NOTICIAS DEL ROCK DAK 06 al 11/12/10

CRITICA: “ALGUN RAYO” DE LA RENGA

Revista Soy Rock

La ruta 205 es finita y peligrosa, como muestran a su costado las ermitas que recuerdan los muertos en accidentes de tránsito. Hay que seguir por ahí hasta el barrio ElTrébol para llegar a la casaquinta de La Renga, en Ezeiza. Allí espera parte del equipo del power trío más popular del país. Vamos a escuchar Algún rayo, el nuevo disco rengo. Al llegar, media docena de pichichos ladran desde el lado de adentro de la tranquera. Gaby, manager y "cuarto rengo"; los aleja, saluda amigablemente e invita a pasar a la fortaleza. Y lo de fortaleza es literal, ya que en el parque que rodea a la casa se erige un mini castillo con bandera pirata ytodo. "Este lugar era de una directora de teatro, en ese lugar hacía algunas de sus obras. Ahora nosotros lo usamos para tocar a fin de año, con la familia y los amigos" ; explica Gaby. Lo acompañan Martín y Fernando, encargados de producción y prensa respectivamente. Hoy son los anfitriones de la tarde, ya que Chizzo, Tete y Tanque se encuentran en Berazategui. "Van a nombrar a Javier Martínez ciudadano ilustre y los chicos van a tocar unos temas con él para festejar"; cuenta Gaby. Una vez en la casa -sanguchitos de miga y cervezas mediante- empieza la recorrida, primero por la sala de ensayo, ubicada en lo que en cualquier hogar normal sería el living. Allí, en lugar de sillones, hay parlantes, instrumentos y un micrófono de ambiente que cuelga de la antiquísima araña que el ambiente. Fotos, discos de Platino, pósters y más memorabilia rocker propia y ajena se amucha en las paredes. "Vengan para acá arriba" vuelve a invitar Gaby .desde una especie de altillo. "Acá arriba" es un refugio rockero que tiene una nueva vedette: un combinado que costó nada más que 300 pesos en una casa de antigüedades de Mataderos. Es ahí donde la banda se pasa horas escuchando la colección de vinilos que fueron armando con el aporte generoso de todo el staff. Martín se ríe porque dice que hay muchos repetidos: "De Zeppelin III hay como cinco": Justo debajo de esa sala de estar en las alturas está la pecera con la consola con la que se grabó Algún rayo. Gaby cuenta que la idea es que cada disco venga con una entrada para alguna de las presentaciones de La Renga por el interior que del país. La gira arrancará en Rosario, en Diciembre, y pasará por varias ciudades a confirmar, como Córdoba, el Chaco, Comodoro Rivadavia, Tandil, La Plata ...En líneas generales, Algún rayo se despega de su antecesor, más que nada por un sonido que los acerca más al blues y al rock pesado argentino de los 70 que a la pátina metalera que la banda venía teniendo. Se nota el trabajo en las partes instrumentales, con muchos cortes y arreglos interesantes, como para demostrar que La Renga puede llevarte por delante y tener buen gusto al mismo tiempo.

Acá va un pequeño repaso tema por tema:

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“Canibalismo Galáctico” es el tema que abre el trabajo en cuestión. Fue originalmente el primer tema presentado en sociedad, aquel 30 de mayo de 2009 en el Estadio Único de La Plata. En aquella ocasión, Gustavo ´Chizzo´ Nápoli (cantante, guitarrista y frontman del grupo) dio a entender que el álbum se llamaría como dicho tema. Pero por alguna razón se cambió de título. Lo cierto es que en ese momento, el líder del trío de Mataderos eligió las siguientes palabras para describir el sentido de la canción: “Algo así como un espejo en el cosmos, donde se ve como los seres se carcomen entre sí”. Musicalmente, siguiendo el mismo camino de “TruenoTierra” (su anterior placa, del año 2006), con riffs sumamente potentes y solos de guitarra que (no está mal aclararlo) nos devuelven un poco la herencia de nuestro querido Pappo. El estribillo suma a la causa y se estrella contra nuestros oídos en un certero “Y andarás, preguntándote: ¿Porque todo es así? Sobre fugaces planetas… soñabas con ser feliz”.

El tema número dos en la lista nos regala uno de esos furiosos y contestatarios momentos a los cuales La Renga nos tiene acostumbrados. “Llamas. Fuego quemando banderas. No hay dimensión del Estado. En un gran barril de serpientes las almas han envenenado”. Sin dejar la ideología de lado, en “Destino Ciudad Futura” las voces de Nápoli le impregnan un tono hipnótico a la canción, en donde va a ser difícil no enamorarse de la melodía.

“Poder” fue elegido como primer corte de difusión, y cara visible del disco, hace apenas unos pocos días. Su nombre, definitivamente le hace honor al desarrollo del mismo. Quizá uno de los temas más pesados de La Renga, con Nacho Smilari como invitado (en solos de guitarra), y un Tanque sentado en la batería acribillando los platillos y dándole algunos matices metaleros a una letra que se carga de furia y (siendo casi redundante) power: “Tanta estupidez nubla tu mente. Y vas mendigando esclavitud”.

En “Cristal De Zirconio” (para los que les suene raro, vale aclarar y dejar abierto a la reflexión de cada uno, que éste mineral se utiliza en armamento militar nuclear) la banda se le anima al Apocalipsis y el fin del mundo. Se trata del tema más largo del disco (más de 5 minutos), con una nueva y brillante intervención (marca totalmente registrada) de Manu Varela en saxo.

Para trazar algunas comparaciones, podríamos decir que “Dioses de terciopelo” viene a ser lo que “Mujer de Caleidoscopio” fue para “TruenoTierra”. O lo que “Míralos” significó en “Detonador de Sueños” (2003). Sin duda alguna, se trata del tema musicalmente más aplanador (con mucho respeto a Divididos) de todo el disco. Musicalmente, es una oda cargada de muchos colores, en cuanto a lo vocal, con Chizzo luciéndose (no solo es una voz grave entre tantas otras). Y un colchón de guitarras que pareciese representar al mismísimo rock desangrándose de sufrimiento. Una especie de blues acelerado, que nos aúlla: “Cuando seamos alimento de la estrella por venir, que en la vasta soledad se haya tenido que perder. Cuando ya no exista el lugar en donde estés… ¡Yo te encontraré!”.

La poesía que rodea “Inventa un mañana” es quizás la más esperanzadamente oculta que encontramos en todo “Algún Rayo”. Tratando de bajar un mensaje claro de lucha, la composición del vocalista (autor de todas las letras en el disco) retrata un mundo lleno de miedo e indecisión, aunque con un horizonte teñido de optimismo: “Inventa un mañana. Intenta otra vez. Sí, ahora que ya sabes… cómo puede ser”.

Quien haya tenido la suerte de leer “Estaciones De Tinta Negra” (Editorial Distal), el libro de poesía que Nápoli editó junto a Fernando Vera en el 2005, debe haber encontrado un texto titulado “Feliz Día Del Amigo”. En dicho poema, Chizzo planteaba una situación un tanto dura: “Feliz día del amigo. Feliz día del amigo me digo a mi mismo, que nunca me abandoné”. En “Disfrazado de amigo”, parece que el pelilargo de voz ronca se enfrenta al mismo dilema: “Sufriendo inclinaré mi humildad por lo que digo. Para poder saber que no hay nada que impida hoy: quitar la máscara de aquel que va disfrazado de amigo”.

“Caricias de asfalto” fue presentado en Jesús María (Córdoba), el 23 de enero de este año. Allí, Chizzo vaticinó: “Es un disco que va a ser muy variado. Pero dentro de toda variación tiene su rockanrrolito también. Y es éste”. Se trata del tema que cierra la placa, con un aire muy motoquero, en el cual nos imaginamos a todos “los mismos de siempre” subidos a sus Harley Davidson, con sus nenas rockeras abrazadas a sus espaldas, y una alforja cargada de cerveza, rock y pasión por la ruta.

El diseño gráfico a cargo de Marina Pisano y los dibujos creados por Fito vuelven a mostrar que La Renga es una banda distinta. Es una banda que tiene la fórmula. Tiene la gente. Tiene al maestro Napolitano bendiciéndolos desde arriba (aunque es más seguro que esté mirando y riéndose desde abajo). Y sobre todas las cosas… tiene al rock.

Ahora solo resta poner el disco en el reproductor, acudir a alguna de las fechas de presentación y esperar deseosos de que algún rayo surgido de ese trío nos atraviese hasta la médula, sin compasión. Y con excesiva pasión

“EL DON”, EL NATTY COMBO

El Natty Combo presenta su disco “El Don”. El estudio La Casa de la Música de San Luis recibió en junio pasado a uno de los más respetados exponentes de la escena reggae local.

El Natty Combo llegó a la provincia puntana para grabar “El Don” el disco sucesor de “En Llamas”.

Diferenciando este disco de sus trabajos anteriores, Colombo (también saxofonista de la banda del Indio Solari) priorizó su canto por sobre el ya clásico saxo, que acompaña en sólo una pieza del álbum. Un disco de composiciones pegadizas y de estribillos contundentes, cantando al amor y tributando exitosamente al reggae más clásico.

Son músicos invitados del nuevo trabajo de El Natty Combo, Luis Alfa de Resistencia Suburbana y Néstor Ramljak de Nonpalidece en el tema “La unión”.

SALIO “JAURÍA”, JAURÍA

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“Jauría”, a secas, es el título de este primer disco, donde ya el nombre de la banda es suficiente para entender el concepto.

Desde el arte del CD, donde en la portada el logo es el nombre del grupo integrado a la figura de un perro salvaje en una postura confusa, que invita a estar alerta … ya que no se sabe si el perro está a punto de atacar o viene en plan amistoso.

Este es el resultado de casi 3 años acopiando sentimientos, energías, y mucha pasión por parte de los integrantes de la banda quienes habían quedado en condición de “huérfanos” de sus proyectos anteriores: Attaque 77, El Otro Yo y cabezones.

Ciro Pertusi, Esteban Serniotti, Mauro Ambesi y Ray Fajardo descargaron a lo largo de 15 canciones muy intensas toda esa contención de un modo súbito e instintivo…cabe destacar que ellos mismos creían que iban a grabar su primera producción durante el trascurso del 2011, pero la realidad les jugó una muy buena pasada sorprendiéndolos a ellos mismos de la rapidez en que se dieron las cosas.

Las composiciones de las 15 canciones pertenecen en música a los 4 integrantes, las letras son en su mayoría de Ciro Pertusi y tres son de la autoría de Ray Fajardo en batería .

El contenido de las mismas abarcan diversidad de temáticas, desde las más sociales como: Indios Kilme (la cruenta historia de su destierro), Guerra en las galaxias (una fantasía tipo “star wars” proyectada al futuro “caótico – terminal” de la sociedad argentina ya en la era espacial), El tiempo (una mirada subjetiva de los últimos momentos en la vida de Soledad Rosas, activista anarquista y referente del movimiento okupa en italia)

Políticas como: Tosco (homenaje a la memoria de Agustin Tosco, sindicalista e incorruptible luchador, uno de los mentores del Cordobazo), Religionaré, (una declaración de principios en la letra de Federico Pertusi , quien compuso esta canción en sus años en Romanticista Shaolin, ésta vuelve a unir a los hermanos en un himno antifascista por naturaleza.

Existenciales como: El tren (un viaje en tren de un ideal 100 % romanticista, letra compartida entre Ciro y Federico Pertusi nuevamente juntos para esta producción),

Adiós a Dios (su primer single, una mirada reflexiva al pasado y presente en plan de reconocerse a sí mismo como artífice de su destino), Océano Anárquico ( relata un escape casi en “defensa propia” precipitando a los protagonistas (tal vez los propios Jaurìa) a zarpar en un viaje emocional en aguas peligrosamente inciertas en la búsqueda de un camino que se hace al andar), Sigue! (invita a no bajar los brazos y seguir adelante sin detenerse a perder tiempo a ante los obstáculos de la vida, en un dejo claramente visible de : “aquello que no me mata ,me fortalece”), La Jauria(perfecto referente inmediato a la hora de entender la esencia de la banda : juntos pero libres ).

Unas pocas de amor, pero de aquel amor que se hace tan difícil de sentir y hablar que termina explotando en canciones como: Astros Bajo el Mar o Shangri-la (un ideal de romance al punto de lo imposible, pero real, muy real.

O de desamor como: Morgue Corazón (de Ray Fajardo ,una canción prácticamente vengativa para cantarla desde el tablón del estadio!), Ascenso, (la muerte del amor como sentimiento y la construcción de uno nuevo con sus “restos óseos” como punto de partida o escalera hacia el ascenso.)

Y otras más al borde de la locura como Austin (una despiadada, auto-satirizacion sobre la ingenuidad del protagonista llevada a un unto “kamikaze”).

En síntesis, todo el disco, desde sus letras y su música es un viaje con mucha propuesta visual ,todo enmarcado en un móvil anárquico, instintivo y pasional .

Musicalmente se advierte muy a las claras la presencia de cada uno de sus componentes:

Ciro Pertusi, con su voz característica como sello propio y su aporte compositivo.

Esteban Serniotti, y su trabajo de guitarras eléctricas y acústicas perfectamente equilibrado tanto en la extremidad de sus sonidos mas rockeros pesados, pasando por los matices más finos del pop y con un cuidado impecable de cada toma en cada canción y su estilo en particular.

Mauro Ambesi, en el bajo, fue fundamental en la sociedad con Ray Fajardo, cada línea esta directamente compuesta para la canción y es un punto muy alto en la versatilidad del sonido general de Jauría en este disco.

Ray Fajardo, nos acostumbra a un nivel muy alto en su performance, esta no fue la excepción y además, estuvo a cargo de todas las programaciones, loops, sintetizadores y secuencias que se oyen en el disco.

El material se registró durante 20 días en setiembre del 2010 en los estudios Panda y Pichuatl y la producción estuvo a cargo de Jim Wirt (Incubus, Fiona Apple, No Doubt, Sucidal Tendencies, Brian Setzer Band, Beach Boys, etc…)

El arte del cd estuvo a cargo de Ciro Pertusi como mentor del concepto desde su logotipo y Sebastian Luce, artífice de todas las imágenes, tanto en fotografía como en diseño digital.

El resto está en escucharlo, difícil seguir intentando especificar sobre lo que es para escuchar, por eso los invitamos a disfrutarlo: Bienvenidos a la JAURIA!

CLAUDIO GABIS

Nota: Patricio Fernandez

En el año 2007 el salón blanco de la casa de gobierno fue el escenario donde quedo marcado un episodio sin precedentes dentro de la cultura nacional, ni más ni menos el reconocimiento por parte del gobierno nacional a los músicos más representativos de los diversos géneros musicales, Claudio Gabis estuvo presente y dentro de este marco realizó un concierto memorable con músicos tan distinguidos como Kubero Díaz o león Gieco ,El guitarrista del trío pionero de nuestro rock bernaculo fue premiado por su valioso aporte a la cultura popular y a una trayectoria sin fisuras que supo sostenerlo como a uno de los músicos más prestigiosos de nuestro querido rock argentino.

El ex Manal reside en la madre patria desde hace tres década donde pudo asentarse como músico y formador en una de las escuelas de mayor prestigio de España. En una entrevista concedida en Madrid hablo de los inicios de Manal de su rol como músico comprometido como así también de su pasión por la literatura Gabis afirma estar en plena tarea de escribir una novela basada en la época que decidió hacerse músico, dos pasiones que viven dentro de este singular artista.

Porque te fuiste de Argentina?

Me fui en el año setenta y dos a Brasil, por varias razones la mas angustiante fue cuando comenzó un periodo oscuro en el país, que luego ocurrió lo que ya todos sabemos hasta convertirse en una época absolutamente siniestra, que fue en marzo del setenta y seis con el golpe de estado.

De todas maneras en el año setenta y uno Manal se había separado y poníamos fin a una serie de responsabilidades profesionales que habíamos afrontado desde muy jóvenes yo tenía veinte años cuando comenzamos, sentía una gran necesidad de viajar de conocer el mundo, fui a la aventura, no me fui por razones políticas, pero si virtuales no por situación directa.

En solo tres años Manal ha dejado un legado cultural que hasta el día de hoy está presente.

Si creo que la época ayudaba mucho era el tiempo propicio para hacer diferentes expresiones artísticas e ideológicas. Por otro lado la circunstancia de haberse juntado tres tipos diferentes pero con mucha polenta, con una precocidad y una madurez del punto de vista artístico que era inusual, resulto impresionante.

Todo esto llevo a que una generación de jóvenes especiales nos sigan y que adhieran a nuestra música que de hecho también era bastante especial en aquellos tiempos.

Como llegan al primer disco cuando se encierran a grabar sus primeras canciones?

Nosotros veníamos intentando con C.B.C pero no había ningún acceso a los sellos grandes ellos no tenían ningún interés en la Argentina, en otros países sabían que el negocio estaba en la música alternativa aparte de la que ya venía existiendo como el pop comercial aunque todo es comercial, pero en la Argentina ninguna discográfica se había dado cuento de lo que se venía entonces así como surgió Almendra y Manal también nace de unos chicos del Nacional de Buenos Aires-que eran ex compañeros míos junto a Jorge Álvarez la iniciativa de un sello discográfico Álvarez ya venía con una editorial independiente de esa época, ellos si se dan cuenta de cómo viene la mano y forman mandioca el primer sello discográfico que le da lugar al rock Argentino y nos propone grabar.

Mandioca sale a la pesca de grupos y esto se traduce en la confrontación de unir esfuerzos con los incipientes grupos que no éramos más que nosotros, Almendra y lLos Abuelos de la nada. Probablemente sin no hubiese existido Mandioca se nos hubiera hecho muy difícil grabar por que como te he dicho antes no teníamos lugar en los sellos grandes, no les interesábamos Mandioca nos salvo la vida.

Recordas cuando toca Manal oficialmente como trió?

Fue en el teatro Apolo, donde se lanza el sello y organiza un concierto con el estreno de Manal y Miguel abuelo un 12 de noviembre de 1968 primer concierto de rock tal como lo entendemos hoy, los anteriores eran show .quince días después un 17 de diciembre se repite el concierto, con la formación de los Abuelos consolidada.

Los primeros coletazos de un género que no paro de crecer?

Si. luego vinieron los conciertos en el teatro Payró y ahí es cuando se solidifica a nivel de público de rock en pequeños conciertos la sala no permite más de ciento treinta personas que dando más del doble de publico afuera tocábamos nosotros todos los viernes, otras fechas las hacíamos con Almendra, también tocaban Los Gatos que se habían juntado nuevamente.

A los seis meses comienzan una serie de conciertos en el teatro coliseo los domingos a las once de la mañana donde ya se trabaja a sala llena con más de dos mil personas todo esto en un periodo muy corto.

Luego viene el festival Pinap?

Sí, que lo organiza Daniel Ripoll, se hace en un anfiteatro que lindaba con el Italpark Daniel luego fue el director y fundador de la revista pelo.

Como los trataba la prensa que lectura hacían del rock?

La prensa se da cuenta que algo está sucediendo y se hace Pinap como una revista específicamente dedicada a la música de rock o al beat como se lo llamaba en aquella época luego estaba la revista Cronopios pero estaba más dedicada a las chicas, cubría mas los conciertos de músicos baladistas, luego hubo otras publicaciones de medios más interesantes que cuajan en pelo, ya como revista directamente del movimiento. Luego toda la prensa en general se hace eco de todo este fenómeno. Algunos apoyándolos otros tirándole palos.

Estaban convencidos de que Manal iba a trascender?

Nosotros sabíamos lo que hacíamos no teníamos la lámpara de Aladino ni podíamos hacer milagros y tampoco asegurar que íbamos a lograr lo que queríamos pero si teníamos noción de que estábamos trabajando con una energía potente y que teníamos la posibilidad de generar tanto un cambio artístico como en las costumbres de nuestra generación. sin traicionarnos queríamos triunfar no lo hacíamos por que éramos Sanmartinianos queríamos vivir de la música.

Cuando comienza tu interés por el blues?

Me intereso a los trece catorce años como cualquier adolescente por la música porque es el vehículo para conocer a las chicas y aproximarse, eso me hace escuchar música en la radio y como yo estudiaba de noche o mejor dicho así que estudiaba escuchaba un programa que se llamaba antología de la música negra de Néstor Ortiz Federini que pasaba todo tipo de música negra, desde jazz a ritman blues y algo de blues tradicional también.

Ahí descubro la música que me interesaba de la época, Beatles Rolling Stone Ray Charles y otras cosas también y me di cuenta que tenían una cosa en común que es la base del blues. Comienzo a escuchar a sacar discos de la biblioteca Lincoln que estaba frente del Instituto Di Tella, tenían un material impresionante de vinilos de folk, country, blues y de John Kenig que era de aquella época o de Hernán Coleman.

Saliste de ahí y te fuiste a comprar una guitarra?

A los dieciséis años me compro mi primer guitarra y sin saber tocar comienzo hacer mis primeros acordes de blues me gustaba el jazz y el rock también porque en esa época fue un tiempo que permitió estos géneros transitaran un territorio común que era el territorio de los alternativo y de la sicodélia.

Hasta qué punto se puede considerar al rock argentino como pioneros del rock hispano?

Los primeros han sido los Mexicanos pero los Argentinos tienen un nivel de información muy directo y han tenido un alto nivel cultural los ecos que han llegado a la Argentina de otros movimientos no han sido iguales ni a veces similares a los de origen, aunque nosotros creemos que si, pero no, nuestro rock lleva además nuestra idiosincrasia muy particular y muy nuestra.

A los inicios de los sesenta nosotros nos enrolamos en nuestro movimiento de rock y empezamos hacerlo en castellano con una música muy diferente a la que se hace en otros lugares con muchos elementos comunes pero con otros elementos que lo distancian. Lo que sí creo es que fuimos los primeros en hacer música en castellano con origen afro como es en este caso el blues. Pero con una fuerte reminiscencia Argentina.

Porque razón no trasciende nuestro rock en España?

Por la idiosincrasia que describen las letras, en el tipo de personaje que representan los roqueros Argentinos como Charly o Fito que son representativos para nosotros pero acá no los entienden, no ocurre lo mismo con fenómenos, tipo Sabina, hace un concierto en Buenos Aires y llena pero viene uno de los nuestros y no pasa nada , Charly describe otra realidad con sus letras y su expresión corporal que nadie entiende de que se trata.

Luego está el fenómeno eterno del norte y de sur que la gravedad parece que va de norte a sur y no viceversa pero sin embargo esta la realidad de Calamaro que planto un pie en España y supo imbuirse de la manera de ser española con mucha inteligencia, para los españoles es un artista español musicalmente hablando.

Has escrito un libro técnicamente musical?

Si, un libro de cuatrocientas paginas que término siendo un best seller pero con bastante orientación literaria por ser un libro técnico. No me gustan los textos áridos.

Me interesa la ficción ahora mismo estoy escribiendo una novela basado en el periodo que me hice músico más o menos desde inicios del sesenta y seis al sesenta y ocho, no entro en Manal no quiero hacer una crónica, hablo de la historia de un joven estudiante del nacional de Buenos Aires, hijo único de un matrimonio burgués padre profesional de caballito como me degenere y me convertí en un músico de rock , me gusta transmitir en esta novela la magia de la vocación ,cuando uno realmente acude al llamado de la vocación y tiene la valentía de seguirla aunque esté en contra de todo lo que la gente desea.

Que han dicho tus padres cuando decidiste ser músico?

Que iba por mal camino el músico es considerado el más degenerado de todos los artistas él que mas páginas amarillas produce en la prensa en general encarar una profesión artística en la burguesía es como algo trágico mi padre era medico de una familia burguesa Argentina imagínate y yo queriendo ser músico se imaginaban un fracaso que perderían el hijo era una desgracia para ellos hasta que te empieza a ir bien y ahí cambia todo.

Sin embargo te ha ido muy bien has recibido un reconocimiento del gobierno oficial como músico en el marco de los conciertos en el salón blanco-:

Esto se dio en un marco de un gobierno democrático donde hay elementos para expresar la música en todos sus estilos con una mirada muy progresista: si vos entras a la página oficial de la Argentina, te encentras, a Manal y Almendra como miembros fundadores del Rock Argentino. No se dio en otros gobiernos, tal el caso del Dr. Alfonsín que tuvo vergüenza de recibir a Cortázar por ser de izquierda-

El tango ha perdido espacio por un proceso artrósico y de Alzheimer, en el cual este recordaba únicamente el pasado lejano.

Creo que a comienzos del sesenta perdió su lugar, hoy se ha recuperado….un poco. Uno de los grandes errores es no haber reconocido a Piazzola ni a la gente que lo ha tenido como referente, hay personas en el mundo del tango que se jacta de No-hacer o no seguir la línea Piazzola sin embargo él ha salvado el tango.

Mientras que el rock a continuado en constante evolución?

El rock perpetúo se constituyó en una forma de expresión, de lunfardo, con una temática propia, sobre todo en la época nuestra, que superó la evolución de otros géneros.

Abra algún regreso de Manal?

No hay ninguna razón para que toquemos juntos estamos distanciados no nos vemos estamos descomunicados puede haber roces peleas pero seguramente se solucionarían en dos horas en la mesa de un bar, no tenemos las posibilidad que eso suceda. Y tampoco hemos recibido una oferta interesante para hacerlo de parte de algún productor o discográfica.

"ELEGÍ EL CAMINO MÁS DIFÍCIL: EMPEZAR DE CERO"

El ex Attaque 77 hace borrón y cuenta nueva: después de un período de dudas y un auto-exilio impuesto en México forma nueva (súper) banda. Con nosotros, Jauría.

Por: Nicolás Igarzábal

Nada se supo de Ciro Pertusi desde que anunció que se bajaba de Attaque 77 en marzo de 2009, tras 21 años de actividad. Pero el grupo siguió con Mariano Martínez al frente y Ciro se borró del mapa. Un autoexilio. Se lo nota renovado, como quien vuelve a encontrar algo en qué creer, después de reconciliarse consigo mismo. Está más hinchado (¡cuello de boxeador!) y clava la mirada en un punto fijo, cuando toca temas personales. "Estaba saturado, no quería saber más nada sobre hacer música", explica hoy el cantante, repasando esos tiempos de crisis, agravada por la muerte de su madre. "Un día levanté el teléfono y en vez de sacar pasaje para Córdoba, donde vivía, saqué para México. Arrastré a toda mi familia y me fui al Caribe". Allá reinaba el pánico por el alerta de la fiebre porcina y las playas estaban desiertas. Su principal compañera terminó siendo la Gibson SG, su querida "verde aceituna" de tantos años. "A los cuatro meses de estar allá, me encontré tarareando canciones y escribiendo. Empecé a pensar en hacer algo, pero todavía no sabía qué". La operación Jauría ya estaba en marcha, pergeñada por un músico que a lo largo de toda su carrera compuso canciones como Chicos y perros, El perro, Ojos de perro, Plaza de perros. ¡Y hasta reversionó Callejero de Alberto Cortez!

Primero lo llamó a Pichu Serniotti, ex Cabezones, para las guitarras. Después a Ray Fajardo, que ya había dejado El Otro Yo y era otro "perro sin hogar". Por último pensó en Mauro Ambesi para el bajo, viejo compañero de su hermano Federico en De Romanticistas Shaolin's. Toda la convocatoria digitada desde México, por teléfono y MSN. Los primeros ensayos en Buenos Aires fueron sin Ciro, que había sugerido una lista de 25 temas, basada en títulos que ya no tocaba con Attaque (Caballito de hierro, Espiral de silencio, Vórtice). Pichu y Ray se conocían, pero no tenían referencias de Mauro. "Después que zaparon, me comentaron: 'Loco, éste es un toro'". Unos meses después, volvió al país y se reunió con la superbanda. "'Venite, vamos a ver si te tomamos', me dijeron los pibes (risas). Estamos empezando de cero, elegí el camino más difícil. Tengo 42 años y no es el mismo empuje que cuando sos más pendejo. Cuando me fui de Attaque, mis amigos me decían cómo iba a seguir sin la guita y sin la fama. Hay una mala interpretación de eso. Para mí, 'llegar' es crear tu propia droga: que tu canción te emocione tanto que no puedas parar de cantarla. Si era por la fama y la guita, me quedaba en Attaque. Preferí ser sincero conmigo, con los pibes del grupo y con la gente. No quería caretearla".

-¿Creés que el público lo nota?

-Sí, por eso no di lugar a la duda. Hubo un recital en Esquel (2008) en el que me sentí vacío. Y no quería que se repitiera esa sensación. Así que, dentro de todo, fue una decisión a tiempo. La idea fue disfrutar el último show (Defensor Sporting, Montevideo) como uno más. Cuando canté Donde las águilas se atreven se me hizo un nudo en la garganta, porque era la canción que más le gustaba a mi vieja. Sentía que estaba ahí. Cuando murió, sabía que yo no estaba feliz con la situación del grupo y estaba preocupada. Entonces cuando nació mi nena, me dije: "Mi vieja se fue viéndome mal, no voy a esperar a que mi hija crezca para que me pregunte si soy feliz y decirle que no".

Por esas cosas del destino, la última que cantó con Attaque fue Canción del adiós junto a El Otro Yo, donde todavía tocaba quien iba a terminar siendo su actual baterista canino. "Con Jauría fue tan rápido todo que nos dimos el gusto de hacer lo que no podíamos en nuestros proyectos anteriores: grabar las canciones cuando más calientes están. Se van a encontrar con canciones que, obviamente, van a tener reminiscencias de Attaque, porque es la misma persona que compone".

-¿Seguís en contacto con tus ex compañeros?

-No los vi más desde aquella vez. Nos dimos aire, pero en cualquier momento nos vamos a encontrar en algún camarín. Estamos esperando a que el tiempo nos prepare para un buen abrazo. Yo basé mi salida en la continuidad de Attaque, fue lo primero que planteé. Y saber que seguían me ayudó mucho. Mal o bien que pese, siempre voy a ser un Attaque 77.

-¿Escuchaste Estallar?

-Sí, súper digno. Suena de primera. Escuché tres canciones y vi algunos videos. Te pone en sentimientos que no podés describir. No me pongo a escucharlo detenidamente porque me vuelven imágenes y me resulta extraño.

-¿Y qué pasa con los que seguían a Attaque por vos?

-Se van a dar cuenta de que es muy válido que existan Attaque 77 y Jauría. Sería una estupidez dividirse por esas cuestiones. Abrimos la cancha con un aire nuevo, me parece muy refrescante. A la larga, este movimiento nos va a potenciar a los dos.

LOS VÁNDALOS PIENSA SU FUTURO

Después de su última fecha, Diego "Popono" Romero habló sobre los planes de la banda para 2011 y lo que queda de este año. Entre otras cosas, se viene el séptimo disco y un DVD en vivo.

El Septeto formado por Diego Romero, Cristian Bruscia, Juan Pablo Aguilar, Bruno Acanfora Greco, Lucas Olivan, Gabriel Basani y el armoniquista Pablo Casadei.

No Significa Nada es el sexto disco de Los Vándalos, banda rosarina que ya cumplió veinte años de trayectoria. Diego "Popono" Romero, contó un poco de lo que se ve en el horizonte de la banda.

-¿Qué se viene en 2011?

-Por empezar, queremos tocar más en Buenos Aires. Quizá una vez al mes o más. El vivo es nuestro fuerte, por la conexión que tenemos con la gente. El rock que hacemos es duro y oscuro, negro, pero también transmite cierta alegría. Todos somos gente que se sabe divertir y pasarla bien, arriba del escenario eso se nota.

-¿Hay ya un séptimo disco en vista?

-Sí, tenemos cerca de treinta temas terminados. Nuestra gira por España nos abasteció como para componer más. También nos aportó la experiencia que tuvimos con No Significa Nada, de participar con un productor artístico (Daniel Pérez). Si bien somos afinados y todo lo demás, llevamos veinte años tocando, tenemos algo que se podría llamar desprolijidad. Eso fue lo que Daniel arregló y el disco quedó distinto, más profesional.

-¿Algo más, para el año que se viene?

-Tenemos un DVD que nos falta terminar editar y el video de No Significa Nada. Todo lo hacemos de forma independiente, por eso tarda en salir. Pero nos gusta. Los tres pilares que nos rigen y sostienen son trabajo, diversión y pasión.

CLAPTON SUBASTA PARTE DE SU COLECCIÓN DE GUITARRAS

El legendario cantautor y músico Eric Clapton subastará el próximo 9 de febrero en Nueva York parte de su enorme colección de guitarras con un fin benéfico, informó en Londres la casa de remates Bonhams.

Entre las piezas que cambiarán de manos figura una cuyo valor se estima en 13 mil libras (15.500 euros) y que Clapton empleó en las actuaciones con su legendario grupo Cream, según consignó la agencia de noticias DPA.

Las más de 150 piezas, entre las que también figuran amplificadores y altavoces, serán expuestas a fines de enero en Bonhams, en la capital británica.

Además, compañeros del músico como Jeff Beck también han donado instrumentos para la ocasión.

La recaudación de la venta se destinará a una clínica de desintoxicación en Antigua, que Clapton apoya.

LAS PELOTAS TIENE QUIEN LO FILME

La banda de Germán Daffunchio y Ricardo Paciaroni, una sociedad artística que se afianza a fuerza de videoclips, DVD en vivo y mucha química creativa.

Pablo Leites Suplemento VOS

“Alguna vez detecté, como viejo zorro, que ‘Pacha’ estaba dando muy por debajo de lo que en realidad era capaz de hacer. Entonces le pregunté si estaba preparado para trabajar en las grandes ligas, si se la iba a bancar. Él me dijo que sí. Desde entonces, nunca nos decepcionó y cubrió todas las expectativas”. Quien habla es Germán Daffunchio, y se refiere a un impreciso día de 2008 en que le propuso a Ricardo “Pacha” Paciaroni tomar las riendas del correlato visual de la música de Las Pelotas. Nada menos.

El factótum de la última gran banda de convocatoria masiva que le queda a nuestro rock todavía no lo sabía, pero había encontrado entonces una suerte de alma gemela para poner en imágenes el ideario pelotero, algo que hasta entonces no había sucedido. O si había sucedido, había traído más dolores de cabeza que satisfacciones.

Y a primera vista se nota por qué Ricardo Paciaroni se convirtió en este breve lapso en “el séptimo o el octavo Pelotas”. Como al resto, las luces del centro no lo encandilan, más bien lo ahuyentan; no hace un culto del anti star system, directamente es el anti director estrella, y aunque es cordial y afable, de su trabajo habla solamente lo necesario.

“Quizás el tema es que los directores muchas veces quieren trabajar para ellos. Ponen más hincapié en un detalle técnico antes que en la obra del tipo que están filmando. Me parece que en un punto capté de entrada que la figura central en todo esto es Las Pelotas. Encajé en la simpleza de ese concepto”, es lo que responde el aludido cuando Germán Daffunchio elogia su profesionalismo y la empatía que generó puertas adentro de la banda.

“Siempre estábamos buscando trabajar el tema imagen como habíamos soñado, porque las grandes productoras nos asignaban grandes directores (poné “grandes” entre comillas), que terminaban siendo realizadores de cine publicitario”, completa Germán.

Los clips en los que “Pacha” metió mano fueron: Que estés sonriendo, La colina de la vida, Qué podes dar y el reciente Personalmente . Uno solo, por cuestiones de superposición de tareas, fue dirigido por Catalina Daffunchio: el de Pasajeros.

“Los videos no tienen un plan, como que la banda esté al frente o que no aparezca. Personalmente fue una locura nuestra. Ir a Tierra del Fuego, aprovechar que íbamos a tocar allá para hacer el clip, buscar las locaciones, llegar al barco…”, dice el músico sobre el Desdémona, encallado desde hace años y, según la leyenda, con una historia poco clara respecto de las razones de su abandono.

“Teníamos un solo día para hacerlo, y dentro de ese día tenía que haber sol y coincidir con la bajamar que en total nos daba 4 ó 5 horas. Teníamos claro el simbolismo del barco, la letra y que sí o sí lo íbamos a rodar ahí, pero no mucho más”, se entusiasma retrospectivamente el realizador.

Hacia adelante

Ahora, lo que se viene es el lanzamiento del primer CD + DVD grabado en vivo de Las Pelotas (posiblemente en abril), producto del registro hecho de un solo tirón en el primer Luna Park de la banda, el 11 de septiembre pasado. Una noche que no fue una más.

Dice Paciaroni: “Fue filmado con un equipo de cámaras de Buenos Aires, creo que eran 9, pero con la condición de que nosotros editáramos ese material crudo y decidiéramos todo. Lo bueno es que más allá de eso no hubo casi retoques, el sonido fue milagroso por cómo se escuchaba.

Dice Daffunchio, más místico que técnico: “En ese show pasaron cosas. Yo mismo me sorprendí de cómo canté por ejemplo, el audio es llamativo. Hubo magia, algún día vamos a contar cosas que pasaron en ese show, que tienen que ver con nuestra historia y con los espíritus que nos acompañaron esa noche. Casi te diría que está probado: no estuvimos solos esa noche, podrás decir que estamos locos, pero lo sabemos”.

Además, hay un especial hincapié en la función de www.laspelotaspage.com, el sitio por el que también responde Pacha en lo referente a contenido. Mini bio de los discos más importantes de Las Pelotas, extractos de shows, estrenos en video y perspectivas a futuro se concentran allí.

“Queremos convocar a periodistas en los que creemos para que nos provean de información. No de quien ganó en Tinelli y esas mierdas, sino información sobre la realidad, con una visión historicista, con una línea editorial sobre ciertos temas. Que si la gente le dice ‘No a la minería a cielo abierto’ sepa de qué está hablando. Es un compromiso que asumimos”.

Banda eterna

Y volviendo al Luna, ahí se puede ver en la guitarra a Tavo Kupinsly, ex Piojos, como parte prácticamente estable de la agrupación. Así que la imagen da para preguntarle al tipo de gorra casi permanente sobre separaciones miserables de grandes bandas, y la posibilidad de que esa onda expansiva llegue alguna vez a Nono.

“Para Las Pelotas sería imposible, porque las bases vienen de antes, de la época de Sumo. La escuela de Sumo me enseñó muchas pequeñas cosas, como que al público te lo ganas tocando. Con los años, también a saber por qué se producen las separaciones de los grupos. Una cosa es un grupo y otra una sociedad anónima. Somos un grupo artístico y nos nutrimos todos de todos, lo disfrutamos y eso produce mucha unión real. Creo que nunca vamos a tener una separación miserable. Ni siquiera una separación, me parece que nos vamos a ir muriendo de a poco hasta que quede uno solo y ese sea ‘El Pelota’, o algo así”, reflexiona Daffunchio.

Breve historia pelotera reciente en clips

En 2008, con todos los astros alineados, la prueba de fuego para el hoy biógrafo oficial de Las Pelotas, al menos en video, fue el clip de Que estés sonriendo, rodado en torno a un par de conceptos sencillos en Bariloche. Sobre el pucho surgió el de la versión de La colina de la vida, corte de difusión del tributo a Gieco, que tuvo un video hecho en tiempo récord (3 días) y fue producto de otro montón de voluntades, incluida la del mismo León.

“Después vino el de Qué podes dar , uno de los más difíciles porque ahí actuó una nena que además es mi hija”, dice Paciaroni. Lo que no dice es que el clip fue uno de los más elogiados del año por crítica, público y el ambiente videoclipero local en general.

Y meses más tarde, la aventura de filmar en un inhóspito paraje fueguino la materia prima para el clip de Personalmente.

ONDA VAGA CIERRA UN AÑO EN CRECIMIENTO

Antes De Presentar Su Flamante Disco Espiritu Salvaje, La Banda Que Exploto Después De Telonear A Manu Chao Repasa Estos Meses De Chicas Bailando Bajo El Escenario Pidiéndoles Fotos Para Facebook, De Canciones Sonando En La Tele Y De Ellos Mismos Hablando Por Todos Lados.

Por Julia González – Suplemento NO Pagina/12

”Ahora sí tengo ganas de hablar”, dice Tomás Justo Gaggero, invitando a la cronista a retornar al “rec” de su grabador. Unos momentos antes, la entrevista había terminado. Vagos, aburridos, mal dormidos, transpirados, Onda Vaga se congregó bajo la copa de un árbol de la vereda de un restaurante que, de no ser por la ubicación palermitana, no valdría dos mangos. Tomando “pomelada” transcurre la mañana, conversando de los dos años que pasaron de aquella primera nota que el NO publicó y en la que advertía que esta banda sería la revelación de 2008. En aquel entonces se trataba de un quinteto nuevo y relajado, formado por músicos de otras bandas (Doris, Michael Mike y Satélite Kingston) que, hartos del circo montado alrededor de los recitales –sonido, equipos, tarifas de los bolicheros–, armó su propia ronda para aullar como perros a la luna.

La idea era también presentarse en fiestas con lo puesto, tocar con lo que hubiera y emborracharse en paz. Pero no se trataba de cinco perros locos sino de unos perros que minuciosamente arreglaron las voces para darle fuerza a lo que se canta sobre un ritmo flamenco con aires a lo Manu Chao y velas iluminando el lugar. Súper íntimo. Aunque temas como Mambeado, Te quiero y Sequía de amor hicieron que las velas ardieran y ya no hubiera quórum para seguir con el acusticazo. Hubo que amplificar y aquel sueño del fogón en las claras playas del Cabo Polonio inicial se precipitó.

Chicas bailando debajo del escenario pidiéndoles fotos para subir al Facebook, chicos reversionándolos en las fiestas, canciones sonando en la tele, y ellos mismos hablando en la tele y en la radio. Así, todo el mundo conoció la onda, que de vaga sólo conservaba el atuendo. De a poco sumaron a Jano “Alvy Singer” Seitun (contrabajo), “Faca” Flores (percusión) y a Santiago Castellani (tuba), para darle a la señal un sonido que trazaría la nueva época de la banda. Con la flamante incorporación, el vivo fue más compacto y audible, completando todas las frecuencias sonoras. Y listo, Onda Vaga se fue al cielo con sólo un disco, Fuerte y caliente, que tuvo la participación de Fito Páez, el visto bueno de Andrés Calamaro, y la aceptación absoluta de sus fans (al término de esta edición, el grupo de la banda en Facebook tiene 52.825 seguidores y siguen los clicks).

Espíritu salvaje, grabado en El Calafate, es el segundo paso que dio Onda Vaga, ya a sabiendas de que este trabajo sí iba a ser escuchado. Invitados por Solo Studio, sito en las blancas calles de Santa Cruz, los vagos se apersonaron con sus ropas más abrigadas. Toda una experiencia. Tenían la llave para ingresar al estudio y tocar y retocar las canciones cuanto quisieran. Pasaron su estadía de tres semanas en un hotel cuatro estrellas, tuvieron sobredosis de cordero y otros abastecimientos, y se volvieron a Buenos Aires con algo de sobrepeso y un disco que no tiene nada que ver con el primero. “Grabamos muchos temas y no nos pusimos de acuerdo en sacar ninguno, entonces dijimos: ‘Bueno, va todo’. De hecho grabamos 24 o 25 canciones. Y teníamos ganas de que entren todos los temas. Hay algunos que duran un minuto, son muy cortitos. Fue una discusión entre nosotros elegir hacer un disco como el anterior o hacer algo que la gente no esperaba, incluso que fuera medio incómodo”, cuenta Germán Cohen. Un poco también influyó esa fama súbita que Onda Vaga experimentó al encontrar a sus integrantes desbordados y tener que transformar su propuesta. Porque cuando editaron Fuerte y caliente no esperaron el feedback de la gente, simplemente porque no había gente. “Tiene que ver con el cambio y el crecimiento, te das cuenta de que lo escucha mucha gente, cosa que antes no pasaba porque no teníamos alcance, ni idea de hasta dónde podíamos llegar. Entonces ahora podemos saber que va a haber gente esperando el disco. Saber que a esa gente le podés dar más o menos”, expone Marcelo Blanco.

–¿Cómo está repartida la autoría de los temas?

Germán: –Cada uno llevó temas y los armamos entre todos. Pero, o la forma o la letra, muy concretamente, está escrito por cada uno. Y en eso somos muy intuitivos: si traés cinco temas, a todos nos van a gustar esos cinco temas. No hay un límite, ni un filtro, más allá del gusto. De hecho se incluyeron temas que uno no está del todo conforme. Había uno que era muy lento, Lolita, creo que es el 10, y yo decía: “Pero es medio bodrio”. Y al final quedó porque a ellos les encantaba y a mí me parecía medio bodrio porque era lento. Cuestión que terminó teniendo un montón de repercusión porque era casi una balada.

–Al igual que en el disco anterior, Espíritu salvaje sostiene esa línea en las letras que invita a mantener vivo el niño interior, a pesar del crecimiento cronológico.

Marce: –Sí, hay algo de eso. No sé si “no crezcas”, es más bien “crecé con la felicidad de un niño”.

Nacho: –Igual, el tema Lolita sí es “no crezcas”.

Marce: –Pero no es en ese sentido.

Nacho: –¿Cuál es el sentido, jefe?

Marce: –Mantené la juventud.

Germán: –Hacé gimnasia.

Marce: –No sé, para mí es todo un tema. Yo cumplí 30. Por ahí un chabón que es re rutinario y que hace tres años tenía la misma vida que yo, ahora, para mí tiene otros ideales. De pronto se metió en un laburo, vendió el amplificador y la guitarra, y se olvidó de todo eso. Y capaz que muchos, incluso, ahora se echan para atrás y dicen: “Ah, eso es una pelotudez”. Y tal vez cuando tengan hijos les dicen: “No toques la guitarrita”. Entonces para mí ese cambio es clave, cuando dejás de tener ilusiones y de creer en la magia y en la fantasía para transformarte en un conformista del sistema.

Nacho: –Yo en una canción lo nombro, y para mí va el significado de no perder el niño interior, que tiene que ver con la mirada. La mirada del descubridor o del niño, de tener esa actitud para con la vida, no perder la sorpresa o no perder eso, la fascinación por la vida, por la novedad. Levantarse cada día, a veces, es difícil. Pero cada situación tiene algo nuevo, cada día tiene algo nuevo y, no sé, yo cuando tengo esa mirada, me gusta la vida. Me lo digo a mí, pero lo pongo en una canción y parece que se los digo a todos, pero es un autoconsejo. Pero, bueno, como vos hiciste la pregunta, te lo quería explicar un poco como yo lo veía.

Estas miles de personas que aseguran gustar de Onda Vaga vía Facebook, se desparraman en recitales por todo el país, a los que asisten para disfrutar de una hora y media de felicidad asegurada. Y tanto deambular con sus antiguas (o paralelas) bandas por los escenarios del under sin ver un peso, por fin llegó lo que todo músico ansía en un país con pocas posibilidades para el arte: cobrar por tocar. Vivir de la música, el paraíso perdido. “Ese cambio es buenísimo, yo se los recomiendo a todos –revela Marce, que trabajó de telemarketer cuando recién se formó Onda Vaga–. A uno de los primeros shows llevé a cinco compañeritos telemarketers, de las diez personas que había. Les hice pagar la entrada con ese sueldito de mierda. Qué mundo de mierda. Yo era la misma mierda. Con mi primer sueldo compré un Jack Daniels y lo llevé al camarín.” Dice Nacho: “Es lo que tendría que pasarle a todo el mundo que va a tocar. A mí me llevó ocho años llevarme plata después de tocar. Está mal no llevarse plata porque la movida que hace un músico que va a tocar es impresionante”. Y Germán completa la idea: “Se lleva guita el fletero, el sonidista, el chabón que corta los tickets, el dueño del boliche, y el músico... jamás. Eso es lo limado”.

Pero volvamos al principio de este relato. Algo, aun después de terminada la nota, les quedaba en el tintero: la muerte de Mariano Ferreyra. “A mí ya me había parecido limado porque vi videos del pibe tocando la guitarra, era la imagen militante de un estudiante. Me hizo acordar a la dictadura, que desaparecieron los pibes, estudiantes, artistas, que ayudaban, pibes que en su vida agarraron un arma”, expone Tomi. “Aparte lo mata un chabón que es un barrabrava –interrumpe Marce–. Yo creo que la educación futbolera aniquila a la educación en el amor. Está muy equivocada la educación y el enfoque, nadie te enseña a valorar la vida y a amar. Entonces, un chabón que vive en una realidad de odio, tiene un chumbo y el patrón le dice ‘matá al zurdito’, y lo mata, le chupa un huevo. Y le divierte, quizá.”

Movilizados por la participación que tuvo Onda Vaga en el Festival por el Juicio y Castigo a los asesinos de Mariano, la banda vive la situación desde otro lugar, de una manera más cercana. Unos minutos antes de subir al escenario montado en la plaza, estuvieron hablando con un amigo de Mariano y les dijo que él tocaba sus canciones en la guitarra y que siempre iba a verlos. “Nos pasó de hablar con el pibe éste, que era su cuñado, y nos contó del último día del chabón, que no se pudo despedir, pero que había estado hablando con el viejo del pibe éste. Se fue a la marcha y ya está, no lo viste más”, cuenta Marcos Orellana. La pregunta, al comienzo de la charla, fue cómo se habían sentido al tocar frente al Perito Moreno la canción La muerte canta. Pero Marce contestó, lapidario: “Fue más fuerte cantar en la Plaza de Mayo frente a 40 mil personas”.

–¿Quién los convocó a tocar en el festival?

Marce: –Un amigo de Mariano que militaba con él.

Marcos: –Una situación un poco limada y es que terminó siendo un acto del Partido Obrero encubierto, se terminó haciendo política en vez del reclamo. Terminó teñido de partidismo y eso me chocó un poco.

–¿Por eso no tuvieron un discurso potente como tal vez lo tuvo Alika?

Germán: –No tenemos un discurso potente. Que maten a un chabón que no se lo merece no está bueno nunca, el discurso era estar ahí. Yo no soy muy bueno para hablar y está bien sumarse a una causa noble y justa como un pedido de justicia; no sé si fue por el Partido Obrero que no tuvimos un discurso.

Marcos: –Lo que pasa es que iba a ser medio así, que el PO iba a abanderar la ceremonia porque el chico estaba en el PO. El respeto a cualquier tipo de militancia está, pero a veces los partidos generan eso, se mezclan los intereses con las cosas artísticas, entonces por ahí también nos choca un poco.

–Y ahora que los sigue mucha más gente que antes, ¿creen que tienen que tomar algún tipo de compromiso?

Nacho: –Yo creo que nos comprometemos de alguna manera con algo. Si bien no estamos diciendo “salgan a comer carne” o “no salgan a comer carne”, o algo muy preciso, yo creo que sí estamos diciendo algo.

Marcelo: –El mensaje es claro, y hay mucha gente a la que puede parecerle naïf y ridículo, pero para mí hay un mensaje de “salí a vivir la vida y pará, por un lado, de sufrir al pedo, y por otro lado, date cuenta de lo que hacés vos”. Podés salir al jardín a cosechar lo bello, podés salir también a correr, a disfrutar, no hace falta estar metido dentro de una nube gris y lleno de mierda cuando la decisión está en vos e irte; en vez de hacerte una choza en una villa miseria, te podés ir a hacer la misma choza en el medio del campo.

Tomás: –Con pinzas también todo eso.

Marcelo: –No, ni a palos con pinzas, ni a palos. O sea, es una decisión, yo no digo que sea fácil.

Tomás: –Para mí no es todo tan así, “bueno, es tu decisión ser feliz”, porque hay muchas causas que son inevitables y llevan al sufrimiento.

IMAGINA QUE SIGUE ENTRE NOSOTROS

Hace hoy 30 años John Lennon era asesinado de cinco balazos. Su obra sigue creciendo.

Federico Ossola Suplemento VOS

El 8 de Diciembre de 1980, John Lennon fue asesinado de cinco balazos, cuando por la noche regresaba a su casa luego de una sesión de mezclas de un nuevo single de Yoko Ono (irónicamente titulado Walking on thin ice). Dos meses antes, y resurgiendo del exilio musical autoimpuesto desde 1976, había salido su nuevo disco Double fantasy, elaborado en conjunto con Yoko, intercalando canciones de ambos. Lennon había vuelto, decían los titulares.

Si bien desde lo musical no estaba a las alturas de Plastic Ono Band, Imagine y Walls and bridges, constituía un regreso auspicioso. Un nuevo concepto (John nunca se copió a sí mismo), y la promesa de mucho por venir. Lennon todavía tenía cosas para decir. El hombre moría, y el mito nacía.

Paul se enteró la mañana siguiente en su casa, lo mismo que George. Ambos, conmocionados, hicieron lo único que podían: se refugiaron ese día –por separado– en la música. Ringo, que lo había visto dos meses antes, tuvo un colapso nervioso en las Bahamas, y corrió para estar al lado de Yoko y Sean.

Convertido John en mártir, Yoko consagró su vida a su legado cultural.

Paul, por su parte, incansablemente se dedicó a dejar sentado su propio lugar en los Beatles y el del propio grupo en la historia de la música.

Ambos lo lograron. Hoy tanto los Fab Four como Lennon no sólo venden más que antes, sino que siguen siendo los líderes de una revolución musical sin precedentes.

Despedida

Cada vez que sale a la luz una nueva canción o un nuevo disco de John Lennon, cuesta creer que hace 30 años que no está. Su música no ha perdido actualidad, y si aún viviera, hubiera sido uno de los referentes socio–culturales en este mundo cada vez más convulsionado.

“Vivir es fácil con los ojos cerrados, malentendiendo lo que ves” (Strawberry fields forever, de 1967). “La vida es lo que te pasa, mientras estás ocupado haciendo otros planes” (decía en la letra de Beatutiful boy, del año 1980). Esas, y tantas otras verdades, Lennon cantaba en sus canciones, con su estilo directo y despojado.

Con esa música que sólo escuchaba en su mente (dijo que nunca la pudo plasmar en sus grabaciones tal como la oía dentro suyo), y que conviene escuchar cada tanto.

El mundo extraña a John.

Entre la muerte y la vida eterna

Cuando se cumplieron 70 años de su nacimiento, el 9 de octubre, se editó toda la discografía solista oficial de Lennon, remasterizada (sobre mezclas originales) igual que en 2009 se hizo con los Beatles.

En la Argentina se consiguen por separado (Plastic Ono Band, Imagine, Sometime in New York city, Mind games, Walls and bridges, Rock and roll, y Milk and honey).

La novedad es Double Fantasy Stripped Down, que contiene –junto con la original, en un disco doble– una nueva mezcla del álbum, donde se destaca la voz de John. Los simples salen $ 60 y los dobles $ 70.

También hay una nueva compilación –Power to the people: the hits, que trae un DVD ($ 80)–, y se ha editado un conjunto de cuatro temáticos: Gimme Some Truth ($ 250).

Importada se consigue una edición de coleccionista con 11 CDs, rarezas y singles no incluidos en los discos: The John Lennon Signature Box.

COSQUIN ROCK 2011

COSQUÍN ROCK: POR TRES DÍAS LOCOS

La grilla del festival en su versión 2011 está prácticamente lista. Tendrá a Charly, Calle 13 y Ciro. Enterate acá quien toca.

Germán Arrascaeta suplemento VOS

Con varias novedades y un programa interesante, Cosquín Rock empieza a desandar su segunda década de vida. La nueva edición se realizará entre el viernes 11 y el domingo 13 de febrero, pero no tendrá a la comuna San Roque como hábitat sino el aeródromo de Santa María de Punilla, donde el organizador, el empresario José Palazzo, ya produjo conciertos de La Renga. La aspiración de máxima a la hora del armado del line up era tener a todos los solistas del Olimpo pop, a excepción del siempre intransigente Indio Solari. Pero Palazzo se encontró con que Calamaro “no quiere trabajar en febrero” y que Fito Páez no aceptó el convite. Así las cosas, Cosquín Rock se garantizó las reincidencias de Charly García y Skay, al Spinetta post Bandas eternas, al siempre vigente León Gieco y al estreno a cielo abierto de Ciro, el solista masivo que ya se vino.

En cuanto a los grupos, también será una oportunidad para estrenos. El más resonante, sin dudas, será el paso por el festival serrano del combo boricua Calle 13, que (re) presentará oficialmente su reciente que Entren los que quieran.

También se probará Jauría, el nuevo grupo del ex Attaque Ciro Pertusi, y se dispondrá el escenario principal para números en franco ascenso como Utopians, Eruca Sativa y Revelados.

Las Pastillas del Abuelo, por su parte, espera por una nueva actuación consagratoria, mientras que Las Pelotas se garantiza su espacio para tener el honor de ser el único número con asistencia perfecta al festival.

Temáticos

Como siempre, los escenarios temáticos tendrán su preponderancia. El del día de estreno, el viernes 11, será punk, con Attaque y Massacre como números fuertes, aunque se espera la eventual confirmación de Misfits.

El temático del sábado será reggae, con bandas como Nonpalidece, Fidel y Dread Mar I, entre otros. Mientras que el día de clausura corresponderá al heavy con Almafuerte, Logos y Horcas.

Otro rasgo singular de Cosquín Rock 2011 será la inauguración del escenario “Julio Anastasía”, para que allí se desenvuelvan los créditos fuertes del rock local.

Anastasía fue el histórico cantante de Los Navarros y el fundador del grupo industrial Electrosaurio, quien falleció meses atrás a causa de un cáncer cerebral.

Dar de nuevo

“Hacer este Cosquín 2011 es un gran desafío”, dice José Palazzo. Y luego agrega: “La idea es no aburguesarnos. Sacudirnos el polvo y ponernos a laburar como si fuera el primero, convencer a las marcas de que el rock nacional sigue siendo una buena coartada para invertir”.

Para Palazzo “el cambio de escenario tiene mucho que ver con el renacimiento, y con la idea de que en los hangares pasen cosas. La realización de una Bizarren party, la proyección de Pájaros Volando con (Diego) Capusotto y (Luis) Luque presentándola, números de circo callejero desarrollándose entre el público, ferias de diseño...”. Cosquín Rock 2011. La cuenta regresiva ya empezó.

La grilla completa

Viernes

Escenario principal: Babasónicos, Las Pelotas, Calle 13, Estelares, Emmanuel Horvilleur, Revelados.

Temático: Attaque77, Carajo, Massacre, Bulldog, Maltrato, más bandas a confirmar.

Escenario Julio Anastasia: Tiempo Perdido, Tórax, Eneo, Moreno, Los Vacas, ganador pre Cosquín Rock

En el hangar: Cine (Pájaros Volando), rock and roll para todos con bandas a confirmar.

Sábado

Escenario principal: Charly García, Skay, León Gieco, Luis Alberto Spinetta, Virus, Jauría, María Eva, The Outopians.

Temático: Nonpalidece, Fidel, Los Cafres, Los Pericos, Dread Mar-I, Dancing Mood, Pure Feeling.

Escenario Julio Anastasia: Juan Terrenal, Testigo Rock, Joysick, Ira, Bajo Receta, ganador pre Cosquín Rock.

En el hangar: Bizarren Party.

Domingo

Escenario principal: Ciro y Los Persas, No te va gustar, Las Pastillas del Abuelo, Gardelitos, Kapanga, Arbolito, Eruca Sativa.

Temático: Almafuerte, Logos, Horcas, Viticus, Tren Loco, Coverheads, Apócrifa, más bandas a confirmar.

Escenario Julio Anastasia: Ojos de Pîedra, La Traktora, Espía Urbano, Jorge Galicia, Domo, ganador pre Cosquín Rock.

En el hangar: Metal para todos con bandas a confirmar.

Se enciende la mecha. Se conoció el logo de la nueva edición de Cosquín Rock, diseñado por Rocambole.

Suplemento VOS

Cosquín Rock 2011 se va armando, y no solamente en términos de grilla artística. Este viernes, VOS tuvo acceso en exclusiva al logo del evento, que se renueva cada año. La iconografía que identificará a la versión número 11 del festival fue diseñada por Rocambole y consiste en la clásica mano, en este caso sosteniendo una bomba con la mecha encendida.

Rocambole, cuyo DNI dice que se llama en realidad Ricardo Cohen, es el artista plástico responsable del arte de tapa y todo lo relativo a diseño en la historia de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota.

Cosquín Rock 2011 se realizará entre el viernes 11 y el domingo 13 de febrero del año que viene, y ya no tendrá al predio de la comuna San Roque como espacio sino el aeródromo de Santa María de Punilla. Según una fuente allegada a los organizadores, será el día sábado el de mayor convergencia de pesos pesados. La grilla para entonces dice: Spinetta, Páez, García y Skay.

José Palazzo también anticipó que en breve será lanzado el sitio oficial del festival.

También es un hecho que volverá el escenario temático reggae, tras la inexplicables ausencia de la pasada edición (los otros dos serían los clásicos heavy metal y punk). Estarían las bandas y solistas más importantes del género en el país como Nonpalidece, Dread Mar-I, Pericos y algún nombre internacional (Pure Feeling de Brasil, por ejemplo).

UNA CUMBRE ROCKERA DEL OTRO LADO DE LOS ANDES

Un seleccionado de emblemáticos músicos argentinos y chilenos se unirá en una misma jornada para celebrar los 200 años de vida republicana del país vecino

Sebastián Ramos

Luis Alberto Spinetta, Charly García, Fito Páez, Andrés Calamaro, León Gieco, Fabiana Cantilo, Vicentico, Babasónicos y Gustavo Cordera. La sumatoria de sus canciones bien podrían ofrecer un pantallazo bastante certero de la historia del rock argentino y, en un hecho sin precedente, algo de eso se escuchará el 11 de diciembre. Pero no en la Argentina, sino en Chile.

En esa jornada, esta suerte de seleccionado de próceres locales del género cruzará los Andes y celebrará arriba de un mismo escenario y junto a otros tantos artistas chilenos los doscientos años de vida republicana del país vecino. Algo así como el show soñado por el fanático del rock nacional promedio hecho realidad, pero en el parque O'Higgins, de Santiago de Chile.

Sin duda, la presentación de este cartel superestelar es una impactante demostración de poderío económico que por estos días ostenta el país trasandino, pero, al mismo tiempo, se traduce también en un gesto de reconocimiento por parte de los músicos argentinos para con sus miles de fans chilenos, confesos y comprobados adoradores del rock local. "El rock argentino es probablemente la influencia más importante, no sólo para Chile, sino para toda la región -asegura Juan Andrés Ossandón, productor del festival-. Significa una gran parte de la banda sonora de nuestras vidas y que ha sido extendida a nuestros hijos, que hoy son adolescentes."

El festival lleva el nombre de El Abrazo y Ossandón, el hombre que logró juntar todas las firmas, es un productor reconocido en su tierra por la realización de varios eventos musicales masivos. "Desde que hicimos La Cumbre del Rock Chileno en 2007 -que juntó por primera vez a todas las bandas grandes del país en una sola jornada-, pensamos que el paso siguiente era internacionalizar el concepto de «cumbre»", dice Ossandón, y lanza el eslogan: "Este es un abrazo como el de San Martin y O'Higgins, pero esta vez son los héroes del rock argentino los que cruzan la cordillera, 200 años después".

Ossandón dice que es un line up soñado, irrepetible, que habrá dos escenarios unidos por una pasarela y que probablemente allí pueda ocurrir algún encuentro, algún cruce, algún abrazo, si no tan histórico como aquel de 1818, al menos lo suficientemente anecdótico para unos cuantos miles de jóvenes afiebrados por el rock.

-¿Hubo algún artista que tenías ganas de que participara y no lograste firmar?

-Uno solo, y se llama Gustavo Cerati. Iniciamos conversaciones con la gente de él dos días antes que ocurriera la tragedia que todos lamentamos... No me cabe duda de que habría estado. Pero la esperanza es lo último que se pierde, así que aquí lo vamos a esperar. Y si no alcanza a estar, le vamos a enviar la energía de 100.000 chilenos el 11 de diciembre, y sabemos que se va a poner contento.

Y por casa cómo andamos...

Mientras tanto, en la Argentina, este viernes, un día antes del festival chileno, la Unidad Ejecutora Bicentenario, dependiente de la Secretaría General de la Presidencia de la Nación, tiene programado cerrar también el año con un festival por los Derechos Humanos, grautito y en la Plaza de Mayo.

Luego del frustrado intento de traer a Sting para cerrar la jornada, los organizadores repatriaron contrarreloj la idea que los productores chilenos habían puesto sobre la mesa con antelación y dialogaron con varios de los músicos cercanos al gobierno (Calamaro convocó a Aníbal Fernández para participar de uno de sus videoclips; García tocó en Tucumán durante la celebración del 9 de Julio; Gieco es militante de organizaciones como las de las Madres y Abuelas de Plaza de Mayo y se presentó en varios festivales organizados por el Gobierno, y Páez actuó no una, sino tres veces, en los festejos del Bicentenario, en mayo) para que hicieran un esfuerzo extra y participaran, un día antes, también del festival argentino.

"Nos juntamos con la presidenta y con representantes de las Madres y las Abuelas de Plaza de Mayo y estamos viendo cómo hacer para que al menos Charly pueda cantar un par de canciones y después viajar a Chile a las corridas. A pesar del esfuerzo que significa para Charly, él lo quiere hacer, especialmente, por su vínculo con las Abuelas", asegura Fernando Szereszevsky, manager del músico argentino.

Un mes y medio atrás, el gobierno porteño no le dio al Ejecutivo la habilitación pertinente para realizar la muestra Tecnópolis en las calles de la ciudad y desde entonces, la amenaza de una nueva prohibición continuó latente para cualquier evento público organizado por el gobierno nacional en Capital Federal.

De allí que hasta ayer no se haya podido confirmar el cartel completo del festival, pero tanto Páez como Gieco podrían ser de la partida y de esa forma no dejar tan vacío de figuras rockeras argentinas los festejos en el país, al que se podrían sumar Gustavo Santaolalla, Victor Heredia, Teresa Parodi, Calle 13 y los uruguayos No Te Va Gustar y Rubén Rada.

La Primera Junta del rock festivalero

Compusieron, grabaron y tocaron juntos; se amigaron y se pelearon en más de una ocasión y, desde los años 80, han sido parte fundamental de la historia de los festivales de rock masivos en el país

La última vez juntos. García, Páez, Calamaro, Gieco y el periodista Víctor Pintos celebran una humorada de Spinetta (de pie) durante la conferencia de prensa de La Falda Rock, en 1984. Fue la última vez que los cinco referentes del rock local se mostraron juntos públicamente.

LA VOZ DE LOS MÚSICOS SE OYE CADA VEZ MÁS FUERTE

Se Reglamento El Regimen De Concertacion Para La Actividad Musical No Oficial En La Ciudad De Buenos Aires

La Ley 3022 garantizará la realización de aproximadamente 500 conciertos por mes con arreglos más favorables para los artistas. Uno de los aspectos fundamentales de la norma es la prohibición de “pagar para tocar” en los lugares inscriptos en el programa.

Por Cristian Vitale – Pagina/12

“Los derechos no se recitan, se conquistan”, sería la frase matriz que guió el accionar del grueso puñado de músicos que logró, por estar, empujar y permanecer, la reglamentación definitiva de la Ley 3022. Se trata de una norma que, como su nombre lo indica (Régimen de Concertación para la Actividad Musical no oficial en la Ciudad de Buenos Aires), garantizará por su propia inercia un desarrollo más sano de la música en vivo en diferentes espacios porteños, tras años de hábitos y costumbres poco favorables –más bien perjudiciales– para la libre expresión de los músicos. La ley, que había sido votada unánimemente por la Legislatura porteña el 19 de marzo de 2009, recién fue reglamentada la semana pasada, y entre sus principales puntos garantiza la realización de aproximadamente 500 conciertos por mes en la Ciudad con un arreglo del 70 por ciento de la recaudación en concepto de venta de entradas para los músicos y el 30 por ciento para el lugar; el cobro del derecho de autor de aquellos compositores cuyas canciones se ejecuten en el marco del régimen de concertación y, fundamental, la prohibición tajante de “pagar para tocar” en los lugares inscriptos en el programa, lugares que, además –a cambio de subsidios y exenciones impositivas–, deberán proporcionar sonido, luces y operación técnica.

“Este es uno de los puntos fundamentales, porque se empieza a revertir lo perverso de pagar para tocar. Los pibes que hoy día tienen que hacer eso, se ven obligados a vender entradas por anticipado, y juntar 3 o 4 grupos el mismo día, con lo cual el boliche se asegura un lucro sin ningún riesgo, y se aprovecha de la necesidad de los pibes de expresarse”, principia el músico Diego Boris, uno de los principales fogoneros de los derechos de los músicos, en tanto referente de la Unión de Músicos Independientes (UMI). El próximo paso, después del brindis por la reglamentación, claro, será la inmediata creación del Instituto BAMúsica, cuyo directorio estará integrado por cuatro directores pertenecientes a Ciudad y cuatro repartidos entre las organizaciones que consensuaron con los funcionarios el espíritu de la ley: el Sindicato de Músicos (Sadem); la UMI, cuya presidencia ocupa hoy Cristian Aldana; la Camuvi (Cámara Argentina de Espacios con Música en Vivo) y los Autoconvocados por la Música en Vivo. “Recibimos con una inicial alegría la noticia de la firma definitiva en la reglamentación de la ley que nos compete y que contó con nuestra participación en esta instancia crucial para su ejecución definitiva. Pero, luego de la embriaguez inicial, entendemos que esto sólo concluye una primera etapa de participación”, señala el músico Fer Isella, en nombre del colectivo de músicos que fue actor central en las movilizaciones al Ministerio de Cultura que se dieron entre septiembre y octubre para conquistar, a fuerza de estar, el derecho.

El BAMúsica, que comenzará a funcionar una vez que la Ciudad y las distintas asociaciones ligadas a la actividad musical nombren cada director, es central para que los beneficios de la norma comiencen a instrumentarse. En principio se abrirá un registro para que se anoten todos aquellos espacios de música en vivo que deseen ajustarse a las generales de la ley. Aquellos que pasen a formar parte del régimen –lugares para no más de 300 espectadores– recibirán como beneficio exenciones impositivas, y parte del monto de subsidios y créditos que garantiza la ley pero, como se dijo, no podrán cobrar nada bajo ningún concepto a los músicos. Y, como señala Boris, deberán asegurar luces, sonido y operación técnica. “Me parece importante destacar la unión que se generó entre los distintos sectores para lograr la reglamentación de la ley, incluyendo la participación de los músicos que siempre se mantuvieron distantes y que han despertado interés, en este último tiempo, rompiendo de esta manera con el paradigma de muchos artistas de que participar en política no es cool, dándose cuenta de que este aporte es necesario para mejorar la situación actual. Espero que éste sea un punto de partida para continuar mejorando las políticas culturales en torno a la música”, expresa Nacho Perotti, referente de Camuvi y del espacio Plasma.

Los diferentes actores que consensuaron la ley esperan con optimismo que el programa garantice la realización de 4 shows por semana de diferentes grupos y en días distintos en cada espacio anotado, lo que garantizaría la realización de unos 500 conciertos por mes. “Un paso adelante para el desarrollo de la música en vivo que, como todos sabemos, quedó fuertemente afectada por la tragedia de Cromañón”, dice Boris. “En un momento histórico, con una industria musical en serios problemas y en constante cambio, este tipo de protecciones son necesarias para fortalecer la actividad, de por sí muy rica y vital en esta ciudad, pero muchas veces marchita por las trabas burocráticas”, señalan los Autoconvocados.

De seguir todo su curso normal, el Ministerio de Cultura destinará una primera partida de aproximadamente 3 millones de pesos, con un techo del 10 por ciento para gastos, que repartirá, en concepto de créditos y subsidios, un 70 por ciento para los lugares que adhieran al BAMúsica y un 30 por ciento para los músicos que graben sus discos en forma independiente o a través de sellos nacionales chicos. “Existe una desvalorización de la escena musical nacional en la ciudad y en todo el país, siendo notorio cómo la inflación repercute en muchos sectores artísticos, pero en la música independiente pareciera no impactar: hoy en día, los shows de artistas emergentes rondan entre 10 y 20 pesos, al igual que hace más de 6 años. Lo increíble es que ese mismo público quizás haya asistido a 2 o 3 shows internacionales como los que ha habido en estos últimos meses, pagando desde 150 a miles de pesos. Hay que tener en cuenta que esta avalancha de megashows destruye las ya complicadas economías de los espacios pequeños, por lo que resulta importante avanzar en la revalorización de la cultura nacional, fomentando y generando espacios para la expresión de artistas que representan nuestra cultura”, sentencia Perotti.

El proyecto de ley se originó cuando la diputada peronista Inés Urdapilleta y el diputado Facundo Di Filippo, del ARI, tomaron cartas en el asunto, luego de los reclamos de los golpeados Clubes de Música en Vivo, y diseñaron los lineamientos base del Régimen de Concertación que, tras la votación unánime de marzo de 2009, naufragó un año y medio hasta que las constantes movilizaciones de músicos ante el ministerio –con la participación de figuras de peso como Teresa Parodi, Liliana Herrero, Leopoldo Federico o Raúl Carnota–, motivadas por la clausura indiscriminada de lugares, forzó su reglamentación. “El proyecto se logró consensuar en un 90 por ciento y luego se mandó a que lo firmaran las distintas instancias del Poder Ejecutivo porteño, y se cumplieron los plazos previstos antes de que termine el año, debido a que, de otra manera, se perdía el monto correspondiente al presente ejercicio (lo que no se ejecuta en el período, por ley, no puede pasar al período siguiente). Entonces se podrá ejecutar el fondo de fomento para el año 2010”, informa Boris. “Digamos que la reglamentación avanzó un poco más de lo que era la ley, porque se conquistó más que esperar el desarrollo normal del PEN, que tiene toda la potestad para reglamentar. Hubo que llegar a un acuerdo porque había un conflicto y ahora vamos a tener que trabajar en forma acelerada para que se pueda utilizar el presupuesto de este año. Después se irá perfeccionando”, presagia Boris, mientras Perotti advierte: “Si bien la ley se ha reglamentado recientemente y el ministro de Cultura ha prometido que el presupuesto de este año se ejecutará, es poco probable que se pueda utilizar la partida presupuestaria de 2010, excepto que el Ejecutivo trabaje en forma rápida y efectiva para asignarla”.

“Los problemas laborales son muy amplios: conflictos de mercado, sociológicos, regionales y algunos universales. Sin embargo, todos los actores involucrados estamos de acuerdo en puntos clave y eso es lo que quisimos dejar en claro cuando el gobierno salió a cerrar los espacios de forma arbitraria y caprichosa”, dicen por su parte los Autoconvocados, que consideran la reglamentación de la ley como una etapa más dentro del objetivo global: generar políticas culturales de incentivo, promoción y difusión de la música independiente local en sus diversas etapas: composición-producción, estudio, vivo y difusión. “Los Autoconvocados continuamos en estado de alerta en términos de política cultural en la Ciudad. La calle fue el lugar que nos dio visibilidad, frente al desaire producido cuando el ‘impacto mediático’ fue más importante que el cuidado de un sector tan importante de la cultura. Allí volveremos cada vez que sea necesario recordarle al poder de turno que nuestro derecho constitucional a la expresión a través del arte (la música) no será ni avasallado ni utilizado para fines que no contemplen el desarrollo de la cultura, que es nada más y nada menos que nuestra identidad como argentinos de nuestro tiempo. El consenso y la discusión constructiva fue nuestro horizonte y así logramos una reglamentación pluralista, equitativa y coherente con el contexto que le dio origen a la ley. Esto es parte de lo que aprendimos durante el proceso de reglamentación: las leyes y la política son un mundo complejo y apasionante... bien vale saber de qué se trata y cómo, porque la creatividad también puede usarse con fines concretos.”

En ese ir a más, también se insertan objetivos clave que la UMI y la FAMI (algo así como su brazo federal), mantienen vigentes: el proyecto del canal público Sonar TV, la plena aplicación de la Ley de Servicios de Comunicación Audiovisual y, fundamentalmente, la aprobación de la Ley Nacional de la Música, que está flotando entre senadores hace un buen rato. “Lo que puedo decir hoy es que se está consensuando con los distintos bloques para que se apruebe con la mayor cantidad de senadores posible, porque después pasa a Diputados. La verdad es que no hay gran conflicto con los puntos principales de la ley, pero se está viendo cómo se expresa para que luego no surjan diferencias en la reglamentación. Lo que quieren hacer los distintos bloques es ajustar la ley a una reglamentación, pero no por mala voluntad sino por cierta desconfianza entre los bloques. Digamos que se está tratando de hacer más reglamentarista. Nuestra esperanza es que salga en abril de 2011”, epiloga Boris, subido a un tren que va rumbo a la conquista de otro derecho.

EL VIRUS MÁS BELLO

Hace 30 años aparecía en escena, encabezada por un gay que no ocultaba serlo, la banda que vencería prejuicios y prejuiciosos por igual. Una revolución para darle larga vida al rock.

Por Jorge Belaunzarán - Revista Asterisco

Imagina una marcha del orgullo gay en noviembre de 1980; ojalá a continuación y antes que dolor, ira, indignación te ganen, estalles de la risa que aprecia el logro presente para espantar el sufrimiento que causa el despotismo pasado. Imagina que en el país más al sur del mundo, acaso también el más retrógrado -de seguro entre los mejores exponentes y en competencia mundial por el primer puesto- un grupo de músicos comandados por un gay que no oculta serlo pretende que el mundo vuelva a hacer ¡plop! porque quiere que nadie vuelva a entender, porque entender todo es una de las formas del nazismo.

Imagina que el rock, también bien macho y bien puro, prácticamente es sinfónico, ve los recitales sentados, parados en el mejor de los casos, pero sin pogo, sin contacto físico, sin re-relajar, y que en su diccionario, del pop, dícese: término popular que designa lo que la industria discográfica llama éxito de ventas.

Imagina que el rock está cambiando sin saber siquiera que lo está haciendo. Que la dictadura, con su ingenioso plan económico al que respalda con desapariciones y torturas por si los díscolos se hacen demasiado los díscolos, cambia para siempre la estructura social argentina y con ella las relaciones que se producen entre las partes y las de los miembros entre sí, quebrando décadas de integración que ya no se recuperarán; y que en ese trayecto, el rock, creído inmutable y eterno, fiel a sus ancestrales valores del barrio y la geografía arrabalera en la que cualquiera puede hacerlo, se corre silenciosamente hacia zonas igual de residenciales pero de mayor poder adquisitivo y copta para sus huestes estudiantes universitarios nacidos y criados en casas gobernadas por padres amantes de músicas más sofisticadas como con las que se había metido el Flaco Spinetta, único antecedente del nuevo escenario desde donde la música aspira a liderar el nuevo y duradero cambio que el rock venía reclamando sin que sus principales hacedores escucharan sus gritos.

Imagina que ese gay que no oculta serlo entiende que antes que intelecto el rock necesita sexo, volver a mover la pelvis, sentir esa imposibilidad de estarse quieto frente a su modo de ser, su modo de actuar, su modo. Y que para las cabezas parlantes que sonríen no sin ironía sobre su música y sus letras, su métrica y sus armonías, el gay que no oculta serlo llamado Federico Moura, inoculado del virus de la sensualidad, le dice a un periodista que piensa lo que se justifica pensar diciendo que otros lo piensan, que sus letras no están hechas para pensar: “No es tan complicado, nuestras letras son simples. El que no las pesca es porque no piensa”. Imagina que semejante atrevido, un irreverente sin más, que entonces y por lo tanto es hereje pero no de posesión diabólica sino lisa y llanamente de subversión en el país que festejaba el final de todos y cada uno de los subversivos, dice, agrega, sugiere, seduce: “La situación me parece muy buena. Creo que alguien cuestiona un hecho cuando realmente le molesta, y me parece muy bien, porque estás golpeando puertas. No estás planeando golpearlas, las estás golpeando y le estás creando preguntas a alguien. Estamos movilizando, estamos tocando estímulos más fuertes, y por eso la gente se adhiere o te rechaza, pero siempre con fuerza”.

Imagina que ya es 1981 y el que había imaginado varias de las cosas más lindas que se podrían imaginar, había sido asesinado; que el que había movido la pelvis para que el mundo hiciera ¡plop! había muerto triste, solitario y final; que la esperanza punk ya era considerada uno de los grandes trucos del sistema por los nuevos sabihondos, que eran jóvenes y bellos, y seguramente pronto serían ricos, entre otras cosas por decir lo que decían del punk; imagina que en el culo del mundo, donde lo que pasa no le importa a nadie en el resto de lo que no es el culo, un cantante que para la época ya no es joven porque tiene 30, la misma edad en la que Charly García dejaba Serú Girán, en el retrógrado país en el que los homosexuales son putos (y si son de mierda mejor), y que la homosexualidad es una enfermedad que aterra a padres y madres por igual, imagina, entonces, que ese grupo de músicos, más bellos que excelsos, encabezados por un gay que no oculta serlo y por eso es el más bello de todos, se ponía a cantar, en un festival del rock, que es bien macho y bien puro, Wadu-Wadu, mientras jugaba con las naranjas que un público que la tenía bien clara, se las arrojaba por putos, poperos, creadores de un disco pronto a salir que tenía un promedio de 2’ 30” por tema.

Imagina que los tratados como herejes porque no pueden ser tratados como subversivos porque gracias a Dios en ese país ya no hay más, dicen que mejor no, que prefieren no tocar en el festival solidario por la Guerra de Malvinas, donde cantan y tocan todos y cada uno de los padres fundadores, llámense Charly, Spinetta, Pappo, y los que son seguidos por su música pero tal vez más por su posición política, como Gieco.

Imagina que todo eso fue real y lo hizo un grupo de músicos que se hizo llamar Virus, y sentirás lo que es una revolución.

HENDRIX

El primer gran héroe

Ante un nuevo aniversario de su nacimiento, la industria sacó un set de cuatro cds. Puede ser por negocio, pero también funciona como recordatorio de un talento a medida de un espíritu gigante.

Por Jorge Belaunzarán - Revista Asterisco

El pasado 27 de noviembre habría cumplido 68 años. ¿Cómo quién habría sido si viviera? ¿Más parecido al solícito Paul que al iracundo John, más al agradecido con su plácido ocaso Clapton que al inconformista Dylan, más al eternauta Spinetta que al hoy otoñal Charly? Las discusiones no tendrían fin, es de esperar, y quizás hasta eso fuera bueno, si los argumentos se dispararan hacia la suma y no hacia la resta que implica, como en un partido de fútbol, que indefectiblemente para resaltar la figura de uno hay que desdeñar la de otros. James Marshall «Jimi» Hendrix, como toda biografía que se precie de tal lo definiría, sin dudas estaría con ellos y muchos más saboreando la maravilla de encontrarse ante infinitas posibilidades musicales. Y de otro tipo, tal vez también. Hendrix estaría ahí porque fue uno de los padres fundadores de esa idea que el mundo conoció como rocanrol. Y cuyo desarrollo resultó fundamental para que, incluso en lo que hoy se conoce como revolución tecnológica, se produjera un big bang que dejara atrás todo lo conocido para establecer fronteras a las que ni el más utópico de los modernos había podido llegar siquiera con su imaginación. ¿A quién se cree que escuchaban los noveles científicos que echaban las bases de esa revolución?

Hendrix era de Seattle, como esa especie de reencarnación blanca y rubia que se hizo famosa con el nombre de Kurt Cobain. Lo acostumbrado para un negro en los Estados Unidos aún sin derechos civiles: pobreza, maltrato en distintas dosis y diferentes ambientes, solidaridad étnica que a veces funciona como cerrojo, o como techo. Como por ejemplo cuando esa vez que ya en Nueva York donde se había ido para estar más cerca de los grandes músicos y un poco más lejos del racismo, y había conseguido que uno de sus ídolos, Little Richard, lo sumara a su banda, y resultó que el gran Little se incomodó un poco. Los movimientos escénicos del joven Jimi fueron demasiado para él, y decidieron entonces que lo mejor era seguir cada uno por su parte.

Es que Hendrix estaba en camino a convertir al guitarrista en el héroe del rock. Además de todos los extraordinarios aportes musicales que le aportó al género, de hacer de la rebeldía un estandarte, lo dotó de esa idea de que si no había una guitarra excelsa, talentosa en el sentido de no ceñirse a canon alguno, el rock no podía seguir siendo. Sus fantásticos riffs, el nuevo dominio de la escena que aportó al ejecutar solos de guitarra sin medida y en las posiciones más extrañas, le dieron al rock esa necesidad del guitarrista heroico, el que llevaría a la música más allá de los límites que se imaginaba podía llegar.

Por eso pudo quemar la guitarra en público, ejecutar con salvajismo propio de la madre tierra el himno nacional de su país, Estados Unidos, simulando sonidos de bombardeos, ametrallamientos, como si en vez de un recital de rock, estuviera en Vietnam en plena escalada de napalm norteamericano en la selva asiática. Y todo con su guitarra.

Como parte de esos homenajes con tufillo a negocio, la industria acaba de editar West Coast Seattle Boy, un set de cuatros Cds que recorren los primeros tiempos del negro y zurdo guitarrista. Un verdadero viaje se produce al escucharlo, de esos que teletransportan a lo que tal vez sea una nueva dimensión, porque lo que en verdad sucede no parece ser de este mundo. Justo en un tiempo en el que parece imponerse son las melodías amables o los ritmos tribales, Hendrix vuelve a sonar con su guitarra para avisar una vez más que el rock es una cosmovisión del mundo que no debe ser abandonada si el deseo sigue siendo superar los límites de la percepción.

LA MILITANCIA ELÉCTRICA

Por Sergio Pujol, historiador y escritor. Autor de Canciones argentinas. 1910-2010 – Miradas al Sur

Nada más erróneo que considerar al rock argentino como un espacio despolitizado, salvo que se crea que la única forma de la intervención pública debe transcurrir, inevitablemente, por los andariveles de la vida partidaria, allí donde la ideología encarna en organizaciones que aspiran al ejercicio del poder. Siguiendo un axioma de los años ’60 –“lo personal es político”–, el rock se estatuyó como cultura de los jóvenes en contraposición al régimen de Onganía, para luego tener que lidiar, más dramáticamente, contra la dictadura del “Proceso”.

En esos períodos oscuros de la vida nacional, el ser rockero fue mucho más que una moda. Fue una cultura alternativa, otra mirada del mundo, otro proyecto de vida. ¿O acaso no era un gesto fuertemente disidente llevar los cabellos largos a riesgo de caer en los “coiffeur seccional” mencionados por Pedro y Pablo en Yo vivo en esta ciudad? ¿Y qué decir de los recitales en pleno estado de sitio de la última dictadura, cuando los camiones militares se posicionaban de culata en las puertas del Luna Park o de Obras Sanitarias, prestos a marcarles a los concurrentes los límites de un espacio público celosamente vigilado? Cuando volvió la democracia, el rock tuvo cosas para decir: algunas ya planteadas, con sordina, bajo el régimen militar. Otras relativamente novedosas. Hay conquistas relacionadas con los derechos de las minorías –la ley de matrimonio igualitario, por caso– que fueron letras de canciones mucho antes de que se debatieran en los medios y en el Congreso.

Las recientes adhesiones del Indio Solari y Andrés Calamaro al gobierno de Cristina pertenecen, claro está, a una forma más directa y operativa de entender lo político. ¿Se trata de una forma completamente ajena a la historia del rock? No precisamente. El Spinetta del ’73 supo andar por mítines de la JP, Roque Narvaja, Litto Nebbia, Miguel Cantilo y León Gieco no escondieron sus simpatías políticas en épocas de fervores partidarios y a lo largo de los ’90 no fueron pocas las bandas que se solidarizaron con los organismos de derechos humanos. Ciertamente, no sería honesto dejar aquí de lado las visitas de Charly a Menem o las adhesiones del Flaco a la campaña de Angeloz. Al fin y al cabo, el rock no es un partido político cuyos militantes deban actuar coordinadamente, de acuerdo a líneas trazadas de antemano.

Lo importante es reconocer que la historia del rock argentino –una militancia en sí misma– no se explica adjuntando un inventario de actitudes pequeñoburguesas, como lo creía la izquierda más sectaria de los ’70. Por lo demás, la potencia política del rock no se agota en lo que sus principales cultores digan o dejen de decir sobre un gobierno en particular. No siempre la crítica política se expresa en actos abanderados. Finalmente, la frase más radical de los discursos sociales de los últimos años nació de una banda de rock: “Todo preso es político”.