criterio para definir un después. Así llegamos a la idea de hacer un disco folk, con contenidos latinoamericanos, sumado a canciones donde se privilegian las letras, como pudo haber sido el folk que nos inspiró hace más de 40 años con Bob Dylan o Simon&Garfunkel. Ese estilo de canciones se impuso en todo el mundo, porque rescataba un espacio para la poesía y le daba un tratamiento delicado a los instrumentos. En la presentación de este sábado estarán tocando conmigo los maestros Kubero Díaz, Rubén Izaurralde y un señor que supo acompañarme en Pedro y Pablo. También voy a dar a conocer algo de este nuevo disco, y estará disponible un EP de cuatro temas (ver recuadro) para que la gente intuya cómo será el resto del material que estará listo dentro de poco.

–Todo eso juega no solamente con un aire de época, también por un concepto intimista con la canción…

–Está buscado especialmente. Todo apunta a una cosa más íntima, más de climas reflexivos y para eso es importante una atmósfera tranquila, opuesta a lo que venía haciendo en mis anteriores discos. El ambiente es básico porque le da lugar a la metáfora elaborada.

–¿Sacar un EP de cuatro temas tiene que ver con un signo de los tiempos, donde la gente requiere la inmediatez de algo corto, opuesto a la extensión de un álbum?

–Algo de eso hay. Si bien en mi caso tiene que ver con una decisión personal, es cierto también que cambiaron muchas cosas para los que hacemos música. Ahora existe una relación entre el tipo que escucha y las canciones de una manera individual. Antes se compraba un disco y tenías que escuchar todo, mientras que ahora existe una búsqueda de temas. No soy de los que se fastidian con Internet porque para mí, todo ese mundo ayuda a la difusión entre el individuo y la nación individual. Sobre todo porque Internet quitó elementos a los músicos como las regalías pero al mismo tiempo devolvió al ejecutante a los escenarios. Ahora hay que tocar, significa trabajar, lo que terminó por valorar la importancia de actuación en vivo, algo que antes no se tenía en cuenta.

Si todos los discos de Miguel Cantilo siempre tienen una carga iniciática de principios, algo que se intensifica en su interior pero que siempre parte desde el título, entonces Cantilenas también hace una apuesta por la temporalidad y por las canciones. “Uno de mis compositores favoritos, que no viene del rock especialmente, es Carlos Guastavino, que sería un Chopin nuestro y que tiene una obra tan vasta como compleja que vale la pena escuchar de punta a punta. Recorriendo todo eso, me encontré con una serie de piezas musicales de su autoría a las que llamó Cantilenas. La palabra me interesó tanto que al buscarla en el diccionario me cautivó. Ahí supe que su significado remitía al de ‘pieza musical para ser cantada’, lo que terminó por cerrar todo un concepto que en definitiva lleva implícito el de la libertad de hacer, de cantar, de expresarse.”

–Esa es la libertad que siempre pregonaste junto a Miguel Abuelo…

–Cuando hablo de él siempre me viene una frase: “Hay gente que ya no está entre nosotros pero que si embargo está más viva que muchos que caminan por este planeta”. Miguel Abuelo es uno de esos tipos que, sin estar entre nosotros, tiene una sobrevida que lo pone todo el tiempo en relieve. Las nuevas generaciones lo escuchan y lo descubren, respetan su obra y lo ponen vigente. Su paso por este planeta fue único, por eso no tiene comparación la marca profunda que nos dejó. Siempre pienso en cómo vería las cosas él, los homenajes que se le hacen, la película que se hizo sobre su vida, esas cosas. Tenía una manera de ver las cosas en las que el humor y el ojo crítico siempre estaban presentes. Por eso, su paso nos dejó, a los que nos quedamos acá, una enseñanza que nos durará toda la vida. Él fue la libertad.

–¿En ese contexto ayuda los cambios sociales que se viven en el país actualmente?

–Existe un progresismo que está logrando cambios, pero poco a poco. No me interesa la confrontación política partidaria por más que tenga mis ideas concretas y firmes en cuanto al tema. No me interesa el afán de polarizar porque termina siendo toda una forma de fascismo. Los ’90 fueron una enseñanza porque desde ese momento comenzamos a tomar otro camino. Con matices de índole política estamos en un camino mucho más promisorio actualmente, sobre todo, cuando al progresismo se lo entiende desde el vivir en sociedad, con libertad, algo que en mi adolescencia y mi juventud fue arrasado pero que en la actualidad se respeta más.

Juventud contracultural

Miguel Cantilo adoptó al rock, a sus figuras, sus letras y a su sonido por su fuerte impacto contracultural. Fue de los primeros hippies en asentarse en el Sur de nuestro país, adoptando al Bolsón como su lugar en el mundo. Hoy toda esa geografía sufre la caída de las cenizas del volcán Puyehue y que construye un espacio desolador del que Miguel no está ausente. “Por mi larga experiencia de vida en el Sur, tengo, pero también tuve siempre un contacto permanente con amigos y pobladores de la región. Lo que me cuentan es terrible, porque me toca de muy cerca. Los humanos somos poca cosa en relación con todo lo que nos rodea. Lo concreto es que el planeta se expresa y nosotros debemos esperar a que la naturaleza se decida porque nosotros no mandamos. Cuando yo me fui a vivir en comunidad a esa parte del mundo jamás hubiese imaginado que semejante tragedia podría ocurrir ahí. Tengo aprecio sincero por las personas que siguen viviendo en comunidad.”

–De alguna manera, cuando vos y muchos otros, décadas atrás, apostaron a la experiencia de vivir en comunidades también apostaban por lo no establecido...

–Eso sigue existiendo pero de otra manera, mutó a otras formas. Hoy sigue estando eso que vivía en las comunidades relacionado con la naturaleza (sólo que ahora se lo llama ambientalismo), las artesanías cambiaron pero viven de otra manera en muchos lugares del país. Y la literatura, sin ir más lejos, también absorbió mucho de esa época. En ese sentido el rock es la banda de sonido que acompaña todos esos cambios.

¡Qué circo!, el libro, para septiembre

Para la primavera, se viene un nuevo libro de Miguel Cantilo. A los cuatro que lleva publicados hasta el momento, en algún momento de septiembre de este año editará un quinto, al que bautizó con el sugestivo nombre de ¡Qué circo! “Me interesa tanto el rock que nuevamente vuelvo a escribir sobre el tema”, aclara.

“Es que alrededor de esa palabra de cuatro letras en la actualidad veo un abanico de opciones, cosa que no había cuando el rock comenzó, y las opciones podían contarse con los dedos de una mano. Ahora la variedad es grande pero tenés que buscarla, no hay que esperar que el rock de acá aparezca en los medios. Para encontrar ese rock hay que levantar una pátina de mediocridad que es la predominante. Lo que resalta es parte del negocio en que se ha convertido una música que alguna vez tuvo principios, y ese negocio es muy bueno para algunos, por eso persiste. Así sólo se promueve una música mediocre que es la que suena en muchos lados.

Trabajar en este nuevo libro me tomó unos cuatro años y por eso tendrá un volumen considerable. Durante las etapas que vivió nuestro rock hubo un tiempo de análisis particular y específico, con muchos de los que pasaron por cada una de ellas. Más allá de todo, este nuevo texto no pretende ser un catálogo ni nada parecido, inclusive estoy seguro de que de algunos puedo haberme olvidado y a los que les pido perdón de antemano. Todo esto comenzó para los que le interesa la revisión histórica y cronológica del movimiento. En algún momento de mi vida conocí a figuras que me parecieron admirables, pero que hoy pocos recuerdan. Para eso también nace este libro.

–Tal como lo conociste, ¿se puede seguir hablando de rock?

–Creo que existe, pero es mucho más amplio y en varios casos puede no identificarse con el género. Si hay algo que el rock tiene es la virtud de aceptar la influencia de otras músicas. Por eso hubo rock sinfónico, reggae o tantos otros. El rock siempre fue una apertura.

Cantilenas, tema por tema

Polvo de estrellas”: “Es una típica canción de amor al aire libre que remite a la naturaleza, a los tréboles y que va desde las estrellas hasta la luna”.

“Valores”: “Una reflexión sobre los valores que en el tiempo de la canción están en juego en gran parte del mundo. Es una síntesis que pretende llamar la atención sobre valores que existen para mucha gente. Para todos ellos se hizo esta canción. Creo que esos valores no tienen la necesidad de ser mencionados porque todos los conocemos. Parece mentira pero en ocasiones uno llega a creer que se han abandonado u olvidado”.

“Letra”: “otra composición intensa pero desde lo erótico, con metáforas que podrían parecer excesivas para cierto gusto. Siempre me gustó utilizar un lenguaje directo y eso fue lo que hace 40 años me trajo problemas con canciones que componía en ese tiempo. Ahora, seguramente parezca un juego de niños, pero en ese tiempo resultaban censurables para los ojos jurídicos de la contemporaneidad. Tiene un clima muy latino.”

“Soledad”: “Es el cierre del EP y busca entender a la soledad como si fuese un personaje que acompaña, pero que no aísla. El tempo es casi rockero para describir una relación donde la soledad está presente.”

Dice Cantilo: “Cantilenas está hecho con canciones que comenzaron a desarrollarse en el pasado, pero que terminé de escribir en tiempo presente. Inclusive hay una canción (‘Tu Atención’) que viene de cuando tenía 18 años, que sería como una especie de bolerito inédito y que tal vez haya sido esa la primera canción que compuse en mi vida, muy romántica pero con tratamiento folkie. Todas las canciones de este nuevo disco son inéditas pero tienen una particularidad, que mucho tienen que ver con el pasado. De esa época también hay un tema que rescata el momento en que me fui de la casa de mi madre y me despedí de ella, una mujer dolida por su viudez. En definitiva, se trata de un álbum heterogéneo pero folkie, porque eso era lo que buscábamos y por suerte pudimos conseguir.”

LOS AUTÉNTICOS DECADENTES PRESENTAN “LA FÓRMULA”

Es el nuevo single del álbum Irrompibles. A punto de cumplir 25 años de trayectoria, Los Deca siguen a toda marcha, en ruta de lanzar su rock, su buena música y su espíritu de fiesta a los oídos ávidos de su frescura sonora.

Luego de los lanzamientos de tres cortes de difusión (Los Machos, Distrito Federal y Tribus Urbanas), Los Auténticos presentan ahora La fórmula, nuevo single de su álbum Irrompibles, editado en 2010 por Popart Discos.

La Fórmula tiene una reflexiva letra, excelente compendio al estilo Decadente de cómo hacer para enfocar la vida, cómo enfilarla hacia algún lugar que se aleje del diario trajín. “Corazón que rifa una ilusión. Dejá para mañana lo que puedes vivir hoy. Sabe que en el fondo han de pagar toda la amargura de querer siempre algo más. Tarde pero a tiempo me di cuenta que no todo lo que quiero está a la venta”.

En un alto de la gira por distintos puntos del país (Ushuaia, Buenos Aires, Santiago del Estero) la banda se trasladó a las playas de Villa Gesell y Mar Azul para grabar el nuevo video.

El protagonista de esta nueva producción decadente es el guitarrista Diego Demarco, quien además de ser autor e intérprete de este tema, ha sido declarado culpable de un buen puñado de grandes clásicos como El gran señor, La prima lejana, Veo y Besándote, entre otros.

El video transcurre en las playas bonaerenses y retrata un accidentado paseo de Diego con un cerdito. La desfachatez de los Auténticos, una vez más, se ve reflejada en sus videos, material que ha marcado su propio camino en este cuarto de siglo.

La dirección y realización del video corrió por cuenta de Octavio Lovisolo junto con el bajista Pablo Armesto, director y codirector de la mayoría de los videoclips de la banda.

Como inicio de la serie de conciertos por su 25 aniversario, Los Auténticos Decadentes se presentarán el 5 de noviembre próximo en el Palacio de los Deportes de la Ciudad de México.

PELIGROSOS GORRIONES VUELVE A LA PLATA

“Ya tenemos canciones como para un disco”

“¡Peligro, Gorriones sueltos!”. Vertiginosos fueron los ‘90, esos años que vivimos en peligro. “Gorriones sueltos”, advertían los afiches y las entradas de un recital que iba a desarrollarse en el Ayuntamiento. La fecha prevista era el 23 de octubre, del ya lejano 2009. Una noche que se presentaba mágica, con muchas suposiciones. “Vuelven los Gorriones”, decían las voces que cortaban las diagonales. “¿Vuelven?”, “es un hecho”, “¿se puede confirmar?”, “¿se puede anunciar?”, “No, pero vuelven”. Noche rara la de ese viernes, en la que bajo un mismo techo coincidieron Francisco Bochatón, Miles (Coda), Pájaros (Rocky) y Bazaar (Cuervo), entonces “si la chispa se enciende, se juntan”. Y así fue, en la noche en la que también volvió Charly García con su recital Subacuático. Poco le importó tamaño suceso al público platense que añoraba con recuperar la década dorada, la de los ‘90 y de la cual los Peligrosos Gorriones fueron su principal ícono. Porque ellos fueron los primeros en cruzar la 32 desde La Plata, los primeros en copar la meca porteña saliendo de la ciudad fundada por Dardo Rocha y no tardaron en posicionarse como referentes del Nuevo rock argentino. ¿Virus? ¿Los Redondos? Ellos también lo hicieron pero nunca fueron considerados por los medios como bandas 100% platenses, al menos no en su momento de principal exposición; a los Moura se les colgó el cartel ya en los '90, y ese fue un acto de justicia porque ellos también fueron necesarios para que en la década del menemato la ciudad fuera todo un hervidero artístico.

Tras aquel encuentro azaroso o no tanto, los Gorriones cerraron el '09 con un par de shows más. En el 2010, sumaron más fechas y comenzaron a aparecer nuevos temas. “¿Es posible pensar en un nuevo disco”, le preguntamos a Francisco Bochatón hace un año. “Nada es imposible”, nos respondió. Y sus viejos seguidores y los nuevos, esos que sólo habían oído hablar de tanta combustión junta pero nunca la habían podido disfrutar, comenzaron a vivir en carne propia “la experiencia gorriona”. Pero el cuarteto platense irá por más mañana, cuando desde las 20 en el Teatro Café Concert (43 e/ 7 y 8) y en el marco del Ciclo Locales y Visitantes ofrezcan el Proyecto Atento-Intento, un recital en formato “símil ensayo, en el que no faltarán los clásicos, una buena cantidad de estrenos que formarán parte del nuevo disco, algunos de los cuales serán creados esa misma noche”, según reza la gacetilla, aunque también habrá que escuchar las palabras del guitarrista Guillermo Coda a Diagonales: “Es un juego de palabras que se le ocurrió a Francisco. Habrá temas nuevos y de los de antes, por lo demás un típico show ‘gorrión’, sorpresa para el público y para nosotros mismos”.

Con respecto al mentado y esperado nuevo trabajo discográfico, Coda aclara: “Ya tenemos muchas canciones nuevas, como para un disco, lo que pasa es que aún no tenemos contrato con ninguna compañía y la verdad todavía no buscamos, seguimos componiendo. No sé cómo definir este material nuevo, es lo que nos sale hoy día. Si existe un estilo ‘gorrión’, estas canciones lo tienen". Y claro que este presente no hubiera sido posible sin aquel regreso fortuito, “tengo el recuerdo de tocar los temas y recordarlos instantáneamente después de 10 años como si no hubiera pasado el tiempo, y también la farra que vino después, con todos los músicos y amigos mezclados”.

Desde este espacio siempre se trazó un paralelo entre los días que corren y los memorables '90. ¿Es una comparación caprichosa? “Me parece que ahora hay tanta efervescencia como en décadas pasadas. La Plata siempre fue semillero de bandas de rock y de cultura en general. la diferencia es que en los ‘90 tenía veintipico, lo que hace que vea todo con el cristal de esa edad o sea joda de noche y día... más noche”. Y además están por cumplirse veinte años del recordado certamen de bandas que organizó el Boulevard del Sol. ¿Queda algo? “Recuerdos, claro que sí: el Boulevard del Sol era un lugar para ir a tomar algo, escuchar bandas o tocar con amigos. Íbamos del Boulevard al Tinto a go-go y de ahí al Bar y viceversa. Buenísimo, cómo me voy a olvidar”. Aquel pasado fue emblemático, pero mañana es mejor, y tocan los Gorriones.

CATUPECU, FABI CANTILO, LOS TIPITOS Y OTROS

A BENEFICIO

Primeras figuras del rock argentino participarán de un festival a beneficio de las víctimas del volcán del sur del país.

El rock argentino vuelve a mostrar su perfil solidario. A beneficio de las víctimas que dejó la reactivación del volcán, este miércoles 29 de junio se realizará un festival para recaudar agua mineral, pañales, leches y otros elementos que irán a parar a las zonas más afectadas.

Entre los que ya confirmaron su presencia en Groove (Av. Santa Fe 4389, Palermo) figuran Fernando Ruiz Díaz de Catupecu Machu, Fabiana Cantilo, Los Tipitos, Lisandro Aristimuño, Javier Calamaro, Ojos Locos, Pampa Yacusa y Ella Es Tan Cargosa, entre muchos otros.

Detrás de dicha iniciativa se encuentra la Red Solidaria, organización sin fines de lucro que desde hace años promueve maneras de ayudar a la sociedad argentina, desde buscar chicos desaparecidos hasta extender la mano a comunidades indígenas.

ARBOLITO

“Nos gusta mucho tocar en las Fiestas Clandestinas”

Agustín Ronconi y Ezequiel Jusid adelantan el show que ofrecerán el viernes 1º. de julio en el Teatro Flores.

Las Fiestas Clandestinas ya son toda una institución en las noches de Buenos Aires dada su bienvenida inclinación a abrir sus puertas a diferentes tribus que conviven en perfecta armonía.

La música, por supuesto, ocupa un lugar primordial en estos exitosos eventos itinerantes, pero ¿quién mejor que Arbolito para amenizar semejante velada? Con su contagiosa y personal mixtura de ritmos folklóricos, rock y reggae, la exitosa agrupación conformada por Agustín Ronconi (voz, flauta traversa, quena, charango, violín, guitarra), Andrés Fariña (bajo y coros), Diego Fariza (batería y bombo legüero), Ezequiel Jusid (voz, guitarra acústica, guitarra eléctrica) y Pedro Borgobello (clarinete, quena, coros) vuelve a decir presente en las Fiestas Clandestinas en compañía de Cuatro Pesos de Propina.

La cita está prevista para este viernes 1º. de julio en el Teatro Flores (Av. Rivadavia 7806, Capital) desde las 0 horas. Y con el pretexto de conocer en detalle cómo se prepara Arbolito para este show, además de enterarnos de su auspiciosa experiencia en Cuba y de los planes para su próximo y sexto álbum de estudio (el sucesor del premiado Despertándonos, aparecido en 2009), 10Música dialogó animadamente con Agustín Ronconi y Ezequiel Jusid.

ANDRÉS CALAMARO DEBUTARÁ EN ESTADOS UNIDOS

Desde el 30 de septiembre hasta el 11 de octubre el Salmón recorrerá dicho país a bordo del Still Alive & Well Tour.

Still Alive & Well se llamará la primera gira que Andrés Calamaro realizará por varias ciudades de los Estados Unidos, de acuerdo a una información brindada por la empresa organizadora de sus fechas.

El ex Abuelos de la Nada y Los Rodríguez hará las siguientes escalas: el 30 de septiembre estará en el Hollywood Palladium de Los Angeles, luego seguirá en Las Vegas el 1 de octubre; en el Irving Plaza de Nueva York el 6; en el Jackie Gleason de Miami el 8 y cerrará el 11 de octubre en el House of Blues de Chicago.

En ese mismo comunicado se informa que Calamaro se pondrá en contacto con el público norteamericano, que esperaba hace mucho tiempo tenerlo en sus tierras tocando todos sus éxitos, entre ellos “Mi enfermedad”, “Flaca”, “Sin documentos” y “Crímenes perfectos”.

Cabe recordar que en la gira On The Rock, la última que realizó, el cantante y compositor recorrió muchas ciudades argentinas y países como España y México, vendiendo más de un millón de entradas.

JERIKO METAL ENVASADO EN ORIGEN

Tras 19 años de trayectoria Jerikó edita su octavo disco de estudio: ‘En Origen’ y lo hace con bombos y platillos: Conferencia de prensa, presentación de su primer corte promocional: ‘Esquizofrenia’, anuncio de un show en vivo en el Teatro Flores para el 12 de junio con respectiva gira para no dejar nada al azar. Un torbellino de melodías y sonidos que simplemente arrasa.

Por Lucy Dávalos – www.biendeabajo.com.ar

La cita se dio en el barrio de Coghlan, en un atardecer oscuro que más bien daba la sensación de plena noche, un tanto por el frío como por el lugar elegido para iniciar la rueda de prensa: El Oráculo Rock Bar, recinto acorde a la propuesta, pantallas, posters y música a todo volumen dejaban en claro que aquello no se prestaba para juegos de chicos, hasta allí fue que llegamos como gustosos invitados.

Una vez adentro nos esperaban sus particulares anfitriones: Marcelo Bracalente: Bajista de la banda, Iván Sención a cargo de las vocales hace ya ocho años. Javier Cuevas en la guitarra, su baterista Germán Rodríguez (o simplemente: Manchi para los más cercanos) Además de Claudio Duliba acompañando también desde las seis cuerdas. En resumen: Jerikó en plena sesión Jam.

En el 2010 y en lo que va del 2011 llevan realizando una extensa gira por todo el país, desde 1992 no paran y le rinden culto a su música con sinceridad y empeño. La siguiente “Gira En Origen 2011” comprenderá destinos como Rawson en tierras sueñas, Sierra Grande en la provincia de Córdoba además de Santa Fé, sólo por mencionar algunos de los sitios que los tendrán como visitantes.

¿Cómo se preparan para el Show en el Teatro Flores?

Javier- Tocar ahí es toda una apuesta para la banda, hace cuatro años fue el lanzamiento del último álbum oficial y queríamos enriquecerlo con algo importante, que la gente nos acompañe y ‘En Origen’ será entregado junto a la entrada por un par de pesos más en el Teatro a modo de lanzamiento, algo así como un doble beneficio para el fan.

Marcelo- Estuvimos mucho de gira a principio de año y eso demoró la salida del disco, esta vez es al revés: presentamos el disco y salimos de gira después del 12 de junio, nos subimos al micro y disfrutamos de todos los lugares donde se nos presenta la oportunidad.

J- Cada vez que vamos al interior el cariño de la gente nos encanta, hace mucho no tocamos en Capital pero lo haremos con las mismas ganas, a mi me enorgullece estar con estos compañeros y por lo general invitamos a muchos amigos y ex integrantes pero esta vez creo que nos quedaremos sólo los cinco sobre el escenario.

¿Se sienten un poco referentes de las bandas nuevas?

M- Te lo hacen sentir a través de los años, dicen: ‘Yo empecé a tocar escuchándolos’, más bién sería inspirarlos y eso te da más ganas de seguir, hay chicos de 15 o 16 que vienen a verte y son menores que esta banda que el año que viene cumple 20 años, eso que te hacen sentir es muy lindo.

‘En Origen’ viene con un Packaging de edición limitada y que no se consigue en Buenos Aires, se trata de una cajita de madera que sirve de material de colección y la excusa ‘Es darle la importancia que se merece al interior, que siempre nos banco’.

¿Que recuerdan del proceso de producción?

J- Lo primero que me viene a la cabeza es que es un disco muy ‘fresco’ lo terminamos de cerrar prácticamente en el estudio. Nosotros no vivimos de Jerikó y nuestros tiempos son diferentes y complicados, Marcelo venía a grabar a casa así que fue algo bién artesanal, yo tenía el bosquejo de la parte compositiva en mi cabeza, de las cosas que tiraba el polaco, las melodías que iba creando Iván, tenía la sensación de que iba a estar bueno y así lo fuimos disfrutando todos, fue espontáneo.

Germán- Rescató lo que se refleja en el álbum, uno vive su vida normal, trabaja todo el día con los mismos problemas que todos y tocar es como una explosión, con el disco fue más o menos lo mismo, eso que uno tiene adentro y va generando es como una batería que se va cargando, han pasado cuatro años del último disco y este salió muy agresivo, con ganas, es una mezcla de sensaciones muy importante, es una explosión en todo sentido: musical, espiritual, emocional, es como una carga que uno tenía adentro y explotó. Es muy lindo.

Sí el vivo es la catarsis total. ¿Todo lo que estaba cuidado en el álbum se deshace?

J- El momento de tocar es lo más importante, grabar y ensayar esta bueno, pero tocar es único, es una agradecimiento a la vida saber que estás haciendo algo que tal vez otros 10.500 quieren y no pueden, más allá de la responsabilidad de que hay gente que paga una entrada, tocar en vivo y girar es único.

¿Qué importancia le dan a los fans?

J- ‘En Origen’ está dedicado a los fans que tan bien nos hacen sentir, arriba del escenario nos prendemos fuego, lo valoramos y disfrutamos mucho, sin ellos nada sería igual.

M- Cuando reeditamos ‘En la sangre’ buscamos algo temático y se nos ocurrió con respecto al tatuaje, por medio de internet empezamos a pedir fotos a fans que sabíamos tenían tatuajes de la banda y luego lo usamos como el arte de disco, eso es algo muy fuerte que te posiciona en un lugar.

Iván- Te sentís muy honrado al ver a alguien que te lleva en la piel toda la vida. Uno trata de hacer las cosas con mucho amor y no sólo tocar para sí mismo sino también para los demás, es como dejar una semillita en el mundo.

¿Hay cierta comunión o hermandad entre ustedes?

J- Han pasado 20 años y ni te das cuenta, desde aquel demo de cuatro canciones anterior a los discos oficiales que armamos toda la noche y repartimos con Marcelo antes de tocar con Angra, allá por el ’97, no hay otra explicación más que realmente nos gusta lo que hacemos y que nos sentimos muy bien entre nosotros.

I-Hay muchas cosas que nos unen, como el chiste en el escenario, mirar para atrás y hacerle una cara a Manchi (Germán) o robarle la cerveza al bajista, nos divertimos mucho y compartirlo es muy lindo, son imágenes que no te olvidas más aunque los cambios han sido muchos, hoy estamos muy bien a nivel humano, eso fluye en las canciones y sobre todo en vivo.

¿Cuán difícil es vivir de la música?

J- Uno se va 3 o 4 días y deja su casa, su familia, su trabajo, hay un cachet que se cobra y te cubre un poco los días esos que estuviste afuera, pero no es algo que te permite decir: ‘Toco tres veces al mes y no hago otra cosa’ Lamentablemente no estamos en ese escalón. Las Risas interrumpen el relato de Javier que a la vez continúa- Sí algún día nos sucede, lo valoraremos y si no, seguiremos como estamos, contentos de todas formas.

Laberintos Metales… digo: Mentales!!!

El Estreno de ‘Esquizofrenia’ aparece en la pantalla del bar, el clip fue realizado por Alex Martin y Ana L. Amor (de Mota Films) y mezcla imágenes de la banda en vivo, algo de backstage y algunos recortes de la vida en las giras.

J- ‘Esquizofrenia’ fue el primer tema que salió pero con el proceso del disco descubrimos muchos otros que nos gustan, es un buen álbum y recién lo terminamos, a medida que lo escuchamos y lo vamos madurando, vemos que hay varios temas que podrían ser lanzamientos con videos. Este fue realizado por el bajista de Mastifal que es un amigo y vino con la propuesta de hacer el video, fue algo rápido pero quedó muy profesional y esta bueno que pasen estas cosas entre las bandas.

¿Hay compañerismo entre las bandas de este estilo?

J- El músico es un poco tonto a veces, hay mucha envidia, competencia tonta pero por suerte también hay gente muy copada y genuina, yo siempre me siento muy orgulloso del público al que tocamos, escuchan Heavy Metal, no se pelean, hacen pogo, me siento orgulloso de toda esta movida en general, me gusta este sentido de pertenencia, somos parte de esto, siempre lo fuimos y lo seremos.

M- Por eso le agradecemos al público que nos sigue de todas partes del país, nos pasó de viajar y aunque hubiesen 700 kilómetros del lugar donde tocábamos, subía gente que venía a verte hacer lo que vos amas, gente de ahora, antes y siempre.

J- También a los medios que se preocupan por las bandas nacionales.

G- En general a los que apoyan al Metal argentino porque cuesta mucho y se necesita apoyo, sí no todo se va al carajo, a los que vienen a los shows, a todas las bandas, a los medios como ustedes que se mueven y mantienen esto, ayudando a que siga vivo.

Jerikó dispone de su mayor esfuerzo humano y maquinaria para que llegue a sus oídos un género Heavy Metal del bueno y rendidor, combinando lo mejor de su repertorio creando así una marca envasada ‘En Origen’. Un producto que nunca se vence.

ROGER WATERS EN RIVER

En marzo de 2012, y en la cancha de River, Roger Waters volverá a presentarse en el país en dos fechas.

En marzo de 2012, Roger Waters volverá a tocar en el país, en la cancha de River; serán dos fechas, el miércoles 7 y el viernes 9. Se repetirá, entonces, la visita que el músico hiciera en 2007, tocando también dos días, en el mismo mes y en el mismo estadio.

Actualmente, el bajista de Pink Floyd se encuentra de gira por el mundo con su tour “The Wall”, en el que rememora todas las canciones del mítico disco de la banda. Ahora, en julio, se presentará en Francia, Italia y Grecia.

Las entradas se ponen a la venta a partir del 8 de agosto. Ampliaremos.

JIM MORRISON: A 40 AÑOS DE SU MUERTE

Un homenaje al mito a cuatro décadas de su oscuro final: personajes de nuestra cultura le rinden tributo leyendo "The End".

Dueño de una voz privilegiada y de un carisma imponente y provocador arriba del escenario, James Douglas Morrison Clarke era principalmente un virtuoso poeta con una mente brillante.

Apasionado por el romanticismo, la naturaleza y la poesía oscura, el líder de The Doors cautivaba ya sea con la simpleza de "Hello, I Love You" hasta con la melodramática y edípica "The End". En esta canción de casi doce minutos, que cierra el primer álbum del cuarteto californiano, nos detenemos y de aquí parte este tributo al músico que vio la muerte con apenas 27 años hace ya cuatro décadas, el 3 de julio de 1971.

El alma poeta de Morrison sobrevuela la ciudad de Buenos Aires, recorre una sala de ensayo de Flores, otra de Almagro, una radio del Centro, otra por Congreso y hasta la Librería Lavalle del Abasto. Media docena de profesionales de las letras, la música y la poesía invocan al Rey Lagarto con la lectura de una de sus canciones más emblemáticas y controversiales: "The End".

"YO VIVO EN UNA CIUDAD" VERSIÓN 678

Miguel Cantilo se presentó en el programa de la TV Pública y modificó su clásico para darle duro al gobierno de la Ciudad de Buenos Aires

Revista RS

Yo vivo en una ciudad

Donde el peatón es la pobre gallina

Que va espantada cruzando la esquina

Con el semáforo a favor

Así cambió Miguel Cantilo la introducción de su clásico del rock nacional, "Yo vivo en una ciudad" durante su presentación en 678 en el programa emitido anoche. En clara alusión a la gestión de Mauricio Macri en el gobierno de la Ciudad de Buenos Aires, modificó la totalidad de la letra para que quede en claro su opinión sobre la situación actual de la Capital ("Donde los baches parecen ser trampas", "Donde las calles son tierra de nadie", por ejemplo) terminando con un imperioso "Es urgente cambiar todo esto, por nuestros hijos, por nuestros nietos, por la ciudad".

A pesar de que se utiliza otro de los temas de Cantilo para el cierre ("A donde quiera que voy"), el músico, al presentarse en vivo en el estudio, se sumó a la serie de artistas nacionales e internacionales (desde Cristian Aldana hasta René de Calle 13) que pasaron por el programa para ubicarse en la línea de ese panel de análisis de medios orgullosamente oficialista.

SANTAOLALLA PRESENTA DESTINO ROCK

Junto a un jurado compuesto por prestigiosos periodistas especializados, Gustavo Santaolalla presenta el primer campeonato nacional de bandas.

"Una de las posibilidades de hacer un concurso de este tipo asociado a YPF es poder llegar a todos los rincones del país", se entusiasma Gustavo Santaolalla. Es que el prestigioso músico y productor acaba de lanzar YPF Destino Rock, el primer campeonato nacional de bandas donde preside un jurado integrado por prestigiosos periodistas especializados: Alfredo Rosso, Marcelo Fernández Bitar y Claudio Kleiman, el crédito de Rolling Stone.

"A título personal, a mi me sigue encantando, excitando y motivando escuchar nuevas propuestas musicales. Es lo que me mantiene vivo. Hay una parte de satisfacción personal y de curiosidad. De hecho, la curiosidad es algo que me ha empujado siempre. De hecho, muchas veces cuando hablamos con León sobre De Ushuaia a la Quiaca, decimos que gran parte de ese viaje tenía que ver con la curiosidad. Y ahora, por ejemplo, me encantaría saber qué música están haciendo en Neuquén", explica Santaolalla.

RINGO STARR LLEGA A LA ARGENTINA

El legendario baterista de los Beatles se presentará en noviembre en nuestro país.

Por Redacción VOS

Es una de las noticias del año para cualquier fanático beatle: Ringo Starr se presentará por primera vez en Argentina. Su show será el 7 de noviembre en el estadio Luna Park.

Ringo actuará junto a su grupo All Starr Band en el marco de la presentación de su último disco, Y Not. Aunque, por supuesto, se descuenta que también interpretará varios clásicos de su carrera, tanto solista como con los Fab Four.

De acuerdo a lo informado por la productora encargada del recital, los tickets se pondrán a la venta a partir del 4 de julio para clientes del Banco Francés, y el 11 del mismo mes para el público en general. Se podrán adquirir en Ticket Portal.

Esta noticia se suma al rumor de un posible show de Paul McCartney en Córdoba en noviembre de este año, más específicamente el Estadio Mario Kempes.

POL CASTILLO

Por Pablo Leites – Suplemento VOS

A  Alberto Pol Castillo, tocar como primera banda finalista del ciclo Vivo en VOS en el recién inaugurado The Roxy Córdoba (Rafael Núñez 3930) no lo toma por sorpresa, aunque no esperaba quedarse con casi el 65 por ciento de los votos que se repartieron las cuatro bandas que participaron en abril.

“Eso sí, nos agarró desprevenidos. Y es lo bueno de estar tantos años tocando y cultivando un público fiel como pocos. Y será una experiencia totalmente nueva para nosotros y para ellos: los seguidores del blues y del rock no son de ir para el lado del Cerro”, bromea un poco en serio el músico que no lleva su nombre como homenaje tanguero sino como herencia paterna. ¿Y el Pol de donde sale? “De un McCartney a la cordobesa. Yo era fan de los Beatles y un enfermo de la guitarra. Me comía todas las gastadas del barrio cuando en lugar de ir a jugar al fútbol o a bailar me quedaba en casa sacando temas”.

Haber abrazado el blues fue consecuencia lógica de la avalancha de discos importados que llegaron en la década de 1990, de los shows internacionales que se llegaban, y de haber escuchado un programa de radio en el momento justo.

“Un día de 1991 me escapé de la escuela para tocar la guitarra en casa. Llegué y prendí la radio, y en El Abordaje (el histórico ciclo de Marcelo Gómez, hoy mánager de Pol Castillo) sonaban cosas bastante más raras que los Beatles. Había blues, había Zeppelin y había Hendrix. Llegué así, de casualidad”, recuerda Castillo.

Haber nacido a siglos de la esclavitud en Estados Unidos y a unos cuantos miles de kilómetros de los campos de algodón no importó demasiado, sobre todo porque desde entonces, Pol Castillo se ocupó de imprimirle al blues un color latino y local alejado de la ortodoxia blusera. “Todas las bandas de blues de acá escuchamos los mismos discos, venimos de la misma escuela. Hay enormes músicos como Carlos Carranza, que hacen blues acústico y tradicional, además del eléctrico o el de Chicago de la década de 1940. Si no tenés un oído preparado, te descoloca. El resto siempre nos anotamos en el latin blues, o el latin rock, no nacimos en el Mississippi y nuestro sello es la afinidad con la música latinoamericana. No reniego de ser cordobés hasta la médula.

Lo que seguramente se verá en The Roxy es la esencia de Pol Castillo: una banda de blues heterogénea, que prioriza al público por sobre el lucimiento individual, al punto de carecer de los extensos solos que suelen adornar al género. “Queremos demostrar que somos más que cuatro tipos en el escenario. Queremos encenderlo cada vez que tocamos”, promete Pol.

LUIS ALBERTO SPINETTA, EN REPOSO

El "Flaco" se bajó del festival del Salamanca Rock en Santiago del Estero por un problema en su hombro izquierdo.

Por Agencia Télam

Luis Alberto Spinetta canceló su participación en el Festival Salamanca Rock, que tendrá lugar entre el 9 y el 10 de julio en Santiago del Estero, por un problema de salud que afecta su hombro izquierdo.

"Spinetta se ve imposibilitado de participar en Salamanca Rock 2011 por una fuerte dolencia en su hombro izquierdo por la que fue operado en los últimos meses en dos oportunidades", detalló la organización del evento a través de un comunicado.

"Por eso -continúa el texto- el músico deberá guardar 30 días de reposo obligado y suspende todas sus actuaciones programadas".

Luis Alberto Spinetta iba a presentarse el próximo domingo 10 de julio en el Club Sarmiento (25 de Mayo y Libertador, Santiago del Estero) y su lugar será ocupado por Gustavo Cordera, que tocará junto a Peteco Carabajal, el Cuarteto de Nos, Los Auténticos Decadentes y Ciro y Los Persas.

Para la fecha del sábado 9 se espera la presencia de Fito Páez, Los Cafres, Raly Barrionuevo, Babasónicos y Las Pelotas.

DIVIDIDOS VUELVE A CÓRDOBA

La banda tocará en setiembre en el festival "Zona Rock", en el Espacio Quality. También tocará La Vela Puerca y hay posibilidades de que regrese Ciro y Los Persas.

Por Redacción VOS

Tocaron hace unos meses en Córdoba, y regresan en setiembre. Divididos tocará en el marco del festival Zona Rock, que celebra y reúne bandas del rock nacional y charrúa.

El festival será en el Espacio Quality (Av. Cruz Roja Argentina 200) y tendrá los siguientes grupos: el jueves 1º de setiembre se presentarán Divididos, El Bordo y Salta la Banca, y el viernes 2 lo harán La Vela Puerca, Las Manos de Filippi y Brancaleone.

De acuerdo a datos del mismo Quality, se definirá en breve si Ciro y los Persas también será de la partida.

El grupo de Andrés Ciro Martínez ya está programado en la parada porteña del festival, que será en el Estadio Malvinas Argentinas del 26 al 28 de agosto y tendrá también a Nonpalidece, Onda Vaga y otras bandas.

La tercera estación del festival será en Mendoza, el 3 y 4 de setiembre.

Para el show en Córdoba, las entradas se venderán en disquerías Edén y Locuras (9 de julio 451).

CELESTE CARBALLO: ES LA HORA DE CAMBIAR EN SERIO

Celeste Carballo editó "Mujer de piedra", disco de canciones de fogón que acompaña una decidida actitud ecologista.

Por Germán Arrascaeta – Suplemento VOS

Celeste Carballo tiene un espacio muy bien ganado en el Olimpo de las cantautoras del rock argentino. Se lo generó con voz única e imagen potente. Así fue cuando surgió como nuestra Janis Joplin y también cuando desafió ese estándar folk tirándose hacia la new wave . El tiempo la consagró como una referencia insoslayable del blues canción que, sin embargo, se permitió experimentar con el tango.

En todos los casos, los movimientos fueron acompañados por una actitud desafiante. Actitud desafiante que hoy se vuelve más notoria. Sucede que al tiempo que compuso y publicó su más reciente disco, Mujer de piedra, Celeste se rapó y empezó a vestirse con prendas de polietileno, con la idea de que sean descartables tras su uso.

Se trata de un disco de “canciones de fogón electrificadas” sobre una ineludible necesidad de cambio que ella acompaña con una puesta en escena de sí misma. “Siempre he sido consecuente con lo que expreso. Concedo que ahora se ve más. Es perceptible por la indumentaria de nylon”, dice Celeste desde su hogar en la provincia de Buenos Aires.

Y precisa por qué se viste como se viste: “Hay que demostrarle a los demás que necesitamos cambios; en la indumentaria, se necesitan diseños impermeables y sin costuras. Ropa de un solo uso, que no necesite lavado ni le permita a los gérmenes entrar a nuestro sistema endocrino”.

“Hay que protegerse y ahorrar agua –ordena–. Entonces, si todavía no hay una indumentaria descartable, me la hago yo. En este punto sigo los lineamientos de mi viejo, Don Vicente, que se amparaba en el libro Las 100 industrias caseras . Es decir que elijo hacer yo lo que necesito y el afuera no me brinda. Y lo hago a mi modo porque los cambios se necesitan en serio. Y ya, de inmediato”.

Entrando al ítem estrictamente musical, Celeste cuenta que Mujer de piedra está potenciado por la docena de discos que hizo antes, desde Me vuelvo cada día más loca a Chocolate inglés, pasando por En vivo en El Roxy y Celeste acústica. “Grabar discos es una parte importante de nuestra profesión. No soy sólo cantante. Además de ser autora, soy directora del grupo, instrumentista, arregladora y ahora productora. Grabar es una maestría en sí misma y Mujer de piedra es mi tesis de graduación”, asegura sobre la obra que en la que participa las bajistas Brenda Martin (cordobesa de Eruca Sativa) y Paz Lenchantin.

Lenchantin es una prestigiosa instrumentista argentina radicada en Los Ángeles que supo tocar con A Perfect Circle y Zwan. En el disco le pone voz al inconsciente en el teme de cierre, Philosophical stone ¿Cómo habrá dado con ella Celeste? “Viajé mucho tiempo en 2002, 2003 a Los Ángeles; llegué a ella por gente en común e hicimos una amistad. Cuando Paz vino al país, estuvo en casa. Yo ya había grabado las bases de Philosophical stone y le propuse que su voz sea la de la conciencia cósmica. La que le dicta a la cantante (yo) que tenga la fuerza suficiente para convertirse en su propia piedra filosofal, que transforme en amor todo lo que viva”, contesta.

Celeste describe a su nueva criatura como un disco de canciones de fogón que están buenísimas para cantarlas. “No haría otra cosa rebuscada –revela–. Después observo que hay grandes músicos y un concepto potente: la mujer de piedra es la tierra, nuestra casa. La mujer de piedra, la viajera, la que anda dando vueltas por el cosmos en la búsqueda de sí misma. O en la de un ser humano que la sepa disfrutar. Alrededor de esa canción se han atado las demás”.

Entre las demás, destaca a Otra oportunidad, que menciona a las mujeres que delinearon su crecimiento político; a Cruz del sur, que escribió a sus 17 y alude a un punto de ubicación en nuestro mapa cósmico. También exalta a Quema tóxica, sobre algo que sufren los que viven en la periferia de las grandes urbes en las que se queman residuos plásticos, generando una nube tóxica que se mantiene 24 horas. “Partes de esa nube entran por todos lados, comprometiendo la salud de las personas con bajas defensas. Eso es lo que vivo cotidianamente. No lo encontré en el diario, o en el Google”, redondea.

–Antes era fácil catalogarte. ¿Y hoy? ¿Acaso entrás en la categoría “rara avis”?

–No, soy un artista muy popular. Pone en Google mi nombre y verás. O en YouTube. Y leé los comentarios. Ahí está lo que piensa la gente de mí, que es más importante de lo que yo mismo pienso. Cantar es una faceta más de mi personalidad expresiva. Sólo se convirtió en la más descollante.

–Planteaba si te sentías otra cosa en relación al estado de la música popular.

–La música está rara como apagada. ¿Qué puedo decir? Soy una tipa creativa. Y mi nombre artístico es Mujer de piedra. Un discazo que viene con cancionero para que los sepan guitarra o piano puedan cantar los temas de una. Dan ganas de hacerlo.

MIRADAS OPUESTAS AL PATO FONTANET

¿Está bien que Patricio fontanet siga actuando tras la sentencia de la justicia que lo condena? Dos opiniones. Pato Fontanet se presentó en Córdoba este fin de semana con su banda Casi Justicia Social.

Por Redacción VOS

Respetar su derecho a la expresión

Por Germán Arrascaeta

Puede resultar antipático y aborrecible ver cómo Patricio Santos Fontanet arma una gira nacional con su nuevo grupo de nombre controversial. Pero por cínico que aparezca ante nuestra consideración, el vocalista cuenta con el aval del derecho a la expresión, el que mantendrá aun cuando quede firme la sentencia a cinco años de cárcel que se le impuso en el juicio de la causa Cromañón.

Porque si a “Pato” se le ocurre seguir con su actividad musical aun recluido, puede hacerlo. Claro que con los límites que supone estar preso. No podrá tocar afuera, pero sí en el penal que se le asigne. Incluso, Fontanet cuenta con la posibilidad de engrosar su cancionero tras las rejas; es decir, su actividad editorial no está jaqueada ni mucho menos; al contrario, goza de garantías constitucionales para desarrollarla.

Es así, en algunos casos: el derecho está por encima de cuestiones morales o emocionalmente correctas.

Así las cosas, no queda más que tolerar que Casi Justicia Social surque las rutas argentinas hasta el fin como si fuera un grupo vigente.

De todos modos, es oportuno señalar que el seguimiento que algunas madres y padres de Cromañón hacen de este artista es más responsable que intolerante. Por ejemplo, Mirta Miralles se toma el trabajo de relevar en qué lugares tocará Fontanet, en qué condiciones lo hará, bajo qué paraguas legal en materia de habilitaciones. Su actitud, por más que muchos quieran reducirla al revanchismo, termina siendo solidaria con los intereses de los fans de Fontanet.

Lo que pasó en Córdoba es el mejor ejemplo: si no fuera por la movida de esta mujer, que obligó a un cambio de sala, ante el menor problema quedaban expuestos funcionarios, propietarios del espacio y, una vez más, el mismo Fontanet.

Actos y actitudes

Por Carlos Schilling

Antes que nada, hay que decir que Patricio Fontanet tiene todo el derecho del mundo a seguir tocando en vivo. Es su sustento económico y su forma de expresión. Aun cuando la Justicia haya dictaminado que tiene un grado equis de responsabilidad en la tragedia de Cromañón, eso no implica que haya que cerrarle por decreto o sin decreto las puertas de los escenarios del país.

Por supuesto, también tiene derecho a pensar lo que quiere y decirlo como quiere. Un derecho que comparte con quienes no piensan como él, sean estos periodistas, abogados o padres de las víctimas del incendio del boliche de Once. Lo que debe discutirse no son los derechos del ex líder de Callejeros, sino precisamente sus ideas. Y algo que está entre las ideas y la realidad: la actitud.

Fontanet, quien también perdió a seres queridos en la tragedia, se ha comportado con una rudeza y un orgullo que no parecen dignos de las personas que murieron por verlo cantar. El razonamiento es simple: como no vivimos en un mundo de intenciones sino de hechos, la ética se revela en los gestos. Son los actos los que nos hacen más o menos humanos. Y entre los actos, no vienen mal los buenos modales. Nadie le exige a Fontanet un eterno mea culpa, sólo un poco de humildad y preocupación.

Su nueva banda (cuyo nombre, Casi Justicia Social, suena como un desafío adolescente) estuvo a punto de actuar en un local con habilitación transitoria. Por fortuna, los dos conciertos se trasladaron a otra sala.

No obstante, uno no puede dejar de preguntarse qué hubiera sucedido si una madre de Cromañón no se ocupaba de contactarse con los funcionarios de Espectáculos Públicos de la Municipalidad de Córdoba y alertaba a la comunidad sobre el peligro inminente del show.

MIMI MAURA: SIRENA FABULOSA

Mimi Acevedo, la cara y la voz de Mimi Maura, habla del último disco y cuenta por qué regresó a Puerto Rico. Este viernes toca en Córdoba tras una larga ausencia.

Por Andrés Fundunklian Redacción VOS

La vida de Mimi (Midnerely, en su documento) Acevedo es de película. Hija de una leyenda de la música puertorriqueña, arrancó estudiando artes plásticas y, luego de unos años, encaró su primer proyecto musical con Alarma, una banda de chicas con un sonido casi metalero y mucha actitud sobre el escenario, según cuentan las crónicas. Después, lo más conocido: a mediados de la década de 1990 se encontró en una gira de Los Fabulosos Cadillacs con Sergio Rotman, por ese entonces saxofonista de la banda, y flashearon, fue un amor musical. Se establecieron en Buenos Aires y comenzaron una aventura llamada Mimi Maura que ya tiene siete discos, un hijo, cientos de shows y casi 15 años.

Pero la historia no termina allí: hace casi dos de esos 15 años y a pesar del creciente éxito del grupo, decidieron mudarse a Puerto Rico. Inevitable pregunta: ¿por qué? “Siempre tuvimos el sueño de vivir en ambos lugares, y bueno, lo estamos cumpliendo”, explica Mimi del otro lado del teléfono en una agitada siesta porteña. “Ahora estamos en la Argentina por un tiempo; venimos dos veces al año para tocar y reencontrarnos con amigos. Para mí fue y es bien rico estar de vuelta en la isla, fue una larga ausencia. Poder disfrutar de mi familia y que nuestro hijo Leroy esté con ellos, es único. Además, amo la naturaleza y estar cerca de la playa, esa fue una de las razones por las que nos fuimos, es una gran fuente de energía”, cuenta la cantante.

Música solar

Días de sol se llama el reciente disco de Mimi Maura, en lo que se presume un honor a su tierra, ya que gran parte de él fue grabado en la isla. Aunque suene contradictorio, no lo es: Mimi Maura es el grupo, pero al mismo tiempo ya es el seudónimo de la cantante. Si hasta se los llegó a llamar Mimi Maura y los mimimauras… todo un dato. “Podríamos haber puesto sesionistas, aunque ya nunca fue esa la idea, el espíritu de la banda es otro”, cuenta la protagonista de la historia.

El proceso del disco refleja claramente el momento particular de la familia, porque se gestó en ambos países y en medio del regreso de Los Fabulosos Cadillacs. Mimi: “Fue largo e interesante. En realidad empezamos en 2008, pero luego vino el parate, porque Sergio y varios del grupo (el baterista Fernando Ricciardi y el trompetista Dani Lozano) se metieron con la gira de los Cadillacs, que incluso pasó por Córdoba (fue en el Mario Kempes) y de la que yo participé también. Valió la pena, me tocó reemplazar a Celia Cruz en Vasos vacíos, todo un desafío. Después sí terminamos de grabar en Buenos Aires y encaramos la parte en Puerto Rico con amigos”.

–¿Cómo fue esa experiencia de volver a grabar en tu país, rodeada de tu gente?

–Muy rica y especial. Sin duda las canciones tienen mucho de la isla. En cinco temas participan los amigos de Cultura Profética, otra canción con dos de los músicos de Calle 13 (Ismael Cancel y Andrés Ruiz) y gente del ambiente del reggae en general, por lo que todo el disco se fue impregnando de ese espíritu. Nos encanta invitar a amigos músicos a las grabaciones. Playa, reggae, ¿qué más se puede pedir? Además, fuimos a mezclarlo a Jamaica con Steven Stanley (Talking Heads, Black Uhuru y Rey Azúcar de LFC, entre tantos otros). ¿El resultado? Una gran enseñanza, quedamos felices.

–Es el disco más “reggaero” de todos, en un momento de gran crecimiento del género. ¿Cómo lo ves?

–Es el estilo de música que nos unió como pareja, ahí tenés una clave. Siempre hicimos más rocksteady (el ritmo que se ubica a mitad de camino entre el reggae y el ska) en la historia de Mimi Maura. Ahora, un poco por ese espíritu que contaba, fue casi una necesidad. Con el crecimiento del género, también se animaron muchas chicas a cantar.

–En la Argentina no hay muchas cantantes de reggae y afines. ¿Te sentís un referente?

–Está cambiando. Sabemos que en Jamaica hay muchas, acá tal vez falta que las chicas comiencen a atreverse más, a tomar riesgos. Algunas van apareciendo. Igual, no me gusta mucho diferenciar por el sexo, yo tuve grupo de chicas, de chicos… Lo más importante es la onda con la gente con la que uno toca. Hay que sacarse ese prejuicio. A mí me gustan mucho los grupos en los que hay hombres y mujeres juntos. La unión de ambos géneros logra mucha sensibilidad.

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La última vez que Mimi Maura se presentó en Córdoba fue hace ¡seis años!, sin dudas un tiempo llamativamente extenso. “Hace un montón de tiempo que no vamos, ya ni me acuerdo cuándo fue la última, ¿Casa Babylon?”, pregunta Mimi. En realidad fue en la Sala de las Américas. Incluso al año siguiente estaba anunciado un nuevo show ahí, pero se suspendió por la visita de Fidel Castro (julio de 2006). “¿En serio? Qué honor”, acota entre risas. Lo cierto es que este viernes será el gran reencuentro con el público cordobés. “Vamos a tocar las canciones nuevas, aunque es con la Fiesta Clandestina y también va a haber muchos clásicos. Será bien bailable, para que todo el mundo la pase bien. Esperemos volver para fin de año y tocar de nuevo, quedarnos más tiempo y hacernos una escapadita a las sierras”, cierra ilusionada.

“Me encanta volver a rockear”

–Además de Mimi Maura, se sabe que estás ocupada con otros proyectos musicales…

–Siempre estamos haciendo cosas nuevas, con Sergio pensamos y vivimos a base de la música, es nuestra manera de comunicarnos con el mundo. Estoy grabando unas canciones en plan acústico con mi hermano mayor, que es guitarrista, canciones de nuestro padre. La idea es sacar un disco con eso. Es un proceso muy emotivo. Y, por otro lado, Sergio armó otra banda, Siempreterno, y me invitó a participar. Yo, encantada. ¿Continuación de Cienfuegos? Sí, puede ser. Sergio siguió escribiendo canciones después de la separación de Cienfuegos que no iban para Mimi Maura. Se juntó con Ariel Minimal (Pez y también ex Cadillacs) y salieron unos temazos. Para mí fue alucinante volver a cantar en una banda así. Yo empecé con una banda bien rockera, así que imaginate. Me encanta volver a rockear en el escenario.

ENCUENTRO CUMBRE

GUSTAVO ROWEK, EX V8 Y RATA BLANCA – ANTONIO ROMANO, EL TANO EX HERMETICA Y MALON

Cómo es eso de volver a hacer viejas canciones cuando el tiempo pasó y quedan décadas de fuego algo perimidas detrás de las camperas negras. Hay algo clave: la gente les pide “que se vuelvan a juntar” o les reclaman que hagan esas viejas canciones que todos quieren escuchar. Bueno... ahí los tienen. El homenaje a V8.

Por Juan Ignacio Provéndola – Suplemento NO Pagina/12

Dicen que la nostalgia define a todo tanguero que se precie, como si los sentimientos fuesen patrimonio de ghettos o estereotipos. Lejos de sus leyendas de cuchilleros, amores desencantados y chambergos erectos (aunque, al mismo tiempo, tan caro a su espíritu arrabalero), la vieja guardia del metal argentino transita inéditas horas de recuerdos, que también son de melancolías. Sobre tiempos en los que este asunto comenzaba a escribir su historia o la convertía en el relato de multitudes, como bien motivaron V8, Rata Blanca y Hermética. Esa sería la mejor forma de resumirlo todo: a la primera le correspondió dejar por siempre el legado de tres discos en donde se relatan los comienzos de todo, mientras que las dos siguientes (cada cual en su juego) levantaron stándares de convocatorias, discos vendidos y fervores populares.

A la altura de esos caminos se encontraron Gustavo Rowek (baterista histórico de V8 y cofundador de Rata Blanca junto a Walter Giardino) y Antonio Romano, a secas “el Tano de Hermética y Malón”, simplemente porque basta con escuchar su guitarra para advertir que se trata de una y otra banda. Lejos del estruendo de aquellos pesos pesados del jevi doméstico, ambos seguíanen carrara tras “haber gozado repercusiones y pacedido indiferencias” (Rowek dixit). Gustavo, por caso, más de una década al frente de Nativo, proyecto al que apostó casi todo su empeño musical desde la primera separación de Rata Blanca, en 1998, grupo al que no quiso reintegrarse en la vuelta del 2000. Romano, en cambio, con Razones Concientes, formado tras la disolución del último Malón y que se mantenía en operaciones (aunque con varios cambios de músicos) desde 2003. Si bien ambos gozaban de inmejorables libertades artísticas para desarrollar sus obras hacia donde carajo lo desearan, también es cierto que se vivían repercusiones más modestas, en gran medida porque la escena local jamás demostró estar interesada en bendecir libremente con su popularidad a grandes cantidades de bandas.

No resulta fácil en el metal argentino ser la viuda de, y el único que no lo padece resulta ser Ricardo Iorio, quien en Almafuerte pudo seguir proyectándose más allá de V8 y Hermética. Gustavo y el Tano buscan sortear las desavenencias de “ser un ex” a través del camino del autotributo, un terreno poco transitado por estos lares pese a que (sin ir más lejos, el año pasado) desde Dave Mustaine –en Megadeth– hasta Axl Rose –con los Guns– llenaron estadios en nombre de proyectos que les pertenecían aunque ya sin contar con los adláteres de antaño.

El primero que asomó la nariz fue el Tano Romano. “Cada vez que hacíamos un cover con Razones Conscientes, veía cómo disfrutaba la gente. Ya sean los veteranos que fueron a shows de Hermética, como los pibes que jamás lo vieron en vivo. Todos se ponían locos y era una fiesta –dice–. En un principio, pensábamos grabar un disco tributo, al estilo de varias bandas de afuera como Dream Theater, y sucedió que también cumplían veinte años de Acido argentino, el álbum que le dio a Hermética el empujón para ser lo que terminó siendo.” En marzo del año pasado, Romano vivió una noche de gloria ante un Teatro de Flores repleto de gente que vivaba todos y cada uno de los himnos que él había compuesto y/o grabado no solo con Hermética, sino también con Malón y Visceral. El motivo: sus veinticinco años en la música, desde los tiempos seminales de Cerbero.

Tamaña respuesta inicial devino en un CD-DVD de la cita, shows por todo el país, el consabido aniversario de Acido Argentino (en abril pasado), y un repaso a los dos discos de estudio de Malón para el 8 y 29 de octubre próximos. En todo momento, junto al bajista Eddie Walker, al baterista Pablo Hentsch y al cantante Juan Soto (es decir, la última formación de Razones Concientes), más invitados ocasionales entre los que se encuentra Randy Romano, hijo del Tano. “Tiene 18 años y hace su movida con su propia banda, Sentencia. Toca la batería como invitado y también está como asistente. Es una posibilidad de que adquiera su propia experiencia para que no se golpee ni se equivoque tanto como lo hicimos nosotros en nuestros comienzos”, afirma el Romano senior.

La segunda vuelta en Capital de Tano, sólo fue el 9 de octubre del año pasado, siempre en el Teatro de Flores. Ahí, Gustavo Rowek sí pudo responder la invitación que no había podido devolver en la primera cita, haciendo Memoria de siglos junto a Mario Ian. “Me encontré con un recibimiento increíble y entendí que mi lugar estaba intacto. Con Nativo había abierto un poco el juego con la música por mis necesidades artísticas de tener que escuchar otras cosas para componer, producir, hacer un estudio de grabación y dar clínicas de baterías, motivos que la vez había influido en mi distanciamiento de Rata”, cuenta, profundizando también en sus actividades paralelas: “Doy clínicas de batería por todo el país, solo o con Araujo y Sergio Masciotra, y también me gusta la docencia. Y trabajo como productor artístico o drum doctor en un arco que va desde Don Vilanova, hasta Natas o Joaquín Levinton”.

Casi en simultáneo, el baterista recibió la propuesta de homenajear a V8 con una formación ad-hoc. “La idea era rendir un tributo con un músico original, que soy yo, y tres tipos representativos de la escena que se banquen el puesto que la historia ameritaba”. La alineación se completó con Walter Meza y el Topo Yáñez de Horcas, más el propio Tano Romano, con quién jamás había compartido escena a excepción de un puñadito de temas en un viejo homenaje en vivo a Black Sabbath organizado por el baterista Pato Strunz (también ex Hermética y Malón) en 2001. Solo se trató de juntarse a ensayar antes de ver cómo, el 13 de marzo pasado, el Teatro de Flores volvía a reventarse con una horda dispuesta a hacer una relectura del himno Brigadas metálicas, solo que 28 años después. A consecuencia de eso, la réplica por el interior del país, el DVD en vivo de ocasión y un compromiso en vista para el 23 de julio próximo en el Auditorio Oeste de Haedo.

Así como al Tano Romano la idea del autotributo lo había encontrado craneando cosas en este sentido, Gustavo Rowek también estaba meloneando con la intención de volver a las raíces del pasado: “En la última etapa de Nativo ya venía con ganas de hacer cosas que tuvieran que ver con esa época. Entre nosotros había diferentes direcciones, entonces decidimos hacer una pausa, con todo el amor y el respeto del mundo que nos tenemos entre nosotros. Lo del tributo a V8 aceleró los tiempos”.

Lo que precipitó aquello fue “Rowek”, el nombre de esta nueva versión artística que se estrenará en vivo el 15 de julio en el HardRock Festival del Teatro de Colegiales (la presentación oficial será el 24 de septiembre en The Roxy Live). Aunque la cuestión lleva su propio apellido, aclara que “no se trata de un proyecto solista, ni un grupo”. El combo se completa con Sergio Berdichevsky, “un hermano” que lo acompaña ininterrumpidamente desde Rata Blanca, Ezequiel Palleiro (el último bajista de Nativo) y dos talentos que tomó de las bandas que produjo: el cantante Nicolás Vicente y el guitarrista Guillermo Piazza. “La propuesta es hacer material de toda mi carrera, no solo de V8 sino también de Rata, pero no sólo me enfoco en lo que fue, sino en lo que será: voy a mostrar canciones nuevas, algunas de ellas marginadas de Nativo porque no iba con su evolución musical”, anticipa.

–En Nativo solías hacer temas de V8 pero ninguno de Rata. ¿Qué te inspira a recuperar ese pasado?

Gustavo Rowek: –Es una banda que fundé y armé con el corazón, junto a Walter Giardino, y que aún hoy sigo amando a pesar a todo. Soy autor de muchas canciones y fui importante en los 12 años que estuve. Rata empezó siendo un proyecto de dos, pero cuando se convirtió en un éxito pasó a ser el de uno solo, sin lugar a opiniones ni disensos. Eso me quemó la cabeza y me terminé yendo con mi música a otra parte. Walter me llamó cuando se volvieron a juntar, lo cual era lógico porque ambos habíamos sido sus fundadores. En ese entonces, yo estaba con el segundo disco de Nativo, llevando mucha gente, y no me hubiese perdonado jamás dejarlo a medio camino, porque sabía que Rata me iba a chupar por completo. Pero pasó el tiempo y veo que surge otra historia de la banda, en la que parece que yo estuve de casualidad. Yo tuve una historia muy grande con la Rata,e hice un montón de temas que me encantarían volver a hacerlos. Hablo de El libro oculto, Entre el cielo y el infierno e, incluso, de Rata VII, discos que parece que jamás existieron. Entonces, ya que cuentan una historia que no es, yo quiero contar la mía.

–¿Usar sus nombres propios en estos proyectos es una garantía?

Tano Romano: –Si salís con una banda, es diferente, porque se supone que uno tiene que mostrar algo nuevo, o dedicarse a lo que hizo específicamente con ese grupo. Si yo me presento con mi propio nombre, en cambio, siento que las canciones tienen más cabida, que las puedo tocar sin ningún problema porque, en definitiva, son mías. Con Razones o con Nativo nunca hubiésemos podido llenar un teatro como lo hacemos con estos nuevos proyectos, aunque también es cierto que esto lo bancamos nosotros mismos, No es que viene un productor y nos compra los shows. Vamos a riesgo, aunque sabemos que la gente viene y explota.

–¿Les gustaría volver a hacer esas canciones con las bandas que las grabaron?

Rowek: –En 1996, cuando hicimos la vuelta de V8 (N: sin Iorio), acepté la propuesta porque era buenísima. Yo estaba girando con Rata Blanca por todo el país y no tenía necesidad de hacerlo, pero me gustó mucho la idea y le di para adelante. Con Rata no sé, tendrían que darse muchos factores, pero nunca digo nunca.

Romano: –Yo valoro mucho a la gente, y a eso me ayudó mucho un viaje que hicimos a México con Malón. Veníamos de tocar en Cemento para dos mil personas que cantaban todas nuestras canciones, y de repente nos encontramos con un público que nos era totalmente indiferente. Ahí me di cuenta que había perdido el valor del aguante de la gente. Pibes que te dicen que empezaron a tocar la guitarra porque te escucharon a vos, que les cambiaste la vida, o mismo cuando los ves con una remera de tu banda. Estaría dispuesto a dejar de lado algunas cosas que no me gustan de mis ex compañeros yme la bancaría para darle a estos pibes la felicidad que se merecen, porque gracias a ellos nosotros también fuimos muy felices pudiendo hacer a gran escala lo que amamos.

–¿Por qué creen que la gente se vuelve loca con esas canciones tan viejas –incluso, sin haberlas escuchado en vivo– pero ignora cosas actuales o nuevas propuestas?

Rowek: –Estas bandas fueron pioneras en lo suyo. Además, lo que tuvieron de particular fue su contexto sociocultural. Salieron en un momento muy fuerte de la historia y no se trataba solo de una afinidad musical. Una dictadura que se caía a pedazos, los desaparecidos, una gran necesidad de gritar fuerte. Se dio una comunión muy fuerte con la banda, una especie de gesta épica que luego pasó de padres a hijos, de tíos a sobrinos, de hermanos mayores a menores. Hoy, eso es muy difícil que suceda porque la música es un negocio. ¿Cuánto tardaron desde el primer grito de rebeldía del rock en ver el negocio? ¡Días! Antes, uno tenía una necesidad muy grande de buscar, pero hoy viene una compañía y te impone a sus artistas a través de toda su maquinaria. Tenés diez mil temas en el Ares que no sabés de quiénes son, rompen con el concepto de banda, de discos, de mística. Siempre hay algo por lo que luchar, pero, desgraciadamente, hoy un pibe necesita mucha movilización de lo externo para activar. ¡Les quieren hacer creer a los pibes que lo más movilizador es pasar de una Play 3 a una Wii!

–¿No temen ser cuestionados por vivir del pasado?

Tano: –Si salgo a hacer algo, es porque lo pensé y me decidí. Nunca esperé una propuesta para hacerlo. Seguramente, si al primer show iban 200 personas, lo hubiese dejado ahí, aunque no dudo que esas 200 hubiesen estado felices de escuchar esas canciones. Me di cuenta que se generaron un montón de cosas en mucha gente y decidí seguir con la idea en distintos shows y en distintos lugares. Tampoco entendería un reproche por esto: nosotros siempre hicimos cosas nuevas y siempre le dimos para adelante. Aunque yo pude hacerlo en algún momento y estuvo buenísimo, no hacemos estas cosas para vivir de la música. Lo hacemos porque nos generan sensaciones que no se dan con ninguna otra cosa de la vida. ¿Sabés lo que tuvimos que dejar para seguir con esto? No es fácil, loco. Estar arriba de un escenario, todos de acuerdo, ensayar, estar a punto para tocar, dar lo mejor, eso tiene que ser recontravalorado, porque no es fácil.

Rowek: –Hay una buena puesta en escena, excelentes músicos, lo que hago es honesto y la propuesta es digna. Acepté hacer esto porque fue eso lo que pasó, y cuando digo que sí, se acaban los cuestionamientos de mí parte. Viniendo de V8 y Rata, yo hice Nativo, que nada tuvo que ver con ninguna de esas dos bandas. Es muy valioso para mí reivindicar lo que fui, porque nadie lo hará por mí. Con Nativo hacía Destrucción, porque la gente lo pedía, y en un momento quise dejar de hacerlo porque me hinchaba las pelotas. Después noté que, en un momento, las canciones dejan de ser patrimonio de uno y no hay por qué matarlas si fue uno mismo quién provocó, haciéndolas y grabándolas, que la gente las pida. Yo estoy muy orgulloso y contento de haber pertenecido a esas dos bandas siendo protagonista. Pero mi vida no termina en lo que fue, sino, también, en lo que será. Por eso quiero aprovechar este envión para mostrar cosas nuevas. Además, esto nos permite tocar, viajar, cagarnos de risa. No jodamos, ser músico es una bendición.