NOTICIAS DEL ROCK DAk 07 AL 14/02/12

SUS SUEÑOS SON LUCES EN TORNO A TI

El miércoles pasado, finalmente se confirmó lo que nadie quería escuchar: Luis Alberto Spinetta había muerto. A partir de 1968, cuando editó el primer simple de Almendra, se fue convirtiendo en una de las figuras más respetadas, admiradas e influyentes del rock nacional. Amado por los músicos, venerado por los especialistas y dueño de un lenguaje único, a los 62 años Spinetta deja más que una huella: un camino entero que todavía tiene mucho por descubrir. En estas páginas, periodistas, amigos y músicos lo despiden.

Por Diego Fischerman - Pagina/12

Este hombercito es el dibujo original de Spinetta para la tapa de

"Un mañana". Iba a ser una foto de él subiendo la escalera.

Llegaron a hacer la foto con Dylan, pero Spinetta cambió e hizo este dibujo.

Escuchábamos “Para saber cómo es la soledad” con Miguel. Estábamos en el patio de una casa que su familia alquilaba en La Perla. La canción se llamaba así; aún no era, para nosotros, el “Tema de Pototo”, y la cantaba Leonardo Favio. Allí, los sueños del amigo ausente eran “luces en torno a vos” y no “a ti”, como más tarde descubriríamos en la versión original. En el patio hablábamos de esa canción que, en realidad, escuchaba Carmen, su madre, pero que nos gustaba muchísimo. Teníamos 11 años él y yo 13 recién cumplidos. Era el comienzo del ’69. Era, también, el comienzo de otras cosas.

Escuchábamos a Los Beatles, claro. Pero nada sabíamos de lo que, muy pocos meses después, se convertiría en un credo. Las noticias llegaban así, a saltos. Y cuando lo hacían, transformaban la vida. El simple con “Tema de Pototo”, en su segunda edición, con “Final” del otro lado. “No pibe”, de Manal. La revista Cronopios, llevada a casa por mi padre. Las Pinap leídas en la casa de Juan Rodolfo. Y, en noviembre, en el festival organizado por esa revista en el anfiteatro que estaba al lado de la Facultad de Derecho, Almendra, ese grupo decían que había que escuchar (pero que, en realidad, apenas había actuado por primera vez en marzo). Después, en enero de 1970, el LP con la tapa que tenía a “el hombre de la tapa”. Una fundación. Y un universo, sin embargo, que, más allá de las mitologías, se resistiría a ser fundado por afuera de los límites que los propios integrantes de Almendra señalaban. El rock nacional, claro, existió a partir de allí. Pero cierta clase de rock nacional, ligado al desafío estético, a la exploración de las posibilidades poéticas, al espíritu antropofágico, en palabras de Caetano Veloso –un rock imaginándose capaz de abarcar, como el primer LP de Almendra, todas las músicas–, moriría muy poco después. O sobreviviría, apenas, en las obras de sus propios fundadores y los epígonos más o menos inmediatos: Charly García, el primer Vox Dei, Arco Iris, Fito Páez.

Recuerdo aquel patio de verano en Mar del Plata no para hablar de mí, en todo caso, sino de la naturalidad con que Leonardo Favio podía apropiarse de esa canción. La misma naturalidad con la que, simétricamente, Luis Alberto Spinetta había podido apoderarse de la balada, como género, para incorporarla en el mundo “beat”. Pueden adivinarse, en esas canciones de Almendra, las huellas de sus orígenes. Es posible imaginar a Spinetta reviviendo canciones de uno o dos años antes. O, incluso, anteriores en unos pocos meses; al fin y al cabo, las noticias llegaban a los saltos también para ellos y no era lo mismo hacer una canción después de haber escuchado a Cream, o a Tommy de The Who, que antes de haberlo hecho. Es factible figurarse a “Laura va” como una especie de tango, a “Plegaria para un niño dormido”, grabada en abril de 1969, como comentario a la “Canción para un niño en la calle” publicada por Mercedes Sosa a fines de 1967. O a “Ana no duerme”, mucho antes que como extraño y original modelo de rock argentino, como canción de cuna casera, acompañada tan sólo por una guitarra. En “A estos hombres tristes” puede detectarse la impresión causada por María de Buenos Aires, de Piazzolla y Ferrer –esos tarareos à la Swingle Singers, o a lo Bacharach en su música para Butch Cassidy–, y por el cuarteto de Dave Brubeck. Cualquiera de estas canciones podría volver con facilidad a su forma original, tal como “Tema de Pototo” podía ser interpretado por Favio. Pero lo notable era lo que con ellas hacía Almendra. Porque allí ya estaba inscripta una de las características que haría única, y permanentemente renovada y renovadora, a la música de Spinetta.

Para él, el rock no sería un protocolo cerrado, un marco estilístico rígido al que constreñirse, sino, más bien, un océano en el que navegar con sus propios barcos. De hecho sus canciones más asimilables a un rock estricto (“Rutas argentinas”, “Blues de Cris”, “Me gusta ese tajo”), más allá de algunos rasgos tan personales como inevitables, de pequeños momentos donde, a pesar de todo, esas canciones sólo se parecen a canciones de Spinetta, suenan casi como ejercicios de estilo. El Spinetta clásico está, en cambio, en esos temas donde puede detectarse una zamba, o la lectura de un vals leído por Bill Evans, o un fraseo piazzolleano, y donde, sin embargo, nada es, nunca, exactamente igual a sus fuentes. ¿Dónde poner “Ella también”, “Los libros de la buena memoria”, “Seguir viviendo sin tu amor” o “Durazno sangrando”? ¿Cómo ubicar a “Credulidad”, “La cereza del zar”, “Starosta el idiota”, “Dulce tres nocturno”, “Serpiente (viaja por la sal)” o “Cantata de puentes amarillos”? Caben en el llamado rock nacional sólo porque Spinetta decidió circular por allí y porque, curiosamente, aunque el género tomó muy pocas de sus enseñanzas, lo consideró siempre su maestro. Nada une, en primera instancia, a esas pequeñas obras maestras, llenas de curiosidad y siempre prontas a estallar y proliferar en infinitas direcciones distintas, con el rock de gueto, cerrado en sí mismo y cada vez más reacio al reconocimiento de que hay una vida allí afuera.

Hay en Spinetta un uso único de la armonía, un estilo inconfundible en sus solos con la guitarra eléctrica, un melodismo siempre sorprendente. Hay un afán de extrañamiento, en el sentido que le daban a esta palabra los formalistas rusos, tanto en esos acordes impensables en ese momento y en ese lugar, como en esas escapatorias de la melodía, o en la manera en que las maneras del habla se mezclan en sus letras. Palabras “altas” y “bajas” se cruzan para producir ese efecto de extrañamiento, para que algo sea visto como por primera vez. A veces alcanza el desplazamiento de un acento; en ocasiones la operación pasa por la inclusión de una palabra que jamás se hubiera imaginado en ese contexto (“lúcuma”, “amortajando”), a veces, como en su propia vida, la mera proximidad del cosmos y la foto de Carlitos. Pensar a Spinetta como un gran artista del rock argentino es injusto por partida doble. Por un lado, porque es mucho más que eso. Sus canciones, como muchas de las de Falú, algunas de las de Dames, Demare o Troilo, de Charly García, de Fito Páez o de María Elena Walsh, están, simplemente, entre las más importantes del último siglo de música. No son grandes canciones de rock: son grandes canciones. Por otro, ubicar a Spinetta como alguien del “rock nacional” sería inmerecido también para ese género supuesto. Un género, en todo caso, que sólo excepcionalmente llegó a estar a la altura, o al menos a transitar por los caminos, de su luminosa fundación.

CHARLY: "SIN ÉL HUBIERA SIDO TODO DISTINTO"

Charly García habló por primera vez después de la muerte de Luis Alberto Spinetta y aseguró que "era además de un ídolo, un amigo" y "la única persona dentro del rock a la que realmente admiraba". El músico consideró que Spinetta deja "un agujero casi imposible de llenar".

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Luego de tocar en el festival de Cosquín Rock, donde lo homenajeó, García habló sobre su colega y afirmó: "Yo siempre tuve una gran admiración hacia él, fue uno de los primeros que me alentó cuando empecé en esto y con el tiempo, nos convertimos en grandes amigos".

En declaraciones a radio Mega 98.3, Charly señaló: "Ahora me siento un poco solo porque era la única persona dentro del rock que yo realmente admiraba, sin desmerecer a nadie, por supuesto. Pero me parece una cosa tremenda y deja un vacío".

García, que compuso "Rezo por vos" en dupla con Spinetta, destacó el aporte que el líder de bandas como Almendra y Pescado Rabioso hizo a la música local: "Fue un inventor, un tipo que agarró elementos de aquí y de allá, los fusionó para crear algo que no existía, la poesía del rock en castellano. A mí me inspiró mucho. Yo pienso que sin él hubiera sido todo distinto".

Por último, recordó la canción "Rezo por vos", que compusieron en conjunto, y la señaló como "un buen ejemplo de la unión" entre ambos. "Me parece un gran tema y tiene elementos míos y elementos de él. Creo que es el mejor ejemplo de la fusión, no?", resumió.

El creador de canciones emblemáticas del rock local como "Muchachas ojos de papel"; "Seguir viviendo sin tu amor"; "El capitán Beto" o "Barro tal vez" falleció hace una semana por un cáncer de pulmón y generó una fuerte consternación en el mundo artístico nacional.

Para entender a los Redondos

El escritor Ariel Magnus acaba de publicar La cuadratura de la redondez. Un trabajo de interpretación sobre las letras del Indio Solari realizado por el apócrifo Atila Schwarzman, un filólogo alemán que se convirtió al credo ricotero después de conocer el pogo más grande del mundo. El resultado es hilarante.

Por: Oír Mortales

En el prólogo, Ariel Magnus explica que todo arrancó cuando su computadora fue infectada por un virus. Parece que llevó a repararla a un curioso local del ramo llamado Kazachok y, una vez realizado el arreglo, encontró un archivo extraño en el escritorio. Era el trabajo de interpretación que el filólogo alemán Atila Schwarzman había realizado sobre la obra de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota. Magnus decidió regresar al local para devolver el documento (“yendo hacía allá tomé conciencia que un archivo digital puede estar en dos lugares al mismo tiempo, pero igual seguí mi camino”, dice), pero lo encontró vacío. A partir de entonces, el enigma de Schwarzman crece. Sabemos que el filólogo se convirtió al credo ricotero después de meterse, detrás de una correría amorosa, en medio del pogo más grande del mundo. A partir de ese mítico 4 de agosto de 2001 en el estadio Château Carreras de Córdoba, el alemán dedicó todos sus esfuerzos para desentrañar la lírica del Indio Solari. Diez años más tarde, el círculo de caminos impensados llega hasta la editorial interZona, que acaba de publicarla -prologada y anotada por sus cófrades- bajo el título La cuadratura de la redondez.

La historia es letal. Magnus, uno de los escritores más notables de los últimos años, despliega una trama hilarante. Una serie de interpretaciones que, perdidas en el laberinto del academicismo, son un plato irresistible para todos los redondólogos: becados y amateurs.

-¿Cómo tomó entidad Atila Scharzman, este filólogo cooptado por el credo ricotero?

-En el principio fueron las interpretaciones. De cada canción del primer disco me propuse hacer cuatro interpretaciones distintas y aun contradictorias. Luego tres de esas interpretaciones pasaron a ser notas al pie, y la interpretación principal pasó a ser la del doctor en filología Schwarzman. Al personaje recién me lo encontré después de interpretar el segundo disco, y lo último que escribí fue el marco, donde se cuenta su historia. Pero la idea de que el interpretador debía ser un académico que no tuviera nada que ver con los Redondos ya estaba desde el principio. Quería encarar las letras desde ese ángulo, a ver si se la bancaban. Y sí, se la re bancan.

-A partir de ese personaje y su pandilla, te burlas tanto del academicismo como de cierta parte de la crítica. ¿Por qué?

-Porque siempre me causó gracia. Un crítico adueñándose de la verdad de un texto es un espectáculo hilarante. O por lo menos a mí me produce risa, tal vez porque si me lo tomo en serio directamente me daría ganas de llorar. Son muy pocos los críticos o los teóricos que logran esclarecer un texto sin bastardearlo o usarlo para hablar de sí mismos. La interpretación academicista suele estar en las antípodas de la inspiración, que es para mí la interpretación más fructífera, porque multiplica los cuentos y las canciones, los textos creativos, que son los que valen.

-Bueno, una de las virtudes más notables del libro es el humor. En ese sentido, ¿cómo fue el proceso de escritura? Uno puede imaginarte muerto de risa detrás de la compu.

-Me imaginás bien. Donde vos te reíste, yo también me reí, sin dudas. Quizá por eso nunca podría ser humorista: los humoristas no se ríen de sus chistes. Igual el proceso de escritura tuvo también sus momentos nada graciosos. Como la idea era interpretar en orden, sin saltearse ni versos ni canciones (precisamente para no usarlo como atajo para zafar de los escollos), a veces me trababa y entraba en completa desesperación. En esos momentos, lo insensato de la tarea de interpretar deliberadamente mal una canción (o lo que sea) se vuelve casi trágico. ‘¿Qué mierda estoy haciendo?’ es lo mínimo que te preguntás. Pero después pensás en que aquellos que interpretan deliberadamente bien creen que existe la verdad, lo cual es más insensato todavía, y volvés a relajarte. Relajarse es esencial para entrar de nuevo en la canción y click, sacarle la ficha.

-De todas formas, es imposible que uno se acerque de esta forma a un objeto de estudio (las canciones de los Redondos) sin sentir un gran amor. ¿Cómo es tu relación con la obra de los Redondos?

-Los escucho desde los 13, 14 años y son lo único del rock argentino que nunca dejé de escuchar hasta el día de hoy. Como bien intuís, el libro nace de ese gran amor que le tengo a los Redondos, y en especial a las letras del Indio. Viví seis años en Alemania y durante ese tiempo las letras del Indio fueron mi conexión más íntima con Argentina y en parte también con nuestro idioma.

-¿Pudiste acercarle un ejemplar al Indio?

-No lo conozco ni le hice llegar un libro. Tampoco sabría dónde: Parque Leloir es grande.

EL INMENSO DOLOR DE LA "MUCHACHA OJOS DE PAPEL"

La novia de la adolescencia del "Flaco" que fue la musa inspiradora de la famosa canción contó que está "rota" por la muerte y reveló su última charla con Spinetta

Resulta imposible hacer un repaso por el vasto repertorio de Luis Alberto Spinetta sin hacer mención a uno de sus himnos por excelencia, como lo es "Muchacha ojos de papel".

Pero, aún más que su letra conmueven las palabras de dolor expresadas por Cristina Bustamante, quien fuera la novia de la adolescencia del "Flaco" y musa inspiradora de esa exquisita canción. "Tengo un dolor enorme, estoy rota por dentro", confesó poco después de conocerse la muerte del músico en diálogo con el diario Ambito Financiero.

Conmovida hasta el llanto, según relata el autor de la nota, Cristina cuenta que Spinetta fue "el primero de mi vida en muchísimas cosas". Esta mujer, que actualmente vive en Los Angeles y tiene dos nietos, fue la novia de la adolescencia del cantante, ni más ni menos que la que inspiró la canción "Muchacha ojos de papel".

"Tengo un dolor enorme, estoy rota por dentro. Luis fue el gran amor de mi vida; hace algunos años, de visita en Buenos Aires, una amiga me dijo 'andate tranquila que acá te cuidamos la adolescencia'. Con la muerte de Luis, se muere toda una etapa de mi vida", expresó.

Luis era miel pura. (...) Abría la boca y de ella sólo salía poesía

Al ser consultada sobre su último contacto con el novio de su adolescencia, Cristina contó que había hablado por teléfono con él en octubre pasado que le contó "que estaba muy enfermo".

"Yo antes le había mandado un mail y él, en su estilo críptico de toda la vida, me lo contestó y me pareció que algo andaba mal. Lo llamé y me confirmó que estaba muy enfermo, pero me dijo algo que me conmovió: 'Estoy preparado para esto, vengo preparándome toda la vida para este momento, y yo ya dije todo lo que tenía que decir'", reveló.

Con su rostro cubierto de lágrimas, Cristina pone en palabras sus más dulces recuerdos de Spinetta en su adolescencia. "Luis no era una persona religiosa; ninguna de sus letras habla de Dios, pero desde chico estudió filosofía y estoy segura de que fue eso lo que lo preparó para la muerte", confiesa.

Aunque la relación entre ambos sucedió hace muchos años, el contacto nunca terminó por quebrarse por completo, y así es que Bustamante mantiene fresco el recuerdo de su ex pareja. "Luis era miel pura, y no sólo conmigo. Hace unos tres años, creo que en 2008, estaba en Buenos Aires tomando un café con él y lo llamó Mercedes, su pareja actual. Lo escuché hablar por teléfono con ella y me estremeció: abría la boca y de ella sólo salía poesía".

NOTA DE TAPA DE PAGINA/12

HOY TODO EL HIELO EN LA CIUDAD

El fundador de Almendra, Pescado Rabioso, Invisible y Jade fue el compositor de algunas de las canciones más significativas de los últimos cuarenta años, más allá de los límites del rock.

Por Diego Fischerman

En la tarde de ayer, Silvio Rodríguez subió en su blog una foto y la letra de una canción. La foto era de Luis Alberto Spinetta y la letra la de “El anillo del Capitán Beto”. El cantante y compositor cubano, atravesado como tantos por el dolor, ponía de manifiesto una verdad incontrastable. Algunos, los mejores, pueden ser nombrados tan sólo con sus obras. Estaban los datos fríos: el cáncer de pulmón diagnosticado en julio del año pasado, los mensajes en Twitter de sus hijos, la noticia descarnada: Spinetta había muerto a los 62 años. Más allá de la biografía, de las minucias de un periodismo amarillo que tampoco esta vez estuvo a la altura de las circunstancias, de una privacidad que no debió ser invadida ni debería serlo tampoco ahora, para sus hijos, que estuvieron a su alrededor en los momentos finales y que lo cremarán en privado, hay una historia. Y esa historia les pertenece sólo a ellos. Para los demás, Spinetta no ha muerto porque allí está, y seguirá estando, su obra.

Las exegesis abundarán en fórmulas como “padre” o “fundador del rock nacional”. Limitar su importancia a la mera estadística de un género sería, sin embargo, una injusticia mayúscula. Porque de lo que se trata no es de quién llegó primero a ningún lugar ni del modesto valor que pudiera tener la invención del rock argentino. Todo eso existe, eventualmente, pero lo que Spinetta hizo, como antes Dames, Demare, o Falú, fue crear algunas de las canciones más significativas de los últimos cuarenta años. Ni “Ella también”, ni “Barro tal vez”, o “Los libros de la buena memoria”, o “Las golondrinas de Plaza de Mayo”, o “Laura Va”, “Durazno sangrando”, “A estos hombres tristes”, “Los elefantes”, “Hoy todo el hielo en la ciudad”, “La cereza del zar”, “Credulidad”, “Seguir viviendo sin tu amor”, “Tema de Pototo” o “Tu vuelo al final”, por sólo nombrar algunas de sus canciones, las primeras en ser recordadas, se agotan en los estrechos límites de un estilo ni de una generación. Cuando, en 1968, Leonardo Favio cantó “Tema de Pototo”, cambiándole el título por “Para saber cómo es la soledad”, entendía, en todo caso, que de lo que se trataba no era de una canción de rock sino, simplemente, de una gran canción.

“La música es algo que va más allá de si uno da recitales o no. Hay que librarse de todo eso y quedarse con la naturaleza del sonido, como para ver bien a qué jugamos con este lenguaje tan maravilloso”, decía Spinetta en una charla abierta ante estudiantes de música, hace once años. Y concluía con una de esas iluminaciones, esas metáforas desaforadas con las que lograba forzar las palabras, invadirlas de un ritmo propio y hacerles decir lo que nadie había dicho antes: “Y a mí, que me siento un pequeño músico, frente a músicas que son el cielo, me encanta poder difundir algunas ideas que creo que son válidas. Me encanta poder hablar de lo sagrado que tiene el sonido, De esa arcilla con la que, si se tiene la visión del cielo, se puede elaborar el cielo”.

Figuraté

El arte de Spinetta, en todo caso, siempre había tenido que ver con llevar los materiales –una melodía de una amplitud melódica inédita, una armonía que la recorría con un significado sorprendente, unos acentos que la convertían en elemento vivo– a su propio terreno, allí donde estaba “la cereza del zar impulsada por él”; allí donde se compelía a figurarse que se perdía “la cabezá”. Esos acentos a contrapelo en la canción “Figuración”, incluida en esa suerte de mapa de futuros territorios que fue el primer disco de larga duración de Almendra, son, en ese sentido, toda una declaración. Porque podría pensarse en un error; en una falta de pericia en la manera de conciliar música y letra; en un trabajo apresurado o demasiado autocomplaciente. Pero, en cambio, están las versiones anteriores de ese tema, escuchadas en vivo, donde todo cabía perfectamente y todavía “cabeza” no se había perdido en un nuevo acento. Y esas versiones muestran que no hay error sino decisión. Que la desnaturalización de la palabra era necesaria para crear un efecto.

El tiempo era veloz, en los finales de la década de 1960. Un día los Beatles sacudían al mundo con la Banda del Sargento Pepper y al otro ya no existían. De un disco a otro de The Who, Procol Harum, Moody Blues o The Hollies había universos de distancia. Y la historia del grupo que cambió para siempre la historia de la música artística de tradición popular en la Argentina también fue rápida. En 1966 The Larks, un grupo en el que tocaban Luis Alberto Spinetta y el baterista Rodolfo García, cambiaba de nombre por The Mods y luego se unía a Los Sbrirros, donde tocaban el guitarrista Edelmiro Molinari y el bajista Emilio Del Güercio, ambos compañeros de Spinetta en la escuela San Román. Después de un año de paréntesis, motivado por el servicio militar de García, en marzo de 1968 el grupo retomaba sus ensayos y cambiaba de nombre. Pensaron llamarse La Organización o El Tribunal de la Inquisición. Finalmente eligieron Almendra. Una conversación casual con el productor discográfico Ricardo Kleiman (también factótum del programa radial Modart en la noche, patrocinado por su empresa familiar), a la salida de un recital de Los Gatos en el teatro Payró, derivó en la firma de un contrato con la RCA Victor. En agosto, la revista Pinap –la primera dedicada casi exclusivamente a lo que todavía se llamaba “música beat” y destinada explícitamente, en la Argentina, a un público juvenil–, en su número 5, hablaba por primera vez de ellos. “Almendra se llama el conjunto que, seguramente, se va a convertir en la sensación de la próxima primavera porteña”, sentenciaba. “El capo del group (sic), José Luis (sic, de nuevo), según algunos de los más entendidos músicos beats de Baires está destinado a ser una especie de prolífico Lennon argentino: tiene alrededor de sesenta temas compuestos, ‘uno mejor que el otro’ según dicen. Almendra ya está grabando sus temas y el mes que viene RCA los lanzará al mercado.” Ya eran capaces de vaticinar el éxito y calificar la música del grupo, aunque nunca la habían escuchado, no sabían el nombre de Spinetta, y anunciaban grabaciones que, en rigor, recién comenzarían un mes después, con el registro, el 20 de agosto, de “Tema de Pototo”.

Fantasía en blanco y blanco

Pero hay una canción grabada apenas unos días después, el 2 de octubre, que alcanza para poner en escena, con toda su magnitud, el talento de este supuesto “Lennon argentino”. El tema ocuparía el lado A del segundo simple del grupo. Su nombre era “Hoy todo el hielo en la ciudad”. La sola mención de la ciudad en un título ya significaba algo. Y esa ciudad era, en este caso, una fantasmagoría. Una ciudad cubierta por el hielo. Un blanco profundo permanente, arriba y abajo; de nada servía perforar el hielo y remontarse al cielo: sólo se podía observar el hielo en la ciudad. Allí aparecía, muy tempranamente, una guitarra distorsionada. También un vibrafón –tocado por Mariano Tito– y un pitido electrónico à la Pink Floyd. Y además, una escena genial. Como sucedería más adelante con el Capitán Beto –esa brillante continuación de Trafalgar Medrano, el camionero espacial que había creado Angélica Gorodischer–, esta fantasía en blanco y blanco aparecía anclada en Buenos Aires, aun cuando nunca se la nombrara. No podía ser otra la ciudad donde “inmóvil ha quedado un tren, entre el hielo de la estación” y en que “mientras no hay nadie que pueda ayudar, los niños saltan de felicidad”. En la ciudad de la dictadura de Onganía, allí donde no se podía hablar y reinaba la censura, y donde el tango venía cantándole a una ciudad irreal –sin casas de departamentos ni migración interna– y a un barrio idealizado y convertido en mito desde hacía décadas, por primera vez esa geografía imaginaria era trazada desde otra parte. Eran los años en que Cadícamo llamaba “cretinos y turros” a los que “escuchan a los Beat’s” y Spinetta cantaba, a los 18 años, “cuánta ciudad, cuánta sed, y tú un hombre solo”.

En 1968, lo que después se llamó rock no entraba en los diarios. Es más, allí no había crítica de música popular. El pionero, en esa materia, fue Jorge Andrés, en sus notas para la revista Análisis y, un poco después, en el diario La Opinión. “Antes de seis meses, no menos de 30 grupos de virginal anonimato lograron un contrato de exclusividad con alguna grabadora o productor independiente”, diagnosticaba en un artículo publicado por Análisis el 30 de marzo de 1971. Allí citaba a un buscador de talentos de un sello grabador diciendo “en la Capital hay por lo menos un conjunto en cada manzana” y afirmaba: “Al cabo de dos años de imprudente utilización, el rótulo música beat comprende ahora cualquier tipo de grupo, con la condición de que sus participantes sean jóvenes, no importa si practican una cerrada investigación underground o se dedican a las tonterías más calculadoras”. Para ese entones, ya todo había sucedido. El 21 de noviembre del año anterior Almendra había actuado en el primer B.A. Rock, en el Velódromo, estrenando gran parte de los temas de su doble, que terminaría de ser grabado seis días después y se publicaría el 19 de diciembre. En esa ocasión, la canción “Rutas argentinas” había sido chiflada por gran parte de los asistentes. Era “música comercial” para los oídos de barricada azuzados por la revista Pelo y su taxativa división entre “progresivo” o “complaciente”. El 25 de ese mes sería la última actuación, en el cine Pueyrredón de Flores.

Distinto, nuevo, desafiante

El protocolo indicaba que los grupos debían separarse, y Almendra se separó. Vino Pescado Rabioso, con la explicitación de un mandato más carnal (y la influencia de Led Zeppelin a cuestas). Pero estaba Spinetta, claro, y entonces todo acababa siendo distinto. Y nuevo, y desafiante. Y ese lenguaje “de época” se mezclaba con una serpiente que viajaba por la sal, y con una de las clásicas e inquietantes –y dolorosamente bellas– melodías de su autor. Después llegó Invisible. Y Jade. Y Los Socios del Desierto. Pero la originalidad siguió siendo la misma. “Veo a la música como el cielo”, decía Spinetta en aquella conversación con estudiantes de música. “Con la complejidad, la magnificencia y la sencillez del cielo”. Allí decía: “Inventar es maravilloso. Porque tenemos esa gran posibilidad de descubrir algo y volverlo cien por ciento efectivo, como decía John Cage. Lograr el máximo de utilidad de una materia sonora que originalmente no fue pensada como instrumento. Cuando no hay catálogo, cuando uno desvirga una materia, todo se inventa y al no haber con qué comparar lo que hacemos, eso es el máximo hasta que venga otro y le saque otro juguito. La materia, en esa primera vez, da todo de sí”. Definía la creación como una “colisión entre uno y los materiales” y “un milagro”.

Dos de las palabras más usadas por Spinetta en sus canciones son “luz” y “mirada”. Pero uno de sus sellos de fábrica –y de todo el rock argentino a partir de él– fue siempre la utilización de palabras inusualmente largas (“desenvolverás”, por ejemplo, en “Abrázame inocentemente”). Palabras que obligan a usar varios acentos o, directamente, a desplazarlos. En una tradición que, en el español, se remonta a Juan de Mena y a Francisco de Quevedo y, más cerca, a Rubén Darío, Spinetta (y curiosamente, casi al mismo tiempo Juan Gelman, en Fábulas) ya desde el primer disco de Almendra forzaba la prosodia. La colisionaba. “Es muy difícil conmoverse con la obra de uno”, decía. Se emocionaba con “ese instante en que la música puede enmudecerlo a uno”. Hoy, enmudecidos de tristeza, los demás, aquellos para los que no ha muerto, se conmueven –y seguirán haciéndolo– con su obra. Esa que ya es capaz de nombrarlo para siempre.

REPERCUSIONES MEDIATICAS DEL FALLECIMIENTO DE SPINETTA

Twitter, medios y buitres para la despedida

El #chauflaco fue trending topic de la red social. Desde Diego Torres hasta el Kun Agüero enviaron vía Twitter sus condolencias, en tanto la tele, esta vez, salvo algunos traspiés y golpes bajos, produjo una cobertura digna.

Por Mariano Blejman

#chauflaco decía ayer el videograph de Todo Noticias, mientras se sucedían las imágenes sobre el fallecimiento de Luis Alberto Spinetta en cadena nacional, sintetizando lo que pasó entre los medios convencionales y las redes sociales ante la shockeante noticia. #chauflaco fue el tema del momento en Twitter, mientras los portales abrían a título catástrofe, a pantalla completa, como para darle un sentido más trágico a la tristeza, intentando amplificar una muerte implosiva. #chauflaco fue la confirmación del impacto de la cultura digital en los medios tradicionales. La televisión respondió con notable frugalidad, ascetismo y concatenando fotos, videos y algunas cuantas entrevistas con la imagen del creador que falleció ayer. Nadie, hasta donde pudo ver este cronista, usó la foto macabra que le había sacado hacía unos días la revista Caras.

Decenas de músicos, compañeros de ruta y colegas suspendieron la rutina de la televisión, pusieron sus voces en la radio y se expresaron a través de las redes sociales. Lito Vitale, Miguel Mateos, Valeria Lynch, por poner unos pocos, enterándose en la tele, en vivo y en directo. Velocísimo consenso sobre el sentimiento masivo convertido en trending topic. Los periodistas del mundo rockero, siempre con alguna historia para contar, encuentros que adquieren valor como el precio que se le pone a un cuadro cuando el pintor fallece. El Flaco ya no va a volver a pintar su música. Salvo unos pocos traspiés, tal vez el de Mauro Viale preguntándole a Martín Ciccioli –con absoluta y confesa ignorancia– por el verdadero valor de su obra, e intentando una comparación con Serrat, la cobertura fue digna. C5N hizo un dúplex acertado: ponchó el programa de radio de La Mega y puso a los periodistas rockeros a entrevistar a músicos que lo conocieron: Silvina Garré, Celeste Carballo, Antonio Birabent, músicos de la Bersuit, y un largo etcétera muy bien conducido. Y canal Encuentro puso el especial sobre “Muchacha ojos de papel”.

Ante la ausencia de imágenes familiares, ante el perfil bajo del entorno, la letanía de los músicos y la perfidia de los paparazzi, la tele se dedicó a contar lo que pasaba en Twitter. Que los temas del momento eran #ChauFlaco, #HastaSiempreFlaco, Almendra, Pescado Rabioso, Artaud, Rezo Por Vos, Capitán Beto y que el primero de estos había llegado a ser tema del momento a nivel mundial. Twitter fue la confirmación de la noticia, sus hijos expresaron su dolor en 140 caracteres, curioso, imaginando un mundo donde siempre es hoy. Eterno presente para la ausencia del Flaco, pareciera ser el resultado de la primera emoción. Catarina Spinetta escribió “No habrá un destino incierto, ni habrá distancia que pueda alejarme de ti. Amor eterno a mi Padre”. Valentino Spinetta puso: “Te amo papá, siempre vas a estar en mi alma y mi corazón”. Dante Spinetta tweeteó: “Te amo por siempre Papá”. Vera Spinetta también: “Así mi corazón te añorará. Te amo papá”. Casi al mismo tiempo, como si se hubieran puesto de acuerdo. Sin intermediarios, la red social sirvió como cable de agencia de confirmación. Pero también Diego Torres, Jorge Drexler, René de Calle 13, todos hicieron llover frases que parecían perfectas para decir en la red de microblogging: “toda la vida tiene música”, “que nadie, nadie despierte al niño”, “morí sin morir”. Hasta el Kun Agüero salió a contar la noticia en inglés y español estimando que buena parte de sus seguidores internacionales no lo conocía, pero bien podría hacerlo.

La carroña mediática la encontró primero el diario sensacionalista Muy, perteneciente al grupo Clarín, y fue seguida por la “operación buitre” de Caras que –como contó Eduardo Fabregat en este diario– le pidió a un taxista que tocara el timbre para sacarle una foto al flaquísimo Flaco, para regodeo de quienes jamás escucharon un tema suyo. Ese regodeo siguió en Libre y ayer, ante la impotencia de la ausencia, volvió a circular por las redes sociales como tema del momento #RevistaCarasBuitre. Después de esa publicación, y mientras él mismo confirmaba su enfermedad con un dejo de ironía, la salud de Spine-tta se desplomó rápidamente. Y, en ese mismo barrio, donde lo escracharon al flaco, frente a su casa en el barrio de Villa Urquiza, la tele buscaba historias de vida cotidiana, barro tal vez, el flaco sacando la basura, el flaco comprando unas facturas en la panadería, una señora que recuerda que fue el primero que se bajó los pantalones, incluso antes de Charly García, “vos te acordás de eso”, le había dicho alguna vez, datos como para confirmar que Spinetta era un ser humano y no algo extraterrenal. Otra que se lo cruzó “acá a la vuelta” y le pidió un autógrafo para su hermano y él, con esa voz tan dulce, le agredeció por acordarse de él. En el momento en que lo trasladaban de su casa al velatorio, ingresó una Traffic verde de espalda hasta el portón de la casa, alguien puso un trapo rojo y “todas las hojas son del viento”, decía uno de los cronistas televisivos. La tele llegó hasta la puerta, y encontró una franja amarilla como de escena del crimen, pero el crimen no era otro que dejar ir al sonido más cándido que nuestros oídos puedan haber escuchado alguna vez.

POR SIEMPRE ALMA DE DIAMANTE

“TODO GIGANTE MUERE CANSADO DE QUE LO OBSERVEN DESDE AFUERA” L. A. Spinetta

NOTICIAS DEL ROCK DAk 26 al 07/02/12

HORARIOS CONFIRMADOS

por CosquinRock

La grilla del festival ya esta cerrada y la sección “Grilla” podrás consultar el orden de las bandas, con los horarios correspondientes en cada escenario.

Ya faltan muy pocos días para que empiece el festival y como todos los años COSQUIN ROCK te ofrece la posibilidad de disfrutar de bandas consagradas junto a los nuevos grupos que van creciendo en todo el país.

Queremos aprovechar esta oportunidad para recomendarle al público asistente llegar temprano al predio, ya que en los horarios pico se suele congestionar el camino al predio con hasta 3 y 4 horas de demora.

Les recordamos también que se puede acceder desde Córdoba a la zona a través de un camino alternativo (El Cuadrado) que desemboca en la Falda.

Los horarios son tentativos. La variación en los mismos está sujeta a modificaciones por requerimientos del festival, organización y los propios artistas.

VIERNES 10 de febrero

ESCENARIO PRINCIPAL

Charly García – 00.40hs

Pastillas del Abuelo – 23.10hs

Calle 13 – 21.50hs

IKV – 20.40hs

Massacre – 19.45hs

Jauría – 19.00hs

Eruca Sativa – 18.25hs

El Kuelgue – 17.55hs

Armando Flores – 17.25hs

ESCENARIO PEPSI ROCK

Los Gardelitos – 00.00hs

CJS – 22.10hs

La 25 – 20.50hs

Ojos Locos – 19.50hs

El Bordo – 19.00hs

Salta la Banca – 18.20hs

Culpables de Este Sentimiento – 17.50hs

Chocloneta (Pre Cosquin Chile) – 17.20hs

Cattarse (Pre Cosquin Brasil) – 16.50hs

Go Go Blues – 15.50hs

Steinkrug (Pre Cosquin Paraguay) – 16.20hs

HANGAR COSQUIN ROCK CORDOBA

Marian Pellegrino 22.15hs

Los Reyes También – 21.30hs

Jotes – 20.45hs

Santa Esquina – 20.00hs

Hipnotica – 19.15hs

Maltrato – 18.30hs

Synesthesia – 17.45hs

Guardianes del Freezer – 17.00hs

SABADO 11 de febrero

ESCENARIO PRINCIPAL

Ciro – 00.10hs

Skay – 22.40hs

Las Pelotas – 21.10hs

Catupecu Machu – 20.00hs

Guasones – 19.00hs

Marea – 18.10hs

Negro García – 17.30hs

4 Al Hilo – 17.00hs

ESCENARIO PEPSI HEAVY

Malón – 23.10hs

Anthrax – 21.50hs

Logos – 20.45hs

Horcas – 19.55hs

Tren Loco – 19.15hs

El Dragón – 18.00hs

Tributo a V8 – 18.40hs

Hammer – 17.30hs

Numeral – 17.00hs

Inverso (Pre Cosquin Rosario) – 16.30hs

Maza – 16.00hs

HANGAR ROCK PARA TODOS

Los Ojos de Clearence – 21.10hs

Sangre Caliente – 20.30hs

Buenos Aires – 19.50hs

El Mendigo – 19.10hs

Macadam - 18.30hs

Según la Mano – 17.50hs

Rufianes

Voranima – 17.10hs

12/70 – 16.30hs

BIZARREN MIUSIK PARTI

Paolo el rockeros

Jazzy Mel

Machito Ponce

Willy Polvoro

DOMINGO 12 de febrero

ESCENARIO PRINCIPAL

Rata Blanca – 01.00hs

Viejas Locas – 23.10hs

La Vela Puerca – 21.30hs

Juanse – 20.20hs

Kapanga – 19.10hs

Viticus – 18.20 hs

Coverheads – 17.15 hs

Baltazar Comotto – 17.15hs

Paris Paris Musique – 16.45 hs

ESCENARIO PEPSI REGGAE

Nonpalidece – 00.00hs

Los Pericos – 22.40hs

Dread Mar – I – 21.35hs

Fidel – 20.40hs

Dancing Mood – 19.40hs

Zona Ganjah – 18.40hs

La Perra que los Pario – 18.10hs

Locales Rock (Pre Cosquin Mar del Plata) – 17.40hs

Rondamon – 17.10hs

La Madre del Borrego – 16.40hs

HANGAR METAL PARA TODOS

Metal Anger – 00.30hs

nosferatus – 23.50hs

Coalission – 23.10hs

Lobrega – 22.30hs

Mastifal – 21.50hs

Arde – 21.10hs

Avgurio – 20.30hs

Proyecto X – 19.50hs

París París Musique – 16.45hs

Arpeghy - 19.10hs

Endemoniados – 18.30hs

Nokzul – 17.50hs

Arthois – 17.10hs

Blindaje – 16.30hs

CHARLY GARCÍA, YENDO DE LA PLAYA A RIVER

Antes de su regreso al estadio Monumental, donde clausurará una nueva edición del Quilmes Rock, el rockero le puso canciones a una tarde luminosa en el parador Arena Beach, una playa exclusiva al sur de La Feliz.

Por Matías Córdoba

¿Recuerdan al Charly García que creía remediar unos penosos recitales con algún desfachatado artilugio que lo dejaba fuera de combate durante un tiempo? ¿A aquel que seguía conmoviendo a pesar de la dilatada y esquiva recuperación que tardó varios años en sacarlo de las malas? Ese Charly no tuvo nada que ver con el que se plantó ayer en el parador Arena Beach –una playa exclusiva al sur de la ciudad de Mar del Plata– durante el recital que brindó García junto a The Prostitution, la banda que lo acompaña firmemente desde su regreso definitivo. Allí, alrededor de 40 mil personas vieron al nuevo Charly de figura voluminosa, enérgico hasta donde llegan sus posibilidades, dándole con fiereza a las teclas de su piano y dejando todo sobre el escenario cuando le tocó encarar al público micrófono en mano.

Hoy, su nueva voz de ultratumba es un signo ineludible. Pueden oírse todos sus esfuerzos y peleas contra él mismo para recobrar todo lo que ha quedado en el camino y que alguna vez fue suyo: la posibilidad de construir las más admirables canciones de rock en español. Es cierto que sus últimos movimientos artísticos han sido una muestra de la mejoría de Charly. Su épico regreso en el estadio de Vélez Sarsfield en 2009 (El concierto subacuático), la publicación física de Kill Gil y la reciente seguidilla de recitales en el teatro Gran Rex fueron una muestra de ello, una revalorización de su obra que le ha permitido regresar a la pelea de fondo del rock.

Bajo un cielo despejado, cargado de humedad, no quedó más que guardar en la memoria el retrato de Charly levantando sus brazos ante una multitud que saludaba y liquidaba su gaseosa en la tarde de Mar del Plata. Lástima el bajísimo y desprolijo sonido que lanzaban los amplificadores en “Rezo por vos”, “Rock and roll yo” y “Cerca de la revolución”, después de un “¿Cómo anda Mar del Plata?”, de García. La estructura del recital respetó a rajatabla el hilo conductor de los shows conceptuales del Gran Rex. Allí las voces en off de Graciela Borges y Juan Alberto Badía le imprimieron intimidad, pero aquí, ante tamaño escenario natural, perdieron el nervio y el efecto sobre los espectadores, que atinaron a responder con tibios aplausos las intervenciones.

Luego siguieron “Canción de Alicia en el país”, “Asesíname”, “No importa” y “Demoliendo hoteles” para finalizar la primera hora de recital. “¿Conocen a Dalí? Ahora vamos a poner una película de él como intervalo”, dijo Charly para presentar una escena de El perro andaluz, la obra maestra del cine surrealista. A la vuelta, con el sol cayendo detrás del escenario, la lista continuó con “Yendo de la cama al living”, “Influencia”, “Me siento mucho mejor”, “Eiti Leda” (con la voz principal a cargo de Rosario Ortega, nueva corista de la banda), “Hablando a tu corazón” y “Canción para mi muerte”. Con este recital, a modo de clausura de la temporada rockera en el parador Arena Beach (por allí pasaron Catupecu Machu, Massacre y Las Pelotas, entre otros), Charly adelantó algo de su retorno al estadio de River Plate, cuando en abril clausurará otra edición del Quilmes Rock.

"LA ENERGÍA DE LA GENTE MANTIENE ENTERO A GUSTAVO"

A 30 años de la creación de Soda Stereo, Lilian Clark, la mamá del músico habló con Mega 98.3. "La energía de la gente mantiene entero a Gustavo"

Télam

A 30 años de los primeros ensayos de Soda Stereo, la madre de Gustavo Cerati, Lilian Clark, habló con Mega 98.3 sobre los primeros pasos en su carrera y el estado de salud del músico que permanece internado desde mayo de 2010 cuando padeció un accidente cerebrovascular.

En la entrevista con Martín Ciccioli en su programa No se desesperen relató los comienzos de la histórica banda -una de las más importantes del rock nacional-, y dijo que, desde chico, Cerati había marcado su profesión.

"Me decía: 'Mamá, yo nací para ser músico'. Y yo temblaba", contó.

Además, reveló la relación del padre del guitarrista con Soda Stereo. "Los ayudó mucho con el tema del dinero. Para que guarden plata. A Gustavo lo ayudó a que se compre su primer departamento. Charly era el más rebelde. Zeta era más conservador", contó sobre los primeros pasos del grupo.

También hizo mención a su estado de salud: "Está entero. De aspecto está muy bien y muy bien cuidado".

La familia del músico no se separa de la Clínica ALCLA donde está internado y realiza un tratamiento. Ahí, en el día a día, Lilian aseguró que su hijo sigue respondiendo a los estímulos.

"Tengo los pies en la tierra y la mirada en el cielo, pero los monitores no mienten. Hay una parte que demuestra cuando se emociona. Cuando por ejemplo Mollo le toca la guitarra, Gustavo responde", confesó.

La esperanza de su recuperación se sostiene en esas respuestas a estímulos: "Escucha. Está en algún lugar y responde. Cuando llego reconoce mi voz. Mueve la cabeza".

Pese a que reconoce la importancia de la música de su hijo, Lilian no puede creer como Cerati está arraigado en la corazón de su público que demuestra su amor en todo momento: "La energía de la gente mantiene entero a Gustavo".

En el final de la conversación, Ciccioli le consultó si ponían "Zona de promesas" que dice "Tarda en llegar y al final hay recompensa": "Esa canción la elegimos con la musicoterapeuta ayer y la canté, mientras le agarraba la mano".

HECTOR POMO LORENZO

Ahora el artista soy yo

Su primer disco fue Diana Divaga (Los abuelos de la nada), así que sabe bien lo que es estar a la deriva. Y pese a todo, agradece ese mundo incierto que desde el primer momento fue para él la música, en especial el rock. Ahora, una nueva innovación: un trío que se lanza a tocar, y navega en un mar incierto pero conocido. El 11 en boris club se podrá saber hasta dónde llegan.

Por Jorge Belaunzarán – Revista Asterisco

Qué es una generación? ¿Qué define a ese conjunto de personas que viven en la misma época? Nacidos y criados en las creencias y decires de un tiempo, que a un mismo estímulo responden de manera similar. Así hasta que llegaron ellos, los que aún dan que hablar. Y ya no respondieron a la herencia de sus antecesores, sino que, altivos, patearon el tablero, dijeron que así no y que la verdad estaba de su lado. “Tenemos varios raspones, se nos cayeron algunos motores, perdimos un par de alerones, pero seguimos volando. De eso no te quepa duda. Todas esas personas (se refiere a los músicos que no están, o no están pasando por un buen momento), a las que considero mis pares, hemos entregado la vida a esto. Y es por eso que esa entrega llegó como llegó, caló como caló, marcó la tendencia que marcó. También es injusto que después de haber hecho eso estemos listos para ser descartados. Porque no lo van a lograr, porque somos enfermos terminales y nunca nos vamos a auto descartar. Necesitamos del escenario, del público, de los discos para poder inocentemente derrumbar un poco el paso por este ciclo. Dejar algún documento, en mi caso un disco. Es una manera de perdurar.”

Así de ilusos parecen haber sido allá hace como 40 años Héctor “Pomo” Lorenzo (en adelante Pomo, como se hizo conocer y querer este gran baterista y músico), así de soberbios también en el devenir que los alejaba de ese tan original como bello origen: de otra manera no se habrían alejado como lo hicieron, algunos al límite de mimetizarse a quienes se oponían.

-¿Cuál fue el último tablero que pateó?

-Haberme vuelto de España, donde estuve 12 años, trabajando en la televisión prácticamente como sesionista. O que mucha gente que quiere tomar clases conmigo y en este momento no me dedico a la docencia porque me estoy dedicando a los discos. Son cosas que uno decide dejarlas de lado para que aparezcan otras. Mientras no te decidas a dejarlas de lado, o tenerlas de costado, y seguir a dos aguas a ver cuál de las dos sale una punta, no pasa nada. A ese tipo de pateada de tablero me refiero. Lo cual no quita que algún día vuelva a pasar por eso que dejé de lado. En esta profesión, haciendo hincapié en el agua, estás en un trampolín donde la pileta está vacía, y mientras sigas esperando a que se llene, no te vas a mojar nunca; en el momento en que abandonás el trampolín se llena de agua automáticamente.

-¿Por eso eligió una formación de trío para grabar Asteroid?

-No necesariamente, porque en realidad es un trío atípico: son dos bajistas con dos computadoras. Es decir es una inquietud que nació de un tema de “Binario”, que es mi segundo disco de repertorio, que sigue después de Primario. Y le enviamos un temita a Franov y él lo hizo con sus programas de avi, con todo ese despelote y después cuando vino a radicarse acá a partir de enero, febrero del año pasado, nos decidimos a hacer un disco; sacarnos las ganas. Porque en realidad no es un trío que haya armado yo, son tres artistas que tienen su carrera y su repertorio y se dan el gusto de hacer una cosa juntos en un formato que hasta ahora para mí es inédito.

-¿Por qué?

-Porque compusimos en tiempo real con las computadoras. Todo lo que sucede es una interacción de los músicos con sus instrumentos y las computadoras. Porque no son programas sobre los que nosotros vamos arriba. Es un poco chill out el disco, con mucha ambientación. Pero digamos que es una propuesta diferente para mí. Sobre todo con la capacidad de Franov y Suárez que tienen con el tema de los programas de computadoras.

-Al escucharlo dan ganas de que el disco siga, ¿a ustedes les pasaba lo mismo?

-Sí, sí. Por ejemplo la duración de los temas es totalmente fortuita, porque por más que sepas el guion de la canción, nunca se sabe cuándo va a terminar.

-¿Y en base a qué trabajaban? Porque se supone que aunque sea deberían tener un carril por donde andar, ¿no?

-Es el leitmotiv. Y sobre esos vas armando pequeñas preproducciones que te marquen un poquito el rumbo. En el caso de haber grabado no, porque al ser un soporte fijo, uno tiene que tener una pauta que tenga un desarrollo equis y una duración determinada. Lo que no se va a poder hacer es, por ejemplo, como cualquier banda, que toque el disco en vivo exactamente igual que como está grabado.

-¿Cuánto se tiene que conocer con los músicos para hacer eso?

-Y, bastante. Hay mucho resto. Es un formato bastante arriesgado, porque no hay ninguna pauta fija que cumplir. A cualquiera de los instrumentistas que se le ocurra un idea o un fraseo eso va a ser retroalimentado en el programa durante la canción, y por ahí esa misma retroalimentación lleva a otra ida diferente de la estaba grabada. Así como los músicos proponen sus ideas con sus instrumentos, lo mismo sucede con la compu.

Y ahí llega un mozo a tomar el pedido que ya había tomado una de sus compañeras y a la que le indicaron hacer otra cosa, pero a la que el nuevo mozo no preguntó a quién había tomado el pedido. Entonces hay sorpresa en la mesa, cosa que no agrada al mozo. “Es que estamos todos tercerizados”, dice Pomo. ¿Cómo sería eso? Y, todo tiene un intermediario. Y las risas explotan. El periodista apunta en qué estaba la charla, y Pomo dice: "Sí, hace falta un resto. Con Suárez hace más de cinco años que estoy trabajando, fue bajista de mi banda, es quien produce conmigo, y Franov hace un montón de años que no lo veo, pero son esas personas que la vez después de un tiempo largo es lo mismo que si las hubieras visto ayer. Al mismo tiempo son músicos con mucha capacidad. Porque en el vivo es mucho más arriesgado que en un disco. En un disco tenés una preproducción, lo podés acomodar. En el vivo es una cosa que nadie sabe dónde va ir a parar, y para eso hace falta mucho resto, para que uno pueda pulular por ciertos lugares sin quedar al descubierto en una cosa que no estaba pautada.

-¿Puede haber músicos que se asusten?

-Sí, creo que sí, ja ja. Yo soy un enfermo terminal: no voy a dejar de trabajar hasta el último día. Siempre da un resquemor, un miedo, una incertidumbre abarcar un nuevo proyecto, pero es la única manera de seguir vivo, lo demás es defender el pasado. Éste no es un grupo que tenga un líder. Somos tres personas que tienen su propio repertorio, sus discos, y nos damos el gusto de abarcar un formato libre en la expresión sobre todo, donde cada cual pueda hacer lo que quiera. Es una incertidumbre muy placentera, de alguna manera conocida; no es una sobre la que te quedan dudas. Ese mundo creo que le pertenece a los músicos que saben improvisar, un poco el concepto del jazz, que es un poco lo que hay en el disco, una especie de fusión.

-¿Cómo se consigue el resto?

-Me refiero a tener una cierta experiencia, cierto piso técnico, un sinfín de comodidades. Además es muy interesante en vivo: las imágenes están sincronizadas con el audio, y están los locos con la computadora metiendo y sacando ideas de las que se están expresando arriba del escenario, y eso es muy piola. Es un formato que no me pertenece a mí, le pertenece a Franov, que viene haciendo en Europa. Y como decía Miles Davis: no se preocupen por los errores, que no existen. Y eso es bienvenido, sino no daría lugar a nuevos formatos, desde luego. Lo que pasa es que soy bastante prejuicioso con las tergiversaciones de los parámetros que no se deben mover.

-¿Como cuáles?

-Los orígenes de los diferentes géneros. Si querés recrear un tango, o el jazz, géneros muy originales, muy comprometidos, hasta qué punto vas a mover la ficha. Si tocás un tango bien tocado en un sintetizador, es una cosa, y si escuchás a un tipo tocando ese tango en un bandoneón, mejor. Ahí tengo mis pruritos. Porque si no, el disco de Asteroid sería más Creamfields de lo que es. Podría serlo, sin embargo no es así. Es un disco digital que al mismo tiempo no lo es, porque todos los sonidos, salvo la batería, que es acústica y tocada de pe a pa cada toma, real time y después sumado a los playbacks, todo lo que escuchás, que vendrían a ser todos los programas de la computadora, los instrumentos que están sonando, son todos instrumentos análogos. Todos. No hay un solo sintetizador que suene en ese disco que sea un sonido que viene seteado en la marca del instrumento que te compraste. Están todos los sonidos hechos con sus osciladores, lo mismo que comprar una pizza en la esquina o el bollo de masa en la fábrica de pastas, o que te pongas a amasar y lo hagas de pe a pa todo vos. Eso es un gran laburo, una cosa muy difícil de hacer.

-Ustedes amasaron.

-Sí. No hay un solo sintetizador digital. Lo que pasa es que te da una identidad, es único, porque no sonás a nadie. A eso me refiero con el tema de la tergiversación: que puede tergiversar algo que está modificando el género tímbricamente, más allá de temáticamente, pero que ese mismo timbre lo pueden tener los Tucu Tucu, los Wachiturros, Charly García o Miranda! jaja. No. Los sonidos de Asteroid son absolutamente hechos a mano. No están en ningún disco, en ningún programa de ninguna computadora. Hay que hacerlos a mano. Hay que sentarse y armar ahí los osciladores, perilleo, perilleo, perilleo hasta que te queda un sonido que decís: éste no está en ningún lado; éste queda. Tiene ese encanto. A eso me refiero: hasta qué punto uno puede tergiversar o puede mixturar algún tipo de género con algún otro para que sea una vertiente saludable para ambos géneros y no sea una cosa que defenestre el género que estás invadiendo. Hasta ahora me lo he permitido y lo logré. A través de todos los discos que hice y a través de todos los proyectos en los que estuve. Proyectos o artistas para los cuales trabajé. Me hacés acordar del primer bandoneón que sonó con Invisible en “Las golondrinas de Plaza de Mayo”. O “Los libros de la buena memoria”.

-Decía que va a seguir hasta el último día, y la batería parece exigir mucho físico.

-Hasta ahora voy bastante bien, porque no tengo cosas raras; me cuido bastante. Pero sí, es un instrumento que requiere mucho físico, sobre todo que uno esté bien. Hay diferentes estatus. Una cosa es grabar, estar en boliches, teatro, y otra cosa es estar de gira. Eso es muy pesado, demanda mucho cuerpo, mucha cabeza, mucho cuidado, mucha vitamina, entrenamiento, mucha pesa, mucho todo. Igual ahora tengo un aliciente: no sólo tengo la batería, tengo mis temas, mis letras, tengo otras cosas de dónde tirar. Fabrico mis discos, soy autor, compositor, hago las letras, las tapas, tengo más cosas con qué entretenerme. Ahora el artista soy yo, ese trabajar para el artista trabaja para mí, entonces como que la batería se torna una cosa secundaria, que era en lo único que me interesé hasta que pateé algunos tableros y dije: quiero hacer un disco mío.

Ese fue el otro tablero que pateó años después de volverse de España, de donde regresó solicitado por Fito Páez para grabar Circo Beat. “Nunca estuve con el artista que más me convenía, estuve con el que más me colmaba, es la única manera que puedo cuidarle las espaldas. De hecho fui muy selectivo en mi carrera y son contados con los dedos los compositores con los que trabajé. En ese sentido soy de la vieja escuela: armar proyectos en común, bandas o grupos o estar atrás de un artista determinado para hacer tres o cuatro álbumes.

-¿Una especie de guardaespaldas a alguien en quien sostener la propia vulnerabilidad?

-Es un formato que llevo en la sangre. Después de haber crecido en el colegio y la adolescencia con Pappo, de haber viajado con él y de hacer Pappo's Blues 3 y de haber hecho 17 años con Luis (Alberto Spinetta), seis con Páez, es mi formato cuidarle las espaldas al artista. Es un puesto clave en la música eléctrica, y no me refiero a ningún género en especial.

-¿Al empezar con la música pensó que todo derivaría en esta idea de un sonido groove, de ritmo, como si fuera todo una sesion inmortal?

-El jazz es un groove, lo que pasa es que lo tenemos bajo otro concepto: lo vemos desde el hoy y no desde el ayer. Tiene un determinado formato, no hay un bit declarado, el bit está en el charleston, el tambor no puede sonar más fuerte componente, son cosas que tienen un respeto por el género en sí mismo, pero que son muy maleables de fusionar. Por eso los músicos para este formato tienen que tener un resto, porque es algo que está pautado pero la pauta no está: es como mantener un leitmotiv y recrearlo; como lo que hacen los músicos de jazz cuando improvisan, improvisan alrededor de una idea. Y de hecho la forma de los temas de jazz es un leitmotiv y un desarrollo de la idea con la improvisación alrededor de ella.

-Y parece menos estructurada la música de hoy, como si la se dejara llevar más a la deriva.

-Yo lo tomo como una cosa natural, porque siempre estuvimos a la deriva jajajaja, desde el principio: mi primer disco fue Diana divaga, en el '68, más deriva que eso. Por eso que no acabe en miedo, porque en realidad se trata de darse el gusto y abrirse a campos nuevos, sobre todo con mi banda tenemos la estructura tradicional de temas, abc punto y aparte. Pero este no es el caso. Hacer un disco de esa naturaleza no me habría seducido, porque para hacer el mismo formato prefiero usar la energía en mi banda. Es una cosa totalmente aleatoria, distinta y en la cual uno se puede dar el gusto de navegar en unas aguas muy inciertas pero muy conocidas. Por eso digo que tiene mucho que ver que los músicos tengan resto, no cualquiera podría abarcar un formato así.*

LOS REYES TAMBIEN

Por segundo año consecutivo en cosquin rock, viernes 10 de febrero - 21:30 hs Cosquin Rock 2012 escenario hangar Aeródromo Santa María de Punilla Córdoba

Hebe Sosa www.bestiario.com.ar

LOS REYES TAMBIÉN se presentan por segunda vez en COSQUIN ROCK el próximo 10 de febrero en el escenario HANGAR COSQUIN ROCK CÓRDOBA.

A finales del 2010 se consagraron ganadores del PRE COSQUIN ROCK, conquistando la oportunidad de llevar su “candombe-rock y otras hiervas” al escenario temático reggae de la 11º edición del encuentro nacional de bandas.

Este año fueron convocados nuevamente para sumarse al escenario cordobés destacándose entre las bandas más importantes de la escena rockera local. Así, LOS REYES TAMBIÉN compartirán las tablas con Marian Pellegrino, Maltrato y Synesthesia entre otras agrupaciones, sirviendo la oportunidad para hacer un repaso por las canciones de su primer trabajo discográfico y presentar parte del nuevo material que editarán durante este 2012.

LOS REYES TAMBIÉN surge como un quinteto en el 2007 con la mixtura de géneros como bandera logrando un concepto original, propio y divertido. Sus primeras pasos fueron recorriendo canciones del repertorio clásico del rock nacional pero pronto estas se fueron diluyendo entre producciones propias.

En el 2010 lanzaron su disco debut, “La Revancha del Bufón”, un álbum independiente colmado de ritmos festivos como el candombe y la murga, que sin embargo acoge cálidas canciones de guitarra acústica y hasta potentes riffs. Sus letras hablan de una visión del mundo de jóvenes cordobeses de cara a una vida urbana. Son una banda con mucho por decir.

La necesidad de sumar nuevos colores impulsó a la banda a convocar nuevos músicos, conformándose actualmente por 10 miembros.

Este 2012 los encuentra esperando el lanzamiento del DVD grabado durante el show despedida del año pasado, mientras trabajan en el sucesor de “La Revancha del Bufón” que será producido por Valentin Scagliola, tecladista de Los Caligaris.

LOS REYES TAMBIÉN SON:

Rodrigo Ceballos (Voz)

Roberto Arbulú (Guitarra y coros)

Facundo Moralez (Batería)

Ezequiel Pizarro (Guitarra)

Mariano Parrello (Percusión)

Máximo Giménez (Saxo)

Waldo Guzmán (Trompeta)

Carolina Pelassa (Trombón)

David Nazzetta (Bajo y coros)

Mauricio Fernández (Trombón)

Más información en www.losreyestambien.com.ar

EL 10 DE FEBRERO RATA BLANCA SE PRESENTARÁ EN BELÉN

“Rata Blanca” se presentará en las instalaciones del club Tiro Federal de Belén, el 10 de febrero próximo, en el marco del festival “Belicho Metal”. De acuerdo con lo informado por Hugo Céliz, integrante de la organización del evento, la reconocida banda llegará a Belén, “por lo que estamos con muchas expectativas, trabajando mucho para que todo salga bien”, dijo.

“Le comentamos a la gente que para esa oportunidad se va a contar con carpas vip, carpas alternativas, y muchas otras cosas. Va a ser un mega show que nos trae la banda y que va a venir a presentar lo mejor de su producción, los 20 años de este disco que están presentando en un tour por todo el norte del continente y Europa. Estamos muy contentos con este espectáculo del 10 de febrero, y ya se van a comenzar a vender las entradas”.

Además de Rata Blanca, también van a actuar bandas de la ciudad capital, de Córdoba y La Rioja, “por lo que estamos haciendo desde ya la convocatoria a la gente de todos los departamentos vecinos y de la ciudad de Catamarca”, comentó el organizador. Las entradas ya están a la venta, en un stand en la plaza Olmos y Aguilera y tienen un costo de $ 40.

“Pensamos que es un precio muy accesible, teniendo en cuenta el espectáculo que se ofrece. Además, hay que recordar que para ver a Rata Blanca en otros lugares del país, la entrada está a no menos de $ 150, por lo que consideramos que es una oportunidad única que se brinda a todos los jóvenes. Hay mucha demanda, deben reservar las mismas con anticipación para estar presente y no perderse este mega show en la ciudad de Belén”, finalizó.

30 AÑOS DE SODA

De aquel amor de música ligera. Hace treinta años ensayaban por primera vez Gustavo Cerati, Charly Alberti y Zeta Bossio para dar origen a Soda Stereo.

Por Ramiro García Morete – Revista Diagonales

“¿Porqué no puede ser del Jet Set?” De movida, las consignas no eran proféticas ni políticamente correctas: Soda Stéreo no había llegado para salvar al rock. Su propuesta –aparentemente frívola y ligera– cobijaba sin embargo toda una declamación: lavarle el rostro al decolorado rock nacional y situarlo en la nueva década, esa que con suerte veía caer a los dinosaurios y bullir nuevas formas estéticas. Si esa tarea la habían cumplido con creces sus predecesores Virus, Soda Stéreo no sólo le lavaría al cara a la escena nacional sino que le delinearía los ojos y le pondría fijador al cabellos. “Soy una persona profundamente superficial”, habría dicho Andy Warhol y bien le hubiera cabido a estos artistas distintos que horrorizaban a la siempre polarizada escena nacional, pero impactó irresistiblemente en la gran audiencia. Tras editar su álbum debut homónimo en 1984, los chicos de los auténticos peinados nuevos no sólo tendrían una historia gloriosa por delante –solventada en cantidades iguales de éxito y calidad– sino también una anterior, más candorosa pero no menos rica. Por eso en este férvido y húmedo 1º de febrero recordamos los treinta años –¡nada menos!– del primer e histórico ensayo del trío.

Los orígenes de una de las bandas más importantes del rock en español tiene su origen en 1982 cuando los porteños Gustavo Cerati, de 22 años, y Héctor Zeta Bosio, de 23 años, coincidieron en Punta del Este (Uruguay). Cerati, por entonces, estaba al frente de su grupo Sauvage y Bosio con The Morgan. Ambos se hicieron amigos y, tras que Cerati se uniera a The Morgan, formaron el grupo Stress y Proyecto Erekto. Este último tenía elementos tecnos y un detalle: su tecladista fue Andrés Calamaro. Así declaraba el Salmón hace un tiempo: “Yo iba a ser un Soda Stereo. A último momento Miguel Abuelo me convenció para entrar a Los abuelos y planté el proyecto. Fue así. Antes de que formaran el trío tocaba en la casa de Zeta con él y un pibe nuevo que se llamaba Gustavo Cerati , era un 'chetito' que llegó con un Gibson SG , como la que usaba Frank Zappa y tocó una versión de Roxanne que nos voló la cabeza.”

Hasta que una casualidad o no, sería fundamental para esta incipiente historia. Sucede que Carlos Alberto Ficicchia (Charly Alberty) solía llamar constantemente por teléfono a la hermana de Cerati, María Laura. Agotada, no quería responder y en una ocasión, fue Gustavo quién tomo el tubo. Así fue que terminaron conversando: Alberti contó que era baterista como su padre, Tito Alberti, famoso músico de Jazz. Zeta y Gustavo decidieron conocer al “pretendiente” de la hermana y tras escucharlo tocar, lo sumaron al grupo. Por entonces, la banda ensayaba temas como “The Wall” (Pink Floyd), "Lanza Perfume", versión en castellano (Rita Lee), temas de Gary Neuman, George Benson y, por supuesto, la principal influencia que tenía la banda por entonces: The Police.

Otro gusto común fue la canción "Los Estereotipos" de The Specials y de ahí surgió el nombre original del trío hasta que aparecieron los nombres "Soda" y "Estéreo": fue cuestión de tiempo que se denominaran Soda Stereo tan en sintonía no sólo con el sonido moderno que la banda ejecutaba, sino con sus estética conciente y una poética ácida e impactante. New wave, ska, pop y una mole de electricidad para desperezarnos del acusticazo y “la pálida”. No tardaron en menospreciarlos como si de “un producto” se tratara y a decir verdad, lo eran: un producto maravilloso. El secreto de su éxito –fuera del talento natural– residió en que ellos eran sus propios diseñadores: sabido es que Cerati y Zeta estudiaron publicidad. La imagen no es todo, pero ayuda. El éxito no tardaría en llegar, pero eso ya es historia conocida.

No tanto lo es una pequeña historia de índole personal, pero sumamente ilustrativa. Jorge Urbonas es un compañero de la redacción de Diagonales.com asignado a las labores de publicidad. Y nos cuenta: “Era los años 80, Universidad del Salvador, Facultad de Ciencias de la Educación y la Comunicación Social – Publicidad, en la antigua sede de Callao frente a la plaza. Nos autodenominábamos 'Los Salvadores de la publicidad'. Cursábamos 70 futuros publicitarios, todos sentados en filas de 5 pupitres en un aula interna oscura y pequeña de un primer piso. Las filas de adelante ocupadas por los tragas y/o los ya trabajadores del medio. En el fondo estaban los ocultos, imperceptibles, los que la tenían clara. Gustavo y Héctor entre ellos. Héctor más comunicativo; Gustavo siempre más distante, más en su mundo.

Compartimos comisiones de trabajos grupales en la materia Comercialización. Para mí pasaron imperceptibles hasta la fiesta de fin de curso: 4 de diciembre del 83, Día de la Publicidad. Los rumores decían que iba a tocar en la fiesta un grupo del curso. La expectativa para mi no era mucha pero al oírlos tocar esa noche me hicieron bailar hasta la última neurona como a todos los que estábamos ahí. Ya se notaba que había algo ahí, a punto de explotar. No me contuve y al terminar me acerque a Zeta y le dije: 'Loco, sonaron bárbaro'. Y él, encogido de hombros aún con el bajo en la mano me respondió: ¿En serio? ¿Te gustó?”.

El tiempo haría que le gustara a mucha gente más y muy en serio. A treinta años de su primer ensayo y anhelando la recuperación de Cerati, contemplamos la extensa obra de esta banda que no fueron los salvadores del rock, pero eran capaces de sacudir a cualquier Cristo.

KAMELEBA, EN ESTADO ALPHA

Kameleba toca en la previa de Alpha Blondy, su máxima referencia. El cantante Darío Alturria describe la "excitación" y adelanta cómo será el nuevo disco de la banda. Además, toda la info del festival y videos.

Por Andrés Fundunklian - Suplemento VOS

'Dormía el muchacho y tuvo esa noche, el sueño más lindo que pudo tener; el estadio lleno, glorioso domingo por fin en primera lo iban a ver', dice el célebre tango. Kameleba hace rato que ya juega en primera y llena estadios, pero por estos días sus integrantes están cumpliendo uno de los sueños del pibe que les faltaba. Tocar con Alpha Blondy, su máxima referencia musical e inspiración más profunda.

Por si faltaba algo, el encuentro será en Córdoba, la ciudad que los catapultó a los primeros planos del reggae argentino y que este miércoles tendrá su gran revancha con el cantante marfileño, tras la cancelación que sucediera años atrás. E incluso, debido a la histórica tormenta del lunes, el festival será finalmente en La Vieja Usina, el mismo lugar que se quedó con las ganas aquella vez. El círculo cierra.

“Justo estábamos haciendo un recuento de la historia de la banda con "Loli" (Lionel Folch, bajista y fundador) y por supuesto que el círculo cierra perfecto para nosotros. Cuando les conté a los pibes en el ensayo que Alpha Blondy dijo en la entrevista que quería escuchar un disco nuestro, quedaron todos locos. No sabés la chochura que tenemos”, dice un excitado Darío Alturria, el cantante de la banda, quien a pesar de los años de ruta no pierde su tonada puntana (o mercedina, para ser más exactos).

Inmediatamente, Alturria hace un repaso de cómo se sucedieron los hechos para llegar a este estado alpha. “La última vez que vino Blondy al Luna Park estuve como invitado de Nonpalidece y la verdad es que me quedé de cara por cómo sonaba. Hasta Nonpa quedó como una bandita, con todo respeto. Después, el productor nos ofreció hacerlo con nosotros en Villa Mercedes, donde hace poco llevamos a los Wailers. Pero la verdad es que estábamos grabando el disco y era mucho. Cuando el Teby (Tazzioli, uno de los organizadores) nos invitó, no lo dudamos. Sin dudas, es mejor que estar en Cosquín Rock. Además, vamos a hacer el posgrado”, explica.

Imposible no preguntarle entonces, cómo fue su primer acercamiento a la música del africano. "Con Alpha Blondy me pasó algo parecido que con (Bob) Marley", introduce Alturria. "Entré con un 'grandes éxitos' y cuando escuché un disco 'posta' no entendí un pomo. Eso te llama a investigar más. El primer recuerdo que tengo es decir ‘que voz tan loca’, porque tiene eso del folklore africano adentro. Y sumado a que eran las canciones más poperas, no me sonó tan reggae.

-No fue un amor a primera escucha entonces, pero...

-Reconocimos enseguida una música muy sensorial y bailable. Nos encantaron esas bases con bombos bien saltarines. Cuando en los ensayos queríamos sonar para que el cuerpo se suelte, empezamos a tocar bases de Alpha Blondy. De repente nos encontramos haciendo covers de él y llamándonos Kameleba, que era un nombre que el 'Loli' ya tenía de antes por el tema Fangandan kameleba. Ahí me encargué de indagar en el significado y en el mensaje. Terminé descubriendo un alto artista. Sin dudas, el verdadero sucesor de Marley.

Durante la charla con Darío, van surgiendo distintas anécdotas de cómo se fue acrecentando el vínculo sentimental con el gran Blondy. En otra previa de un show de él en Mar del plata, se me acerca un africano para venderme collares. 'Quiero comprar la entrada para ver a mi compadre' me dijo y aseguró que allá (por África) es más conocido que los presidentes. Es así. El otro día veíamos unos videos de shows viejos y a la gente todavía le costaba bailar por la represión que había. El fue una revolución".

Guerreros afro

En Vibrasound, su último trabajo, Kameleba se animó plasmar finalmente a su referncia másxima en el estudio. El tema elegido fue Black Samurai. Darío explica la historia de la elección: "Siempre la escuchamos de un disco en vivo, y nos estaba dando vueltas en la cabeza. Luego descubrimos que había un comic muy divertido que se llamaba Afro Samurai, del que después se hizo una película y una serie. Ahí lo empezamos a tocar en los ensayos jugando. Cuando fuimos por primera vez a La de Dios (programa de la Rock & Pop, dedicado al género) nos piden que toquemos una más. Así que le metimos y salió tan bien que se convirtió en un clásico, un emblema del grupo. Nos comprometimos mucho con la canción".

-Encima le pusieron toda su singularidad, como en general se plasma en tu tonada.

-Yo busco mantener el tono, aunque en Buenos Aires se encargan de sacártelo, como pasa con los locutores de las radios. Es la clave de la pretensión. Sino perdés lo más rico, que es la particularidad.

-Para cerrar, adelantanos algo del disco nuevo.

Ya está grabado y nos pusimos re calientes por tocar los temas en vivo. Lo laburamos de nuevo con (Eduardo) Bergallo y en marzo va estar en la calle. Son 14 canciones entre las que inlcuimos una versión de un tema de los Beatles, If I needeed someone. Ni Lennon, ni McCartney, una de George Harrison. Nos sale con un sonido bien colegial, fue como volver al secundario. El resto es bastante más bailonguero, pero con diferentes texturas que no habíamos usado. Algo de Calypso, beats más poperos como los de Aswad, UB40, el reggae inglés. También tiene su parte áspera. Se llama Tiempos de tribulación y es un poco como dice Cerati, “sacar belleza de este caos, es virtud”.

Cambio de escenario

A raíz de los problemas climáticos que afectaron a la ciudad, el Córdoba One Love Vision se trasladó a La Vieja Usina (el ingreso será por calle Mendoza). Las entradas adquiridas son válidas para el nuevo lugar. Según informó la organización, las puertas se abrirán a las 19; Palo y Mano subirá a las 20, Kameleba a las 21 y Alpha Blondy a las 23. Las anticipadas a $ 130 se consiguen en locales JC (9 de Julio 29 y shoppings), Edén (Obispo Trejo 15).

BABASÓNICOS: UNA NUEVA FIESTA POPULAR

Diego Rodríguez y Diego Tuñón de Babasónicos explican por qué no actúan este año en Cosquín Rock. Y recuerdan “Jessico”, su disco emblemático. Este sábado la banda se presenta en Carlos Paz.

Por José Heinz – suplemento VOS

Babasónicos regresa a Córdoba para ofrecer un show veraniego en el parador de Bahía Los Mimbres. Será este sábado, con horario atípico (se anuncia a las 14) y en un contexto inmejorable en caso de que el clima acompañe. La excusa del recital (“Un show para vedettes”, como ellos mismos definieron en broma) es presentar las canciones de A propósito, disco editado el año pasado que cosechó numerosos elogios, aunque seguramente habrá lugar para otras gemas del repertorio sónico.

Al margen de este concierto, llama la atención que el nombre de la banda no esté incluido en la grilla del inminente Cosquín Rock 2012, festival que contó con su presencia en varias ediciones. De hecho, el año pasado aprovecharon su recital en el Aeródromo de Santa María de Punilla para presentar Fiesta popular, cuando A propósito aún no había salido a la calle.

¿Cuál es la razón de la ausencia de este año? “Cuestiones de agenda”, responde Diego Rodríguez, guitarrista de Babasónicos. “Igual, el Cosquín Rock es un festivalazo. Veníamos tocando ahí varios años seguidos, pero justo este año estamos afuera por esos días, presentando el disco en Centroamérica. Hace bastante que queríamos hacer esa gira y teníamos ganas de ir para allá”.

Diego Tuñón acompaña a Rodríguez en la entrevista, que se desarrolla en el backstage de un escenario montado en Mute, un balneario de moda en Mar del Plata. El grupo está a escasos minutos de actuar frente a unas 20 mil personas, pero si hay nervios lo disimulan muy bien. Violero y tecladista están relajados en la previa.

–Junto con Las Pelotas, Babasónicos es un clásico de Cosquín Rock. Llamó la atención que este año no actúen ahí.

–Tuñón: Y sí, somos de los que más veces tocamos, e incluso estuvimos el mismo día varias veces. Creo que de tantas veces que tocamos juntos hicimos que Germán Daffunchio pasara del odio al amor (risas). Nos llegaban rumores de que nos odiaba y hoy nos saludamos como si fuéramos hermanos. Eso es divino. Yo siempre fui muy fanático de Germán, desde cuando veía a Sumo. Me daba mucha bronca que me odie... Pero a la vez también me gustaba, porque los Sumo eran gente mala onda que sabía odiar. Y la gente que sabe odiar me encanta (risas).

Diez años de éxitos

Para llegar a este bunker babasónico en medio de la playa hay que atravesar un camino de arena, que finaliza en una valla custodiada por personal de seguridad. Uno de los guardias lleva puesta una chomba con una inscripción bordada en uno de los costados: “Qué parte del NO no entendés”. La frase pertenece a la canción Deléctrico, incluida en el disco Jessico (2001), el primero de Babasónicos que sedujo a toda una nueva camada de oyentes y los consagró como una de las bandas insignia del rock nacional masivo. La remera del custodio es una de las muchas evidencias.

“Estamos festejando que A propósito es el quinto disco consecutivo que ganamos como mejor álbum del año en varios medios –cuenta Rodríguez–. Es algo que se da desde Jessico para acá. No podemos parar de disfrutarlo, este álbum lo vamos a tocar en todos lados. El año pasado estuvimos un mes y medio presentándolo en Europa, pasamos por Francia, España, Gran Bretaña. También estuvimos en México y en algunas ciudades de Argentina. Como Córdoba, que lo presentamos en el Orfeo”.

Lo dicho: Jessico marcó un eje en la carrera de Babasónicos. De hecho, el año pasado celebraron los diez años desde su edición con un show especial en el que tocaron todos los temas del disco. Fue para el cierre del festival Ciudad Emergente, que tuvo lugar en el Centro Cultural Recoleta.

–Respetaron incluso el mismo orden de las canciones, algo raro en el rock de acá.

–Rodríguez: Es cierto, se aplica poco en el rock.

–Tuñón: Por ahí La Biblia de Vox Dei...

–Rodríguez: Nunca lo habíamos tocado en el mismo orden del disco. Pero fue un hecho puntual, no es que después salimos a hacer una gira con eso, como hizo Primal Scream con Screamadelica. Ese show lo disfrutamos muchísimo. Me acuerdo que un día, en México, volví a escuchar Jessico porque había temas que no recordaba del todo. Yo venía escuchando otras cosas que sonaban muy bien, y entonces pensé que al poner Jessico me va a bajar la calidad mal. La cosa es que meto el disco y empieza a sonar Los calientes... Me reventó los oídos y dije “Guau, ¡qué buenos que somos!”

–Tuñón: Te digo que a mí me pasó lo mismo. Yo también venía escuchando otras cosas, discos de gente que tiene toda la plata del mundo, y fue fuerte escucharlo ahora.

–Hay una especie de boom de las reediciones. Los Beatles, Pink Floyd, ahora está por salir la discografía remasterizada de Soda Stereo. ¿Les han ofrecido hacerlo a ustedes? ¿Se lo plantean para algún momento?

–Rodríguez: Terminando el primer trimestre del año va a haber noticias relacionadas a nosotros y Jessico. Pero no va a ser una remasterización.

–Tuñón: Podría remasterizarse algún otro. Igual, no pensamos mucho en el pasado. No lo descartamos para algún momento, pero todavía pensamos mucho más en el futuro. Y tenemos tanto futuro...

Datos útiles

Babasónicos se presenta el sábado en Bahía Los Mimbres (Donatello s/n, Costa Oeste. Lago San Roque). El evento comienza a las 14 con diferentes actividades. Venta de entradas en puerta. Se comunicó que la marca organizadora del evento obsequiará entradas en distintos puntos turísticos de la provincia. Además, se anunció que habrá “salidas exclusivas” en catamarán hacia el parador desde el centro de Carlos Paz.

Algunos otros ausentes

Babasónicos no será la única banda que se extrañará en este nuevo Cosquín Rock. Otros que tampoco serán de la partida son No te va gustar y Almafuerte, dos clásicos del festival. Los charrúas no se presentarán porque por esas fechas eligieron descansar algunos días a raíz del trajín de su extensa gira, según explicó José Palazzo. En cuanto al grupo de Ricardo Iorio, insignia del heavy nacional, el productor consideró que habría que dejar pasar un año hasta su regreso, ya que fueron parte de la grilla en varias ocasiones. De cualquier manera, los fans del género tendrán buenas propuestas con Anthrax, Malón y Horcas, entre otras agrupaciones metaleras. Otros ausentes del festival: Carajo, Los Cafres, León Gieco, Attaque 77 y el escenario punk. Cosquín Rock se desarrollará los próximos 10, 11 y 12 de febrero en el Aeródromo de Santa María de Punilla.

HOMENAJE A PAPPO

La Séptima Concentración Homenaje a Norberto Aníbal Napolitano tendrá 69 bandas en vivo sonando durante tres días con entrada libre y gratuita. Esta vez será en el Complejo Mundodeportivo (rebautizado "Ciudad Rock"), ubicado a 5 minutos de la Basílica de Luján, durante los días viernes 24, sábado 25 y domingo 26 de febrero.

El evento principal será en la Plaza Central frente a la Basílica y a cuadras del monolito (Monumento a Pappo); el sábado desde las 20 hs, momento en que Luciano Napolitano suba con su banda Lovorne y muchos invitados de lujo que cerrarán la noche con una gran zapada junto a una banda internacional invitada. Todas las bandas interpretarán temas propios y del Carpo. La temática para el homenaje es: para el día viernes, rock pesado estilo Riff. Para el sábado, desde bien temprano, el mejor blues que será la previa del rocanrol, repasando lo mejor de Pappo.

Seguido a esto se harán caravanas a partir de las 17 hs hacia la Basílica, donde se montará un evento similar al utilizado en el homenaje hecho en Tecnópolis en 2011. La concentración cerrará el domingo con más rock.

Cabe destacar que durante las tres jornadas, además de todas las bandas sonando en vivo, el homenaje tendrá exposición de autos clásicos y motos. El predio cuenta con cantina, baños químicos, y un espacio preparado para acampar. Para facilitar la llegada, estará a disposición el servicio de la línea 57 y algunas privadas desde varios puntos de la provincia que ofrecerán el traslado a la Concentración.

La entrada y la estadía para los 3 días es totalmente gratuita!

Web Oficial: http://www.wix.com/quintaconcentracion/5taconcentracion#!

FACHI CREA: “NUNCA VOLVEREMOS A SER AQUELLA BANDA”

Emmanuel Angelozzi – blogrock.com.ar

Fachi Crea, bajista y miembro fundador de Viejas Locas, brindó detalles sobre la reunión del grupo, el nuevo disco y cómo impactó el asesinato de Rubén Carballo, en el estadio de Velez.

Cuando “Viejas Locas” volvió en el 2009 ¿pensaron que iba a ser algo momentáneo?

Sí, la idea era que fuese algo momentáneo. Directamente, pensamos en hacer aquel show en Velez para la gente que nunca nos vio y quería hacerlo, pueda darse el gusto. Pero bueno, posteriormente, comenzaron a salir canciones y, tanto a Cristian como a mí, nos empezó a seducir la idea de grabar algo… Así comenzamos a trabajar en este nuevo disco y, la verdad, esta muy bueno poder ser parte de esto: estar otra vez en la ruta, integrando una banda grande, que tiene su convocatoria… es como volver a jugar al fútbol en un equipo de primera.

¿Cuál fue el mejor momento del grupo?

Personalmente, quiero que nuestro mejor momento siempre sea el que está por venir: hoy es un buen momento porque tenemos un disco nuevo, por ejemplo. No hay mejores o peores momentos, hay distintos. Ahora estamos en uno de distensión y diversión. Tratando de recrear la banda que fuimos anteriormente. Por eso, buscamos que el sonido de las nuevas canciones sea bien crudo, como el de los dos primeros discos de Viejas Locas y no al tercero, que fue más producido. En cuanto a la apertura musical, sí te diría que es más parecida a la de “Especial”. Creo que nunca vamos a lograr ser aquella banda de los ’90. En primer lugar, porque los integrantes no somos los mismos y porque, quizás, no tenemos la misma energía que antes… cuando sos pibe tenés ese hambre que te lleva a comerte la cancha. Ahora, estamos en otro momento, no nos preocupa tanto ser la banda número uno.

Once años después de registrar el último disco de la banda, ¿cómo fue regresar a un estudio de grabación?

Fue como volver el tiempo atrás. El reencuentro con Pity, notar que hubo cosas que están intactas, que no se perdieron… Como esas miradas cómplices entre nosotros dos que nos permiten entendernos sin palabras de por medio fueron un condimento especial que me sirvió para darme cuenta que la llama todavía estaba encendida. Escuchar otra vez las canciones con la voz de Cristian también fue una sensación muy fuerte o componer pensando en la manera que él tiene de cantar, como para que todo quede en armonía. Mismo a la hora de escribir la letra, tratando de imaginarme como lo diría y que el relato sea acorde a lo que él transmite. El hecho de que el nombre de la banda sea Viejas Locas motiva de otra manera. Es algo que puede más que las personas que lo integran, es muy fuerte porque es un nombre que esta siempre a la vanguardia y ser parte de esto me predispone de una manera muy positiva.

¿Cómo es la relación con Pity?

La relación es fantástica. Como decía anteriormente, hoy tenemos menos presiones, nos tomamos las cosas de otra manera y eso hace que las cosas fluyan. Sé muy bien cual es mi rol dentro de la banda, todos lo tenemos muy claro: sabemos que la imagen de Pity creció mucho. Más que un músico es un fenómeno social porque el público no lo trata como a un flaco que toca en una banda sino que recibe muestras de cariño muy sinceras y especiales. En esta nueva etapa de Viejas Locas, me siento como el Javier Portales de Alberto Olmedo: estoy con él, segundeándolo y, si bien tengo mi protagonismo, estoy en un segundo plano. Lo acepto, se que es así y creo que lo hago bien.

“En el vivo nunca la careteamos. Si bien en la última etapa no nos llevábamos bien, a la hora de subir al escenario dejábamos todo. Había una unión, un lazo muy fuerte y eso no se perdió”, detalla Fabián “Fachi” Crea apelando a flashes en su memoria a la hora de recordar los conciertos con la formación original de Viejas Locas.

¿Qué recuerdos tenes del proceso creativo de “Contra la pared”?

Lo principal era volver a las raíces, al sonido de la banda. El disco, si bien salió en 2011, tiene canciones que fueron compuestas entre el ´89 y el ´93: “Tirado en la estación”, “Perro guardián”, “Roca y giro” o “Ella no me quiere creer”, son bien primitivos. Son temas de nuestra primera época que ni siquiera figuraron en demos; Solo “Tirado en la estación” que estuvo en un compilado pero nunca formó parte de un disco oficial. Entonces, si íbamos a tocar esos temas, la condición fue volver a sonar como en aquel momento. En cuanto a las canciones nuevas, buscamos trabajar un poco más, liberarnos…por ejemplo, hice “Bailando en el infierno”, que es un tema con toques funk-disco. Teníamos bastantes rocanroles entonces pensé que nos faltaba un tema como “Perra” o “Lo artesanal”, para seguir la misma línea de discos anteriores.

Pity me mostró el tema flamenco sin la idea de incluirlo en “Contra la pared” sino como algo que le gustaría grabar a futuro… Pero la realidad es que estaba buenísimo, a todos nos gustó y decidimos grabarlo como para darle esa apertura que tenía “Especial”.

En materia musical, ¿Qué diferencias percibís entre los dos períodos de Viejas Locas?

En lo musical, te diría que hay pocas diferencias porque todos sabemos que somos una banda de rock & roll, nos gusta y queremos que así sea. Conocemos muy bien cual es la esencia de la banda y cuales son los temas que mejor la representan. La onda es jugar con las baladas o el funk pero siempre conservando el rocanrol. Hasta Pity mismo sabe que, estando dentro de Viejas Locas, tiene que ponerse algunos límites en cuanto a lo musical. Después, te diría que los períodos fueron distintos: al principio éramos adolescentes tratando de crecer, crecimos y tuvimos muchos muy buenos momentos. Llegó el éxito, aparecieron las diferencias… sin dudas, el momento más feo que nos tocó vivir como grupo. Ahora lo tomamos de otra manera: sacamos un disco, tocamos juntos pero no estamos casados, no vamos a hacer diez discos juntos. Salió “Contra la pared” y, lo que sabemos, es que queremos presentarlo por todo el país en 2012. No estamos anunciando que en 2015 va a salir otro disco de la banda. Paso a paso… Si la relación sigue siendo buena y aparecen canciones, veremos qué sucede.

¿Sufrieron algún tipo de prejuicio por ser una banda de rock and roll?

¡Sí! Aunque no por parte de la gente o de los medios. Sufrimos el prejuicio social, el de la gente que se encarga de los eventos, de las habilitaciones o de las licencias. Por ejemplo, en diciembre, teníamos reservada una fecha en un estadio de Capital Federal para presentar oficialmente el disco, pero no pudimos porque no obtuvimos el visto bueno… no me atrevo a decir que fuimos censurados pero, aunque nos hablaron bien y nos dieron algunas explicaciones como “Es una fecha difícil para fin de año, tratándose de un espectáculo de alto riesgo”, la realidad es que no podemos trabajar como nos gustaría. Más allá de esto, vemos el lado positivo: decidimos postergarlo para marzo o abril, el disco tendrá un buen tiempo en la calle… Eso suma.

Algo similar ocurrió con los dos conciertos en el microestadio Malvinas Argentinas que tuvieron que suspender en agosto de 2010.

Viejas Locas es un nombre tan fuerte que, a veces, suele asociarse a lío o descontrol. Creo que el caso de Rubén Carballo en el show de Velez fue algo aparte, porque en los conciertos que brindamos posteriormente no pasó nada. Como en Chaco, por ejemplo. Recientemente, tuvimos que cancelar una actuación en Bahía Blanca por cuestiones de permisos, otra vez… En determinados momentos, nos sentimos un poco perseguidos por las autoridades o por los encargados de garantizar la realización de los espectáculos; En parte los entiendo, pero es inevitable sentir el prejuicio: no entienden que ya somos tipos grandes que queremos tocar. Sólo eso.

¿Cómo impactó en el grupo la muerte de Rubén Carballo?

A mí me hizo mierda, la pasé muy mal… Hasta llegué a preguntarme si valía la pena el regreso de la banda. En ese momento nadie nos comunicó lo que sucedía, solo nos informaron que el acceso del público estaba demorado. Estábamos en el camarín, ansiosos y expectantes por el show… nos comimos esa película. Cuando salimos al escenario, notamos un clima medio raro, algo se percibía. Me enteré de los disturbios al otro día, cuando una tía me llamó por teléfono y me dijo: “¡Poné Crónica!” Vi por la televisión las corridas y no lo podía creer. Ni bien supe lo que paso con Rubén, averigüé dónde estaba y me presenté ante los padres, les dije quién era y les dí las explicaciones necesarias. Por suerte, ellos entendieron que no estábamos al tanto de nada, que los disturbios ocurrieron afuera del estadio y que a su hijo lo encontraron a 600 metros con su entrada en el bolsillo. Siempre hubo buena comunicación; los acompañé durante todo el proceso de internación hasta el día del entierro. Ahora, aunque no con la misma frecuencia que antes, seguimos charlando por teléfono.

Con la reactivación del proyecto Viejas Locas ¿Cómo sigue Motor Loco?

La banda continúa, no se disolvió. Digamos que, solamente, esta en stand by, en el freezer porque sacamos el nuevo disco de Viejas Locas y, como tenemos un contrato y una responsabilidad con una compañía me pareció una falta de respeto continuar con un proyecto paralelo cuando lo más importante es la salida de “Contra la pared”. A principios de este año, cuando Pity estaba internado y parecía que la cosa iba para largo, nos metimos a grabar y tenemos canciones como para encarar un nuevo disco de Motor Loco. Pero quedará para un poco más adelante.

3° FESTIVAL INTERNACIONAL DE BLUES

En el 2011 se realizó por primera vez en Buenos Aires 1er Festival de Verano de Blues del Buenos Aires -Buenos Aires Ciudad Blues- y dado su rotundo éxito se realizo el 2do Festival en Junio y Julio del mismo año. Buscando convertir este Festival en un clásico, Gondwana Producciones SRL. vuelve con una nueva edición de verano que tendrá su eje en las armónicas.

El 04 y 11 de febrero de 2012, se realizará en Argentina el 3er Festival de Blues de Buenos Aires -Buenos Aires Ciudad Blues-, se llevará a cabo en La Trastienda Club a las 21hs. Este festival de Blues de nivel internacional, en su edición de verano, Especial Armónicas, contará en sus diferentes jornadas con la presencia de grandes artistas de nivel internacional.

El sábado 04 de Febrero abrirán el festival: La Borgoña, La Bs. Ays. Blues Band, Gabriel Lema Trio y cerrara la primera noche RUBÉN GAITAN uno de los armonicistas de mayor trayectoria y renombre de la Argentina.

El cierre del festival, el día sábado 11 de Febrero, estará a cargo de La Escocesa; Mariano Slaimen y la R&Band y cerrará la noche Don Vilanova (Botafogo) figura indiscutible de la música nacional, con gran trayectoria y reconocimiento del público en general.

Esta 3ra edición del Festival de Blues, promete una vez más deleitar no sólo a los fanáticos del blues sino a todos los amantes de la buena música en general. Dos (2) noches plagadas de artistas de gran nivel. Este festival vino para quedarse.

SPINETTA FUE DADO DE ALTA

El músico había sido operado en la primera semana del año por una "perforación intestinal" causada por divertículos, sin relación con el cáncer que sufre. Abandonó el CEMIC, donde estaba internado, esta tarde.

El músico Luis Alberto Spinetta fue dado de alta esta tarde de la sede del CEMIC en Saavedra, donde estaba internado desde la primera semana del año por una "perfioración intestinal" causada por divertículos que obligó a parcticarle una cirugía..

Un parte difundido por el CEMIC y firmado por su director médico, Mario Fuentes, indica que Spinetta "evoluciona en forma favorable con mejorías de sus parámtros clínicos", motivo por el que se decidió darle el alta.

El autor de "Muchacha ojos de papel" había sido internado en esa clínica porteña el 5 de enero para la intervención, que no tuvo relación con el cáncer de pulmón que le diagnosticaron en julio.

Spinetta hizo pública su enfermedad tras la publicación de un matutino, a finales del año pasado a través de una carta.

LOS PERICOS

Estamos casi todos juntos ahí, va ser una noche especial la de Cosquin.

Por CosquinRock

Dedicaron doce meses enteros al festejo de sus 25 años de carrera. Terminaron el 2011 con un record de presentaciones (123 en todo el año y más de 1500 en su trayectoria), viajando por casi toda nuestra Argentina, gran parte de América y hasta algunos países del viejo continente.

El próximo domingo 12 de febrero se presentan nuevamente en COSQUIN ROCK junto a los pesos pesados del reggae de marca nacional y latinoamericano. Juanchi Baleiron, cantante y guitarrista de LOS PERICOS habló con RADIO RODANTE, el programa de las siestas cordobesas por Rock&Pop y esto fue lo que dijo:

Daniel Miraglia:- Hola Juanchi, ¿cómo estás?

Juanchi Baleiron:- La verdad que contentos… Ya arrancó el verano para nosotros, estuvimos hace unos días en Mar del Plata, había como 100 mil personas, después nos fuimos al sur de la provincia de Buenos Aires, después nos vamos a Río Negro y después se viene Cosquin, que nos tiene a todos muy entusiasmados.

DM:- Para el caso del rock&roll enero es un mes sin actividad, ¿para el reggae es todo lo contrario?

JB:- Sí, yo creo que sí. Suceden cosas con el reggae y el verano o con la música de Pericos. Ya son 25 veranos que estamos viviendo a full con nuestra música, girando obviamente por lugares turísticos, ya sea montaña o mar, pero sí, es así. Igual nos tomamos los primeros 15 días de enero para descansar porque diciembre es un mes también muy fuerte para nosotros, así que nos podemos dar ese lujo entre comillas porque después viene mucho toqueteo por todo lo que significa el circuito y cosas que van surgiendo.

José Palazzo:- Van a estar defendiendo la chapa de los más grandes porque en definitiva más allá del estilo o las tendencias, son como los padres del reggae en la Argentina, ¿no?

JB:- Siempre hablamos de que lo nuestro es una forma particular de hacer reggae. Somos una banda que se sube al reggae como un vehículo y el reggae nos lleva a nuestra manera y hace 25 años que estamos haciendo nuestro reggae y eso es lo que nos mantiene, más allá de nos ser una banda purista, el entusiasmo, las ganas de cambiar, de mejorar, de ampliar… Siempre tomamos al reggae como algo que nos lleva, no como una meta y ahí está la clave entre otras cosas para durar y ser una banda que tiene ganas de hacer lo que hacemos.

JP:- Te hiciste muy fanático del Twitter ¿no?

JB:- Sí, le encontré la vuelta y al Twitter lo uso como una descarga de chistes, observaciones, reflexiones, siempre con humor, con ironía y me divierte. Hay un grupo de gente que me cae bien, que me contacté y me adapté al ritmo del Twitter, no es para decir todas las cosas que uno hace como hacen mucha gente que es conocida del ambiente de la música o del espectáculo. Lo hago a mi forma y me sumo a ser uno más de los que twittea y si alguien me sigue y le gusta más allá de que por ahí me conozca por los Pericos, me sigue porque por ahí me gusta lo que escribí. Encontré otra cosa para divertirme y al tener el teléfono con uno encima, cuando tiene algo o se le ocurre lo tira y no hace falta estar sentado frente a la compu mucho tiempo.

JP:- La verdad es que yo a veces lloro de risa porque, más allá de que sos muy creativo, tenés un nexo con gente que twittean cosas muy originales y creativas y pasa a ser un entretenimiento muy lindo.

JB:- Sí, porque a parte yo estoy todo el tiempo contestando gente y rettwitteo cosas que me encantan y que te inspiran o te divierten. Y es algo como de distracción, mucha gente se lo toma muy en serio y en realidad cada tanto tenes que decirles para un poco loco, es twitter no es la vida, tranquilo…

JP:- Bueno Juanchi, nos vamos a estar viendo en el COSQUIN el domingo, un gran día porque en el escenario Reggae van a estar tocando los Nonpa, tocan ustedes, Dread Mar I, Dancing Mood que lanzaron un disco triple, un desafío importante en esta época… va a ser muy divertido.

JB:- Todos amigos… Bueno hace poco salió la tapa de Rolling Stone, donde se refleja la buena onda. Cada uno hace su estilo, de diferentes generaciones o muchos de los que estamos ahí hemos comenzado casi en paralelo y estamos formando parte de esta historia del reggae nacional que todo el tiempo se redefine. Estamos casi todos juntos ahí, que es una noche especial la de Cosquin.

JP:- ¿De qué se reían tanto cuando sacaron la foto de la tapa de RS?

JB:- La gente dice “se ríen porque fumaron faso”, y no… (risas). Yo no fumé… y no voy a decir quien fumo… (risas). No, Fidel es muy gracioso, tiene mucha chispa y la situación de la foto es como que a él generaba verborragia de humor y chistes que era muy divertido y de hecho estábamos toda la sesión cagándonos de risa. Fidel es un tipo muy divertido….

VIEJAS LOCAS

La lista de temas ya la pasamos varias veces y funciona

Por CosquinRock

VIEJAS LOCAS, uno de los platos fuertes de la tercera jornada, presentarán oficialmente y por primera vez para el interior del país parte de “Contra la Pared”, su último disco de estudio.

Durante el domingo 12 de febrero compartirán escenario con Juanse, La Vela Puerca, Rata Blanca y Kapanga, entre otros.

El 2011 fue un año muy productivo para la industria musical argentina. Decenas de bandas editaron material discográfico, siendo COSQUIN ROCK la oportunidad perfecta para la reunión entre músicos y seguidores antes de que la gira de presentación los lleve a su encuentro, en el mejor de los casos.

Sin duda alguna el disco de VIEJAS LOCAS era uno de los lanzamientos más esperados, ya que pasaron 12 años desde la edición de su antecesor, “Especial” (1999) desde el cual se desprenden grandes clásicos como “Me Gustas Mucho”, “Todo Sigue Igual” y “Homero”.

RADIO RODANTE, el programa radial de José Palazzo se comunicó con el Sr. Pity Álvarez para hablar sobre “Contra la Pared” y el show que están preparando de cara a su presentación el próximo 12 de febrero en COSQUN ROCK.

José Palazzo:- ¡Bienvenido amigo! ¿Cómo anda eso?

Pity Álvares:- Trabajando

JP:- ¿Preparando el show?

PA:- Estamos construyendo una pared. Cerramos un ventanal y estamos haciendo una pared porque estamos preparando una sala de ensayo gigante.

Natalia Costamagna:- ¿Estás en todos los detalles del armado de la sala como estás en todos los detalles del disco “Contra la Pared”?

PA:- Sí, quiero hacer una sala de ensayo donde haya filmadoras colgando y nos filmen mientras ensayamos para después ver la filmación de un ensayo para después ver cómo cantamos, cómo sonamos, cómo nos movemos, todo eso de lo que uno puede aprender un montón.

Daniel Miraglia:- Original el concepto…

PA:- Sí, tener ahí unas cámaras con un circuito cerrado con una placa de video que salgan en vivo en un plasma cortado en cuatro, que vos te puedas ver en el momento.

JP:- Pity, para la presentación del día domingo hay muchísima expectativa porque Viejas Locas no han tocado este disco en vivo salvo por un concierto chiquito en Chaco. ¿Cómo están preparando el show?

PA:- Huy, con todo chabón, ya no doy más, porque estamos con videos caseros que estamos preparando. Ayer nos juntamos con Patán que Patán es el hombre que va a organizar la planta de luces en general del Cosquin y a parte es nuestro iluminador personal, entonces estuvimos haciendo como la estrategia del show, para que cuando haya pantallas se labure en conjunto… se bajen las haces de luces, que luzca todo lindo.

JP:- La puesta es especial por lo que me dijeron, va a haber cosas que por ahí otros shows no van a tener…

PA:- Sí, estamos editando en otro formato… No voy a adelantar tanto…

JP:- ¿El concierto va a tener temas históricos de Viejas Locas y algunos temas de Contra la Pared o al revés?

PA:- Creo que está mitad y mitad, porque tampoco queremos presentar todo el disco. También me parece que la gente le gusta escuchar los clásicos de siempre que tocamos versionados y está bien completito el show. La lista de temas ya la pasamos varias veces y funciona.

DM:- ¿Este nuevo Viejas Locas es más guitarrero que el anterior? Notamos que en la ecualización del disco están las violas muy al frente, ¿es así?

PA:- Este disco sí, tiene muchas guitarras. Me gustó la idea de que las guitarras vayan , en la pirámide, después de la voz y antes que el bajo y la batería. En un tema como por ejemplo “Tirado en la Estación”, que es un tema muy viejo, que nosotros lo grabamos en el ´92 en un compilado, la gente lo recontra conoce, ese tema está mezclado monoaural y de repente le pusimos palmas y panderetas y las palmas y panderetas tapan la batería y me encanta.

DM:- Sí, la batería quedó como atrás…

PA:- Sí, está muy atrás, es muy 1964 esa mezcla.

NC:- ¿Qué fue lo que más satisfacción te dio del resultado final del disco?

PA:- Haberlo terminado….

NC:- ¿Cuánto tiempo de trabajo les llevó el disco?

PA:- Uh, bastante…

NC:- ¿Estuvieron trabajando juntos en todo el proceso?

PA:- Los chicos grabaron y después yo hice la producción artística.

JP:- ¿El arte de tapa quién lo hizo?

PA:- El arte lo hicimos entre Bruno y yo.

JP:- Bruno Menza, que además de colaborar con Pity, trabaja mucho en lo que son los diseños, ¿no?

PA:- Laburamos como en conjunto. Yo tiro una idea y él le tira su parte y siempre terminamos haciendo algo conceptual. La verdad que es fácil trabajar con Bruno porque a pesar de conocernos poco… digo poco porque me conozco mucho más con, por ejemplo, Fachi que hace 25 años que venimos tocando. Con Bruno a pesar de que hace 5 o 6 años que laburamos juntos nos entendemos muy rápido.

NC:- ¿Quién es esa chica que sale en tapa?

JP:- Eso te iba a preguntar ¿quién es esa bestia infernal?

PA:- No es una bestia, es una damita muy copada. Se llama Melody, es una amiga de la casa y una seguidora nuestra que nos hicimos amigos hace mucho tiempo. Es más yo hice un video en Córdoba con ella, el video de “Una Vela”…

JP:- El trabajo de Viejas Locas nuevo inicia una etapa importante en la presentación en COSQUIN. ¿A partir de ahí tienen una agenda armada?

PA:- Tenemos una agenda bastante completa y la verdad es que Cosquin nos va a ayudar mucho para detonar en otros lugares porque los productores no sé por qué pero me tienen un poco de miedo. Siempre con la excusa de que no voy a ir, de que no voy a llegar y la verdad es que jamás falté a un recital. Una sola vez que perdí el avión 11 veces.

JP:- No es un tema menor el temor. Yo estoy acostumbrado a que todo fue saliendo más o menos dentro de lo esperado y se qué cuando llegues vas a hacer un super concierto, pero la gente que no te conoce se asusta por lo que ve en los medios o lo que escucha en los medios.

PA:- Pero pueden hacer como vos que me fuiste a buscar a Santiago del Estero.

JP:- Pero no todo el mundo lo puede hacer porque algunos le tienen temor…

PA:- Y bueno, entonces que no sean productores.

JP:- ¿En el trabajo de producción participas también? ¿te gusta meterte y opinar sobre el tema seguridad, el tema montaje y todo eso o preferís ocuparte de lo que pasa en el escenario?

PA:- Sé perfectamente la gente que va a viajar, los técnicos que vamos a llevar, la seguridad, los músicos que van a viajar, todo…

JP:- ¿Eso forma parte de lo que te gusta hacer o lo haces porque no te queda más remedio?

PA:- Lo hago porque sino me aburro, ¿qué voy a hacer si no hago eso?

JP:- Ahora estas armando la sala de ensayo, ¿en qué barrio?

PA:- En Chacarita, al frente del cementerio.

JP:- Pero tenés varias salas de ensayo ahí, ¿no?

PA:- 16.

JP:- Pero es para músicos en general, no para Viejas Locas.

PA:- Sí, también hay productoras de cine, islas de cine, oficinas, tenemos de todo.

JP:- ¿Es como una productora?

PA:- No, no quiero tener una productora y levantarme a las 6 de la mañana para ver si los empleados llegaron. Quiero estar tranquilo y vivir mi vida. Ir a 10 mil pero a la hora que me levante.

JP:- Hablando de levante, hay canciones que hablan sobre la problemática que te genera cuando alguien cae a tu casa sin avisarte y por eso no atendés, ¿no?

PA:- Sí, ese es un tema muy viejo que teníamos ahí y es medio verdad porque a mí cuando me tocan el timbre no lo atiendo nunca.

JP:- ¿Por una convicción o por que no te gusta que te molesten en tu casa?

PA:- Porque mis amigos saben cómo tocarme el timbre.

DM:- ¿Estás con toda esa movida del celular, del Facebook…?

PA:- Tuve la suerte de perder el teléfono hace poco, no tengo Facebook, no tengo Twitter…

JP:- Hay uno que se hace pasar por vos en Twitter y que tiene miles y miles de seguidores.

PA:- Sí, pero en el momento en el que aclaramos que no era yo empezaron a bajar los seguidores. Yo dejaría que cualquiera ponga mi nombre en un Facebook. Pero me gusta que si soy un boludo o un capo sea merito mío y me parece que este pibe decía muchas boludeces.

JP:- Te voy a hacer una pregunta, vos me la podés responder por sí o por no. Cuando vi la foto del último tema del disco, un frasco vacío me quedé un poquito impresionado por algunas cosas. Una por el frascotote eses y otra la cantidad de puchos. ¿Se consumió todo esto para hacer el disco?

PA:- No, es como se hace en la televisión, es ilusionismo.

ILLYA KURIAKI & THE VALDERRAMAS

Estamos muy contentos de llevar a los Kuryaki en esta vuelta a Córdoba para romper todo

por CosquinRock

El próximo 10 de febrero ILLYA KURIAKI & THE VALDERRAMAS hará su primera presentación para el interior del país luego de 10 años, en el escenario principal de COSQUIN ROCK.

Desde hace tiempo venían coqueteando con la idea de volver. Se los veía participando en los mismos eventos aunque cada uno de la mano de su propio proyecto, generando en el público la ansiedad por verlos juntos y escuchar una vez más las canciones del repertorio Kuryaki.

En el 2001, sin peleas de por medio, el grupo liderado por Horvilleur y Spinetta hijo puso pausa a una trayectoria de 10 años. Una década después, ya habiendo explorado sus inquietudes personales, vuelven para retomar su carrera como IKV desde el punto donde la dejaron, como si no hubiese mediado el paso del tiempo.

Antes de presentarse en el Arena Beach el pasado domingo, “Radio Rodante”, el programa conducido por el mismísimo José Palazzo se comunicó con ambos para hablar de la lista de temas que repasarán en el festival, cómo fue la vuelta y qué le depara el futuro cercano a ILLYA KURYAKI & THE VALDERRAMAS.

José Palazzo:- Les interrumpimos el ensayo… ¿Como va todo?

Dante: - Estamos acá con Emma y toda la banda dándole duro, preparándonos para este domingo, que vamos a estar en Mar del Plata y ya también pensando en Cosquin. Estamos muy contentos de llevar a los Kuryaki en esta vuelta a Córdoba para romper todo.

José Palazzo:- ¿Cómo fue la vuelta? ¿Cómo fue ese primer ensayo de nuevo juntos?

Dante Spinetta:- Se dio de una manera natural, veníamos jugando un poco con la idea de que en algún momento nos íbamos a juntar entre nosotros porque había pasado ya mucho tiempo, cada uno había logrado un poco lo que quería con su carrera solista, a nivel artístico el nuevo desafío era juntar a Illya Kuryaki & the Valderramas. En un momento nos fuimos de vacaciones juntos con nuestros hijos, es más, en enero pasado y dijimos juntemos la banda, porque nos pusimos a hacer un tema y surgieron cosas buenas y vimos que podíamos volver. Más allá de que cada uno tenía estilos distintos, los podíamos volver a juntar en esa isla que es Illya Kuryaki & the Valderramas. Y le dimos para adelante y después se armó todo el resto que era volver.

Las cosas se acomodaron de una manera medio cósmica. Era como que había muchas señales de que era un buen momento para hacerlas, y aquí estamos.

Fue natural. Estamos grabando disco nuevo y toda la movida.

JP:- La Argentina se ha quedado con muy pocos referentes para Latinoamérica y ustedes son uno de los más importantes en esta vuelta, ¿tienen un plan de recorrer Latinoamérica?

DS:- La gira que estamos armando este nuevo año es por Latinoamérica, Estados Unidos y quizás Europa también, pero básicamente América Latina. Ya estamos confirmados para el Vive Latino, que es el festival más importante de México, así que vamos a tratar de tocar en todos los festivales grandes y de alguna manera contactarnos con Colombia, Venezuela y todos los países que siempre nos apoyaron, que nosotros disfrutamos mucho y que nos han influenciado a nivel sónico y estético.

JP:- ¿Ya se está ensayando la lista de temas para este fin de semana en la Beach?

DS:- Esperá que te paso con Emmanuel.

Emmanuel Hourvilleur:- Porque me estaba poniendo celoso, loco…

JP:- ¿Cómo son los ensayos? ¿Ya están ensayando la lista completa de lo que va a ser el concierto de este fin de semana en la Beach y de Cosquin Rock o van a estar tocando tema por tema buscándole los arreglos?

EH:- Nosotros cuando arrancamos con vistas al primer show que fue el de Lola Mora, el de Movistar acá en Buenos Aires nos pusimos a ensayar una lista de 15 o 16 canciones, tal vez algunas más que fueron quedando en el camino. Así que sí, estamos tocando las canciones, la lista definitiva la armamos después. Es decir, podríamos estar haciendo la lista del show, pero como todavía no sabemos bien qué canciones tocar, algunas están en discusión. Todavía vamos ensayando canción por canción.

Natalia Costamagna:- Se vienen muchos festivales para el verano… Se viene el Cosquin Rock, recién Dante nos contaba que se van al Vive Latino y tienen también el Lollapalooza en Chile el 1º de abril. ¿Está confirmado?

EH:- Sí, todos esos shows están confirmados. En el verano estamos haciendo un show por mes. Es re loco porque en el verano yo solista me hacía 6, 7 shows por mes y ahora es uno solo y es como muy concentrado todo y está buenísimo.

JP:- ¿Cómo calman la ansiedad de tocar tan poco?

EH:- La verdad que nosotros estábamos acostumbrados a tocar mucho en lugares más chicos, de 500 personas hasta 2000 y estábamos acostumbrados un poco a eso. Ahora es ensayar y poner todas las fuerzas para un show… pero tirás bastante con lo que dejás en cada uno de esos shows. Como que no necesitás tocar el fin de semana que viene, próximo al show que hiciste.

Daniel Miraglia:- ¿Cómo se compone IKV hoy? ¿Cómo sale IK a la cancha?

EH:- Dante y yo, somos los dos guitarristas, más Matías Rada que es el guitarrista de la banda, que es el que toca en todos los temas. Matías es hijo de Rubén Rada y el “benjamín” de la banda.

DM:- ¿Quién más?

EH:- Y después todos son músicos que conocemos más nosotros, que han participado en nuestras bandas solistas. Está Rafael Arcaude que está en los teclados. Mariano Domínguez, que era bajista mío, después está Carlitos Salas, que era el percusionista de Dante, y está un clásico Kuryaki, uno de la primera época que es Sergio Berdinelli… y después estamos acá con unas coristas muy bellas, que son Ayelen y Natalia.

NC:- ¿Tendremos los cordobeses la posibilidad de que también suba Nico Cota, como lo hizo en el debut de la vuelta?

EH:- Uh, no estaría nada mal, la verdad es que Nico es como una especie de acople musical que tenemos y siempre fue un referente para nosotros, un amigo… compartimos muchos conceptos, no solamente musicales, sino también culinarios.

DM:- En cuanto al repertorio, ¿es una mezcla de todo? ¿O más de los primeros discos más rockeros, más pesaditos y no tanto lo fucky soul de lo último?

DS:- Hay momentos para el funk, para soul y también están las guitarras distorsionadas, está el hip hop, el rap… Es un recorrido por lo que nos representa, lo que más nos gusta también. Este podría ser el show “puntita”. Estamos tocando viejas canciones y más adelante vamos a empezar a mechar nuevas canciones, que ya están saliendo.

NC:- En realidad fue toda como una gran emoción y una retrospectiva adolescente la que tuve cuando volvieron al escenario ahí en el Lola Mora y en unas entrevistas que hicieron antes ustedes contaban que fueron sus hijos los que les decían “por qué nosotros no los vimos nunca a los Illya Kuryaki”… ¿Cómo fue el planteo?

DS:- Nuestros nenes son re fans de Kuryaki y en esas vacaciones estaban como muy pesados con eso y nos lo pidieron. Yo no ponía Illya Kuriaky en mi casa y mis hijos en youtube miraban los videos para investigar qué había hecho papá antes y se copaban que estaba Emmanuel que era el papá de André, que era su amigo, así que se fueron copando y se hicieron re fans de Illya Kuryaki. Entonces empezaron a presionar un poco, tipo “no comemos si no juntan a la banda”.

NC:- Si hace 10 atrás decían nosotros vamos a volver porque nuestros hijos nos lo pidieron no se la comían ¿no?

DS:- Es verdad, sí… pero como te decía, fueron muchas señales las que nos inspiraron a volver. Estamos contentos y creo que el disco nuevo que estamos haciendo va a estar poderoso. Nos excita mucho la idea de pelar algo nuevo, más allá de todo lo que haya pasado antes, de justamente de salir con un disco que esté fresquito y que suene Illya Kuryaki en esta nueva era.

DM:- ¿En qué proceso está el disco?

DS:- El disco está todavía en composición pero está bastante avanzado. Yo calculo que para mayo, por ahí, ya podría estar en las bateas, si todo sale bien… A menos que nos rajemos en el camino y hagamos un disco de música country satánica. (Risas)

DM:- ¿Algún nombre tentativo?

DS:- No todavía… creo que más allá que es un disco con un sonido nuevo vamos a respetar la imaginería de Kuryaki, como ciertas cosas con los estilos y de la mezcla que creo que es una de las características principales de Illya Kuryaki, cómo mezcla el rap con el rock, con el funk. Todo eso lo vamos a seguir teniendo porque en realidad es lo que pasa naturalmente cuando nos juntamos con Emmanuel. Capaz que él es más rockero, yo soy más rapero, los dos somos funkeros y lo mezclamos y sale fruta fresca.

DM:- Por lo menos en el futuro inmediato o en este año se van a enfocar %100 en Illya Kuryaki & the Valderramas… ¿Las carreras solistas quedan un tanto postergadas?

DS:- Sí, ahora estamos con Illya Kuryaki y las carreras solistas están en pausa. Este es un proyecto que merece toda nuestra energía y concentración, así que le vamos a dar a eso y después quién sabe. La idea con Illya Kuryaki es que no nos tenemos por qué separar, podemos sacar discos solistas y después unir la banda, tener esa flexibilidad de fluir con la música y hacer lo que tenemos ganas de hacer; porque la vida pasa y justamente hay que darle los gustos en vida. Eso me parece, hay que seguir al corazón de lo que cada uno quiere hacer, sin egos. Si uno quiere hacer un disco solista que lo haga y después podemos seguir con la banda o no.

NC:- Toda la ansiedad puesta en el show de ustedes en Cosquin Rock. Si ustedes están ansiosos por subir al escenario no saben lo que es la gente en Córdoba y en todo el país, esperando que llegue ese viernes porque encima les toca una grilla que no podía ser más perfecta, con Massacre, con Calle 13, con Charly García trayendo el show que estuvo haciendo en Buenos Aires a Cosquín Rock, a la montaña. Imaginate que va a ser una noche mágica.

Dante:- Va a ser una re fiesta. Es más, hacíamos un balance con Emmanuel de nuestras carreras solistas y Córdoba es uno de los lugares en donde más nos gusta tocar, donde el público se ceba más. Así que tocar en Córdoba con Illya Kuriaky va a ser una fiesta, no lo dudo. Y también tirar una fiestonga ahí en Córdoba después.

JP:- Va a haber un festejo posterior. Ya está exigido por raider me parece…

Escuchá “Radio Rodante” con la conducción de JOSÉ PALAZZO, NATALIA COSTAMAGNA Y DANIEL MIRAGLIA de Lunes a Viernes de13 a 16hs por 95.5 FM Rock & Pop Net y por la 90.3 FM o por Internet a través de www.cmg.com

FIESTA TOTAL CON LA RENGA EN VILLA DOLORES

Más de 10 mil personas colmaron el Teatro Griego. La banda ofreció un show contundente. Crónica y fotos.

Por Miguel Ortiz (Especial)

Chizzo Nápoli y los hermanos Iglesias aparecieron este sábado por la noche en el escenario del Teatro Griego de Villa Dolores y Traslasierra pareció ya no ser la misma. El estruendo del recibimiento, sumado a la potencia sonora y a la impresionante perfomance en vivo trastocaron el antes tranquilo paisaje serrano.

Después de la participación de las bandas locales Furales y Deformes, los versos de Canibalismo galáctico marcaron el comienzo de una fiesta que duró más de tres horas, y de la que participaron más de 10 mil almas desde toda Argentina y países limítrofes.

El bramido de Chizzo siguió marcando la letra de Destino ciudad futura y Algún rayo, que da nombre al último álbum de la banda de Mataderos. Luego llegaron clásicos como La razón que te demora. La batería de Tanque Iglesias y los vientos de Manu lucieron en un ámbito donde la gente estuvo muy cerca de la banda. Tete, que suele correr con su bajo durante todo el show, esta vez no pudo hacerlo: un pie herido le exigió tocar todo el recital sentado en un bafle.

Los incondicionales sólo festejaron. La celebración había comenzado el viernes, cuando la zona comenzó a poblarse de remeras y “trapos” llegados desde todos los vientos. Grandes caudales de cerveza, barras de pibes y familias con niños, ojitos soñadores y banderas de todos los colores y rincones poblaron las calles.

Para muchos, los 38 grados de ayer parecieron “el día de la insolación”, como marca una letra renguera. Por eso las bandas, llegadas en decenas de colectivos, se refrescaron en los balnearios del Río de los Sauces y hasta en el canal de riego que pasa cerca del anfiteatro. Todo se desarrolló con tranquilidad, y autoridades de la Departamental San Javier de Policía indicaron hacia la medianoche que sólo hubo demorados, pero no se registraron disturbios ni detenidos. Una fiesta de aquellas.

Desde temprano

En Villa Dolores, la ciudad transerrana más grande de la región que abarca parte de tres provincias, amaneció el sábado “vestida” con los íconos del trío rockero, que se aprestaba a dar su primer show del año en el país (el próximo anunciado será el 7 de abril en Tucumán).

Remeras con estrellas y caras del Che Guevara llegaron de todo el país para celebrar el ritual de música y encuentro en torno a la banda nacida en Mataderos.

Familias rengueras

La pareja integrada por Cecilia y Jorge llegó desde Pilar, Buenos Aires, con su hijo Gustavo, de tres años. “Está muy entusiasmado porque es la primera vez que viene a ver a La Renga, siempre los seguimos, yo estuve el sábado pasado en el recital de Santiago de Chile.

En un Gol de tres puertas, Mario llegó desde San Juan con dos hermanos y un amigo. “El lugar es espectacular, a muchos nos queda más cerca que otros lugares del centro del país, estamos viendo a las generaciones nuevas de rengueros y encontrándonos con los de siempre, todo está muy bien” dijo.

Sergio, que vende remeras de recuerdo del show, con el lugar y la fecha en cuestión, esperaba haber vendido todas para el atardecer.

¿HACIA DÓNDE VA FITO PÁEZ?

Su colaboración con la niña peruana Wendy Sulca para el disco de Dani Umpi, que profundiza el riesgoso camino artístico elegido por el rosarino.

Por Pablo Leites

Una cosa es mojar la oreja del rockstar system vernáculo con un disco de versiones fuera de contexto como lo es Canciones para aliens. Ahí, con altos, bajos e irregularidades a las que el fan acrítico puede haber hecho la vista gorda, Fito Páez se manda a un terreno poco familiar con covers nada convencionales de temas de Serrat, Victor Jara, Silvio Rodríguez, Bowie, García, Giuseppe Verdi y hasta de Manuel Toscano (el autor de Rata de dos patas, la canción de Paquita la del Barrio en sorprendente clave punk).

Otra muy distinta, aceptar un trío con Wendy Sulca y Dani Umpi para hacer esto. Y no se trata de que la joven artista peruana y el experimentado performer uruguayo no estén a la altura de lo que suelen hacer. La cuestión es que Páez parece decidido a seguir experimentando en nombre de vaya a saber qué causa, y siempre en los extremos.

"Convencer a Fito fue muy fácil. Mandé un mail y fui a su casa. Wendy me obsesionó durante un tiempo y cada vez que iba a Perú, la visitaba. Canté con ella, conozco a su familia. Me interesó como ícono", fue la confesión de Umpi a un diario de la República Oriental mientras hablaba de su nuevo disco Mormazo, donde aparece la grabación.

Lo cierto es que, al margen del capricho de juntar agua con aceite, y aunque un artista no debería tener que rendir cuentas sobre lo que decide hacer o dejar de hacer, hasta el seguidor más incondicional debe sentir que Fito está rifando parte de su talento como artista en pos de algo que, ojalá, siga siendo solamente provocación.