NOTICIAS DEL ROCK DAK 26/06/09

DESPIERTA lo nuevo de LAS PELOTAS

Dentro de poco, sale lo nuevo de LAS PELOTAS, un disco con 10 temas junto a un DVD, y ya se conoce el nuevo nombre del disco "DESPIERTA".

La banda liderada por GERMAN DAFFUNCHIO, ya tiene todo listo para que en unos días salga su nueva producción discográfica, que contara con 10 temas además de un DVD en el que se muestra paso a paso como se grabo el disco y de bonus track el video del tema "la colina de la vida" de León Gieco.

Solo falta esperar a que salga ese ansiado disco, el 1º sin el fallecido ALEJANDRO SOKOL, habrá que ver como sale este disco, cantado íntegramente por GERMAN DAFFUNCHIO.

MARIO IAN EN GIRA POR CORDOBA Y NUEVO CUYO

MARIO IAN (ex-vocalista de rata blanca) emprende una gira que lo llevara por MENDOZA, SAN JUAN, LA RIOJA y CORDOBA.

El ex-vocalista de rata blanca y un peso pesado del heavy metal, luego de integrar Hellión, Alakrán, un fugaz paso por Rata Blanca y Devenir, Mario Ian edito en el año 2007, su primer CD solista, "En tiempos de redención". Lo acompañaron dos ex-Rata: Gustavo Rowek (batería) y Sergio Berdichevsky (guitarra). Emprende en el mes de julio una mini gira que lo llevara por MENDOZA, SAN JUAN, LA RIOJA y CORDOBA

10 de julio en "LA PULPERIA" (lujan de cuyo - Mendoza)

11 de julio en "LA PULPERIA" (lujan de cuyo - Mendoza)

12 de julio en "KULTURA CAFE" (capital - San Juan)

24 de julio en LA RIOJA (Lugar a confirmar)

25 de julio en "CAPTAIN BLUE" (capital - Córdoba)

LUIS ALBERTO SPINETTA

Llega al escenario del Teatro San Martín para realizar una única función que será inolvidable y donde presentará oficialmente su última producción discográfica "Un Mañana".

El gran músico y compositor del rock argentino realizó, durante el 2008, el disco titulado "Un Mañana", trabajo que fue considerado uno de los mejores discos del rock nacional del año pasado. SPINETTA viene envuelto en una espiral que incluye sus últimos álbumes "Para los Arboles" (2003), "Pan" (2005) e incluso el EP "Camalotus" (2004). Sin presentar cambios radicales con respecto a los anteriores, se diría que "Un Mañana" representa el pico de este ascenso. El disco fue grabado en el estudio La Diosa Salvaje en cinta analógica con la banda tocando en vivo, prescindiendo de herramientas digitales. Además de que su voz suena mejor que nunca, pristina y delicada, es notable el afianzamiento de su banda, conformada por Claudio Cardone en teclados, Nerina Nicotra en bajo y Sergio Verdinelli en batería.

LUIS ALBERTO SPINETTA vuelve a Córdoba para tocar sus nuevas canciones y recorrer la vasta trayectoria de un artista que a lo largo de su obra se ha convertido en un referente indiscutido dentro del rock nacional.

Blues Motel

“Tenemos el sueño de tocar en un estadio”

La banda de Tigre -zona norte del conurbano bonaerense- cumplió veinte años de trayectoria y siempre se movieron en forma independiente. A lo largo del camino recorrido cumplieron, entre otros, el objetivo de grabar ¡tres discos en un año! Lejos de conformarse, aspiran a más. Como dice un viejo tema de la banda: “Aún queda algo por hacer”.

Faltan pocos minutos para subir a las tablas de La Trastienda y más allá de la calma de Gabriel Díaz (voz, guitarra acústica y armónica) y Adrián Herrera (guitarra y coros) para responder a cada una de las preguntas dentro del camarín, a través de sus rostros queda evidenciada una ansiedad asombrosa que tendría un músico principiante antes de dar su primer show. Muchos se preguntarán como harán para mantener esa frescura que caracteriza a los jóvenes rockeros. Mientras busco una respuesta, vuelvo al sorprenderme al ver como el cantante además de poder con dos instrumentos a la vez arriba del escenario, puede ser entrevistado con total seriedad mientras busca sortear el frío de sus manos tocando un par de acordes con la acústica.

-En la actualidad existen bandas que tienen poca trayectoria y sin embargo tienen gran convocatoria y prensa. Ustedes que han cumplido 20 años ¿sienten falta de reconocimiento?

Gabriel: Todo es relativo a la difusión que tenga la banda. A nosotros nos tocó, por el camino que elegimos, tener poca difusión y manejarnos solamente con lo que tengamos al alcance. Los grupos que tienen contrato tienen más llegada a través de la radio. La diferencia está ahí. Además hay bandas que no tienen nuestra trayectoria pero siguen sonando bien.

-¿Entonces dónde está la clave?

G: La clave de la masividad está en la difusión por la radio. Es solamente eso. Después en la cancha se ven los pingos. Nosotros tenemos la suerte de que ya nos respetan por nuestra trayectoria y por la calidad de música que hacemos.

-Hay bandas que mueven mucha gente y no son buenas arriba del escenario.

Adrián: Eso no tiene nada que ver con la cantidad de gente que puedan llevar. Evidentemente, hay propuestas que a determinadas compañías le resultan más rentables que otras. Las bandas llegan a un techo de determinada cantidad de público y lo que dispara a que se llene un estadio o lugar más grande es la difusión de la que hablaba Gabriel. Por ahí la compañía no elige de acuerdo a cómo toca la banda, sino que buscan lo que pueda vender. Lo que les sea más rentable.

-Ustedes arrancaron con un sello conocido como fue DBN, con quienes editaron el primer disco.

A: Era más que nada una distribuidora.

-¿Ahora siguen de forma independiente?

G: Si, porque estuvimos en ese sello-distribuidora y en el momento de decidir no pusieron la plata. Nosotros habíamos llenado un teatro para la presentación del segundo disco (Mientras las guitarras suenen) y pensamos que iban a responder de otra manera. Entonces nos fuimos y seguimos independientes, no por una decisión rígida, sino porque se fue dando así.

A: En ese momento para sacar un disco y tener la distribución del mismo, era necesario firmar con una distribuidora o un sello. Ahora es más fácil producir de manera independiente. Para editar el primer trabajo quizás deberíamos haber esperado más tiempo, haberlo pensarlo mejor o esperado otra propuesta, pero tuvimos el ofrecimiento de esta compañía para sacarlo y eso implicaba un salto grande para la banda. Después no se hizo el trabajo que se tenía que hacer y nosotros lo suplantamos tocando mucho para lograr la difusión de esa manera.

-Al ser independientes y tener más roce con la movida del rock under, ¿Cómo creen que afectó al género la tragedia de Cromañón?

G: Los que más sufrieron fueron las bandas chicas. Nosotros nos arreglamos con este tipo de lugares como la Trastienda o El Teatro, que no tenían posibilidad de ser clausurados. En ese sentido, creo que no nos afectó ya que seguimos tocando en sitios que estaban habilitados. Igual fue una cuestión de un año, año y medio. Después todo se volvió a equilibrar, y volvieron a surgir lugares chicos más seguros tanto para las bandas como para la gente.

-Blues Motel es una de las pocas bandas consagradas que sigue en contacto con la escena under sin olvidarse de sus orígenes.

A: Muchos chicos que tienen bandas nos escriben para tocar con nosotros, y siempre que tenemos la posibilidad de invitarlos en alguna fecha que organizamos por nuestra cuenta les damos una mano. El tema de Cromañón fue un golpe, pero siempre se buscan caminos alternativos, y como decía Adrián, las bandas de a poco se fueron acomodando de nuevo.

-¿Sienten que muchas de las bandas que ahora mueven multitudes parecen haberse olvidado del under?

A: No siempre. Existen bandas como La 25 y La Renga que invitan a bandas chicas. Inclusive la primera organizó una vez antes de tocar en Ferro un festival con todas bandas chicas.

-¿Qué balance hacen después de estos 20 años de trayectoria? ¿Qué experiencias les quedaron?

A: Que hayan pasado 20 años (risas)

G: Eso ya es una buena experiencia.

A: Además quedan millones de anécdotas, que uno las tiene presentes como si hubiesen sido ayer.

G: También el hecho de haber tocado por todos lados. En lugares chicos y grandes. Si bien nunca tocamos en Obras ni en River, en el resto de los festivales siempre estuvimos.

A: Conocimos lugares, viajamos al interior. Cuando empezamos jugando a tener una banda siempre se sueñan muchas cosas. Después con el tiempo, muchos de esos sueños se cumplieron y estuvo buenísimo.

-El hecho de haber grabado tres discos en un mismo año (2006) también debe ser algo que marca la historia de la banda.

G: Sí, es una experiencia que nos marcó.

-¿Cómo surgió el proyecto?

G: Surgió a fines del año anterior a la grabación. Fue una idea novedosa, un incentivo, como algo que nos motive. Lo bueno es que lo pudimos hacer.

- Las influencias de toda banda siempre quedan a la vista. Lo difícil es adquirir un estilo propio. ¿Cuándo sintieron que lo lograron?

A: A partir del segundo disco ya se nota el estilo de la banda. Igualmente creo que este surge a partir de una combinación de cada vez más influencias. Nosotros somos seis y cada uno escucha cosas distintas. De acuerdo a lo que cada músico le va agregando a un tema se va construyendo a la identidad de cada banda, sin salirse del rock, pero teniendo una personalidad y estilo propios.

-¿Están preparando un nuevo disco?

G: Estamos preparando y ensayando los nuevos temas para arrancar con la grabación lo antes posible. Es el primer disco que vamos a hacer con la producción total de Mariano Esaín (sonidista de la banda e ingeniero de grabación de los últimos discos).

-A diferencia de los discos anteriores ¿de qué se va a encargar Mariano?

G: Será el que elija los temas y se va a encargar de dar ideas sobre los timbres y melodías de las voces, de la estructura de las canciones y de que instrumentos se pueden usar o agregar.

A: Para nosotros es uno más de la banda. Tenemos los mismos gustos musicales y ha estado con nosotros en toda la última etapa. Creemos que esta buena su participación porque es una visión desde fuera pero hasta ahí. Es alguien en quien confiamos a la hora de grabar.

-¿No sienten que pierden un poco de esa independencia?

A: No. Siempre nos opusimos totalmente a que venga un productor de afuera. Pero en este caso es distinto porque él es uno más de nosotros aunque no toque ningún instrumento. Sabe qué es lo que queremos y qué podemos dar, y puede darle una vuelta de tuerca a lo que nosotros estamos buscando.

¿Cuándo estará en la calle?

A: Calculamos que para septiembre. Va a ser el décimo disco de la banda.

-Mirando a futuro, ¿cuáles son las expectativas que tienen?

G: Seguir grabando y tocando. Los sueños que nos faltan cumplir es tocar en lugares más grandes y llegar a más gente. Seguramente lo vamos a lograr en poco tiempo.

KAMELEBA, HIJO DILECTO DE SAN LUIS

Cuando los carteles de Kameleba empiezan a inundar la ciudad, San Luis se prepara para recibir al hijo preferido, al que hace la provincia un poco más conocida y valorada musicalmente.

Kameleba se presentó en Muro, teniendo previstas dos fechas, pero fue tan grande la convocatoria que se pensó en la posibilidad de una tercer fecha, algo totalmente inédito para cualquier banda de nivel nacional y, obviamente, para cualquier banda de San Luis.

Kameleba despidió “Sueño que va” y empezó a hacerlo con temas nuevos, porque comenzó esa Sensitiva Esencia y la gente de a poco se fue dejando llevar por el buen reggae root de la banda nacida en Villa Mercedes. Luego continuó con Semilla, canción que en el disco es interpretada con Goy de Karamelo Santo, y que en vivo es una de las más entonadas por los muchos seguidores. Hubo lugar para la nostalgia y los viejos temas sonaron como retomando viejas épocas de lindos comienzos cuando el sueño empezaba a rodar. Unos de los temas que la gente siempre espera es Esa voz, canción que en muchas radios a nivel nacional fue una de las primeras en escucharse.

Bajo presión la continuó y es el mejor momento para decir que no se está conforme con muchas cosas de la vida diaria de nuestro país. Conqueror y Sueño, que va siempre son momentos altos en los recitales, no iba a ser distinto. Black Samurai fue el gesto para aquellos seguidores del reggae de Alpha Blondy, y Nativo es ese himno como para dejar en claro las raíces del león del interior.

Luego, otras de las canciones del nuevo disco que por el momento pinta como para ser unas de las preferidas de la gente es Desamor Diplomático, temazo que seguramente sonará en todas las radios y en más de un desamorado. Luego, el siempre esperado homenaje a Bob Marley al que le siguió un tema del ayer, como esa hermosa canción que es Cartas Viejas.

Kameleba siempre habla de luchar, pero no se queda en la protesta sino que apunta a seguir con los sueños, a no rendirse. De ahí que No me rindo haya sido el más coreado de la noche.

Otro de los temas nuevos que se escuchó fue Fuerza y visión al que le siguió Intuición, Espejo y Tu calor, como quizás el momento más romántico de la noche donde las féminas a puro grito hicieron saber que le correspondían en todo a los muchachos de Kameleba.

Vibra sound es el tema nuevo que ya había sido presentado con anterioridad en San Luis, y si el león del interior ruge muy fuerte y en su provincia no rugen solos, los acompañaron mas de 1000 personas en dos noches espectaculares a puro reggae roots. Y si Conciente fue el tema final, con un “y dale, dale Kameleba” que daba lugar solamente para esperar el reencuentro.

El León del Interior es puntano, se llama Kameleba y seguramente seguirá rugiendo más fuerte.

7 DELFINES VUELVE A LA TRASTIENDA

El próximo domingo 5 de julio a las 20.30, 7 Delfines continuará presentando su disco "Carnaval de Fantasmas" en La Trastienda Club -Balcarce 460, Capital-.

Liderada por Richard Coleman, la banda se completa con Braulio D'Aguirre (bateria), Germán Lentino (bajo) y Diego García (guitarras y coros).

Además de presentar los temas de su última producción discográfica, recorrerán todos los álbumes de su carrera.

Como novedad, en este show estará disponible para la venta el DVD del concierto realizado en el Teatro Broadway de la Ciudad de Buenos Aires. Este DVD, de edición limitada, sólo podrá adquirirse en éste show de 7 Delfines, como un documento de colección de la banda, ya que no será distribuido por el circuito comercial.

Dirigido por Diego Panich, realizador de varios videos de 7 Delfines, las imágenes fueron registradas por 9 cámaras, incluye 17 temas, y para preservar el valor documental de la presentación, el audio original grabado en vivo no tiene ediciones ni sobre grabaciones posteriores.

ROKO + D-MENTE + SERGIO SANDOVAL

El viernes 10 de julio - 22:00 hs - captain blue (tillard 115)

ROKO ya nos tiene acostumbrados a los mejores fusiones artísticas. Cada uno de sus shows es una experiencia única e irrepetible y la presentación programada para el próximo 10 de julio no será la excepción. A la habitual contundencia sonora que ofrece la banda cordobesa y que cada vez suma más adeptos, en esta oportunidad se suman invitados de lujo. Por un lado la presencia de D-Mente, la nueva banda del ex A.N.I.M.A.L. Andrés Gimenez, que continúa presentando su último trabajo "Valiente Al Combatir" (2008) y por el otro el MC Sergio Sandoval, reconocido en toda latinoamérica por su estilo propio y enorme capacidad de improvisación a la hora de enlazar rimas de alta combustión en cada una de sus palabras.

Si ya fuiste a un show de ROKO sabes lo que genera la banda desde el escenario, una noche de pura adrenalina con letras de alto voltaje y que te dejan un mensaje a la hora de volver a tu casa. Además el grupo ya demostró que es la banda independiente de mayor capacidad organizativa y para el 10 de julio redobla la apuesta ofreciendo a su público, en el mismo escenario, artistas de proyección a nivel nacional, como es el caso de D-Mente y Sergio Sandoval. Este posiblemente sea el único show auto producido por ROKO en la ciudad de Córdoba durante el 2009, ya que la agenda del grupo para la segunda mitad de año incluye ingresar a estudios para registrar el primer material oficial y fechas confirmadas en Paraguay y Misiones (agosto), Bariloche (Noviembre) y a punto de ser confirmadas en Rosario, La Rioja, San Luis y Entre Rios. De esta manera ROKO se consolida como una banda federal que, lejos de enceguecerse por las luces de la Capital, elige otro camino, el más dificil, el de recorrer las provincias argentinas acercando su mensaje de lucha y resistencia a quienes más lo necesitan en estos momentos tan duros que estamos atravesando.

LOS GUASONES EN LA TRASTIENDA

La banda platense continua festejando sus 17 años de carrera y esta vez lo harán el día 12 y 13 de julio en la Trastienda Club, luego de los shows de mayo en el Luna Park.

El 12 y 13 de julio, Guasones se presentara en la Trastienda Club, continuando con los festejos por sus 17 años de carrera. "Esclavo", el ultimo trabajo de la banda, volverá a sonar junto con los viejos hits del grupo. Estos shows se realizaran después del excelente recital brindado el pasado 23 de mayo en el Estadio Luna Park.

Este ultimo disco editado este año, cuenta con la participación de Los Tipitos, Juanse y el Bolsa González en baterías, entre otros artistas invitados.

Las entradas para el 12 ya se encuentran agotadas, mientras que se estima que las del día siguiente se acabar en pocas horas. La cita es en Balcarce 460, a las 20.30. Las anticipadas se consiguen en boletería y a través del sistema Ticketek y sus puntos de venta.

MASSACRE EN EL LUNA PARK EL 7 DE AGOSTO

Massacre presentará su último disco, El Mamut, en el estadio Luna Park.

La banda liderada por el carismático Wallas tocará el 7 de a gosto a las 21. El show, según promete Wallas, será una "fuente de vitaminas y liberación mental". El último corte de difusión que viene sonando del grupo elegido por la bizarra Reina de Marte es La Epidemia.

El sábado 15 de agosto - 22:00 hs – en Captain Blue XL MASSACRE continúa embarcado en el "Mamut Power Tour", gira con la que seguirán presentando su último disco "El Mamut", por las provincias del país y localidades del gran Buenos Aires. Aclamado por la crítica, nominado al Album del año y al Premio Gardel de Oro junto a Andrés Calamaro y elegido Mejor Disco del Año en la encuesta del suple NO de Página/12 durante el 2007, "El Mamut" colocó a MASSACRE en los primeros puestos de las principales radios, revistas y señales especializadas, donde todos sus cortes contaron con una altísima rotación, tanto a nivel radial como televisivo.

Ayer considerada banda de culto y hoy consagrada por el público y la prensa, el grupo liderado por el gordo Walas llega a Captain Blue XL el sábado 15 de agosto junto a los locales Juan Terrenal, prometiendo estremecer a la audiencia con un show donde recorrerán toda su historia y rebelarán la esencia que hizo del sonido MASSACRE una marca registrada.

CIELO RAZZO Y EL BORDO JUNTOS

Cielo Razzo y El Bordo juntos el sábado 4 de julio desde las 18 en el Estadio Malvinas Argentinas. Consideradas dos de las bandas más convocantes del rock independiente en la actualidad y dueñas de extensas carreras por fuera de los circuitos tradicionales, Cielo Razzo y El Bordo darán un show conjunto en el Estadio Cubierto Malvinas Argentinas.

Por el lado del quinteto rosarino, será una excelente oportunidad para volver a escuchar las canciones de "Grietas", su placa más reciente, con la que recorrieron gran parte del país.

Fundada en 1993 en Santa Fe, Cielo Razzo debió esperar hasta 2001 para poder grabar su álbum debut. Titulado "Buenas", el material sirvió para que sus músicos se hicieran conocidos más allá de su Rosario natal.

El Bordo, mientras tanto, viene de celebrar durante 2008 sus primeros diez años sobre los escenarios, tras haber nacido cuando sus integrantes todavía estaban en el colegio secundario.

Desde entonces la agrupación mantiene todavía su formación original junto a un estilo sencillo y contundente que le valió desde sus inicios una gran aceptación entre los fanáticos del género, que se acentuó con la edición en 2001 de su disco debut "Carnaval de las heridas".

El año pasado "Yacanto" confirmó su evolución como banda y consagró a "El regreso" como un éxito radial. Ahora llegó el momento de consolidarse a nivel nacional.

El concierto de Cielo Razzo y El Bordo se realizará el sábado 4 de julio desde las 18 en el Estadio Cubierto Malvinas Argentinas, en Gutemberg 350.

LEÓN EN ESPAÑA

Luego de presentar su película “Mundo alas” en España, León Gieco se prepara para presentarse en España a través de seis conciertos: el primero en Las Palmas de Gran Canaria, el 4 de julio; en Madrid, el 7; en Barcelona, el 9; en Palma de Mallorca, el 11; en Granada, el 16; y en Málaga, el 18.

León anticipó que presentará “un show intimista e interactivo en el que el público jugará un papel protagonista”. Además, serán de la partida, como bandas invitadas, Joy Eslava y Einstein Sound System para el concierto a realizarse en Madrid, y Bikini y Neurótica en la ciudad catalana.

Su llegada a España tuvo que ver con una novedad cinematográfica: la presentación de “Mundo alas”, en la que debutó como director (junto a Sebastián Schindel y Fernando Molnar). Dicho film retrata las luchas cotidianas de un grupo de discapacitados que recorren el país mostrando sus vivencias. La película se estuvo presentando en el marco del Argencine 2009, organizado por el Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales y la Comunidad de Madrid. El correlato español del ciclo se prevé para el año próximo en la ciudad de Buenos Aires.

Gieco arribó a España sin material musical nuevo bajo el brazo. Su último disco, “Partida triple”, data de 2008 y consiste en un compilado de colaboraciones que León, ícono del rock nacional, supo hacer con diversos artistas.

MALDITA SUERTE

Maldita Suerte presenta el disco “Sangre, sudor y lágrimas”. Es el cuarto trabajo de la banda de Mataderos, un CD que contiene 13 temas. Grabado, mezclado, y masterizado entre los meses de junio y julio de 2008. Contaron con la presencia de un invitado de lujo el “Tano” Marciello.

En su cuarta producción de estudio, Maldita Suerte decidió jugar todas sus fichas a este proyecto ya desde la presentación y decidió acompañar el CD con un estupendo libro de lujo, casi bíblico, en el que las letras de los temas se encuentran dentro de historias de oprimidos y luchadores.

Con el sonido potente que caracteriza a la banda, en este disco se lo nota más compactos y más amplios a la hora de utilizar instrumentos. En “Sangre, Sudor y Lágrimas” encontramos pianos, teclados, guitarras criollas, coros. La incorporación de estos instrumentos es una de las cosas que más diferencian este disco de los anteriores, pero esto no logró ablandar el sonido de la banda.

La producción del disco corrió poscuenta de Germán Weidemer (productor del álbum y ex tecladista de Memphis).

Algo interesante es el arte del disco, un libro de tapa dura con cincuenta páginas, donde además se pueden leer varias historias en las cuales se encuentran entremezcladas las letras de los temas. Cuenta Juanjo vocalista de la banda: “…Nosotros siempre tratamos de hacer cosas diferentes desde el packaging, creemos que es algo copado que puede enriquecerlo. La idea general surgió de tres o cuatro cabezas: el libro lo propuso Gusty (guitarrista), la propuesta de que las letras de las canciones estén intercaladas con las historias la tiró el Colo (coordinador general) y entre Eduardo Vacelar (autor de las historias y colaborador de la banda) y yo nos pusimos de acuerdo para darle la forma final a las Historias/Canciones. Este último punto fue una de las cosas más difíciles pero confiamos en Edu ya que él escribe, tiene dos libros (“Desangelados” y “La rebelión Daltónica”), y al momento de decidir qué era lo que queríamos hacer no dudamos un segundo en darle esa responsabilidad a él.”

Los textos de “Sangre, Sudor y Lágrimas” se caracterizan por las historias contadas por personas que sufren, que viven oprimidas por el sistema pero que en el fondo tienen una luz de esperanza, de que todo puede estar mejor.

¿Estas historias representan también lo que vive Maldita Suerte cotidianamente?

JUANJO: Las historias representan a aquellas personas que están viviendo con nosotros desde este lado del mundo, los que ríen y sufren a nuestro lado. Somos una banda independiente que logró grabar su cuarto disco de la manera en que lo hicimos y nada nos es gratis, todo cuesta muchísimo, y no sólo es dinero, sino también tiempo, cada uno de nosotros deja muchas cosas de lado para lograr llevar adelante a la banda. Si no tomamos como ideal que al final de cada difícil camino va a estar finalmente la luz de esperanza no podríamos tener lo que tenemos.

Ustedes que siendo independientes se animaron a esta realización, ¿cómo ven el estado del rock actual en donde cuesta encontrar acciones de este tipo? ¿Creen que las compañías discográficas sólo pueden brindar más difusión pero no proponen cosas nuevas?

JUANJO: Creo que en realidad tener una banda independiente por momentos significa perder. No es descabellada la idea de hacer algo dentro de los modelos establecidos, tal vez lo descabellado es sacar un libro estampado de tapa dura con un disco adentro jajaja… Las discográficas hoy por hoy te ofrecen solo difusión y no mucho más, no se comprometen demasiado pero nosotros no les cerramos las puertas aunque sabemos que sería difícil que una compañía agarre una banda con nuestras ideas.

Segun confirmo Cristian Machado, productor y organizador de la llegada de Rata Blanca a La Rioja, que estaba prevista para el 19 de Junio, la banda estara arribando a la provincia en el mes de Septiembre. En dialogo con LA GOTERA DAK, Machado dijo que la suspension del evento respondio a que no se pudo concretar la contratacion del lugar para que la banda actuase.
Cristian en un contacto con los productores de la banda logro acordar que Rata Blanca llegara a la provincia en el mes de septiembre. El lugar tentativo seria El coliseo de la Quebrada.
Esperemos que se pueda cumplir y saciar la sed de los fanaticos que esperan por la llegada de Giardino y Cia.

Saludos.

NOTICIAS DEL ROCK DAK 19/06/09

NONPALIDECE

La banda de reggae está grabando su nuevo disco junto a Kenyatta Hill, el cantante de la banda jamaiquina Culture. Preparan una gira por Latinoamérica y cuatro Trastiendas a partir de mañana.

Por: Pedro Irigoyen- Para www.clarin.com.ar

Con su anterior disco de estudio, ya desde el nombre, Nonpalidece se propuso que sus canciones volaran hasta cada oído que se preste a recibirlas. Lo llamaron Hagan correr la voz, y lograron el objetivo. La banda creció, viajó y se ubicó entre los principales referentes del género en lo que se refiere al reggae en español en Latinoamérica. Ahora su principal desafío tiene una consigna: superarse.

"No hay desafío a nivel suceso, sino a nivel personal, y como banda, en la búsqueda que implica hacer un disco. Internamente no lo vivimos de forma diferente a los discos anteriores y siempre buscamos hacer algo que nos haga sentir orgullosos", aclara la voz del grupo, Néstor Ramljak.

Para la grabación de su próximo disco, convocaron a Kenyatta Hill, el heredero del fundador de Culture, Joseph Hill, que luego de la muerte de su padre dejó el rol que tenía en la banda como ingeniero de sonido para ponerse al frente del grupo con gran altura y estilo. Lo demostró en sus shows en Argentina en 2008. En esa gira, cuando fueron invitados a acompañar a la legendaria banda jamaiquina por Brasil y Argentina, fue que Nonpalidece cultivó su amistad con Kenyatta. "Grabar con Kenyatta fue revelador. Nos hizo trabajar de una manera que nunca habíamos abordado. Instantánea. No nos dejaba hacer más de un par de tomas. Sentía que la energía que surgía era suficiente".

El Cultural Reggae Tour 2009 los llevará el mes que viene rumbo a Perú, El Salvador, Guatemala, Costa Rica, Venezuela y Ecuador, donde sonará algo de lo que viene. "El próximo disco muy diferente a Hagan correr la voz. Va a ser el disco más roots de Nonpalidece. Sin dudas", dicen.

CABRA: EL CANDIDATO DEL ROCK

El líder de Las Manos de Filippi es candidato a legislador por el Partido Obrero. Calamaro expresó su adhesión.

Fuente: http://www.rollingstone.com.ar

Hernán "Cabra" de Vega, histórico cantante de Las Manos de Filippi y cuadro político del Partido Obrero (PO), enfoca su campaña como candidato a legislador por la ciudad de Buenos Aires desde una perspectiva bien rockera: "Cada día del post-Cromañón vemos los músicos cómo actúan estos gobiernos frente a un suceso dramático para la juventud (Masacre de Cromañon)", escribe en una carta que circula online en busca de adhesiones a su candidatura (a la que ya se plegó, entre otros, Andrés Calamaro). "Entregando todo a las compañías que imponen sus Jurados de productores notables. Quitando toda posibilidad de difusión a nuevas bandas creativas e independientes, instalando en beneficio de pequeños garcas bolicheros la política de pagar para tocar. Nada más lejos de un trabajador o de un joven con intención de expresarse."

Para eso el Cabra propone a los músicos "salir de la figura pomelesca e intervenir en la crisis capitalista en beneficio de la libertad y la posibilidad de crear". Viejo militante de izquierda, de Vega es la cara visible más activa del M.U.R. (Músicos Unidos por el Rock), un movimiento que pelea contra las condiciones laborales restrictivas derivadas de Cromañón y en pos de una democratización de los canales de producción y difusión. Su candidatura legislativa por el partido que lidera Jorge Altamira ya recibe adhesiones a votoalcabra@gmail.com y en el blog quelacrisislapaguenloscapitalistas.blogspot.com.

Uno de los que ya le dio su voto al Cabra es nada menos que Andrés Calamaro, quien días atrás posteó en su propio sitio web el siguiente texto: "Ya sé que hay una triple lectura para todo, que hay 'categorías' de votos, que votar en blanco es al pedo, que poner una foto de Isabel Sarli en el sobre también, que hay que ser un 'votante util' (o por lo menos un 'idiota útil') que... estas mismas cosas ya las saben ustedes, y si no las saben tampoco las van a entender ahora; pero la candidatura de Hernán de Vega (El Cabra) -ideólogo y vocalista de Las Manos De Filippi- es, a mi gusto, la auténtica 'candidatura testimonial' pero de la buena; testimonio de acción y conciencia, de querer despertar o despertarse, 'una vuelta de tuerca para salir de la nube de pedos donde estan los rockeros'. Pido perdon y pido permiso, señores, para saludar (desde este sencillo e insignificante forum) a mi compañero-camarada El Cabra. Y no solamente porque yo también cante 'El Himno del Cucumelo'. Cierro este espontáneo discurso escrito con mi apoyo (anarquista, práctico, plural y socialista) al candidato El Cabra, candidatura testimonial de la buena; y esperemos que más que eso... (quién sabe)".haber sido".

LA ACTUALIDAD DE CHARLY GARCÍA

Fuente: http://www.rollingstone.com.ar

Desde hace un mes, el músico está viviendo en Buenos Aires. Su encuentro con Luis Alberto Spinetta y la negativa a la reunión de Sui Generis.

Hace unos días, Charly García se encontraba ensayando en un estudio de grabación cuando irrumpió en el lugar nada más y nada menos que Luis Alberto Spinetta. Ambos músicos se miraron, se fundieron en un abrazo y el Flaco se alegró de ver a Charly en tan buen estado. Así marchan las cosas, hoy por hoy, en el universo del bigote bicolor.

Según informó su manager Fernando Szereszevsky, desde hace un mes García abandonó el campo de Ramón "Palito" Ortega ubicado en Luján para mudarse a la Capital Federal y avanzar en la etapa final de su intensivo de recuperación. Charly ensaya con sus músicos para su vuelta al ruedo, y descarta por el momento la vuelta de Sui Generis. Por otro lado, Szereszevsky informó que el doctor Pablo De Caso "no es su médico, ni lo trato jamás en el tema adicciones: sólo se encargo en la ultima etapa, en Luján, de la parte kinesiológica" del tratamiento de García.

Para finalizar, Szereszevsky desmintió un posible show de García en River. "Fue una imitación del Bebe Contepomi en el programa de radio de Roberto Pettinato, una broma, nada más", señaló el manager de Charly.

CLAUDIO O´CONNOR

No es habitual que un músico de rock sea reconocido en vida con pompas y honores por su comunidad, Claudio O´connor es nombrado ciudadano ilustre de Llavallol, Lomas de Zamora, Provincia de Buenos Aires.

El reconocimiento que se lo hizo la comisión de vecinos de la ciudad de Llavallol- de la que es oriundo- el reconocimiento fue en el Club Atlético de Llavallol y contó con la presencia de Sadaic, Argentores y representantes del Gobierno, ya que dicho evento fue nombrado de interés provincial y nacional.

El día sábado 13 de junio se le entrego de una placa, una reseña de su vida y la proyección del video "JUNGLA", en defensa de los bosques de Santa Catalina de Llavallol, Así en su pueblo natal, coronaron la mención para una de las voces más exponentes del rock pesado argentino.

JUNGLA: pertence a "Naturaleza Muerta", su última placa discográfica, una obra conceptual que critica al ser humano en su afán de destruir la naturaleza por completo.

Luis Alfa, cantante de RESISTENCIA SUBURBANA,

Habló antes de tocar junto a LOS CAFRES y ALIKA.

'SOLO QUIERO COMPROMISOS CON LA MUSICA'

Por: Ariel Hergott – Para www.uol.com.ar

Este sábado 20 de junio, el Estadio Malvinas Argentinas albergará la reunión de LOS CAFRES, RESISTENCIA SUBURBANA y ALIKA.

Luis Alfa, cantante y referente de Resistencia, habló de que significa tocar junto a las bandas mencionadas, contó sus impresiones sobre el hecho de no firmar contrato con compañías discográficas y adelantó como será el álbum que se viene:

UOLMÚSICA: ¿Que cambia para ustedes cuando afrontan un show donde tocan otros artistas?

LUIS ALFA: No cambia nada, lo bueno es la onda de poder poner en marcha la prédica del mensaje de unión que tiene el reggae. El hecho de poder reunirse con bandas de géneros diferentes siempre y cuando haya buena onda. Por ahí te toca alguna con la que no tenés química y es un bajón, pero son cosas que pasan...

UOLMÚSICA: ¿Que opinión tenes de Los Cafres y Alika?

LUIS ALFA: Los Cafres son una banda a la cual respeto por su trayectoria y permanencia dentro del reggae. No solo acá sino afuera han logrado despertar el interés por el reggae argentino y han abierto puertas para otras bandas. Alika incursiona en un género que está mas en auge en Costa rica y el Caribe, me gusta lo que hace y es una buena artista pero no tuvimos la chance de tocar juntos. Está bueno esto de juntar estilos diferentes para este show.

UOLMÚSICA: ¿Como nace tu contacto con la música y el reggae específicamente?

LUIS ALFA: Todo fue accidental en mi vida. Empecé a sentir atracción fuerte por la percusión, uno de los géneros que planteaba desafíos era el reggae y cuando me quise dar cuenta ya estaba absorbido y nunca más me aleje...

UOLMÚSICA: ¿Se consideran parte del ambiente reggae a pesar de que claramente sus letras van por otros carriles?

LUIS ALFA: Si, por supuesto. Somos parte de la cultura reggae y de la música en general. Los rótulos marcan una diferencia, pero nosotros hemos tenido convivencia con otros estilos, incluso rockeros que se acercaron al reggae por nuestras canciones. Básicamente lo que hacemos es reggae pero cuando hacés la mezcla le ponés algo de lo otro, que en nuestro caso es más de rock. Quizás es por eso que nos invitan a tocar en otros festivales que no solo son de reggae.

UOLMÚSICA: ¿Alguna vez te cansaste de ser independiente?

LUIS ALFA: No. Estoy muy tranquilo porque lo que busco es no tener compromisos más que con la música. Nosotros sacamos un disco cuando realmente maduró la cantidad de composiciones como para hacerlo, mientras que en una compañía tenés plazos y eso yo lo tomo como un ataque a mi tranquilidad. Saco un disco cada 3 años, no tengo talento para acortar los tiempos.

UOLMÚSICA: ¿Como es el proceso de composición de las canciones?

LUIS ALFA: No tenemos una forma bien definida, se va dando en los ensayos, por ahí los chicos se juntan a armar bases yo llego y la música me provoca algo y sale la letra. Otras veces yo tengo la letra y melodía. Lo que te puedo decir es que el proceso es muy tranquilo y relajado, ensayamos sólo dos horas por semana en un día específico. Nunca hicimos mas porque con eso nos alzanca. Estamos repartidos por toda la ciudad y se complica a veces el hecho de juntarnos, pero esas dos horas son religiosas. Nos beneficia el hecho de tocar mucho en vivo que nos permite sonar bien aceitados.

UOLMÚSICA: ¿Quien es la primera persona a la que le mostrás una canción terminada?

LUIS ALFA: Casi siempre a un amigo, al que mas cerca tenés. Te dicen que les generó tal o cual cosa. Como te contaba el hecho de sacar material nuevo tan espaciadamente genera otro tipo de ansiedad y receptividad...

UOLMÚSICA: ¿Como fue la experiencia de hacer el DVD en vivo?

LUIS ALFA: Fue muy novedoso todo porque incluso se armó de onda por medio de nuestro sonidista que tenía una productora. Se ofrecieron a hacerlo de onda, nosotros les alquilamos los equipos pero la edición la hicieron ellos junto con nosotros y tardamos un año desde que se grabó hasta que se editó.

UOLMÚSICA: ¿Si tuvieras que ele

gir un artista para que te acompañe en un disco o en un show a quien convocarías y porque?

LUIS ALFA: A José Larralde. Es superinteresante su manera de narrar la vida. Es el Bob Marley argentino, salvando las distancias de género. Es un tipo que admiro y me encantaría tenerlo arriba aunque sea payando.

UOLMÚSICA: ¿Cual fue el último libro que te impactó?

LUIS ALFA: Con es me mataste (risas). La verdad que no soy un gran aficionado a la lectura y no he leído nada que me haya partido la cabeza.

UOLMÚSICA: ¿Tienen material nuevo? ¿Cuando lo editan?

LUIS ALFA: Si, estamos sacando el disco próximamente en octubre o noviembre. Ya está grabado y se viene con el estilo que nos caracteriza, con letras con conciencia. Quizáz la diferencia es que no está tan dirigido a una protesta contra los políticos sino también a tomar conciencia de nosotros como sociedad. Buscamos la autocrítica en cosas puntuales, por ejemplo cuando uno se queja de los robos pero es el primero que está comprando cosas choreadas porque es más barato. Si uno cambia en sus pequeños actos, se puede ir buscando un cambio más profundo.

PEDRO Y PABLO

Convocatoria a la nostalgia y a los buenos tiempos

El mítico dúo de rock combativo, Pedro y Pablo (Miguel Cantilo-Jorge Durietz), festejó su estruendoso nacimiento hace 40 años a través de un emocionante y destacado concierto el miércoles por la noche en el teatro Maipo del centro porteño ante casi 800 espectadores.

Los veteranos y talentosos artistas que rozan los 60 años de vida se presentaron con una sólida superbanda de 16 músicos y volverán a hacerlo el próximo miércoles en el mismo escenario, aunque los organizadores revelaron a DyN que planean una tercera y última fecha posiblemente para el 1 de julio, dado el resonante éxito de taquilla y la gran demanda expresada por sus seguidores.

CRISTIAN "PITY" ÁLVAREZ

GRABÓ VIDEO CLIP DE LA CANCIÓN DE LA PELÍCULA "PACO"

En diferentes locaciones de la ciudad, Cristian "Pity" Álvarez se puso a las órdenes del realizador Diego Rafecas, quien dirigió el video clip del tema central de su nuevo filme, "Paco".

Pity interpreta "Transan", un rock de alto contenido contestatario que fue editado en su momento junto a Intoxicados, en el CD “Otro Día En El Planeta Tierra” del año 2005 y que refleja parte del espíritu de la cinta.

"La yuta transa, los chorros transan, / los pendejos transan, los viejos transan / Somos una banda, nos dedicamos a transar / a ninguno de nosotros nos gustaría trabajar", canta Álvarez en la primera estrofa de la canción.

Para el clip Rafecas capturó al singular cantante enfrente a la Casa Rosada, el Cabildo, la Catedral Metropolitana y el Palacio de Justicia, en obvias referencia a los círculos de poder que muchas veces terminan involucrados en el narcotráfico.

"Paco", cuyo estreno está programado para el mes de septiembre, busca llevar a través de su historia una denuncia sobre el gran drama social que se vive en la Argentina en los barrios de menores recursos económicos dominados por la droga.

El elenco protagónico de la cinta incluye nombres como Norma Aleandro, Tomás Fonzi, Luis Luque, Esther Goris, Sofia Gala Castiglione, Juan Palomino, Gabriel Corrado y Romina Ricci.

EL DISCO DE LA FRANELA

La banda liderada por el ex Piojos, Piti Fernández, tiene casi listo su primer material. Saldrá a las calles a fines de julio. Como adelante se presentarán en La Trastienda, donde mostrarán algunos de los temas que componen, su nuevo trabajo.

Pese a que no cuenta con el poder de convocatoria de Los Piojos, y no tener la difusión que tenía la banda que dejó, Piti Fernández está muy contento con su nuevo proyecto, La Franela. No es tan nuevo que digamos, ya que mientras el guitarrista giraba por el país con Los Piojos, mantenía paralelamente esta agrupación con amigos.

Ahora Piti le pone todas las fichas a La Franela y finalmente editará el primer disco del grupo. Se llamará “Después de ver”. La banda compuesta por Pablo Ávila (saxo), Diego Chaves (percusión y coros), José De Diego (coros), Chuky de Ípola (teclados), Daniel "Piti" Fernández (voz y guitarra), Martín “Tucán” Bosa, Fran Aguilar (guitarra y coros), Diego Módica (batería) y Lucas Rocca (contrabajo) estaría lanzando el disco a fines de julio.

Este álbum contará con 10 exquisitas canciones, todas compuestas por Piti Fernández. La producción artística estuvo en las manos del propio Piti y en las de Martín “Tucán” Bosa.

“Después de ver” cuenta con importantes músicos invitados, entre ellos Germán Daffunchio.

JUAN SUBIRA, EL COSTADO DOLIENTE DE LA DIASPORA BERSUITERA

Antología de la angustia

Fisura expuesta, el debut solista del tecladista de Bersuit, es un retorno a las fuentes para su creador –amante de Spinetta, Nebbia y King Crimson–, que extrañaba el trevimiento y la locura de los primeros años de la banda. “No me gustó el último disco de

Bersuit, pero ya estaba convencido de hacer lo mío”, dispara. Pero enseguida aclara que el grupo “todavía tiene mucho para dar”.

Por Cristian Vitale – Pagina 12

Tal vez sea el costado más doliente de la diáspora bersuitera: la música que propone Juan Subirá en su disco debut no es precisamente una exaltación de la alegría. La tapa muestra una herida que no cicatrizó sobre una piel rugosa. O un gusano de gala. Como fuere, impresiona. “Estaba en Las Heras y le di el disco a un cieguito, un bersuitero de aquéllos. Pasó los dedos y dijo: ‘Qué bueno está`”, tira él, como al pasar. Devenires del otro pelado, el que fundó Bersuit –antes que se llamara Bersuit– junto a Cordera, Carlos Martín, Pepe Céspedes y Charly Bianco, el que permaneció allí veinte años, tras su teclado laborioso, dando color, calor y densidad al péndulo de estilos que la banda desplegó en una decena de discos. “La idea de hacer algo mío la tenía macerada desde mucho antes, pero esperaba el momento apropiado, porque se sabe que la vida con Bersuit fue muy intensa. Creo que cada individuo, a su manera, estaba esperando transitar una experiencia personal. Esta es la mía”, afirma Subirá.

El cara a cara con el NO se da en una noche gélida, 40 minutos después de la primera muestra en público de Fisura expuesta, el disco. El Pelado II está cómodamente desparramado en el único sillón del camarín del Konex y su fraseo reo, por distintivo, logra superar el murmullo general. Habla del disco, de la historia de Bersuit, de La Salud de los Enfermos –la banda paralela que piloteó a principios de los ‘90–, de por qué ningún Dios te salva la vida –frase clave de Al borde– y de lo que significan para él tipos como Litto Nebbia, Luis Alberto Spinetta o Robert Fripp, un ideario musical que pudo exponer muy poco con Bersuit. “La verdad es que el disco es muy setentista. Me siento plenamente identificado con muchas bandas de esa época. La Salud de los Enfermos estaba muy identificada con cosas experimentales y locas como Crimson, ¿no? Eso también está impregnado en mí.”

–Mucha gente que seguía a Bersuit cuando era una banda de culto, le bajó el pulgar cuando se transformó en una banda de cumbia-rock.

–Claro, es la que siempre pide temas de Asquerosa alegría, o de Y punto, porque la banda en esa época era más osada, más atrevida. Es el lado más intimista que no proliferó demasiado en lo masivo. En un momento nos vimos presionados, necesitados de exponer la parte más festiva. Los conciertos empezaron a centrarse mucho en eso, pero hay una parte muy rica que tal vez se pueda ver mejor en estas partes solistas. Se metía en lugares que después fueron reemplazados por una cosa más de síntesis, de formato canción.

–La “gran Santaolalla”, digamos.

–Y... El nos ayudó a redondear ciertos códigos. Pero eso siempre tiene un tira y afloja; te da y te saca. Extraño la locura y la deformidad. Un disco como Asquerosa alegría no era tan fácil de digerir. Un día fui a casa con una chica, puse el disco y ella me dijo: “Siguen haciendo esa música paranoica (risas)”. Me pareció una definición increíble.

Fisura expuesta, entonces, reincorpora ese todo deforme e intenso que Bersuit había dejado de lado cuando llegaron el billete y la masividad. Sus 14 canciones son como oscuros lados B del éxito. En su mayoría se trata de temas que fueron descartados de algunos discos –en rigor, Subirá los define como una antología de su historia musical– y otros que el tecladista traía desde La Salud de los Enfermos: Cayendo arriba, El túnel, Suicidio fallido de un tango y Relatos de un antisocial, entre ellos. De los demos que no procedieron están Salvavidas de plomo y Al borde (Hijos del culo); El tango que no silbó, Ilusiones, Estación Constitución y Menos uno (La argentinidad al palo); y Milonga del plomero y Clásico día (Testosterona). Retoma Juan: “Una banda es como una sociedad, ¿no? Hay individuos que tienen un gusto, una manera de pensar, y más allá de que la banda nos represente a todos, hay otras cosas que también son importantes. Este trabajo es eso: es mostrar algo que por una u otra razón la banda no pudo absorber. En mi caso, elegí temas con los que me siento cómodo. Busqué un contexto y el disco se encalló en una zona de dolor, de pérdida y de angustia... Un lugar donde me siento bien”.

Indudablemente ése es el tono del disco. Cuando Subirá expone la fisura en el Konex, el marco no se parece en nada a un recital de Bersuit. Ni en cantidad de gente (lógico), ni en clima. Están todos sentados, escuchando. No hay revoleo de culos, ni alguna chica que amenace con mostrar las tetas. No hay fiesta sino música en estado convaleciente, desgarrada y bella por ratos (“Hay un dolor sediento de reposo/ expuesto, como un hueso roto”, se canta en Menos uno). “En realidad, las canciones densas me sientan bien, me identifican, pero en general son un poco resistidas, porque son viscosas, lentas. Por eso aproveché este momento. Dije: ‘Voy a hacer el disco que tenga ganas’, y la verdad es que no tenía obligación de ningún tipo, ni comercial, ni de compañía. Lo pagué yo, lo produje yo y entonces hice lo que se me dio la gana. Es lo que hay”, se planta.

–Hay, además, una veta instrumental que tampoco hubiese tenido lugar en Bersuit. Suicidio fallido de un tango dura casi diez minutos y no tiene letra.

–Tengo muchas ganas de hacer música instrumental, es algo muy rico. Además, la palabra también tiene su desgaste. Ojo, soy un amante de la literatura, pero la música en sí misma tiene una poesía que las palabras muchas veces no pueden alcanzar. Por eso en el disco hay instrumentales o pasajes musicales más prolongados dentro de las canciones. Me tomé libertades que en otras épocas eran totalmente naturales.

–Pese a esto, ¿tenés nostalgia de las épocas masivas de Bersuit?

–No. Las viví con mucha alegría, pero ese crecimiento me pareció un poco desmedido para un grupo que salió de un barrio y de repente un día llenó River. Es una cosa medio rara, pero bueno... Bienvenido fue ese momento. Me quedo con haber tocado en Obras y en Cemento. Eran lugares más adecuados para nosotros. Este momento tiene mucho de eso, ¿no? Agarrar el tecladito, ponérselo debajo del brazo, juntarse con los músicos en una piecita y tocar.

–¿Te costó la (re)adaptación?

–Sí. Incluso me resistía al hecho de pensar en volver a empezar todo de nuevo. Me costó un montón, pero viendo las cosas que estaban pasando, la dispersión y el tiempo libre que eso generaba, dije: “Loco, tengo que hacerlo ahora”. Y me di cuenta de que podía sentir la energía necesaria para encararlo.

–Cordera definió el momento de Bersuit como una floración. ¿Estás de acuerdo?

–De alguna manera, sí. Es un momento de enriquecimiento personal en el plano artístico, donde los integrantes estamos haciendo una experiencia paralela. Me encantaría poder dar todos los discos nuestros juntos en una caja, por ejemplo. Que se vendan así, y el que tenga la demencia de bancárselos y escucharlos, que lo haga. Eso también es Bersuit, sólo que los elementos que conforman la fórmula química están disgregados, separados.

–¿Cuáles son las razones?

–Bueno, veinte años de increíbles vivencias juntos, de momentos maravillosos y también de fracasos. Somos amigos, hemos compartido infinidad de fiestas, de viajes, de conciertos, e incluso muchos de nosotros fuimos amigos antes de la banda. Todo eso está y tiene su desgaste, aunque hayamos aprendido a convivir, a tolerarnos, a decirnos las cosas de frente. Bersuit tiene mucho para dar y estos caminos solistas nos pueden servir para crecer.

–El signo de pregunta que tituló el último disco, ¿fue un presagio de la diáspora?

–Muchos nos preguntamos lo mismo. La verdad es que no sé. No me convenció el título, porque era una cosa bastante trillada en ámbitos que tienen que ver con la publicidad y eso. No representaba la idea del momento, pero... Quizá, más allá de lo que yo piense, defina un momento en el que no se sabía bien qué pasaba.

–¿El disco te gustó?

–No. Pero, qué sé yo, ya estaba convencido de que quería hacer lo mío. Me imagino que a algún loco le habrá gustado.

GUSTAVO CERATI "FUERZA NATURAL"

Después de "Ahí Vamos" Gustavo Cerati emprendió en una gira maratónica que lo llevó por América Latina y hasta el Central Park. Exactamente un año más tarde de explotar al máximo ese material se vio inmerso en el regreso de Soda Stereo. Otra vez giras y shows en vivo que hasta incluso relegaron Mole, la por entonces flamante agrupación de Charly Alberti.

Dos años más tarde, lo ubican a Cerati otra vez completamente dedicado a su nuevo trabajo como solista, que según trasciende en su página web, se llamará "Fuerza Natural". Hoy se terminaron de mezclar en Unísono y con la producción artística de Gustavo y Héctor Castillo, los 13 temas que componen el álbum que estará disponible a partir de la segunda quincena de Julio.

En Nueva York se masterizará y lo novedoso es que no sólo se editará en CD sino que también verá la luz una edición en vinilo. Por su parte, el arte de tapa (que aún se encuentra en proceso) estará a cargo de Rock Instrument Bureau. ¡Al fin sucede!

FABIANA CANTILO: PREPARA NUEVO CD DE VESIONES DEL ROCK DAK

La cantante Fabiana Cantilo confirmó que está trabajando en un nuevo disco de versiones de clásicos del rock nacional.

La artista retomará el camino iniciado con "Inconsciente colectivo", el álbum editado en 2005 en el que rindió tributo a temas de Charly García, Luis Alberto Spinetta, Pedro y Pablo y Soda Stereo, entre otros.

"Se va a llamar 'En la vereda del sol', es un proyecto muy lindo con más temas de otros. Voy a versionar canciones de León Gieco, Celeste Carballo y Virus, además de la canción de Serú Girán que titula el nuevo proyecto", explicó.

Cantilo adelantó que está considerando grabar "Una canción diferente" o "Querido Coronel Pringles", de Carballo, y la inolvidable Wadu Wadu, del grupo de los hermanos Moura.

La intérprete de "Mary Poppins y el deshollinador" y "Un pasaje hasta ahí" comentó que el proyecto surgió porque tenía previsto grabar una nueva placa pero no contaba con suficientes composiciones propias para hacerlo.

"Es rarísimo lo que pasa con los temas que versiono, quedan como si fueran míos. Me encanta hacer temas de otros, es una faceta que disfruto mucho. A Fito (Páez) y Gustavo (Cerati) les gustaron mucho las versiones que hice de sus temas", expresó.

Por otro lado, Cantilo afirmó que está totalmente recuperada del pico de stress por el que debió ser internada a mediados de 2008.

"La gente después de 'pasar la tormenta' me recibió muy bien, con muy buena onda, mimos y mucho afecto. Los fans siempre están al mango, muchas personas cuando uno tiene una crisis y la sobrevive son bastante solidarias. Cuando salí de la clínica bajé un par de cambios. Sé que hablo mucho menos, estoy mucho más callada y meditativa, pero lo demás sigue igual", indicó.

WOODSTOCK, EL FESTIVAL QUE SIEMPRE VUELVE

Publicado por Alfredo Rosso el 17/06/2009

http://weblogs.clarin.com/revistaenie-consecuencias/archives/2009

No me malinterpreten: hablo del original, del de 1969 que ahora cumple… ¡40 años! Podríamos pasarnos muchas horas debatiendo si aquel mega-festival realizado en la granja de Max Yasgur entre el 15 y el 17 de agosto del ’69 fue el final del cándido pero poderoso idealismo de los años ’60 o el comienzo de una nueva conciencia joven con el rock como eje. O ambas asimetrías a la vez, como decía aquella vieja propaganda de una famosa óptica. El hecho es que, en una época en que no había televisión por cable (la que existía ni siquiera era cromática…), ni Internet, ni Messenger, ni canciones y videos bajados del ciberespacio como por arte de magia, ir al cine a ver Woodstock encendió la imaginación de toda una generación adolescente. Y yo estaba entre ellos.

Había pasado poco más de un año desde la realización del festival. Primero llegó el álbum, triple, majestuoso. Y poco después, la película. Se estrenó en el cine América, de la calle Callao entre Marcelo T. de Alvear y Santa Fe y fue un doble estreno, porque el cine también era flamante y se inauguraba precisamente con esta película. Acostumbrados al sonido común de cualquier sala, la sorpresa fue mayúscula cuando, ya al pasar los títulos de apertura, comprobamos que la música (“Long time gone”, de Crosby, Stills & Nash) salía en estéreo, pero ya llegamos al asombro poco después, al ver que la música provenía del frente, de la pantalla, como debe ser, pero que el ruido ambiente de la gente, los anunciadores, los helicópteros y demás, provenía de los parlantes que estaban en ambos costados del cine, dando una sensación de estar metidos dentro del festival, en lugar de ser meros espectadores.

Pero la emoción iba in crescendo porque, de la manera que estaba pensada, la película te metía de a poco en el clima de Woodstock. Te mostraban cómo araron el campo, como se fue armando el escenario, pieza por pieza, como subieron los reflectores y armaron los equipos, como iba llegando las diferentes oleadas de público, con declaraciones de los vecinos, algunos “progres” a favor, y muchos otros –asustados por la marea humana que se les venía encima- claramente en contra. De pronto, ¡la música! Richie Havens proclamando “Freedom! Freedom!”, un canto de liberación primal que erizaba la piel.

Y claro, después… la maroma. Crosby, Stills & Nash y su pacífico folk en la noche fetivalera. El electrizante paso de Ten Years After y “I’m goin’ home”, con la guitarra de Alvin Lee a mil. Los Who enojados, enchufados, mágicos paseando el tema final de “Tommy” y una tremenda versión de “Summertime blues”, el clásico de los ’50 de Eddie Cochran. Los shows consagratorios de Santana, Joe Cocker, Sly & the Family Stone (que nos daba cierta aprensión en aquel entonces, porque todavía no entendíamos muy bien que era ese funk militante…). ¡Y qué decir de ese final melancólico, quemante de Jimi Hendrix y su “Star spangled banner”, el himno estadounidense repensado para la era de Vietnam y del renacimiento de la nación negra! Más impactante fue pocos días después, cuando la segunda o tercera función de Woodstock coincidió con la muerte de Jimi… ¡La gente salía llorando a mares del América!

Como suele decir mi amigo Fernando Pau, socio en los talleres de Historia del Rock de Artilaria y dueño de la gran disquería Abraxas (donde aún se consiguen perlas suntuosas en formatos tangibles, síííí, con tapas, letras, detalles, comentarios y un sonido diáfano tal cual fue concebido por los artistas), el mundo quedaba mucho más lejos que ahora en 1969, y por eso, ver por primera vez y en condiciones ideales a muchos de nuestros ídolos rockeros de los que hasta ese entonces sólo teníamos una vaga idea de cómo vestían, como se movían sobre un escenario y cómo sonaban realmente en vivo, fue una revelación, una auténtica epifanía digna de James Joyce –y no se me escapa que estoy escribiendo esto el 16 de junio, Bloomsday, el día del Ulysses- , quizás por eso Woodstock nunca bajó realmente de cartel, porque del América pasó brevemente al Normandie de la calle Lavalle para luego adquirir status de cosa mítica en los prolongados trasnoches de los sábados de otro cine desaparecido, el Ritz de Avenida Cabildo y Olleros, donde duró en exhibición más de tres años hasta que –según cuenta la leyenda- en épocas aciagas, fue destronada por un vecino pundonoroso y quisquilloso quien, posiblemente insomne debido a tanta bullanga juvenil, tocó ciertos resortes del poder para que cesara su proyección.

De todas maneras, ¿quién nos quita lo bailado? Hoy quienes quieran saber a qué venía tanta alharaca pueden alquilarla libremente en cualquier video club y recorrer sus cuatro horas de duración (en la versión Director’s cut) o bajársela de Cadorna’s Torrent y mirarla en la computadora, pero algo me dice que –si bien la magia del producto original es la misma- hay algo del viejo lema de Marshall McLuhan que en este caso se justifica: “el medio es el mensaje” y no sé si los corazones primerizos que lleguen hoy a Woodstock palpitarán con la misma sensación de zeitgeist que tuvimos los que la vivimos con la intensidad de un primer encuentro amoroso hace ya 40 años.

Pero ahora, basta de nostalgia y pasemos al presente. Como todos los mitos, Woodstock tiene su industria y, bueno, no hay nada malo en ello. Sobre todo si piensan, como ahora, descorrer el velo de tantas actuaciones que, por diversos motivos, quedaron afuera de la película y muchas veces también de la banda sonora. También se ha dado el caso de artistas famosos que estaban representados en el disco en forma un poco “amarrete”. Pero claro, eran tiempos de vinilos y de menores capacidades de música por lado. Pues ahora Woodstock ha vuelto con todo. Para quienes disfrutan de lo tradicional, en estos días salieron en Argentina los dos álbumes con música del festival tal cual fueron editados en 1970 y 1972 respectivamente pero con una remasterización sonora acorde a la era digital y también con pertinentes comentarios explicativos. Ahora bien, para auténticos fanáticos del festival de festivales, el 18 de agosto se viene la caja para terminar con todas las cajas: nada menos que 6 CDs recopilando 77 canciones de Woodstock, entre ellas muchas nunca antes disponibles, como una versión de casi 20 minutos de “Dark star”, el clásico de los Grateful Dead; “Amazing journey” y “Pinball wizard” de los Who, “Feelin’ alright” de Joe Cocker, “Bad moon rising” de Creedence Clearwater Revival, “You’ve made me so very happy” de Blood Sweat & Tears y varias otros temas no escuchados de artistas tan diversos como Tim Hardin, Joan Baez, Country Joe & the Fish, Melanie, Johnny Winter, Incredible String Band y muchos más.

La caja saldrá unos 80 dolarucos, pero por esa bicoca, tendremos la versión del “Woodstock boogie” de Canned Heat, restaurada a los 30 minutos que duraba el original, entre otras varias delicias. Los productores Andy Zax y Mason Williams fueron los encargados de recopilar esta caja que editará el sello Rhino, trabajando sobre las cintas originales multipista grabadas durante el evento. La meticulosa investigación que realizaron permitió, además, poner a los artistas y a las canciones en el orden correcto en que transcurrieron. El libreto que acompaña a los 6 CDs tendrá una minuciosa serie de datos del festival, incluyendo el repertorio completo que tocó cada músico.

Nada es perfecto: una actuación que brillará por su ausencia es la de “Goin’ home”, de Ten Years After, ya que la banda no dio su autorización para que sea incluida en la caja. The Band y Keef Hartley Band fueron los únicos otros artistas que prefirieron quedarse afuera, por motivos que no fueron dados a luz. De todas maneras, para los completistas más recalcitrantes, siempre hay un recurso al que acudir, ya que hay en circulación varias fuentes alternativas de canciones provenientes del legendario festival. Es cuestión de paciencia y buena suerte. De todas maneras, este tipo de coleccionistas difícilmente resista el canto de sirenas de la monumental caja de Rhino. Y créanme que sé de lo que estoy hablando…

LOS INSULTOS MAS REPETIDOS DE LA SECUNDARIA

Hay una bomba en el colegio

Fuente. Suplemento SI Clarin - Por: Nicolás Artusi

Mientras padres y docentes se preocupan por el "bully", una encuesta del Sí! pone en palabras impresas la agresión verbal. Bienvenidos al infierno escolar. Bonus track: Leé la opinión de UNICEF sobre el "bully".

"Negro de mierda": ni los seis casos de factoreo ni los ríos de Europa ni los presidentes argentinos ni los versos célebres de La vida es sueño ("¡ay, mísero de mí!"); "negro de mierda" es lo que más se repite en los colegios secundarios. Si para el gafotas director de cine Todd Solondz (Mi vida es mi vida o Palíndromos) los estudiantes sólo deben conocer dos palabras como recurso darwiniano para sobrevivir en la jungla de las aulas ("maricones y retardados"), y mientras padres y maestros se desvelan por la violencia escolar, una cartografía del insulto diario pone en palabras impresas la agresión, que no es sólo física.

En la Argentina, la escuela es el segundo ámbito más discriminatorio (después del trabajo, lo dice una encuesta del Instituto Nacional contra la Discriminación, el INADI). Una historia reciente de la cultura pop resume los pesares del "bully" (con películas y videojuegos titulados así, Bully), pero más que una anécdota para explicar adolescencias conflictivas, el insulto es una pesadilla cotidiana que empieza cuando empieza el día: a las 7.20, el horario tan absurdo como nocturno en que abren los colegios. Mientras se difunde el dato de que el 10 por ciento de la población argentina hoy viene del Paraguay, Bolivia o Perú, una encuesta del Sí! entre 1.200 alumnos secundarios devela una idea aberrante de "supremacía blanca" para elegir el agravio: "Ser un negro de mierda lo determina las cosas que hace una persona", explica Ignacio (17), alumno del Nacional Buenos Aires: "Usar llantas con resortes y gorra constituyen el identikit del cabeza".

¿Qué onda, boludo? Asumido como vocativo, "boludo" no aparece en la encuesta que preguntó sobre insultos dichos con la manifiesta intención de agredir. De ahí que aquel concepto de "negro" (y sus variantes: "villero" o "cabeza") sea más punzante. "Los jóvenes suelen tomar un insulto como habla coloquial", distingue la profesora María Inés Abrile de Vollmer, subsecretaria de Equidad y Calidad del Ministerio de Educación: "Pero es grave cuando se usa como agresión social". Con un DJ que instaló como campaña el provocativo "¡Bailen, putos!", ¿es "puto" el "boludo" del 2010? "Jamás es inocente: el insulto reproduce un estereotipo. Cuando le decís a otro 'no seas puto' o 'boliviano', estás aceptando que eso tiene características negativas", dice María José Lubertino, directora del INADI: "Lo grave es que esto pasa en la tele, en el fútbol o en la escuela, que no está aislada del mundo exterior". Y, si fuera cierto el refrán sobre la casa del herrero, Lubertino se lamenta: "Tengo un hijo de 12 años que no para de decir 'maricón'".

Ahí donde la novelita juvenil dividió un mundo entre divinas y populares, y mientras la puteada se extienda como una mancha humana, ¿hay una bomba en el colegio? "Hace unas semanas, Carl Joseph Walker-Hoover, un chico de 11 años de Springfield, se ahorcó después de meses de ser acusado por sus compañeros de 'puto'", se lamenta Judith Warner en su blog Domestic Disturbances del The New York Times: "En los Estados Unidos, combatir el bullying se convirtió en una obsesión nacional, sobre todo después de Columbine. Aunque todo sigue igual" (ver página 8). El tema se disparó en el correo de lectores del diario gringo, donde el director de un colegio se declaró harto de que los alumnos hablen de derechos humanos o se compadezcan de la hambruna en Darfur pero le digan "gordo forro" al compañero excedido. Según las encuestas, el sobrepeso es la causa número 1 de insultos estudiantiles en EE.UU.; acá, "gordo" comparte los fondos de la tabla con el impreciso "astilla" o el xenófobo "peruano".

Así, más que un templo del saber, la escuela puede ser un campo de batalla, donde el prejuicio de género acusará de "conchudo" al varón y de "trola" a la mujer. "La propia dinámica de la escuela es discriminatoria, porque presenta altos niveles de expulsión", relativiza Elena Duro, especialista en Educación de la UNICEF: "Más del 35 % de los que ingresan a la secundaria no egresa". Aun con docentes sobrepasados y víctimas que no pueden defenderse, la escuela debería tomar partido por los débiles: "Hay que formar a los maestros, que muchas veces se desentienden del tema", dice Lubertino. El INADI lanzó el programa Escuela Libre de Discriminación (escuelas@inadi.gov.ar) para que, además de enseñar, los docentes aprendan: ¿cómo hay que parar una clase si sucede un hecho de discriminación?

¿Negro? ¿Conchudo? ¿Verga flotante? "Los insultos que más duelen son los que discriminan", razona Alejandro (17), alumno del Buenos Aires que aboga por una igualdad social en la puteada: para él, es tan ofensivo "villero" como "cheto". Hasta que la lucha contra el acoso no sea prioridad en las escuelas, generaciones de alumnos seguirán padeciendo lo mismo que el protagonista de La maravillosa vida breve de Oscar Wao, la novela iniciática de Junot Díaz: "La secundaria era el equivalente de un espectáculo medieval, como si lo hubieran puesto en el cepo y forzado a soportar que una multitud de semianormales le tirara todo tipo de cosas y le gritara ultrajes, una experiencia de la que debió haber salido mejor persona, pero que no resultó así.", se escribió, y la moraleja habrá sido más penosa que edificante: "Y si existía alguna lección que aprender de la tortura de esos años, él no tenía la menor idea de cuál podía haber sido".

SIG RAGGA PRESENTA SU DISCO DEBUT

Cultor de un estilo que tiene como base al reggae pero que se nutre de otros géneros y disciplinas artísticas, el grupo Sig Ragga presentará el sábado en The Roxy Live Bar su primer disco.

Con doce años de trayectoria, este conjunto santafesino lanzó recientemente su debut homónimo, un álbum en el que el ritmo jamaiquino por excelencia se fusiona con rock, jazz y músicas tradicionales de América Latina.

Aunque la propuesta de esta agrupación cobra su máxima expresión en vivo, con un singular cruce de música, teatro, cine, diseño y artes plásticas.

“El reggae fue una excusa, aunque creo que más que reggae lo que hacemos es música negra. Es un lugar para empezar a contar y desplegar otras disciplinas artísticas. Ese collage tiene que ver con una mirada que apela a la no linealidad, a las múltiples lecturas. Y hacer esa metamorfosis con el reggae tiene que ver con la idea de que tenemos de que los géneros tienen que conversar entre ellos. Hay un punto en el cual las fronteras se derriban y queda esa universalidad del ser humano.” Dice el cantante y pianista Gustavo Cortés.

Sus letras están inspiradas en La vida misma, las injusticias el dolor. “El dolor es un motor importante para el acto creativo,….Pero no es el dolor melodramático sino el dolor respecto a ciertas cuestiones de la existencia humana: la muerte, la no certeza en un montón de cosas. Es un proceso que forma parte de la vida. También nos motivan cosas que me pregunto sobre el mundo, sobre el sentido de las cosas, las relaciones humanas. El amor, pero no de dos personas, sino en sentido amplio.” sentencia

Más duetos de Mercedes

Luego de la postergación editaron “Cantora 2″, la segunda parte del disco de Mercedes Sosa a dúo con grandes figuras de la música popular argentina.

En este segundo álbum, que ya está en las disquerías, Mercedes comparte micrófono con Charly García (”Desarma y sangra”), con Gustavo Cerati (”Zona de promesas”), con Fito Páez (”Zamba del cielo”), con Vicentico (”Parao”) y con Cordera (”El ángel de la bicicleta”, de León Gieco), entre otros.

El tema con Charly, de la época de Seru Giran, fue registrado en la estancia que Palito Ortega tiene cerca de Luján, durante la reclusión de Charly. “Palito tiene un estudio muy grande. Charly está muy bien, está cantando con la voz dulcecita como tenía antes; y está gordito de cara. Ojala hubiera estado así cuando fue a Mendoza”, relató con cariño Mercedes.

1. Zona de promesas, con Gustavo Cerati

2. Desarma y sangra, con Charly García

3. Canción para un niño en la calle, con Calle 13

4. Parao, con Vicentico

5. Zamba del cielo, con Fito Páez y Liliana Herrero

6. Razón de vivir, con Lila Downs

7. El ángel de la bicicleta, de León Gieco, con Gustavo Cordera

8. Violetas para Violeta, con Joaquín Sabina

9. Jamás te olvidaré, con Marcela Morelo

10. O que será o (À flor da terra), con Daniela Mercury

11. Cántame, con Franco de Vita

12. La luna llena, con Rubén Rada y La Chilinga

13. Canción de las cantinas, con Alberto Rojo

14. Donde termina el asfalto, con Coqui Sosa

15. Insensatez, con Luis Salinas

16. Misionera, Luis Carlos Borges

17. Y así, así, con Luciano Pereyra

18. Himno Nacional Argentino, con Los Folkloristas

En el primero de los discos editados participaron Luis A.Spinetta, León Gieco, Pedro Aznar y Joan Manuel Serrat, entre otros.

Mancha de Rolando – nuevo disco en bien de abajo

En medio de la crisis de ideales, la crisis de valores y la crisis económica nace “Sequía”, canción adelanto del nuevo trabajo e la mancha que esta próximo a lanzarse a finales de este mes.

El CD sin nombre definido, cuanta con la producción de Álvaro Villagra que ya trabajo anteriormente en la producción del disco Espíritu.

EL ROCK CONTRA LA TRATA DE PERSONAS

Bajo el lema de “Ellos tratan, nosotros podemos” se realizará una gira nacional para llevar a todo el país la problemática con la trata de personas. En este primer recital, a realizarse en Tucumán, estarán Kapanga, Arbol, D-Mente y Karma Sudaca, entre otros.

Se llevará a cabo una gira nacional de shows y encuentros artísticos para concientizar y luchar contra la trata de personas. El primero será el próximo 20 de Junio a las 17 hs. en la Ciudad de Tucumán y se llevará a cabo en el Club Floresta (Av. Colón 471).

Contará con la presencia de KAPANGA, ÁRBOL, D-MENTE, KARMA SUDACA, LA BANDA DE TU HERMANA y LA SUECA.

Las entradas están a la venta a partir del lunes 8 de junio en la Fundación María de los Ángeles (Córdoba 381) y en los locales Chaco y Draco de la Ciudad de Tucumán.

La trata de personas es un crimen que ha dejado miles de víctimas en todo nuestro país y está creciendo de forma indiscriminada.

Por eso, estos encuentros multidisciplinarios irán recorriendo las provincias de Argentina.

Dichas presentaciones tienen dos objetivos:

- Movilizar e involucrar a la población en la lucha contra la trata de personas y solidarizarla a favor y el respeto por la vida.

- Recaudar fondos que serán destinados a la construcción de casas para asistir a las personas que fueron víctimas de la trata de las personas. Esta asistencia será brindada por la Fundación María de los Ángeles, dirigida por Susana Trimarco.

¿De qué se trata la problemática?

- 6.000.000 de personas cada año son víctimas de trata de personas, de las cuales 4.000.000 son adultos y 2.000.000 son niños.

- El 90% de las víctimas son mujeres o niñas.

- El negocio ilegal mueve 32.000 millones de dólares al año, de los cuales el 85% proviene de la explotación sexual.

- Está desplazando al narcotráfico del segundo lugar, como negocio ilegal más lucrativo.

De acuerdo a la información que se posee sobre Argentina, el grupo con mayor riesgo de convertirse en víctima de trata para la explotación sexual está compuesto por mujeres y niñas con bajos niveles de escolarización, pertenecientes a grupos familiares numerosos y con necesidades básicas insatisfechas, donde la mayoría de sus integrantes se encuentran desocupados o realizan actividades primarias no calificadas por las que perciben ingresos extremadamente bajos.

La Fundación, que organiza ELLOS TRATAN NOSOTROS PODEMOS, fue creada por Susana Trimarco, mamá de Marita Verón quien fue secuestrada el 3 de abril de 2002 por una red dedicada a la trata de personas para la explotación sexual.

En su afán por encontrar a Marita, Susana logró recuperar más de 150 mujeres y jóvenes víctimas de este flagelo y sabe por su experiencia cuáles son las necesidades de estas personas forzadas a ejercer prostitución.

Con el propósito de dar asistencia integral e inmediata (tanto a la persona como a su familia), Susana fundó esta organización que lleva el nombre de su hija, aún desaparecida.

La Fundación inició sus labores el 19 de Octubre de 2007 en San Miguel de Tucumán, desde su inicio se han generado acciones concretas en la lucha contra la trata de personas teniendo como pilares de las actividades la prevención, la protección y la asistencia integral a las víctimas y a su grupo familiar. Para ello, ha logrado consolidar un equipo integrado por profesionales idóneos par la gestión y el servicio conforme a cada disciplina.

CONFIRMADO

El Indio Solari brindará un show en Salta el 19 de septiembre

En lo que será su único show de 2009, el frontman se presentará el 19 de septiembre en Salta. El rumor venía corriendo desde hacía unos días a través de Mundo redondo (uno de los principales fan sites ricoteros) y de la página web Rock Salta, y RS pudo confirmarlo: en lo que será su único show de 2009, el Indio Solari se presentará el día 19 de septiembre en Salta, posiblemente en el estadio Padre Martiarena de Salta Capital.

Próximamente las localidades se pondrán a la venta. Seguiremos informando.

'LAS CRISIS SIEMPRE SON OPORTUNIDADES'

Por: Florencia Mon - para UOL música

Guitarrista, cantante, compositor y productor de varias bandas, el líder de Los Pericos habló en exclusiva a días de su próximo show y nos contó de todo: sus inicios con la música, su pasado y presente en Los Pericos, su relación con el Bahiano y muchas cosas más.

¿Cómo fueron tus inicios con la música?

JUANCHI: Empecé como todos con una guitarra criolla tocando canciones de Sui Generis con un profe de barrio, después me compré una eléctrica y bueno de la música que escuchaban mis hermanos yo después empecé a escuchar rock por mi lado y formando mis gustos y estilos, rock, heavy metal, hard rock, y así fue como empecé tocando, creciendo, aprendiendo…

¿Cuáles son tus influencias musicales?

JUANCHI: Yo fui “beatlero” de siempre, cancionero… me gusta esa rama. Para mi la música tiene que ver con canciones, no solo con instrumentos. Si la canción esta buena me subo. He escuchado de todo y soy bastante “esponja” con la música.

¿En qué te inspirás para componer?

JUANCHI: Creo que siempre algo te detona, una idea, una frase, un disco escuchado que te inspira a agarrar la guitarra y hacer algo. Si bien capaz uno quiere hacer algo “parecido a” nunca va a ser igual. Depende de la cultura musical de cada uno. Es un trabajo hay que hay que hacer.

¿Qué sentís que le aportaste y le aportas a Los Pericos?

JUANCHI: Lo que aportamos todos: pasión, ganas, entusiasmo, diversión, hambre de más, ambición. Es un tren que no para nunca. La energía la ponemos todos, somos la rueda del tren que empujamos todos, es parejo. Es un equipo y siempre lo fue en la forma de trabajar, producir, componer y de empujar para adelante. El aporte es el mismo que hacemos todos.

¿Qué show te quedo más grabado en la memoria, que fue más importante para vos desde arriba del escenario?

JUANCHI: Hace poco en la gira por México, el de Guadalajara fue tremendo, no solo por la cantidad sino por la calidad de gente, gritando, cantando, saltando, vibrando… fue tremendo.

¿Qué banda disfrutaste más ver en vivo?

JUANCHI: Van Halen en el ‘83, en Obras. Porque era más chico y tenía más capacidad de sorpresa, me encantó.

¿Qué le aportaste a Estelares, cómo surgió producirlos?

JUANCHI: Hace mucho ellos me dieron un demo, en el ‘99 o 2000 y estaban sin contrato, estaban varados. Y bueno, me gustaron, les propuse a hacer el disco en los huecos que tenía libres y así fue como surgió “Ardimos”. Los lleve a compañías, me senté con Roberto Costa, le gustó y lo editamos. Después salió “Sistema Nervioso Central” que explotó y después el último, que es consagratorio. Es gente que quiero mucho, que tengo una relación afectiva. Hay una cuestión de química que da resultado y que hay una relación humana y a la vez familiar que me hace sentir cómodo, como me pasa con Pericos. A mi me llena de placer que les vaya bien, se lo merecen.

¿Cómo ves la escena del rock nacional actual?

JUANCHI: Por un lado hay muchas cosas nuevas y por otro en la cima hay problemas parece. Es una etapa de cambios, transiciones. Nosotros ya somos egresados de esa etapa y es lógico que a veces pasen estas cosas. Cada banda tiene su forma de conectarse con el resto de los miembros, pero a veces hay choques y cuando pasan esos cimbronazos, si bien son dolorosas las partidas, y si bien es caótico para los fans, las crisis siempre son oportunidades.

¿Cómo es tu relación hoy día con el Bahiano?

JUANCHI: No tenemos relación, ningún tipo de relación.

Como productor, ¿qué consejo le darías a una banda para crecer, cuáles son los requisitos para “llegar”?

JUANCHI: Las bandas tienen que tener una base técnica, saber tocar, tener dominio de los instrumentos. Pero además tienen que desarrollar un estilo propio. Está mal que arranquen queriendo imitar. Que no le tengan miedo a querer sacar un estilo propio, mezclar cosas y ver que se puede hacer. Que sean permeables a influencias, a los cambios y a seguir la inspiración. Si su potencial esta en hacer un estilo en particular u otro, que indaguen sobre lo que mejor les sale porque una banda será lo que tenga que ser sino no será nada.

En cuanto a Los Pericos, a 23 años de los inicios, ¿en qué etapa creen que está la banda, considerando que tuvieron momentos de apogeo y de caídas?

JUANCHI: Creo que Pericos siempre tuvo etapas cíclicas, y dentro de esa rueda, nunca volvió a ser lo mismo si no que cada etapa produjo que nunca vuelva a ser lo mismo. Estamos como el disco, en un momento de pura vida y eso se nota, por eso el disco funciona tanto afuera, en Costa Rica, México… allá pego muchísimo. Estamos viendo eso, que la frescura la gente la recibe. Por eso el show del 20 va a estar bueno, vamos a presentar el disco y de la manera que queríamos hacerlo: gratis, a beneficio, tocando temas clásicos como también temas nuevos, rarezas. Además hacerlo gratis y a la tarde trae otra onda, más frescura. Es perfecto porque es lo que queríamos hacer hace mucho tiempo.

¿Qué tiene “Pura Vida” que no tengan los discos anteriores de Los Pericos?

JUANCHI: Yo creo que no es algo que no tenga, siempre hay cosas “pericas”. Lo que tiene de diferente de “7” es que es una mochila más liviana. Las guitarras daban sensación de puños cerrados, dientes apretados. También como yo era la primera vez que cantaba en una banda, ya ahora esa carga se aliviano, por eso éste disco tiene más frescura como los primeros y la experiencia de los últimos. Nunca un disco se parece a otro porque tiene la carga de la experiencia. Uno no es tan ciego como en discos anteriores pero a la vez paradójicamente le aporta frescura y experiencia.

Como antes contabas, el 20 van a estar dando un show a beneficio, ¿qué sigue después?

JUANCHI: Gira por Venezuela en agosto, una gira grande de 10 shows, después Puerto Rico, Estados Unidos, y después a dar vueltas por todos lados. Seguir presentando el disco y a fin de año empezar a pensar en el próximo. Pero bueno por ahora gira por el interior y el exterior. A fin de año tal vez hagamos un show acá en Buenos Aires.

Para terminar, si tuvieras que elegir una de las dos: ¿Juanchi cantautor o Juanchi productor?

JUANCHI: Cantautor. Porque es algo nuevo en un punto, y me gusta eso. Lo de producir también me gusta, pero hoy por hoy elijo lo nuevo. Aparte hoy lo disfruto más el rol de cantante, antes como te decía era medio una mochila, pero ahora me pude soltar y me puse a payasear y a coquetear con el rol. Tanto a la banda como a mi nos sirve, me divierto. Si producir hoy es un 9.50, cantar es un 9.75, gana por centésimos.

PEDRO Y PABLO: "NUESTRA BANDERA ERA LA CANCIÓN"

Miguel Cantilo y Jorge Durietz se reunieron para tocar en vivo una flamante reedición con 9 bonus tracks de su debut, "Yo vivo en una ciudad" (70). Aquí repasan una época de idealismos, y anécdotas de "conchetos" desclasados por el rock.

Por: Pablo Schanton

El pelirrojo sol crepuscular. Como "una ventana perdida entre los edificios", Yo vivo en esta ciudad de Pedro y Pablo, editado el 13/ 10/ 70, es el mejor reflejo del atardecer porteño que se haya hecho disco. El dúo en la tapa contra algún crepúsculo rioplatense, el texto de la contra, La Quimera del confort y su sol "tinto de cal", la recién hoy editada Caen la tarde y los hombres donde "se cae el ocaso paso tras paso" dejando un maullido de acordeón... Todo desemboca en la moraleja que resume un título: Vivimos, paremos. "Tener veinte años es¿ demorarse en una plaza contemplando chiquitos de inmenso flequillo, con el sol atrapado entre los dedos¿", leemos en la contratapa. Demorarse: es otro reloj este "city zen" que ofrecen Miguel Cantilo (Pedro) y Jorge Durietz (Pablo). Otro tiempo, el del crepúsculo que propone una contemplación urbana, ésa que también Almendra exponía en A estos hombres tristes o Figuración. La epifanía en el repertorio monótono de la rutina. La iluminación en un mundo gris. Es decir, el mundo del "hombre masa", anónimo, que recorre Florida ciegamente, sin saber que es fotografiado para ilustrar un álbum fundamental del pop nacional.

Pedro y Pablo vuelven a reunirse para tocar después de casi una década de distancia con respecto a la última resurrección, porque su debut es relanzado con inéditos. Otra vez atardece. Otra vez es el mismo bar de Paraguay y Montevideo, aquél donde unos veinteañeros Cantilo y Durietz venían por café y medialunas, mientras grababan cerca aquella obra en los estudios de la discográfica CBS. Pero ahora la redecoración es tan "menemista" como la de La Paz. Y esta caída de sol hirviente, a fines de mayo, le hace preguntarse a un Durietz maduro: "¿Me podés decir de qué época del año es esta temperatura?". Y ahí nomás esboza un balance ideológico sobre su generación: "Se ha desdibujado todo. Estaba pensando que nuestra generación tenía las cosas más claras, como blancas y negras, la derecha y la izquierda, el invierno y el verano. Ahora todo es más indefinido; no sabés cuál puede ser el enemigo real tuyo, del pueblo. Eso es peor. Por eso la juventud de hoy se refugia en blogs, sale al éter, al ciberespacio, en vez de meterse con la calle".

En el disco se los nota con una arrogancia juvenil capaz de advertirles a los otros ("¡Guarda con la rutina!") y de aconsejarles ("Sólo cambiando tu mente"). A la distancia suena un poco a mesianismo ingenuo, a una vanguardia generacional que no logró imponer su "nueva sensibilidad"¿

M.C.:El estilo venía de Dylan; eso de hablar con el otro de igual a igual. Me gustaba mucho el análisis sociológico que hacía Sabato. Era una cosa del estudiante medio de entonces, que estaba buscando una sociedad más justa. Pero no militábamos en la izquierda, y nos lo recriminaban muchos.

J.D.: La bandera era la canción.

M.C.: Lo que decíamos era que el cambio era mental, pero no político. Pensar que la política puede cambiar este desastre es ingenuo. Es tan fuerte la maquinaria que queríamos destruir en los '60, que lo seguiremos intenando hasta el fin de nuestros días. Muchos que nos escucharon no han renunciado a esa lucha, que se volvió más personal, más íntima.

La historia de Pedro y Pablo arranca en 1967, por la zona del Hospital militar en Belgrano. Cantilo y Durietz habían compartido a una "señorita Beba" en primer grado, pero, ahora a los 17, iban a secundarios religiosos distintos (uno, al San Agustín; el otro, al Esquiú). Separadas sendas bandas -The Bad Boys y The Wise Guys-, formaron con Guillermo Cerviño (hoy fuera de la música) el trío Los Cronopios, que denunciaba, en su cita a Cortázar, que Cantilo cursaba letras.

En los primeros meses de 1969 se tomaron unas vacaciones en Punta del Este, a puro fogón de playa "bien". El repertorio a base de covers de Los Beatles y temas propios contaba con arreglos vocales tan impecables que los contrataron para tocar en un café concert local, adonde el cantante Horacio Molina los escuchó y los recomendó en CBS. Ya dúo, tras firmar un contrato, se encerraron a buscar un "nombre masivo", de nombres propios, algo en boga -tipo Peter, Paul & Mary o Barbara & Dick-, pero que no sonara tan de coiffeurs como Miguel y Jorge. Para algo sirvieron tanta educación religiosa y Los Picapiedras.

El de ustedes parece un mundo paralelo al bajo Belgrano almendriano y al mítico círculo bohemio de La Cueva.

M.C.: Es que éramos "caqueros".

J.D.: Y sí, usábamos zapatos marca Guido. Es lo que hoy se llama "conchetos": los domingos, ibas a ver rugby con una chica que habías conocido en una fiesta del círculo de colegios privados.

Qué paradoja. Identificaban a los marginados (el ciruja, "el chico de arrabal") en sus canciones, y hasta se identificaban con la idea de ser marginal ("Voy por el camino que no sigue nadie")...

M.C.: Yo venía de un hogar de clase media profesional, bastante gorila. Pero el rock me fue desclasando. Imaginate lo que eran esos años: el Mayo '68, los hippies, la guerrilla... Te estallaba la cabeza. Querías dejar lo que hacías por mandato familiar. Para algún lado disparabas. Después de que conocimos a La Cofradía de la Flor Solar (la banda de Rocambole y Kubero Díaz), yo me voy a vivir a una comunidad de El Bolsón. Muchos compañeros del secundario fueron a parar a la militancia. Y, bueno, murieron.

"Me encontraba profundamente insatisfecho con mi personaje de entertainer protestón de una sociedad hipócrita", confesás, Miguel, en tu libro "¡Chau, loco!". ¿El éxito de "La marcha de la bronca" los desgastó ideológicamente?

M.C.: Se vendieron 80.000 discos en medio del onganiato, y empezamos a aparecer en revista Gente haciendo la V con jubilados, en el programa Sótano Beat. Y hacíamos cuatro shows por noche en clubes y confiterías, donde tocaban todos, de Sandro a Julio Sosa y disfrutaban la mamá y su hija. Pero hubo un hecho puntual...

J.D.:La pelea con CBS empezó cuando frenaron la salida del simple de Catalina, bahía porque era considerada pornográfica. Había presión de los milicos, de arriba, y el segundo disco no podía salir.

M.C.:Pueblo nuestro que estás en la tierra se prohibió inmediatamente. El cura que cerraba la transmisión de la tele, y hacía "reflexionar" a la gente antes de dormir, habló pestes del tema. Así de grande era nuestra repercusión. Y la censura. En CBS nos devolvieron el contrato y pasamos a un sello más chico, Trova. Ahí grababa la gente que conocíamos antes del éxito, que tocaba en La Fusa.

¿No eran muy chicos para ese mundo?

Y sí, éramos los pinches que rompíamos el hielo antes de que subieran Nacha, Jorge Schussheim o Carlos Perciavalle.

¿Nunca se cansan de volver a ponerse el traje de Pedro y Pablo?

M.C.:No abusamos. Lo dejamos colgado en el ropero y lo usamos una vez por década.

J.D.:Pero, ¿cómo me voy a cansar si es el mejor traje de fiesta que tuve en mi vida?

NITO Y CHARLY, JUNTOS OTRA VEZ

Charly García presenció un show de quien fuera su par en Sui Generis. Fue el viernes, en el ND Ateneo.

Por Adrián Villegas: para Agencia DyN

Nito Mestre y Silvina Garré compartieron escenario por primera vez al cabo de un brillante concierto de dos horas el viernes que emocionó múltiplemente a más de 700 personas en el teatro del centro porteño ND Ateneo, no sólo por el elevado nivel interpretativo, sino además por la inesperada y desde luego resonante presencia de Charly García.

Charly ingresó al cálido recinto a unos 40 minutos de iniciado el show, y a su término, al filo de la medianoche, bajó de su palco del primer piso directo a los camarines para saludar a su amigo Mestre y compartir esos infaltables momentos de distensión junto al resto de los varios músicos que tocaron con los protagonistas.

El público se enteró de que Charly estaba en la sala cuando Nito por fin lo anunció en su cuarto tema, aprovechando que éste era nada menos que el emblemático Cuando empezamos a nacer, una bellísima balada utilizada como primer single -y al toque hitazo nacional- de la mítica banda Sui Generis que volverá a juntarse en el transcurso del próximo año, según confirmó Mestre.

Entonces, las luces del teatro se encendieron a pleno, mostrando a un Charly emocionado con tanta gente de pie que lo ovacionó por más de tres minutos seguidos.

Camino al camarín, un primer plano del legendario bicolor lo mostró de buen semblante, impecable traje negro, aunque bastante rígido y tembloroso, normal secuela de su fuerte tratamiento antidroga que lleva adelante desde hace meses con varios médicos especialistas.

La segunda y última secuencia de contacto entre los entrañables amigos durante el show tuvo lugar cerca del final, cuando Nito, visiblemente estremecido, dirigió sus manos en alto hacia Charly para dedicarle ese otro himno Sui Generis Cuando ya me empiece a quedar solo que en los ´70 y ´80 cantó una inmensa franja de la juventud, y que sin dudas llevará el sello inconfundible de la vigencia eterna.

Y si de vigencia se habla, nada más justo y merecido que atribuírsela con mayúsculas a Nito y a Silvina, que bastante pasados los 50 se mostraron intactos y en gran forma tanto en lo físico como en lo artístico, igual o mejor todavía que casi tres décadas atrás, en el pico de su popularidad.

Tanto fue el éxito del evento, que los organizadores anunciaron otro de las mismas características para el 25 de este mes en el propio Ateneo, después que cumplan con las funciones programadas para el 12 en Rosario el 13 en San Nicolás y el 17 en La Plata.

El inédito y excelso espectáculo permitió disfrutar dos recitales típicos y otro cortito pero de sustancia riquísima.

El primero estuvo a cargo de Silvina y su banda, el segundo de Nito con la suya y en ambos segmentos por actuaciones a dúo desplegando canciones famosas ante una afición marcadamente variada en edad, desde los esperados cincuentones para arriba hasta adultos más jóvenes, adolescentes y hasta algunos niños.

Tal como adelantó a esta agencia, Mestre cantó tres de los cuatro temas -muy encantadores ellos- que formarán parte de su nuevo trabajo discográfico que saldrá a la venta entre julio y agosto próximos.

El primero que interpretó fue Naiom, dulce balada compuesta por el conocido compositor chileno Eduardo Gatti, en el que Nito se lució tocando la flauta traversa.

Flores en el mar es una sensible y sentida melodía que trata del último viaje al mar que el frontman hizo con su madre, y My dear es una entera y amorosa dedicación a su mujer, también en registro lento y de fascinante melancolía.

El recital concluyó en fiesta total a través de los dos clásicos y festejadísimos bises cantados a dúo, Se esfuerza la máquina y Rasguña las piedras.

Silvina también se ganó su ración de sonoro aliento luego de cantar preciosuras como Tréboles de cuatro hojas, Otros pájaros y Diablo.

Todos los temas compartidos conmovieron especialmente: Pinar, Blanco y negro Buenos Aires, Algo me aleja, Cuando comenzamos a nacer, Cuando ya me empiece a quedar solo y los mencionados adicionales.

ESTELARES PRESENTA SU NUEVO TRABAJO

“Una Temporada En El Amor” (2009)

Diseño e ilustración del artista platense Juan Soto.

Después del exitoso "Sistema nervioso central", disco que los lanzo a la popularidad, Estelares lanza "Una temporada en el amor" su quinto álbum

El disco cuenta con la producción artística de Juanchi Baleirón y contiene 14 canciones, cada una de ellas con el indeleble sello de melancolía y luminosidad que distingue a la banda platense.

"Cristal" es el tema adelanto de este disco, canción a las que se le suman, entre otras, "Las trémulas canciones", donde interviene el guitarrista Ariel Rot; "Máscaras", un homenaje a los Beach Boys y con los Súper Ratones interpretando los coros; la melancólica "Superacción", que arroja polaroids de lugares comunes de los 80'; y "Mil abejas", que el cantante le dedica a su hija.

El cantante y líder Manuel Moretti, consideró que "Una temporada en el amor" es "el disco menos pop de Estelares, pero a la vez el de mayor contenido, el más emotivo, porque seguimos aprendiendo a hacer canciones".

EL BLUES ESTÁ DE LUTO

A los 80 años Falleció Koko Taylor, que se ganó con justicia el sobrenombre de "Reina del Blues".

Koko Taylor, cuya poderosa voz y presencia escénica le ganó el sobrenombre de "La Reina del Blues", murió por complicaciones de una intervención quirúrgica. Tenía 80 años.

Taylor falleció el miércoles en el hospital Northwestern Memorial, unas dos semanas después de ser operada a raíz de una hemorragia gastrointestinal, dijo Marc Lipkin, director de publicidad de su sello discográfico, Alligator Records, que hizo el anuncio.

La carrera de Taylor se extendió durante más de cinco décadas. Aunque no tuvo gran éxito entre el público general, era venerada y amada por los aficionados al blues. También fue aclamada a nivel mundial por sus interpretaciones, que incluyeron la famosa melodía Wang Dang Doodle y otras como What Kind of Man is This y I Got What It Takes.

Taylor apareció en numerosas ocasiones en la televisión estadounidense y protagonizó un documental de PBS. También tuvo un pequeño papel en la película del director David Lynch Wild at Heart.

En el curso de su carrera, fue nominada en siete ocasiones a los premios Grammy, y ganó uno en 1984.

Taylor actuó por última vez el 7 de mayo en Memphis, Tenesí, en los Galardones de la Música de Blues.

"Ella era hasta hace un mes la mejor cantante de blues en el mundo entero", dijo Jay Sieleman, director de The Blues Foundation, con sede en Memphis. "En la década del 50, en Chicago, era la mujer que cantaba blues. A los 80 años de edad, todavía era la reina del blues".

Nacida con el nombre de Cora Walton en los suburbios de Memphis, Taylor dijo en una ocasión que su sueño de convertirse en cantante de blues fue alentado al observar la actividad en los campos de algodón. Su padre era recolector de algodón.

LA HISTORIA DE LA MÍTICA FOTO DE LOS REDONDITOS

El Indio Solari, Skay y Poly. Foto de Hilda Lizarazu.

Por Juan Ortelli – Para www.rollingstone.com.ar

"Esta fue la primera sesión de fotos que nos dejamos sacar los tres juntos", recuerda el Indio Solari hoy, a más de dos décadas del día en que Hilda Lizarazu retrató el magma ricotero para la revista Humor, justo antes de que editaran su primer disco, Gulp! (1985). La foto, publicada por primera vez en la sección Las Páginas de Gloria (Skay, Poli y el indio con un cartelito con la frase "en contra"), se convirtió en una de las imágenes más icónicas del rock argentino de los últimos 25 años. "Decía «en contra» de un lado, y «a favor» del otro", sigue su autora, revisando outtakes. "Yo me autoedité maravillosamente para la leyenda." La tradición antimediática de Patricio Rey encontró en esta imagen sus bases y, durante años, los fans creyeron que ese papelito era de una solicitada. "¡Nada que ver!", dice Solari. "Era apenas un señalador que yo usaba en aquella época."

ARBOLITO: "HOY SE DISFRUTA MÁS DE LA MÚSICA LATINA"

Fusionan rock y folclore con denuncia social. Preparan su sexto disco

Por: Pedro Irigoyen

Sol de otoño. Están sentados en el pasto sobre un montón de muertos. La cita con Arbolito es en el Parque Ameghino que tiene bajo su verde césped miles de porteños víctimas de la epidemia de fiebre amarilla de 1871. Están Ezequiel Jusid, Agustín Ronconi, Diego Fariza y Pedro Borgobello; y para completar la banda más rockera del folclore o la más folclórica del rock faltan Andrés Fariña y Sebastián Demestri. Están preparando su sexto disco que saldrá en meses y tienen un show masivo con Raly Barrionuevo y La Bomba de Tiempo en el estadio Malvinas Argentinas.

¿Qué hacen: rock o folclore?

Ezequiel: Es rock y folclore. No estábamos cómodos en las peñas ni en las rockerías. Esa dualidad es la raíz de Arbolito. Música y ritmos folclóricos con instrumentos nativos; y la fuerza del rock.

Siempre fueron independientes, ¿les costó firmar con una compañía?

Diego: Seguro que nos costó un montón tomar una decisión así. Después de Cromañón, como banda autogestiva, se nos complicó hacer todo nosotros.

Ezequiel: Sabíamos que el día que firmáramos íbamos a estar bien plantados y seguros de nuestro camino. Levó 10 años.

Agustín: Llegar a una compañía no era el fin, es un medio.

Destacan la música de los setenta como su principal influencia, ¿no hay referentes más cercanos en el tiempo?

Ezequiel: Después de los '70 hubo otra oleada de bandas que nos gustan mucho: Sumo, Los Redondos, Bersuit, Divididos. Pero no pasamos de los '90.

Pedro: En los '60 hubo una explosión de creatividad muy grande que se materializó en los '70. Es una época muy rica. Acá la dictadura cortó con un montón de cosas de la música folclórica.

¿Creen que los jóvenes se están acercando o alejando del folclore?

Pedro: Empieza a haber una noción real de que somos latinoamericanos. Durante mucho tiempo, en este país, se trató de llevar las cosas hacia Europa y los Estados Unidos. Hoy se empieza a disfrutar más la música latina.

Agustín: Están apareciendo muchos instrumentos autóctonos en las bandas de rock de hoy, hay como una mirada hacia adentro. Por otro lado siempre se habla de Buenos Aires como la París de Sudamérica: nos chupa un huevo eso, nos encanta este lugar donde vivimos, esta gente con todas sus expresiones. Nos encanta esta música.

Dicen en una canción que "Sobran políticos", ¿qué harían ustedes si fuesen presidentes?

Agustín: Agarraría un mapa y redistribuiría la tierra a foja cero.

Ezequiel: Lo más importante es la educación de los pibes, trabajo para los padres y un techo.

Diego: Cuando partamos de la base de que somos todos iguales vamos a hacer un click.

BIOGRAFIA

Arbolito es una banda dedicada a la fusión del rock con ritmos folklóricos argentinos, como la zamba y la chacarera y compuesta por egresados de la Escuela de Música Popular de Avellaneda. Su nombre es elegido en honor al indio ranquel que -según cuenta el historiador Osvaldo Bayer en su libro "Rebeldía y esperanza" degolla al Coronel Rauch en venganza por el genocidio cometido contra los indios de su tribu.

A fines de 1997, editan su primer demo en casette, titulado "Folklore", y emprenden una gira en camioneta por distintas localidades de la ciudad de Buenos Aires y del conurbano, y luego por ciudades del interior bonaerense. Durante 1999 y 2000 realizan presentaciones en vivo en Uruguay.

Su primer disco, "La Mala Reputación", de edición independiente, sale en junio de 2000, e incluye la participación de Jorge Pinchevsky como violinista invitado.

En 2002 lanzan su segunda placa, "La Arveja Esperanza", en el que combinan estilos como chacarera, reagge, huayno y candombe, sobre una base rockera.

Su tercer disco es "Mientras La Chata Nos Lleve". Fue grabado en vivo, y es un compilado de las mejores canciones de Arbolito. El título es un homenaje al vehículo que compraron en 1999 para realizar la primera gira de la banda. Incluye una versión del tema inédito de Víctor Jara llamado "Caminando" y la canción "Huayno del desocupado", que está basada en un poema de Juan Gelman.

El contraste de sus letras contestatarias con la alegría contagiosa de su ecléctica música, son pilares de una propuesta que maduran en 2007 cuando editan el álbum "Cuando Salga El Sol", primer disco editado por un sello discográfico multinacional (Sony/BMG), producido Dani Buira (ex Piojos) y que cuenta con Liliana Herrero y Peteco Carabajal como invitados.

Website oficial: http://www.arbolitofolklore.com.ar/

CUATRO PESOS DE PROPINA EN ARGENTINA

Desde Montevideo, nuevamente en Buenos Aires, una de las bandas mas potentes del Rock uruguayo.

Luego de la ultima visita (Mayo 2008) en la que la banda agoto las localidades del Salón Verdi, y fue asi que confirmo su intensa relación con el publico argentino. Los Pesos, vuelven para presentarse en el Salón Verdi y además estarán la anoche anterior en la Plata. Será el Viernes 19 de en La Plata - Prov. de Bs. As. y el Sábado 20 de Junio - en Capital Federal

"Se está complicando" esta en la calle desde principios de 2007 y es sus disco debut. Cuenta con 15 temas y la participación de destacados invitados como: Fermín Muguruza (voz en track 14), Edu “Pitufo” Lombardo y El Queso Magro entre otros.

El disco es de producción independiente y fue grabado en los estudio “Txalaparta”. La producción estuvo a cargo de Cuatro Pesos de Propina y Alfredo “Chole” Gianotti. Mezclado y masterizado en “Kaps” por Cesar Lamschtein.

Combatir con alegría...

La consigna es realizar una propuesta artística enriquecedora en varios aspectos, no solo haciendo música, sino divertirse tomando conciencia, "combatir con alegría". La banda como instrumento de militancia cultural.

Desde Uruguay llegamos los cuatro pesos de propina. Banda que comienza su formación en el año 2000 y que ha fijado el grupo a partir del 2003. De influencias varias y por tanto variados estilos musicales, el grupo se conforma de batería, bajo, percusiones, teclado, sampler, acordeón, guitarra, dos vientos y el cantante.

Pero cuatro pesos no solo son los músicos, hay muchísimos allegados que constituyen la gran familia.

“Bandas como Mano Negra y radio bemba, así como Fermin, Amparo, Ojos de brujo y todos los demás artistas de radiochango han sido también parte de la conformación de la banda. También nuestras influencias regionales nos tiñeron mucho y agradecemos el haber escuchado alguna vez a Eduardo Mateo o al príncipe, y tantos otros........ Desde todos tus muertos o los Cadillacs hasta Daniel Viglietti o el flaco Spinetta.

Somos independientes, y por esto entendemos que dadas las condiciones que se le imponen al artista, en que el hace todo y la disquera le da unos míseros centavos, realizamos una producción independiente, porque la vía autogestionada es la forma que tenemos para no atarnos ni que nos aten.”