ROBOS EN LOS RECITALES
(No) me gusta ese tajo
Las hojas de trincheta o gilettes que pasan escondidas para tajear mochilas, bolsillos y riñoneras ya son plaga. Opinan fans, productores y encargados.
Por Pablo Raimondi praimondi@clarin.com
Antes de afanar un estéreo, prefieren pagar la entrada a un show y se hacen seis o siete celulares de mil mangos junto a un par de billeteras. Es menos riesgoso que estar en la calle”. Suena lógico el planteo que hace Corvata (Carajo) y fuentes de seguridad ante el por qué los hurtadores/descuidistas/pungas migraron a los campos recitaleros.
La diversidad tecnológica para que los fans puedan inmortalizar a sus bandas en pequeñas memorias digitales es presa fácil de los afilados amigos de lo ajeno. Con hojas de cutter o trincheta aprovechan, con una precisión quirúrgica, el pogo, la oscuridad y el movimiento en masa. Estos hurtos gestaron una nueva comunidad de indignados, muy lejos de la europea: la recitalera.
Uno de ellos es Maximiliano (31), a quien le robaron la cédula de identidad durante la primer noche de AC/DC en River en 2009. “Estaba apretujado en el campo, a metros de la valla. Entre los empujones sentí que me abrían un bolsillo de la bermuda y veo que un pibe se esconde algo en el pantalón. Lo encaro y me separa otro, no sé si en complicidad con él. A partir de ahí siempre ando con una riñonera”.
Al que no lo salvó ni la riñonera es Matías (16) en el último show de Slayer en el Luna Park. “La tenía debajo de la remera. Después del show vi que tenía un tajo de pocos centímetros en la remera, a la altura de la riñonera que también fue atravesada. Un movimiento en falso y me cortaba. Chau guita, cédula y fono”.
José Palazzo, organizador del Cosquín Rock, asegura que en 2010, en el predio de San Roque, los robos en el campo fueron epidemia, multiplicándose por diez. Pero lo escalofriante fue lo incautado: “En el último festival, gracias a la implementación de paletas detecta metales, secuestramos unas 40 trinchetas en la boca de chicas menores de 18 años: como van a la comisaría, salen a los cinco minutos”, asegura. Y explica el arma artesanal. “Usan la puntita de la hoja del cutter, la envuelven con cinta scotch, le hacen un mango con cinta adhesiva como si fuese un cuchillito, y se lo ponen en la lengua”.
Para capturar a los que zafan de los cacheos, Palazzo contrató, por intermedio de la Policía de Córdoba, a 60 agentes del orden que se mueven dentro del campo vestidos de civil. “El primer día detuvieron a 26 personas, a 16 en la segunda fecha y en la última jornada no se registraron delitos. Por estos policías `anónimos´ se disminuyó un 40% el índice de robos en el festival”, afirma el productor.
Eduardo Sempé, uno de los titulares de Rock and Reggae, a cargo de la producción de eventos en Groove y en el Estadio Cubierto Malvinas Argentinas, reconoce que también contrata personal de civil para cada show en La Paternal. “Las bandas no nos piden que los contratemos, lo hacemos nosotros directamente”.
Pero hay grupos que sí lo hacen. Como Carajo, que para la gira barrial del flamante El mar de las almas , empleó a personas de confianza para controlar los shows en forma encubierta. “Lo hacemos en conciertos donde a la organización le excede, en lugares de capacidad chica o mediana, o por el interior. En el tour anterior, de 2010, venían entre 10 y 15 pibes (ojo, en algunos shows) a quejarse que les habían robado. Y nos sentimos algo responsables por esto”, dice Corvata al Sí ! Pero por más medidas que se tomen, los fans la ligan. Como le pasó a Adriana (22) en el show de Ozzy en GEBA. “Saqué la cámara e hice unas fotos a Sepultura, una de las bandas teloneras. Creo que ahí me ficharon, meto la máquina en la mochi y ¡error! me la puse para atrás. Al cuarto tema de Osbourne siento un tirón en medio del tumulto y pensé `epa, la mochila está más liviana`”.
No le dio bola, sólo cuando Mr. Ozzy se despedía del público local, ahí metió la mano y sorpresa ¡atravesó el bolso de lado a lado! “Me dejaron los auriculares y una Guía T . Perdí máquina de fotos, celular, billetera, documentos, tarjetas. La mochila tenía dos cortes, uno arriba y otro de costado, hechos con un cutter. No denuncié los robos, solo la pérdida del DNI”, asegura la damnificada.
Matías (22) también fue otro pungueado en ese show de Ozzy. “Estaba bien adelante en el campo, tenía puesta una campera deportiva con bolsillo con cierre. Me cortaron el bolsillo y robaron el celu que tenía apagado. Me dí cuenta cuando terminó el show”. Tampoco hizo la denuncia.
Juan Carlos Blander, titular de All Access S.R.L., que ofrece servicios de seguridad para los shows de Pop Art, T4F y 300 Producciones, etc, hace hincapié en que la gente debe colaborar más. “No prestan atención a las cosas que se les dicen (ver Precauciones ...) y no denuncian formalmente los robos. Entonces no podemos hacer nada más que echar a los pungas de un show”, afirma.
Las hojas cortantes, pegadas con cinta scotch por detrás de la hebilla ancha de los cinturones o por debajo de las plantillas de las zapatillas, son otras de las estratagemas típicas. “Los detectamos porque se mueven en grupos de dos o tres. Y no se quedan quietos. El que va a ver un show se planta en un lugar y listo. Y el punga no elige, le da lo mismo un recital de rock que una fiesta electrónica”, dice Leonardo “El Profe” López, quien vela por la seguridad en los shows en Groove y el Estadio Cubierto Malvinas Argentinas de La Paternal.
El se jacta de ser pionero en el uso del chaleco flúo con franja refractaria entre los Prevención. “Marco un perímetro de gente identificada en el campo. Y el punga sabrá que está en la mira”.
Salamanca Rock 2011
Santiago del Estero solía ser una provincia marginada del escenario rockero, ahora por segundo año consecutivo, el "Salamanca Rock" viene a cubrir ese espacio para beneplácito de los Santiagueños.
La segunda edición del "Salamanca Rock" se desarrollara durante dos jornadas el próximo sábado 9 y domingo 10 de Julio en el Club Sarmiento (25 de mayo y Av. Libertador, La Banda, Santiago del Estero). Además de figuras consagradas, el evento se propone ser un espacio donde las bandas del noroeste Argentino y de otras regiones del interior del país, puedan mostrar su música, compartiendo escenario con las más importantes figuras del rock argentino.
La grilla y horarios del festival es la siguiente:
DIA 1: Sábado 9 de Julio
15.00 Hs Apertura de puertas
17.30 hs Fito Páez
19.20 hs Los Cafres
20.40 hs Raly Barrionuevo
22.00 hs Babasónicos
23.20 hs Las Pelotas
DIA 2: Domingo 10 de Julio
15.00 Hs Apertura de puertas
17.00 hs Peteco Carabajal
18.20 hs Luis Alberto Spinetta
19.40 hs Cuarteto de Nos
21.00 hs Auténticos Decadentes
22.20 hs Ciro y Los Persas.
El precio de las Entradas es de $80 por un día y $130 para los dos días, se consiguen en la ciudad de La Banda (Rentas Municipal, 25 de Mayo 461 y Hotel Sumaj huasi, Avellaneda 883). En Santiago del Estero: (La Doma, Buenos Aires 35 y Pago Donde Naci, Galeria Gigli Local 8). En Tucumán en: Platino Turismo, Corrientes 474.
CUATRO BANDAS DE FUNK ARGENTINO
Desde la bizarreada hasta la apuesta estética. Desde el respeto por la música hasta el chiste tonto. Estas cuatro bandas rescatadas por esta producción del NO apuestan a un género poco extendido por estas pampas, y justamente por ello muy atractivo. Finalmente, el funk como género es una pantomima de sí misma. ¡A agitar pelucas!
Por Julia González – Suplemento NO Pagina/12
FEDERACION AFRANCESADA DE FONK
“Hacemos cosas en peluca”
Cuatro chicos llegan vestidos de civiles, cargan bolsas y mochilas. Es un domingo nublado post-sábado de fiesta en el bar de la calle Rodney, la santa sede, según dicen, donde pasan sus noches de jueves a sábado. Consultan qué tomarán esta tarde. Algunos dicen vino, otros se inclinan por el fernet. Ya con sus tragos sobre la barra de este domingo, que el bar abrió para hacer las fotos con el NO, se disculpan y desaparecen. Y cual asociados a la máquina del tiempo, vuelven a la acción con pelucas afro, gafas RayBan, sacos, moños y chalecos. De punta en blanco, como los negros del funk y el jazz del pasado. Es el atuendo que la Federación Afrancesada de Fonk (en adelante, F.A.F.) usa para tocar en vivo. Las porras son fundamentales. “Un poco de teatralidad, joder, divertirse”, dice Hutter von Fonk (bajo) y el Duke De Bernardi (guitarra) cuenta que una noche, después de tocar, se fue en peluca y recién se dio cuenta de que su cabellera era demasiado prominente cuando llegó a su casa. “El problema es que también hacemos cosas cotidianas en peluca”, dice el Gato Hernández (batería y ex Cuentos Borgeanos). Su amor confeso hacia el afro los llevó a confeccionar una carpeta con las porras magnánimas universales, que funciona como material de prensa. “Los grandes ídolos, las grandes personalidades usaron porra: Maradona, Sai Baba, Michael Jackson, mi vieja, Bob Patiño, Andrea Alvarez, La Mona Giménez, el Pibe Valderrama, Walter Pico, Alcides, Calamaro, el gordo Liberosky, Dylan”, enumera el Duke.
La F.A.F. es un power trío más un cantante, de ahí que el “funk” de su nombre se transforma en fonk, por el dominio inevitable de una formación rockera. “Pasa que lo que estamos haciendo nunca lo habíamos hecho antes –-cuenta Hutter–. Y eso es lo raro. Porque yo venía de una banda stoner, después el Duke era más rockero, el Gato del pop y Ciro (en voz y trompeta, “Torpeta”, aclaran, porque dicen que no pega una nota) del ska. Entonces fue “eh, vamo’ a tocar’”. Y así se formó la F.A.F., una noche en una fiesta en Palermo a la que habían llegado en bicicleta, transporte lisérgico que los llevó directo a una epifanía. Sin buscar a los músicos puntualmente, pero sí detrás del espíritu de aquel que le cupiera la porra, les bajó la revelación de que tenían que tocar fonk. “Esa noche en la fiesta sonaba la Federación Francesa de Funk, y me dice Hutter: ‘Hagamos una banda de funk, pero que sea de fonk’ –cuenta Ciro–. Y yo le digo: ‘¿Cómo se va a llamar?’. Y pensé en la ‘a’ de Argentina, pero a la vez de afrancesada, tipo Telerman.”
Inspirados en la banda francesa de finales de los ‘80, e influenciados por el humor más que por la música, se juntaron motivados por el disfrute que les generaba estar juntos. Pero el temita seguía sin resolver: todos venían del rock. “Al principio nos costó porque se terminaba pareciendo a Divididos”, cuenta Ciro. Pero enseguida lo solucionaron y fue rock hasta que le encontraron el punto justo después de educarse de la mano de los vinilos y de la música disco.
Los afrancesados asumen la influencia que lleva su nombre a través de esta unión federal. No es política, pero sí amistad y un pacto soberano entre los integrantes que buscan convertirse en una sola región. “Es una banda para que todos disfrutemos, que disfruta más el otro que uno. Porque en realidad se ríen de mí. Algo de bufón debo tener”, reconoce Hutter. Al parecer, entre tanto groove y movimiento de patita que termina descontrolada bailando, casi como lo hacía la buena de Tina Turner, su estilo es irse por las ramas. Por eso están planeando una película dirigida por Luis Luque, que una vez los llevó a tocar en la ESMA. Hutter recuerda: “Subió una abuela y dijo: ‘Gracias, afrancesados, bailemos’. Fue divino”. Un día entra Luque al bar (“a la Biblioteca Nacional”, aclara Jésica Bandoni, manager y dueña del Rodney) mientras los afrancesados hablaban con su manager sobre la posibilidad de filmar, cuando Hutter le dice: “Boluda, quiero hacer una película. Y entra Luque y tira: ‘¿Qué dijiste? Yo te la dirijo’”. Epicos, graciosos y adoradores del groove, están grabando su primer disco, aún sin nombre, a la vieja usanza de Chuck Berry: “En vivo, crudo y con emoción”, cierra el Gato.
INCLAN FUNK
“Nosotros vamos por la música”
Inclan Funk absorbe el nombre de la calle que los vio crecer en Parque Patricios, barrio rodeado de parques si los hay. En la casa de los padres de Erico Schick (bajo) se juntaban, después del colegio, Dieggy Bergesio (guitarra y voz) y Lucho Campodónico, y probablemente no sabían lo que se estaba gestando, pero seguro era algo relacionado con la música. “Nunca hubo un porqué para armar una banda de funk, surgió del impulso de tocar canciones y ritmos que veníamos escuchando desde chicos con mucha libertad y sin un plan determinado. El día de cumpleaños de un amigo muy querido por nosotros tocamos en esa fiesta y la pasamos tan bien que decidimos encarar por ese lado”, cuenta Erico. La banda tuvo otras formaciones, amigos que se fueron y otros que vinieron, pero en estos ocho años de vida son ellos tres los que la llevan adelante tracción a sangre.
Detrás de Pantano picante, su último disco, está el empuje de meterse a remar en un charco de barro, a pesar de lo áspero de la experiencia. Porque ya pasaron las épocas ingenuas (aunque divertidas) de giras por la costa o de bajarse los pantalones frente a los bolicheros post-Cromañón. Fueron a Liverpool tras ganar el concurso The Cavern en 2006, año en que grabaron Hacia los sentidos, un disco confeccionado en un suspiro para tener registrado algo para mostrar en Inglaterra. Llegaron a tocar tres veces el mismo día en el auténtico The Cavern, y eso les dio el impulso para seguir la gira por Francia y España, donde hicieron veinte conciertos y, según dicen, fueron los mejores de sus vidas. “Estar a punto de subir a tocar nuestras canciones sobre el escenario en donde empezaron Los Beatles, caminar por Penny Lane, conocer otros músicos, ir a estudios de grabación y que la gente agite con nuestra música, es una sensación muy fuerte, algo que está grabado en nuestra mente-corazón para siempre”, cuenta Lucho.
Y como ya nada los corría, se tomaron un poco más de tiempo para pensar y grabar Pantano picante, que fue totalmente pre-producido en estudio, aunque algunas zapadas locas quedaron en el producto final. El disco funciona además como una metáfora que toman de la realidad actual. “La ciudad en la que vivimos y el tipo de vida que llevamos es como un gran pantano en el que pueden pasar cosas muy buenas y cosas muy malas. Podés salir a caminar y ponerte a conversar con un almacenero buena onda, o ver a pibes en la calle que no pueden zafar del paco. Eso es picante y es duro, ves gente en la calle pasándola bien y ves el hambre. En el disco hay canciones que reflejan varios estados. Hay fiesta y hay momentos de oscuridad; son diferentes estados de ánimo”, dice Erico.
Sin prejuicios para unir a Parliament Funkadelic, Red Hot Chili Peppers, Atahualpa Yupanqui, Tom Waits, Bob Marley o Rivero, Inclan encuentra funk en todas las músicas: “Pero por sobre todo nos encantan los artistas que encontraron un sonido y una forma de expresar propias”, dice Lucho. La reflexión de que el funk es libertad (una idea que repiten mucho) llega a través de Maceo Parker, cuando Erico lo esperó cual groupie al terminar el show que dio en el Gran Rex. “¿Qué es el funk?”, le preguntó. Y el saxofonista le dijo que era “la libertad de tocar o vestir como quieran, sin tener que estar apegado a lo que venden como funk”. Por eso apuntan a que el funk que plantean los creadores es el de la autenticidad, sin la necesidad de tener un afro, pantalones oxford o lentejuelas. “Para nosotros es mucho más que eso, es hacer lo que querés –dice Dieggy–. Nosotros vamos por la música.”
Inclan va desde el flash musical de climas y sonidos hasta canciones potentes de power funk, y momentos de fiesta donde el groove y la energía de la banda equiparan el escenario con los que están abajo. Letras surrealistas, realistas y estribillos donde el público no tiene más remedio que prenderse. Y sobre si hay una movida incipiente de funk que asoma la cabeza, dicen: “Por lo que se ve, hay una escena del funk que quiere crecer. Yo recuerdo que ya a mediados de los ‘90 comenzó a armarse una escena del hip-hop y funk; hoy hay muchos más grupos agitando el género, pero lo que veo con esa escena que me hace algo de ruido, y por eso no queremos encasillarnos, es cierta falta de identidad en algunos casos. Si bien el funk nace entre los ‘60 y los ‘70 en plena revolución de las Panteras Negras en Estados Unidos, nosotros estamos en Argentina 2011, cultura y tiempos diferentes”.
EL INCREIBLE FUNK
“Puedo aportar con la traversa”
nEn la era de la bengala perdida, ser músico y tener un boliche supera con creces cualquier combinación perfecta, incluida la famosa Alcoyana–Alcoyana. Porque gracias a que Baltasar Fernández (bajo) regentea El Emergente Bar, su banda El Increíble Funk creció a pasos de gigante en seis meses. “Zumo de limao” es el ciclo que todos los viernes los tiene como protagonistas junto a los poetas de Poesía Estéreo (Sebastián Kirzner y Diego Arbit) y Juan Xiet, mientras que El Increíble Funk oficia de banda residente. El ciclo comenzó cuando quedaba un hueco en la programación del bar y Baltasar no tuvo mejor idea que programar su banda todos los viernes: “Y en un momento tuve que subir la apuesta y dije: ‘Vamos a meterle un ciclo: Zumo de limao’”. Su creador lo define como un evento de alto nivel, con intervenciones performáticas actorales y humorísticas. “Pero no es un humor convencional, donde la banda toca sola con sus invitados músicos, sino que cada uno hace sus presentaciones y lo que se logra en conjunto es algo realmente copado, la verdad que es un producto muy bueno”, asevera.
El concepto que más se acerca a El Increíble Funk es el de jazz. Pero como el universo del jazz es tan vasto, podemos acotarlo al mundo de la improvisación donde se cuelan temas crudos e instrumentales, lisérgicos, mántricos, grooveros y extensos. Los viernes, el ciclo se enfiesta aun más cuando viene a cantar Orge, de la revista THC, músico y militante por la Asociación de Reducción de Daños de la Argentina (ARDA), que anima políticas públicas de drogas basadas en los principios de reducción de los riesgos y daños. De ahí que El Increíble Funk grabó junto al militante el tema Tenencia libre, himno que se graba cada año para la Marcha Mundial de la Marihuana. Con este loor, los músicos se corrieron un poco del funk neto e hicieron algo más moderno, emparentado a Rage Against The Machine, con una huella propia de los ‘90.
A la formación tradicional de trío se suma una flauta traversa, que le da esa impronta sesentista al sonido. Cualquier parecido con el patrón rítmico de Jethro Tull es pura e inevitable coincidencia. “Lo que me gusta de esta banda, en lo personal, es lo que puedo aportar con la traversa; creo que el funk es la mejor época del instrumento, principios de los ‘60 y hasta el ‘75. Con todo el rock progresivo y el funk, el instrumento termina de explotar ahí y creo que después empezó a achancharse un montón desde la parte técnica, desde la interpretación, se lo empezó a llevar para otro lado. Está buenísimo sentir esa energía percutiva que tiene ese instrumento, que en un momento se dejó de usar”, dice Rodrigo Soko, que completa la base rítmica con Baltasar en bajo y Alejandro Zárate en batería.
El Increíble Funk se formó con músicos de rock, punk, clásica y pop. Sin embargo, un denominador común que los une es el espíritu de gozo arriba y abajo del escenario. El funk tiene eso, un intenso groove que los hermanos afroamericanos nos legaron a fines de los ‘60, de la mano del soul y el rhythm and blues. “Es una música muy divertida que nos da la posibilidad de tener un producto final elaborado, pero a la vez no dejar de lado lo que es la improvisación. Agarramos esas estructuras y las despedazamos, divirtiéndonos y grooveando; realmente está bueno”, expone Sebastián J. Perossa (guitarra y teclados).
Del advenimiento de músicos que se animaron a descontracturar el funk y traerlo al presente, se desprende una educación forzosa que los llevó a empaparse de música afro. Harvey Hancock, Sly & The Family Stone, todas bandas principios de los ‘70, les dieron la bienvenida al maravilloso y negro mundo del ritmo. “Lo bueno de El Increíble Funk fue que, por iniciativa de Balta, tuvimos que meternos a buscar en las raíces del funk; y los temas que no son nuestros, son todos de los inicios del funk, bandas casi desconocidas. Estuvo muy bueno conocer la mezcla del jazz, del rock and blues con el funk y empezar a mamar eso, que si bien habíamos escuchado algo de funk, no lo teníamos ni a palos”, finaliza Sebastián.
UN PERRO Y LA VIEJA ESCUELA DEL FUNK
“El audio es todo”
Son once, diez, doce, los músicos de Un Perro y la Vieja Escuela del Funk. Algunos sesionistas, otros amigos y cuatro son compañeros de elenco de El Choque, de Jeremías Segall, artífice de la banda. Si el perímetro del escenario se los permite, se suben todos los que estén para hacer estallar esa energía que los instigaba a seguir bailando después de las funciones de El Choque. El año pasado, luego de su espectáculo La Nave en el Club Cultural Konex, el grupo de percusión redoblaba la apuesta de su música con objetos y le daba gas a ese público que, aún excitado, recibía la propuesta de Un Perro con los brazos abiertos. Comandados por esta especie de Jumping Jack Flash que canta hip-hop y arenga al más quedado, Un Perro busca la fantasía de contagiar su estilo y ver al público sonreír. “Ah, sí; y nos interesa que les digas a tus amigos, así podemos tocar en lugares más grandes, con un sonido más y más elegante”, escribieron en su perfil de Facebook.
Heredero del groove a través de una dinastía de músicos, Jeremías armó su primera banda a los 9 años con su padre, Ernesto Segall, la voz del entrañable Topo Gigio. “Sí, mi viejo hace esa voz y toca la viola. Ahora no está tocando en Un Perro porque somos mil y ya eran como tres guitarras, una cosa de locos; pero cada vez que puede y tiene ganas, se sube a tocar un tema”, cuenta el multiinstrumentista. Con aquella precoz formación hacían enganchados de los ‘80, y de los 14 a los 17 se la pasó tocando rocanrol. En su casa, la educación que recibió fue la del funk, a diferencia de muchos otros hogares, donde a lo sumo sonaba algún disco de rock. “Algunos viejos escuchaban Beatles o Stones, pero mi viejo escuchaba vinilos de funk, por suerte, porque gracias a él me metí ahí”, recuerda y reconoce que empezó tocando rock, pero que nunca aprendió a cantar: de ahí el nombre de su grupo.
“No porque sea mi banda, pero siento que la propuesta con este estilo de funk no está muy presente acá. Y cansado de no encontrarlo, dije: ‘Bueno, la armo y escucho el funk que a mí me gusta’, que es con un poco de soul, no es el funk tradicional de mil brasses, y por ahí una minita que canta, sino funk crudo en la base. Y el tema del castellano me jode. Vos escuchás unas letras de Earth, Wind & Fire, ponele, que hablan mucho de amor, pero acá decís la palabra amor en castellano y te querés matar”, compara Jeremías. Entonces, para que la cosa no se vuelva melosa, decidió rapear y le dio a su estilo el toque personal que lo saque del romance. “Se me hace muy pop, no encuentro un funk grooveado. Me gusta que las canciones sean historias, no es que repito la estrofa después del estribillo. Eso me parece interesante”, reconoce.
Cuando empezó con este proyecto perruno, donde es manager, productor, compositor e intérprete (“Por suerte laburo con El Choque, que me da la posibilidad de sustentar la banda”), Jeremías tuvo la ilusión de que, luego de grabar su primer disco, alguien lo escuchara y dijera: “Algo hay que hacer”. “Me gustaría que en todos los bares, en todos los pubs, además de escuchar bandas de rock y fusión, que está buenísimo, suene funk.” Por eso está invirtiendo todo su capital en grabar su primer disco, para escucharlo dentro de quince años y que suene tremendo. Grabado en Circo Beat de la mano de Mariano López, el ingeniero de grabación de Spinetta, con seguridad su disco resista el paso de los años. “El chabón es re grosso (pero mal). Y aparte yo escuché mucho los Kuryaki en mi época más joven y fue el que mezcló Chaco, No es tu sombra, Abarajame y dije: ‘Guau, que esté en el disco sería muy grosso’”, cuenta. Y cierra contundente: “El audio es todo”.
QUERIBLE BICHO RARO
Roberto Musso, cantante y letrista del Cuarteto de Nos, se asume un distinto dentro de la efervescencia del rock uruguayo. Mirá el nuevo videoclip.
Germán Arrascaeta – Suplemento VOS
Al momento del llamado, el músico uruguayo Roberto Musso vive la calma previa al huracán de las giras. Está a pocas horas de tomarse un ferry que lo depositará en Argentina, donde a su vez lo espera un colectivo de gira para surcar nuestro territorio. Así de dura es la vida del músico rioplantense que ha logrado pegar del otro lado del río con Cuarteto de Nos, grupo que esta noche actúa en Captain Blue XL.
Musso trabaja tanto como sus compatriotas con llegada por aquí, sólo que en su caso hay un signo distintivo: un tipo de rock no necesariamente murguero; ni festivo a partir del ska. “Somos los menos uruguayos de todo lo que se está exportando. No encuentro mucho de murga ni candombe en el Cuarteto de Nos. A nuestras rimas y rapeos los veo más emparentados con la payada; cuando era chico me gustaba ir al duelo de payadores… Aun así, lo nuestro no es tan inmediato sino más rebuscado y elaborado”, diagnóstica el artista que firmó los textos de los discos Raro y Bipolar , cuyos hits se metieron hasta en nuestros noticieros. Y hablamos de una banda con expresión de naturaleza nerviosa.
–¿Acaso eran bichos raros en la escena montevideana?
–Siempre fuimos bichos raros. Desde fines de los ’80 que estamos haciendo música y que somos considerados de tal forma. No cambiamos estilo ni esencia, pero si las inquietudes letrísticas. Y aun así, estamos por afuera del denominador común de acá. Nunca formamos parte de un movimiento específico. Nunca pudimos ser identificados como pop, rock, popular, alternativo.
–¿Escuchás hip hop? ¿Dependés de lo que pase en esa cultura?
–Escucho de todo un poco. Cuando comencé a escribir canciones en rima, me puse a escuchar hip hop con cierto detenimiento. Pero no me gusta la versión cruda o gangsta del género sino la que está más emparentada con algo más pop. Me seducen artistas como Eminen o Kanye West. Pero es curioso esto del hip hop y cómo se lee según el caso. Cuando vamos más al norte (México, ponele), nuestra música trae directamente al sur al oído medio de esas latitudes. No piensan que somos latinos que vivimos en Brooklyn. ¿Me explico? Va más allá del tema de la pronunciación, hay algo, subyacente e imperceptible, que los trae para acá abajo.
–¿Sos de los que en el colectivo de gira mira por la ventanilla y anota en su libreta las frases del disco por venir?
–Como buen bicho raro, no puedo escribir nada en esa situación. No me inspira. Tengo que estar en casa, tranquilo, con mis tiempos. Puedo tener algún destello de inspiración en movimiento, pero nada sustancial. No soy de trabajar rápidamente en el asunto; ni desordenadamente. Necesito tiempo, y expresarme sin red en un ambiente de relax, muy distinto al que impera en una gira. Para el próximo disco, compuse las canciones hace año y medio. No pondría trabajar bajo presión. Eso de “en dos meses tenés que tener el disco” no va conmigo. A propósito, te cuento que ayer nos juntamos a ensayar con Juan Campodónico para perfilar lo que se viene.
–¿Sos al rock lo que Mugica a la política? Digo, él es un tipo campechano donde se exige ser circunspecto y/o hombre de negocios. Y vos sos un nerd simple y cool en territorio donde mandan los cancheros…
–Me gusta la imagen de Mugica. Esa forma que tienen de combatir el estereotipo de político tradicional de saco, corbata y cuello duro que dispara frases muy pensadas. También me parece bien, y me produce simpatía, que siga viviendo en su chacra con cero glamour. Me cae muy bien. No veo puntos en común, pero te concedo que, cuando observo por afuera al Cuarteto de Nos, no veo a cuatro rockers, precisamente.
"SAY NO DRUGS", DIJO CHARLY GARCÍA
El músico aseguró que las drogas "se covierten en un infierno". También criticó los programas de contención a los adictos.
Agencia Télam
Charly García habló sobre las drogas: "Te hacen creer que estás en un paraíso por un segundo, pero después se convierten en un infierno".
"Y lo son en todo sentido, es terrible que a los pibes no les presenten ningún otro aliciente para vivir", añadió, en una entrevista que mantuvo con la revista de cultura villera La Garganta Poderosa.
En el sexto número de la revista y cooperativa que escriben, fotografían y dirigen vecinos de distintas villas del país que conforman el movimiento social "La Poderosa", García posa en la tapa y en la contratapa escribiendo un vidrio con aerosol, donde registra la frase: "Say no Drugs".
"No me arrepiento de haber probado, pero a la larga la droga te mata. Si las conseguís borrar de tu vida, todo va a estar mejor".
Además, se refirió a la ineficacia del gobierno porteño en la contención para los adictos, en comunidades terapéuticas: "No saben tratar el tema, y encima las clínicas funcionan como cárceles. No tienen una visión focalizada para cada paciente y los tratan a todos por igual, sin importar lo que tenga cada uno".
Hace unos días, García estuvo en Córdoba, donde ofreció un show en el Orfeo y luego, supuestamente, algunos medios indican que protagonizó un escándalo en el hotel, que habría incluido destrozos.
KAMELEBA
“Venimos a plantear ideas y no ideologías”
Emmanuel Angelozzi – blogrock.com.ar
Darío Alturria, cantante del grupo puntano Kameleba, adelantó los proyectos de la banda para lo que resta del año y brindó algunos detalles del próximo disco de estudio, sucesor del exitoso “Vibra Sound”.
¿En qué etapa esta el nuevo disco de la banda?
Tenemos ocho temas con arreglos de banda y otros 5 o 6 que están en formato canción, pero que tienen una armonía vocal casi lista para que la banda haga su parte como arregladora. A su vez, hay muchas pistas en gatera que esperan que salga una letra. En cualquier momento empezaremos con la pre-producción de la placa, ahí pasan muchas cosas porque las consignas se potencian una vez que te pones plazos definitivos.
¿Qué nos podés adelantar del material?
Van a escuchar cosas que no escucharon antes de Kameleba y otras que también serán innovadoras dentro del reggae. Buscamos un sonido y una lírica que sea una síntesis de nuestra carrera: que tenga la contundencia de “Sueño que va”, el espíritu del disco “Kameleba” y la experiencia de “Vibra Sound” en estudio.
¿Cómo viven el crecimiento que lograron en Buenos Aires?
Con mucha alegría y tranquilidad porque fue algo que nos propusimos lograr. Cuando un objetivo se concreta, las bases están hechas de alguna certeza. Francamente, lo pretendimos así y no nos sorprende. Como pasa en Buenos Aires, sucede en todo el país: norte, sur, este y oeste. Vivimos en el centro de Argentina, región en la que jugamos de local, donde la banda pesa… todo se dio de manera paulatina, fueron once años de trabajo, no fue de cero a cien, pasamos de grado año a año y no flasheamos de más.
¿A qué factores le atribuyen esa adhesión que despertaron?
A que somos una banda real: hacemos discos, escribimos canciones y tocamos todo el año en Argentina. Tenemos un promedio de setenta shows en doce meses desde hace cuatro años. Las canciones tienen espíritu y la banda en vivo, una energía increíble. Cuando hablo de energía no me refiero solo a una cuestión física sino a que hacemos el arte de magia esencial para un género ritualista por excelencia.
A parte del disco, ¿Qué proyectos tienen para lo que resta del año?
Terminamos de rodar el video clip de “Con vos”, dirigido por Juan Subirá, integrante de Bersuit Vergarabat, que saldrá en julio. También lanzaremos otro clip para Internet y, de esta manera, despedimos “Vibra Sound”. Mientras tanto, seguimos de gira: ¡tocamos tanto como “Los Palmeras”! Es que vivimos de esto y estamos en Villa Mercedes donde solo podemos tocar 4 o 5 veces al año. Vamos a tratar de consolidarnos en el país, es nuestro principal objetivo. Además, estamos avanzados en las tratativas con unos productores de Costa Rica y Panamá para hacer un par de shows allí pero vamos a ver que pasa.
El reggae es un género en el que la palabra es muy importante, ¿Se preocupan por el mensaje que transmiten en sus letras?
Por supuesto, es lo que perdura en el tiempo. Venimos a plantear ideas y no ideologías. Este es un género testimonial, por eso lo elegí. Yo escribo letras, por lo tanto, creo que la misión del artista es la de interpretar lo que vive, lo que ve, lo que siente… Indefectiblemente, tenes que decir cosas vos, por tu boca, y eso trae problemas porque somos humanos y nos equivocamos o porque mi visión del mundo puede no ser la de otro. Esta bueno que la palabra traiga problemas, prefiero tener problemas por lo que digo y no por lo que callo.
“Con vos” es uno de los hits del grupo, ¿Los sorprendió la recepción que tuvo o pensaban que podía generar algo así?
Les tenemos fe a las canciones porque las hacemos de corazón. Los temas que nos explotan en el pecho son los que grabamos, los demás los desestimamos.
Eduardo Bergallo, productor de nuestro último material, creyó en el espíritu de la canción desde que la escucho, al punto que quería que la grabáramos como una balada de guitarras. Nosotros teníamos una base re compleja pero llegamos a una solución intermedia y la resolvimos en el mismo estudio. Es una canción minimalista, casi percusiva, es linda por lo simple…celebra la distancia, algo de lo que a veces se reniega o se llora.
En sus discos hay temas de amor y canciones más combativas, ¿En qué tipo de composición se sienten mas cómodos trabajando?
Permitirnos ambas sensibilidades nos hace sentir libres porque no tenemos solo una pose a la que responder. Precisamente, arrancamos la difusión de “Vibra Sound” con una canción agreste como “Maldita herencia”, con corte y video, y nos despedimos con “Con vos” que también representa lo que somos.
¿Es más complicado el progreso para una banda que nace en el interior?
Es complejo tanto para conseguir músicos como para romper el imaginario que desde el interior no se puede. Es difícil romper con el mito de algunos productores que afirman que las bandas del interior son inferiores y conseguir que te valoren.
En términos económicos, es muy caro el traslado de las trece o catorce personas que componen la banda. Los ensayos son en Villa Mercedes y viene gente de San Luis, de Córdoba…el operador es rosarino. ¡Es una ciencia oculta!
¿Cuáles son, para ustedes, los motivos del auge que vivió el reggae nacional?
Las bandas que encabezan la escena son sólidas. El género le ofrece de todo un poco al público: tenemos buenas bandas, buenos cantantes y letristas. Podes elegir porque cada uno tiene su impronta sin pisar al otro. Eso es lo que tenemos hoy, variedad es solides. En Jamaica hubo de todo: artistas pachangueros, combativos, románticos, modernos, excéntricos, DJs…lo que se consolidó a partir de Bob Marley fue el artista pop de Jamaica. Por excelencia, fue un movimiento en el que varios sonidos configuraron el perfil del reggae por tolerancia y consistencia. Bob tenía canciones de amor, de lucha social y política, canciones místicas, visiones, sin dejar de ser el mismo artista. El reúne todas las características, por eso es nuestro patriarca.
Hoy tenemos de todo: hablamos del país en el que vivimos y de lo que sentimos, ya no se nos asocia solamente con lo pachanguero como paso en otras épocas.
¿Es solo una moda o piensan que se consolidó como estilo en nuestras tierras?
Mira, algunos piensan y pensaron que el rock era británico, otros que era norteamericano, por ende, era una pendejada hablar de rock nacional. Paso el tiempo y el rock nacional fue y es una realidad, un nuevo folclore urbano. ¿Por qué no puede pasar eso con el reggae? ¡La música es del mundo!
Lo que es del César será para el César. Hubo unas modas con mensajes tan siniestros y destructivos que la prefiero si es una moda. Por el mensaje, porque somos padres y pretendemos un mundo mas tolerante y menos hipócrita para heredarles.
CARAJO
“Para crecer hay que ser auténtico con lo que nos gusta”
Deborah Valado – blogrock.com.ar
A poco del festejo de sus diez años de historia con un recital en el Luna Park, los Carajo nos contaron sobre todos los preparativos, nos adelantaron los detalles de la gran noche e hicieron un balance de la trayectoria de la banda.
Es el sueño de muchos, primero conformar un grupo, luego componer temas para poder salir lo antes posible a tocar para la gente. Tal vez, en esos primeros momentos ni se sueñe con llegar a tocar al Luna Park a presentar los propios discos, ni incluso antes que se dé la posibilidad parece que esté cerca. Y así, Andrés “Andy” Vilanova, Hernán “Tery” Langer y Marcelo “Corvata” Corvalán, luego del debut oficial en vivo el 25 de mayo de 2001 en el Whisky a GoGo de la Ciudad de Buenos Aires, ahora llegan por primera vez al Luna Park sin que se lo esperaran del todo. Ellos mismos señalaron que desde que arrancaron la evolución fue desbordada en relación a los sucesivos pasos que dieron y al paulatino crecimiento que fueron viviendo como banda.
Pero al estar siempre en movimiento en poco tiempo pudieron empezar a tocar en lugares importantes, tal como en 2005 en Obras, pero no solo acá y en lugares destacados del exterior como en 2002 en el Festival “Rock al Parque” en Colombia y en Cuba en 2006. Tery, al respecto de cómo se fue dando todo, dijo: “Para crecer hay que ser auténtico con lo que nos gusta. El crecimiento tiene que ver con abrirse un poco. Y eso no implica dejar de hacer lo que te gusta, el mismo estilo, la misma banda. Es obvio que no podés hacer el mismo disco que el primero, ni el segundo ni el tercero, porque sería involucionar para nosotros. Siempre es tratar de hacer lo que no hicimos”.
Las situaciones se les fueron presentando y hoy en día les toca esta oportunidad con gran apoyo del público – que ya les estaba preguntando para cuándo un Luna Park- . En relación a esto, Tery afirmó: “Nos han pasando millones de cosas buenas, si estamos acá es porque la gente te hace llegar acá.” Prueba de ello es, sin lugar a dudas, que a partir de “El mar de las almas” (2010) la convocatoria creció aun más de lo que venía siendo en todos esos años y además la recepción del disco fue buena, tanto por el público como por la prensa.
La relación que la formación establece con su público siempre es muy amena, no sólo porque se generan espacios como, por ejemplo, las redes sociales para que los seguidores puedan de saber de las novedades si no porque también en el vivo. Todos van con la verdadera intención de conectarse con la música y así lograr una comunión sin posibles disturbios. Previniendo de alguna situación tensa, Corvata declaró: “Hay reglas implícitas entre todos y cuando se rompen, es ahí cuando el artista tiene que salir y cuidar. Si ellos no cuidan a los otros que están al lado, no vas a hacer el que eduque a esas personas, pero sí podés hacerlos ubicar en dónde están, que están viendo un show.” Todo da cuenta de la apuesta de la banda por establecer una gran conexión a través de la potencia de su música y el respeto con sus seguidores en cada concierto.
Actualmente, luego de la Gira 2011 “ El Mar de las almas inunda los barrios”, se sienten más que preparados para julio, ya que al tocar mucho estuvieron trabajando las canciones y , además, se presentaron por nuevos lugares en Martínez, Quilmes y pudieron apreciar, aún más, lo que generan día a día en sus seguidores.
Al ser el Luna Park un lugar único que habilita muchas posibilidades sonoras y visuales, los preparativos son asumidos con mucha responsabilidad para que sea de verdad una noche inolvidable. Es así que la puesta del show va a ser especial. El foco de la gran producción estará en lo visual en combinación con la estética de los discos, haciendo que no sólo se impacte desde la potencia sonora de la banda, si no también con la simbiosis que se genere con las imágenes.
Incentivados por lo que es en sí el festejo de los diez años, adelantaron que tocarán viejos temas que hace mucho no hacen y restaurarán versiones de estudio. Además, continuarán con la presentación del último disco aspirando que sea lo más completa posible. En sí, realizarán un recorrido por sus cuatro discos de estudio, buscando un equilibrio de todo lo que fue haciendo Carajo a lo largo de su historia musical.
Como toda gran fiesta merece, será filmada y grabarán, aparte, el audio. Aunque, por ahora, sin la promesa de editar un DVD. Luego, los Carajo seguirán con la Gira del Mar de las Almas hacia el Norte y Sur del país y probablemente hacia Uruguay.
