LA INSIGNIA FESTIVALERA
Hablar de Rocambole es tocar una de las páginas de la historia del rock nacional. Como todos sabemos fue el encargado de darle vida a todos los personajes que rodean al mito ricotero, pero desde el año pasado y (quizás) en adelante, tiene a cargo nada menos que cranear la imagen del festival.
El logo fue la primera revelación oficial de COSQUIN ROCK 2012. Nuevamente Ricardo Cohen le pone su estilo a la insignia festivalera sumándole por primera vez la otra mano. Dos manos ásperas bien marcadas, con esa rudeza que grita el nombre de su autor, con todo el espíritu que sólo Rocambole sabe imprimirle a sus creaciones.
Desde el comienzo de CR, hace once años ya, el logo fue variando de una edición a otra pasando de ser una braza ardiente en una mano (con sus dedos haciendo cuernitos, el signo de la paz y hasta alguna versión clase B inédita -un poco más zafada- cuyo motivo dejamos a vuestro imaginar) a emular un árbol con raíces o una bomba a punto de estallar.
El logo fue y siempre será una de las partes más representativas del festival. Sea cual sea su apariencia, es sin dudas emblema del rock nacional.
CABEZONES EN CORDOBA
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VIERNES 16 DE DICIEMBRE - 22:30 HS - REFUGIO GUERNICA
En diciembre CABEZONES vuelve a Córdoba y nuevamente será Refugio Guernica el lugar elegido para que la banda liderada por Cesar Andino presente un show eléctrico donde recorrerá toda su discografía.
Después de dos años de silencio discográfico durante el año pasado CABEZONES lanzó “Germinal- Espera”. "Germinal" es un disco separado en tres etapas. La primera, llamada “Espera”, está compuesta por 8 canciones acústicas, versiones de temas que pertenecen a la historia de la banda, más una canción inédita que abre el CD. Con el antecedente del disco acústico "Intraural", esta primera parte de "Germinal" busca lograr una mirada diferente a clásicos del grupo.
El corte del disco es “Entero o a Pedazos”, la clásica canción de Catupecu Machu. La versión de CABEZONES cuenta con la participación de la cantante mendocina Tuti Petrich que le agregó un color diferente y una emoción distinta. El video fue filmado en la presentación que la banda hizo en su tierra natal en una noche emocionante y que sirvió de lanzamiento del disco.
"Espera" estuvo producido por Ariel Perini y César Andino, grabado en estudios López, y masterizado en Fader records por Carlos Beguiere en Mendoza. Buscando la intimidad de las canciones y logrando el objetivo que había comenzado con "Intraural", el de abrir alternativas en las canciones generando climas y momentos diferentes a los que se logran con la banda eléctrica.
Editado por Pop Art- Sony, “Germinal - Espera” es la primera parte de esta entrega de una banda que navega por emociones encontradas todo el tiempo. Cada vez más intrínseca y autorreferencial. Difícil de comprender y siempre eligiendo el camino más largo, por propia decisión.
En esta vista a Córdoba CABEZONES llega con un show íntegramente eléctrico para recorrer todos su clásicos en una noche inolvidable.
Discografía:"Un Grito Más" (1995) / "Electroshock" (1995) / "Hijos de una Nueva Tierra" (1997) / "Alas" (2000) / "Cabezones" (2001) / "Eclipse (sol)" (2003) / "Intraural" (2004) / "Jardín de Extremidad" (2005) / "Bienvenidos" (2006) / "Solo" (2008) / "Germinal - Espera" (2010).
AZTECAS TUPRO
“Será un show de aquellos”
Aztecas Tupro despide el año con un recital en La Trastienda, este jueves 8. En la previa, El Acople conversó con Federico Fassa, guitarrista de la banda, que hizo un balance del año que se va y anticipó cómo será el último show de 2011.
“2011 fue realmente un año muy productivo, la verdad”, arranca diciendo el violero, cuando le pedimos un balance del año. “En general la vida de las bandas está marcada por dos momentos fundamentales, que no son inseparables y podría decirse que son casi dependientes el uno del otro: el momento de grabación y el momento de ejecución de la obra. El o los discos, con todo lo que implica sacar la foto de la mejor manera posible, y la posterior presentación de los temas en los show en vivo. Una vez que la rueda anda, el disco sirve como excusa para presentarse en vivo y siguiendo en el tiempo, los shows en vivo muchas veces sirven de laboratorio, de búsqueda de sonidos y temas nuevos. Así que de alguna manera el 2011 nos encontró en la parte de la rueda que habla de ponernos lindos, o mejor dicho, renovados (porque a nadie le gusta salir siempre con la misma cara en las fotos), sensibles, atentos a lo que queremos decir y, sobre todo (porque lleva muchísimo trabajo y esfuerzo plasmar una obra), preparados para la foto”, se explayó.
Más todavía, concluyó: “Hubo mucho esfuerzo (en el excelente sentido) puesto en encontrar el rumbo del disco, en la búsqueda del sonido a plasmar, en la búsqueda de las armonías y las melodías que mejor quedaban con las palabras que se nos escapaban de la boca y de la cabeza. Logramos fortalecer el estudio y la sala de ensayo propia como herramienta para registrarnos, para poder demear los temas del disco y para encontrar un punto común a todos nosotros a la hora de llevar adelante una banda. El aztecargodetusproblemas apareció más que nunca como concepto y lo abrazamos como nombre encubierto del disco: Aztecas Tupro”.
¿Podemos decir que 2011 ha sido un año de búsqueda y cambios?
Claramente los problemas, los obstáculos a sortear y las decisiones a tomar no son las mismas a los 17, 18 años que promediando los 30 y acercándote a tener más años que cartas de truco, pero así fue siempre desde el nombre de la banda, y haciendo frente a las vueltas del camino, a las subidas y a las bajadas siempre intentamos encontrarle soluciones a esos vaivenes. Puede ser que las soluciones encontradas sean muy buenas o buenas o regulares, eso siempre lo demuestra el tiempo, pero de alguna manera, pensando en que toda situación de crisis viene de la mano de una puerta para abrir o terminar pateando o, mejor aún, cerrando con llave para salir por una ventana, eso hizo que el camino de la banda haya sido gradualmente siempre hacia adelante, aprendiendo de sí misma y de ejemplos cotidianos que nos rodean día a día. El año que viene va a haber cambios en la banda y eso tiene que ver también con eso. El hacerse cargo cada uno de las situaciones que le toca vivir y seguir a fondo respetando ese criterio, hace que uno se piense y viva condicionado por ese único concepto central. A hacerse cargo entonces. Y crecer individualmente y como banda.
¿Cómo será el último show de 2011?
Hace ya cinco meses que no tocamos en Capital y la verdad es que se siente la adrenalina, que arranca, posta, al menos un mes antes de la fecha en cada uno de nosotros. Imagínense cómo se sienten cada uno de aquellos que siguen a la banda, o cómo se siente cualquier fan de cualquier banda ante la inminencia de un show esperado, y multiplíquenlo por lo que crean necesario para entender cómo nos sentimos nosotros. De alguna manera todos los Aztecas coincidimos en que la sensación de tocar en vivo es algo irreproducible, así que andamos ya cargados por la calle, esperando esas casi dos horas que le dan sentido a todo lo que hacemos. El show va a tener invitados, voces amigas que se suman a festejar este fin de año y un repaso de lo que son todos los discos de la banda, algunos temas que hace mucho que no tocamos, otros que tocamos desde hace muy poco y la búsqueda de lograr trasmitir de la mejor manera todo lo maravilloso que nos pasa en el escenario, hacerlos viajar y sentirnos que estamos todos en el aire por un rato... Va a ser un show de aquellos y esperamos que los disfruten sinceramente.
TREINTA AÑOS DE METALLICA
Con una serie de recitales especiales, Metallica arrancó los festejos por su trigésimo aniversario. En el primer show, estuvo Jason Newstad.
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Tal como venían anticipando, James Hetfield, Lars Ulrich, Kirk Hammett y Robert Trujillo no iban a dejar pasar desapercibido el trigésimo aniversario de Metallica, que se formó allá por 1981, en Los Ángeles (Estados Unidos). De hecho, la banda ya comenzó con los festejos, que consistirán en cuatro recitales especiales, exclusivos para fanáticos.
El primer show se llevó a cabo en The Fillmore Auditorium, un mítico lugar de San Francisco (Estados Unidos) con capacidad para 1200 personas. Las entradas se vendieron a través del sitio del conjunto, sólo para el fan club, y a un precio de U$S 6, recordando lo que costaban los primeros tickets para las presentaciones del grupo. Así, en ese lugar y con esas condiciones, se realizarán todas las jornadas.
Según adelantaron los músicos, habrá sorpresas y listas de temas diferentes para todas las noches; por ejemplo, en la primera noche participó el ex bajista Jason Newstad. Además, hubo estreno de una canción, “Hate Train”, que quedó afuera del último disco, “Death Magnetic”. Entre otros temas, sonaron “The Call of Ktulu”, “No Remorse”, “The Shortest Straw”, “Leper Messiah”, “Carpe Diem Baby”, “Please Don’t Judas Me”, “Wherever I May Roam”, “No Leaf Clover”, “Harvester of Sorrow”y, por supuesto, “Seek & Destroy”.
CARAJO CIERRA EL AÑO EN EL TEATRO DE FLORES
Para este cierre del año el trío Carajo, más consolidado que nunca, convoca a su público al mismo Teatro de Flores donde presentó oficialmente su ultimo disco, El Mar de las Almas, el pasado año.
Sin dudas, el 2011 ha sido un año de numerosos logros para Carajo:
* Nominación a los premios Grammy Latinos 2011, a la mejor canción de rock por su tema Ácido.
* El éxito de la Gira por los Barrios 2011, que culminó en el estadio Luna Park de Buenos Aires, con un show histórico colmado de carajeros que festejaron los 10 años de trayectoria.
* Sus shows, la extensa gira que los llevó a tocar por todo el país: San Luis, Salta, Tucumán, Jujuy, Córdoba, Santa Fé, Entre Ríos, Misiones, Chaco, Chubut, Santa Cruz, entre otras. Y por primera vez, la banda se presenta en USA, con shows en New York y Washington.
* La excelente aceptación por parte de la prensa y el público de El Mar de las Almas, que está próximo a convertirse en Disco de Oro.
* Los nuevos videos: El Mar de las Almas ya cuenta con tres cortes de difusión rotando en las principales radios y señales de TV de todo el país: Ácido, Luna Herida y el más reciente, Humildad (grabado en vivo en el Luna Park).
* La banda, siempre abriendose a nuevos horizontes artísticos, consolida su presencia en las principales redes sociales, generando un canal de comunicación y contacto permanente con sus fans mediante concursos, juegos virtuales, premios, firmas de discos, materiales exclusivos, videos, fotos, audios, Tweetcam, anuncios, convocatorias, etc. Actualmente, el Facebook oficial cuenta con más de doscientos mil fans.
Carajo despide el año con dos shows en el Teatro de Flores, el viernes 16 y sábado 17 de diciembre en el Teatro de Flores, Av Rivadavia 7806.
ENTREVISTA. DIEGO GARCÍA
El guitarrista español de Calamaro edita su tercer CD. “La música es disciplina”
Por Eduardo Slusarczuk
La hoja de ruta de Diego García dice que nació en Valencia, donde a los ocho años comenzó a estudiar guitarra en el conservatorio local y donde formó su primera banda adolescente. Que, de ahí, saltó a Madrid y abrió su campo de acción musical. De Jaime Urrutia a Sergio Dalma; de Raphael a Andrés Calamaro, con quien toca desde hace seis años.
“En España no hay rock como aquí. El trabajo siempre estuvo en la televisión. Toqué dos años en un show de TV, al que venían muchos artistas, como Eros Rammazzotti, Camilo Sesto, Mecano, y hasta Rod Stewart”, explica el guitarrista, que se apoderó del departamento porteño de una amiga para montar su base de operaciones sudamericana. Y completa: “Un día dije: ‘Basta. Yo soy un rocker’, y me puse a hacer lo que quería hacer.” Y lo que quería hacer lo cruzó con Calamaro: se subió al tren del Salmón, “tocando en el mismo estilo que me gusta a mí, de la escuela del rock vintage”.
Volviendo a la hoja de ruta, ser parte de los Calamaro’s boys lo trajo a la Argentina. Pero, además, García puso un pie en la gran manzana, y de ahí expandió su radio de acción hasta llegar a lugares como Kentucky, en el que, admite, “no tienen ni idea de dónde queda España”. O como México, donde estableció un pequeño centro de trabajo.
Sin embargo, en abril, el valenciano devenido madrileño con influencias neoyorquinas se propuso ver qué pasaba con su sonido “Nashville” por estas tierras. Armó un trío con Gastón Baremberg y Gonzalo Fuertes, se mandó sin más publicidad que el Facebook, y resultó. “Tocamos en Rosario, en La Plata y cerramos el Festival de Jazz de Buenos Aires. Y a partir de entonces, la cosa se empezó a mover”, resume. El impulso sirvió para que editara Tangwero , el segundo de sus tres CDs solistas (Ver recuadro), que presenta el martes, en Boris.
El título parece estar asociado al tango.
Pero no lo está. Sino que viene de twang , que es el sonido de la cuerda vibrante, típica de Nashville (agarra su Gibson de caja modelo circa 1960 y toca).
¿Por qué incorporaste ese sonido, a veces asociado también al jazz gitano, como propio? A mi padre le gustaba mucho la guitarra, y me llevó por ese camino desde los 10 o 12. Me compraba los casetes de Chet Atkins, los métodos para tocar, que venían de los Estados Unidos. Siempre me gustó el estilo.
¿La técnica la adquiriste sólo con eso, métodos impresos? No. Desde muy pequeño, estudié en el conservatorio todo el repertorio clásico español. Algo que en ese entonces, no supe valorar del todo. Ahora, a los 35, entiendo que la música es disciplina. No es ponerte un pañuelo con calaveras y actitud. Actitud, si queremos, nos sobra. Pero la música es disciplina.
¿Cuánto aporta esa formación al componer? Mucho. Para escribir, como para arreglar temas, es fundamental tener esa base. Ahora estoy trabajando en temas del rock argentino, como si fueran estudios de guitarra. Conocí la música argentina relativamente tarde. Cuando llegué acá, a los 28 o 29, me hicieron escuchar Pescado Rabioso, Almendra, Manal, Pappo, Charly, y dije: “Ostia, aquí hay mucha música”. Y por eso, también estoy aquí. Porque hay mucho ambiente. Y hay una escuela de rock con 40 años.
CIRO ARMÓ PARA DICIEMBRE UN "VIAJE AL CENTRO DE LA LUNA"
Andrés Ciro Martínez realizará los días 16, 17 y 18 de diciembre un concierto conceptual en el estadio Luna Park titulado "Viaje al centro de la luna" .
Agencia TELAM
El músico anunció una puesta en escena teatral, escenográfica y audiovisual, "pocas veces vista" Quien fuera líder de Los Piojos y ahora encabeza Los Persas decidió, obviamente inspirado en Julio Verne y su "De la Tierra a la Luna", presentar un concierto conceptual en el que el vestuario, lo audiovisual y la música, jugarán un papel importante.
El escenario estará colocado en el centro del estadio, donde estaba ubicado el viejo ring, y se colocarán pantallas y leds que con imágenes y videos irán narrando la historia imaginada por Martínez.
El comienza será con un viaje en cohete desde la base espacial del Palomar en la Argentina del año 2727, en la que un grupo de astronautas parte a la Luna a buscar reservas de agua, ya que aquí solo queda el todavía contaminado Riachuelo.
Sobre este trabajo, Ciro explicó a Télam que junto a un equipo de escenógrafos, vestuaristas y videastas "estamos trabajando como locos, a full, dándole forma a un show que va a dar que hablar".
"Queríamos ponerle un nombre a los shows de fin de año y se me ocurrió inspirarme en Verne y a partir de allí salió la idea de armar un concierto conceptual, con una narración, música, vestuario, escenografía y muchos videos", precisó.
Otra inspiración que Ciro reconoce es la de la serie de TV con marionetas de los años 60 "El Capitán Escarlata".
"Los de la banda somos los astronautas que nos internamos en la luna y nos vamos encontrando con todo tipo de personajes, que serán nuestros invitados y van a participar del concierto y de su concepto", consignó.
Uno de los invitados será Omar Mollo, que junto a un bandoneonista, un guitarrista y el propio Ciro, interpretará el "Tango del Diablo" que el cantante compuso en estos últimos meses junto a Charly García.
"Estabamos en Sunchales con la banda y Charly se encontraba alojado en el mismo hotel porque daba un concierto y cuando nos juntamos le dije a Charly que tenía una letra para un tango y que necesitaba la música y él empezó a armar una melodía y un puente y yo le agregué el estribillo y así fue saliendo", narró Ciro.
Ciro y Mollo también aprovecharán esta serie de conciertos en el Luna Park para estrenar el rockito "Astros".
En relación al carácter de la propuesta, Ciro aclaró que "buscamos resolver situaciones para que toda la historia tenga una continuidad que no sea un plomo de una historia de teatro aburrida, por eso a través de los leds se va a ir narrando la cosa”.
Sobre el repertorio, Ciro dijo que estará basado en su disco solista, clásicos de Los Piojos que irán cambiando de noche a noche y covers de Pappo y de artistas extranjeros.
El show servirá para presentar al nuevo guitarrista Rodríguez Pérez -ex asistente de Los Piojos- que remplaza a Juan José Gaspari y al tecladista Diego Mano, que ingresó en lugar de Chucky de Ipola.
Sobre si la vida como solista brinda mayores posibilidades y libertad, Ciro indicó que "tengo mayor libertad para crear y realizar ya que no hay peros de ningun tipo, porque en la banda uno debe adecuarse a los gustos generales y es correcto que así sea".
"En una banda tiene que haber una democracia y un consenso porque sino no dura. No creo en eso de que el rocanrol en su funcionamiento interno es una dictadura. Si es verdad que en el trabajo individual y solista gozás de mayor libertad, porque por ejemplo yo digo este mes no tengo ganas de ensayar y nadie ensaya, en cambio en una banda vos necesitas si o si ponerte de acuerdo", manifestó.
Pero Martínez aseguró que lo que le gusta de la banda que lo acompaña es que "hay mucha participación, porque cuatro o cinco cabezas piensan más que una. Yo tengo la decisión final, pero me gusta que otra gente opine y haya participación".
Consultado acerca de su pasado como integrante de Los Piojos, Ciro comentó que "fue una historia maravillosa que me hizo ser quien soy. La verdad que tuve mi vida metida en la banda”.
A distancia de esa experiencia, Martínez reconoció como positivo de su andar en solitario es haber tocado más seguido e incrementado la lista de shows a lo largo del país.
"Hicimos una gira muy larga y estuvo muy buena, tocamos en todas partes y con muy buena respuesta de la gente. Volver a tocar seguido es muy bueno, estar en contacto con la gente porque mi vida es el vivo, el tocar en directo", redondeó.
MALÓN
La emblemática banda de heavy metal local Malón vuelve a los escenarios después de 14 años, el domingo 18 con un concierto en el estadio Malvinas Argentinas, y según sus integrantes regresan porque "es el momento después de muchos amagues" y porque estiman que nadie ocupó ese lugar.
Luis Digiano - TELAM
Reconocidos como pilares fundamentales de la historia del heavy metal argentino, Malón (quien ya adelantó su vuelta con un set de cuatro temas en la visita de Megadeth a Argentina), se presentará con su formación original que integran: Claudio O´Connor en voz, Antonio "Tano" Romano en guitarra, Claudio "Pato" Strunz en batería y Carlos Kuadrado en bajo.
"En los últimos años principalmente hemos recibido muchas propuestas de volver a juntarnos, pero después de varias charlas, encuentros, limamos algunas asperezas lógicas del pasado y aquí estamos con las mismas ganas del comienzo", afirmó el "Pato" Strunz en diálogo con Télam desde su sala de ensayo montada en un local musical rockero del barrio de Flores.
"Otro de los motivos del regreso también fue la cantidad de fans de todas las edades y eso es lo curioso que nos paraban por la calle o en algún concierto y nos preguntaban, che ¿cuándo vuelven? Bueno ahora es una realidad y lo terminamos de comprender la noche de Megadeth y ahora con la certeza de que se encuentra casi agotada la fecha", remarcó con orgullo el "Tano" Romano.
Malón surge en los finales de 1994 después de la disolución de otra agrupación emblema como Hermética y luego de tres históricos y hoy difíciles de conseguir discos: "Espíritu combativo" (1995), "Justicia o resistencia" (1996) y "Resistencia viva" (1997), grabado en directo en el Microestadio Héctor Etchart de Ferrocarril Oeste, en 1998 se separan.
"No queremos que esto se termine en un concierto -acotó Strunz- porque de un forma increíble comenzaron a surgir fechas en el interior, también en el exterior, pero no queremos estar tocando todo el tiempo como en aquellos años de movida. Estamos más grandes (risas) y cada uno de nosotros va a continuar con sus proyectos".
Actualmente el "Tano" Romano se presenta con su formación; Strunz con Candentes, O`Connor con su grupo solista y en el caso de Kuadrado, está dedicado al rubro de la construcción.
"La verdad -aportó O`Connor- es que nos divertimos mucho en los ensayos, la pasamos bien y lo que tienen que saber los fans es que el concierto va a ser inolvidable porque quedara inmortalizado en un DVD y CD, como un documento histórico del regreso de Malón".
Ante la consulta sobre la lista de temas, los músicos explicaron que "no van a faltar los clásicos que todos van a querer escuchar, algún `himno` de Hermética que siempre está presente en la memoria y en los vivos de cada uno de nosotros y eso sí, una puesta a la manera de un show internacional y un gran sonido".
Pensando en esto, temas como "Ciegos del mundo", "Tendencias", "Gatillo fácil", "Razones concientes", "Hipotecado", "Deshumanizado", "Nido de almas", la versión del clásico de Horacio Guarany, "Si se calla el cantor", "Castigador por herencia" y "Revolución nacional", no pueden faltar, junto a "Predicción", "Vientos de poder" y "Evitando el ablande" por citar algunos de la etapa de Hermética.
"El metal argentino está pasando por un momento muy bueno a nivel under, pero salvo Carajo (ñu metal), se hace muy difícil convocar multitudes y el tema discográfico está complicado, entonces sentimos que a dos semanas de Malvinas hay más de 7.500 entradas vendidas, nos demuestra que el lugar de Malón, no fue ocupado", sentenció Strunz.
"Hay festivales importantes como el Metal Para Todos que el fin de semana pasado en una verdadera fiesta del metal argentino con más de 30 bandas, que reunieron cerca de 5.000 personas, pero después por separado todos llevamos entre 500 y 600 personas, esto nos da mayor responsabilidad como banda y nos da fuerzas para seguir", agrego Romano.
"Es así -dijo O`Connor- en conjunto somos muchos, hay bandas de un nivel excelente pero como en todas las épocas para el metal todo es más complicado, hoy no es la excepción, pero como lo llevamos en el corazón y es un sentimiento, no vamos a parar y ahora unidos menos".
El regreso de Malón disparó la posibilidad de una vuelta de Hermética, y al respecto Romano fue muy claro: "vos sabés muy bien mi posición y de los que estamos aquí, sólo falta que uno (Ricardo Iorio) diga vamos para adelante, pero por hoy la realidad es que Malón está de nuevo en la ruta".
CALLE 13
René Pérez Joglar: “Seguiré queriendo al Perú así como quiero al resto de los países latinoamericanos, así como amo a mi familia, así como amo a mi tierra”.
René Pérez, el cantante de Calle 13, publicó en su página de Twitter una carta en la que se mostró dolido por las críticas que él y la agrupación recibieron en Perú tras su tardanza el último sábado, en el accidentado show en el estadio de San Marcos, que empezó con cinco horas de retraso.
“Lo que más me duele es que Perú me encanta. He tratado por medio de imágenes, documentales como “Sin mapa”, canciones, mostrarle el Perú al mundo y estoy seguro que la mayoría de la farándula que me ataca no ha hecho ni la mitad de eso“, escribió ‘Residente’. Además, afirma que su molestia no fue solo porque un fan le tiró unas llaves apenas comenzó el show sino que “ese objeto lanzado pudo haber herido a cualquiera de mis hermanos, comenzando por mi hermanita menor que canta junto a mí”.
El cantante también reiteró que “la verdadera razón de nuestro retraso fue el clima adverso” que había en Venezuela, y que avisaron a la producción para reprogramar el recital para el domingo, pero que la empresa “nos dijo que teníamos que tocar sí o sí aunque fuera a las 3 AM”.
En su carta, ‘Residente’ no menciona ni una palabra sobre el joven fan peruano agredido aparentemente por miembros de su seguridad personal, pero termina su texto afirmando que “seguiré queriendo al Perú así como quiero al resto de los países latinoamericanos, así como amo a mi familia, así como amo a mi tierra”.
LOS CAFRES
El Paso Gigante es su nuevo álbum de estudio del que forman parte 16 canciones y que ya está a la venta en Argentina, Uruguay, Paraguay, Bolivia, Chile, Colombia, Venezuela, México y Centroamérica. En Enero de 2012 será editado en Puerto Rico y Estados Unidos.
El disco también está disponible en todas las tiendas digitales del mundo (las más reconocidas como Itunes y Amazon). Para este nuevo material contaron con el aporte del prestigioso técnico Jim Fox, de extensa trayectoria con grandes artistas del reggae como Don Carlos, Gregory Issacs, Black Uhuru, Israel Vibration y Culture entre otros. La mezcla se realizó en los estudios Panda de Buenos Aires. Fox ya había colaborado con la banda en la grabación y mezcla de su segundo disco, “Instinto” (1995). De acuerdo a lo que expresaron Los Cafres, “la afinidad conceptual se mantuvo en niveles altísimos, y una vez finalizada la mezcla, la sensación fue que toda la experiencia y el talento de Jim Fox habían congeniado con la locura creativa propia de la banda”. Todos los dibujos del arte del disco fueron íntegramente realizados por Guillermo Bonetto; en donde nos demuestra la sensibilidad del artista que lleva en él; no solo en su faceta como músico sino también en sus grandes aptitudes como dibujante. “Casi q´ me pierdo” es el primer corte tiene y impreso a fuego la marca de Los Cafres, tanto en los vientos que suenan al inicio del tema, como en la voz cálida e inconfundible de Guillermo Bonetto, quien a esta altura se ha convertido en una de las grandes voces del reggae en español. Todo esto sumado a una banda que suena ajustada e impecable y en la que se nota el trabajo y la experiencia que traen sus más de veinte años en el oficio El vídeoclip de fue dirigido por Eduardo Pintos y producido por Osky Frenkel (trabajaron anteriormente con Catupecu Machu, Viejas Locas y Estelares entre otros artistas) juntos hace más de 10 años que vienen experimentando en el lenguaje del video clip El vídeo fue rodado en el barrio de Saavedra, en el formato High Definition y cuenta la historia de un documentalista que intenta retratar la realidad y se encuentra con varios personajes que reaccionan de forma diferente y sorprendente ante la presencia de la cámara. El concepto del vídeo y la canción intenta recuperar la esencia de la niñez, en donde predomina la libertad y la frescura ante la vida.
"El Paso Gigante"
Incluye 16 nuevos temas, que fueron grabados en los estudios Circo Beat, El Santito, El Abastito y Lavarden. La masterización estuvo a cargo de Alvaro Villagra en los estudios del Abasto.
La mezcla fue realizada por Jim Fox, técnico que trabajó junto a Don Carlos, Gregory Isaacs, Black Uhuru, Israel Vibration, Culture entre otros referentes del Reggae mundial. Fue convocado por Los Cafres y estuvo en Buenos Aires trabajando en su nuevo disco en los estudios Panda. El resultado de su labor dejó a la banda sumamente satisfecha. Fox ya había colaborado con la banda en la grabación y mezcla de su segundo disco, “Instinto” (1995).
INFIERNO 18 FESTEJA SUS DIEZ AÑOS
Con disco nuevo y show en La Trastienda, el 10 de diciembre.
A diez años de su debut (noviembre del 2001), a la edad de 12 años, Infierno 18 festeja su aniversario con su quinto álbum, llamado "No hay lugar para dudar", que será lanzado el próximo 6 de diciembre en todo el pais.
El disco, que está compuesto por 12 canciones, fue grabado en Argentina con la producción a cargo de Infierno, masterizado en Hollywood por el prestigioso ingeniero Tom Baker en los estudios Precision Mastering y la producción ejecutiva del álbum corrió por cuenta de Alejandro Taranto.
Para celebrar los diez años de carrera de Infierno 18, la banda se presentara el sábado 10 de diciembre a las 21 h en La Trastienda Club (Balcarce 460 Cap Fed), donde estrenará temas de su nuevo álbum y repasará la discografía junto a invitados sorpresa.
Los tickets para el show se encuentran a la venta por Sistema TuEntrada.com y también están disponibles en las boleterías del La Trastienda.
PITY, ENTRE LA PATERNIDAD Y COSQUÍN
El cantante acaba de ser padre de una nena, Blondie; mientras, se espera que se confirme la presencia de Viejas Locas en la grilla del festival serrano
Revista RS
Apenas editado Contra la pared, y entre (más) declaraciones polémicas por parte de Pity Álvarez con respecto a la situación de Cerati ("Si estuviera en el lugar de Cerati y pudiera decirle algo a alguien, gritaría 'Mátenme, no quiero seguir como un vegetal...' para no seguir preocupando a la familia", dijo al diario Los Andes de Mendoza), el gran regreso de Viejas Locas viene acompañado de dos importantes noticias: el cantante acaba de ser padre y se rumorea que la banda será la encargada de cerrar Cosquín Rock 2012. La primera hija del líder se llama nada menos que Blondie: nació el viernes pasado, por cesárea, y representa el símbolo de la recuperación por la que Pity está atravesando desde hace más de un año.
Con respecto al Cosquín, aunque el productor José Palazzo aún no dio a conocer la grilla definitiva (se espera que lo realice durante el lunes de la semana que viene), se dice que Viejas Locas formará parte del line-up. Junto a una nueva función del regreso de Illya Kuryaki & The Valderramas, y las presentaciones (algunas ya clásicas del festival serrano) de Charly García, León Gieco, Calle 13, Ciro y Los Persas, Skay, Los Pericos y Las Pelotas. El plato fuerte será el invitado internacional, nada menos que uno de los Big Four del Thrash, Anthrax.
Entre Blondie, pañales y guitarras, se espera que 2012 sea el año de la recuperación definitiva de Pity...
EL INDIO SOLARI EN TANDIL: FIESTA POPULAR
El cantante cerró el año con un show de alto impacto ante unas 80 mil personas en el Hipódromo de la ciudad bonaerense
Por Juan Morris - Revista RS
Todo lo que vinieron a buscar los miles de fans que llegaron acá este fin de semana sucede ahí, en unos pocos metros, en el centro del escenario. Son las 10 de la noche en Tandil y esto recién acaba de empezar con tres temas al hilo de El Perfume de la tempestad, el último disco del Indio: "Todos a los botes!", "Satelital" y "Chante Noire". Los Fundamentalistas del Aire Acondicionado suenan como una tormenta perfecta y arrolladora, con la potencia técnica de un show internacional como el de Pearl Jam en La Plata o los Chili Peppers en River, sólo que en Tandil. Detrás y a los costados, unas pantallas gigantes transmiten el show en HD y consumen las imágenes en un fuego digital. Ahí abajo, unas 80 mil personas de todo el país, una multitud de músculos transpirados, se amontonan contra las vallas, en un horizonte de cuerpos que no se termina y que, visto desde la fosa, te pone la piel de gallina.
Y ahí arriba, a unos pocos metros, el Indio Solari, el nervio vital de todo esto, no necesita hacer demasiado para encantarlos. Tiene una camisa cuadriculada azul y blanca, unos pantalones celestes, y un despliegue escénico mínimo que le alcanza para encantar a las masas: una colección de pasos que va a ir repitiendo a lo largo de la noche, el giro sobre sí mismo con los brazos extendidos, unas patadas que acompañan la melodía y la mímica de los versos.
Después de todo, nadie espera más que eso: verlo a él. La misma calva reluciente, la mirada blindada de unos anteojos oscuros, el registro urgente y a la vez mítico de su voz, una poesía construida con eslóganes oscuros que parecen contener más información de la que uno llega a comprender y la emoción instantánea de los clásicos de los Redondos, que son todos, en un setlist que esta noche va a estar basado en sus álbumes solistas y en la memorabilia ricotera que el Indio suele darle el gusto de tocar en vivo a sus músicos, que suelen sugerir qué tocar
Detrás de él, sobre una estructura elevada un metro sobre el resto del escenario, están las baterías de Hernán Aramberri y el ex ANIMAL Martín Carrizo protegidas por paredes de acrílico, el bajista Marcelo Torres entre las dos, los teclados y sintetizadores de Pablo Sbaraglia, la sección de brass con Sergio Colombo en saxo y Miguel Tallarita en trompeta y trombón, Marcelo Torres en bajo,y Debora Dixon y Luciana Palacios en coros. Y debajo, frente al público y flanqueando al Indio, hay un frente de guitarras con Gaspar Benegas y Baltasar Comotto, dos violeros con un poder de fuego arrollador. "Es una banda de la puta madre", va a decir el Indio dentro de un rato.
Ayer a la tarde, la banda probó sonido y su potencia se escuchó en toda la ciudad. El Indio cantó un par de temas y quedó satisfecho con el sonido de Los Fundamentalistas del Aire Acondicionado. "Esto es muy cool, es muy cogote", dijo, citando el video que se viralizó en internet hace un par de semanas. Y esta noche, ahí afuera, una ciudad que podría tener su nombre se levantó sobre Tandil: casas convertidas en negocios para comprar cerveza, veredas llenas de parrillas con chorizos y patys asándose a fuego lento, remeras con su cara y sus canciones sonando a todo lo que da y un flujo de 45 millones de pesos inyectado en la economía de la ciudad.
"Quiero dedicarle este show a mi hijo Bruno, que cumple años. Es algo personal, disculpen, pero tenía la necesidad de hacerlo", dice el Indio, antes de terminar la primer parte del show con "Un angel para tu soledad" y "Vuelo a Sidney". Después vendrá una segunda parte en la que Pablo Sbaraglia se va a sumar con una guitarra acústica a Benegas y Comotto, para clásicos ricoteros como "Ñam fri fruli", "Nueva Roma" y "Juguetes Perdidos", con la sección de brass dándole ese brillo épico que es, en buena medida, el legado de los Redondos al rock nacional. El show va a durar casi dos horas y media, y va a terminar con la promesa de reencontrarse en septiembre o diciembre en alguna ciudad de la patria y con disco nuevo. Y va a terminar como siempre termina. "Bueno, a ver si una vez más hacemos temblar una ciudad", va a despedirse el Indio, antes de que empiecen a sonar los primeros acordes desolados de "Ji ji ji".
CIRO PERTUSI TRIBUTA A AGUSTÍN TOSCO
El músico grabó una canción sobre el líder sindical cordobés, y comenzó una gran relación con la familia Tosco. Aquí cuenta qué lo inspiró a escribir el tema.
Por Diego Quiroga - Suplemento VOS
El disco debut de Jauría, la banda pos Attaque 77 que formó Ciro Pertusi, contiene el primer homenaje del rock argentino al líder sindical cordobés Agustín Tosco.
Además de la canción, titulada simplemente Tosco, en el álbum hay un fragmento de un discurso que el emblema de la lucha sindical de Córdoba dio en 1972 en el Club Redes Cordobesas (hoy polideportivo General Paz), y esto generó un vínculo entre el grupo y la familia Tosco que continúa aún hoy, cuando el flamante videoclip del tema ya circula por los canales musicales.
Todo comenzó desde un tiempo antes de la edición discográfica con un formal pedido de autorización. "Fue prolijo y respetuoso de parte de ellos y de su sello. Ante esto nunca pretendemos réditos", cuenta Héctor, el segundo hijo del "Gringo", sobre cómo comenzó la relación con la banda que mostró por primera vez el tema en un escenario cordobés: durante el último Cosquín Rock.
Al poco tiempo, durante su primer recital en la Capital provincial, los Jauría presentaron el trabajo en la zona del ex Mercado de Abasto con una curiosidad: para interpretar la canción, todos los integrantes se pusieron mamelucos (a lo Tosco), mientras de fondo una pantalla proyectaba imágenes de archivo.
En la previa de esa noche se produjo el primer encuentro de los músicos con los hijos y los nietos. "Fue un momento muy emotivo", recuerda el propio Pertusi, quien escribió el por qué de la canción. Luego de una extensa charla, la familia entera presenció el recital y "a partir de ahí se generó un linda relación", recuerda Malvina, la hija de Agustín.
A mitad de año, cuando se inauguró una escuela con el nombre del sindicalista en Buenos Aires, el grupo se ofreció a participar del acto haciendo una versión acústica de la canción, y los encuentros se repitieron en otras presentaciones en vivo. Actualmente, los músicos y los herederos del sindicalista siguen conectados a través de Internet.
En el nombre del abuelo
Agustín Tosco, de 17 años y nieto de Agustín, asegura que el tema le gustó "desde un principio" y que le alegra que lo haga Ciro, a quien escucha desde la época de Ataque 77. "La letra le hace un buen homenaje a mi abuelo y la banda suena muy bien. En estos tiempos se habla mucho de lo que él hizo y es un orgullo para mi familia".
Agustín, arquero de la cuarta del club Universitario y futuro estudiante del Profesorado de Educación Física, dice que "es lindo que en el club o en el barrio me hablen del tema. Pienso que los seguidores de Ciro que no sabían de la historia de Agustín Tosco ahora la van a conocer".
Se hizo carne en mí
Por Demian Ciro Pertusi
Mi experiencia como trabajador, antes de dedicarme de lleno a la música, me conectó con la imagen de Tosco. Cuando tenía 19, quedé cesante luego de acatar una medida de fuerza de trabajo a reglamento promovida por el propio sindicato en base a un reclamo que habíamos hecho los trabajadores de la planta. El reclamo no tuvo éxito ya que al poco tiempo muchos compañeros comenzaron a ceder ante la presión de los patrones y el riesgo a perder el puesto de trabajo.
Echaron a dos personas, uno de ellos fui yo, que mantuve la medida hasta la última consecuencia. Mi sindicato flaqueó y nunca me reincorporaron. Trabajé en esa fábrica desde los 14 y quedé un tanto desesperanzado. Ese lugar fue mi formación, mi familia, me constituyó de base en la persona que soy y de pronto quedé huérfano de todo eso.
Estando en los pasillos del sindicato de obreros, pasteleros, confiteros y afines, a la espera de alguna respuesta esperanzadora, vi los cuadros de diferentes líderes sindicales y la figura de Tosco fue la que más me atrapó.
Con el tiempo supe quién era ese señor que aparecía en pintadas en las calles, en documentales, y entendí por qué mi sindicato había flaqueado tanto en la medida de fuerza, en la respuesta de los obreros de aquel momento y ante mi fallida reincorporación. Me di cuenta con el tiempo que el individualismo había triunfado y entendí que hubiese sido diferente si Tosco viviese.
Él, Salamanca, Atilio López y tantos otros luchadores dieron inicio a lo que yo considero el comienzo del fin de la generación de oro. Su mirada tan fuerte fue algo muy inquietante, como si algo me quisiese decir, o algo tenía que decir yo. Tal vez una deuda que todos teníamos como sociedad y que de alguna manera se hizo carne en mí. Entonces escribí Tosco.
CALIGARIS: A BAILAR QUE SE ACABA EL MUNDO
Caligaris acaba de editar “Bailarín apocalíptico”, un trabajo ecléctico que los muestra en su mejor forma. Hablan de su pegada en México, el cuarteto y su presencia en el Vive Latino.
Por José Heinz – Suplemento VOS
“Que el fin del mundo te pille bailando”, escribió alguna vez Joaquín Sabina. Una imagen fuerte: si todo lo que conocemos va a desaparecer, si todo lo que alguna vez quisimos se perderá para siempre, entonces, ¿qué mejor manera de despedirse que sacudiendo el cuerpo al son de una música festiva? Lejos del timbre aguardentoso del andaluz, pero cerca de ese espíritu, los Caligaris plasmaron esa instancia agridulce en Bailarín apocalíptico, tema que también les dio el nombre de su nuevo disco, el sexto en la ascendente carrera de estos forajidos de barrio Residencial América.
“Es un tipo que sostiene que hay que bailar hasta que se acabe el mundo. La idea viene en consonancia con el rollo del calendario maya, que en 2012 se termina todo”, dicen ellos sobre la canción, que cuenta con la voz invitada de Gustavo Cordera, a quien conocieron en el festival Vive Latino de 2009, cuando Caligaris compartió escenario con la Bersuit y pegaron buena onda. “No me vengan con Freud / qué me importa Lacan / no hay mejor terapia que bailar”, suelta el Pelado sobre una base bien fiestera.
No es el único invitado del flamante álbum. Otro que aparece es Javier “la Pepa” Brizuela, y lo hace en Pecado de juventud, un cuartetazo firmado por los hermanos Pampiglione que demuestra, por si hiciera falta, que las raíces nunca se olvidan. No sólo por el ritmo, también por la letra, fiel a la tradición picaresca del mejor tunga tunga, pero actualizada: es la historia de ése que se acostó con la hermana de otro, se filmaron... y el video llegó a YouTube.
“Teníamos hace rato el tema, ya lo veníamos tocando en vivo. Y viste que este año hubo como un boom de videos de famosos... Cada vez que aparecía uno nuevo, nos lamentábamos de que el disco no estuviera en la calle”, cuenta entre risas Martín Pampiglione. “Así que nos pusimos firmes a grabarlo y decidimos invitar a la Pepa.”
Más allá de las canciones agitadoras, Bailarín apocalíptico (el disco) no se agota en los registros bailables. Los Caligaris siempre se mostraron predispuestos a la apertura estilística y eso está presente en este nuevo trabajo, una fórmula que les ha abierto diferentes puertas en toda Latinoamérica. En el álbum también hay rock, pop, ska, ritmos caribeños... una paleta de géneros apta para su sonido de exportación. De cualquier manera, sus integrantes se encargan de dejar en claro que lo variado de su propuesta no pasa por dejar conformes a todas las diferentes audiencias.
“Cuando hacemos un disco no pensamos en tal o cual mercado”, dice Juan Taleb, guitarrista y cantante. “La prioridad es conservar la esencia de la banda, como siempre, y creo que eso se nota en este nuevo disco. Por ahí tiene un color diferente a los otros, pero es porque hemos cambiado de productores. En Bailarín apocalíptico trabajamos con Edu Schmidt (ex Árbol) y ‘Balde’ Spósito (ex Kapanga). Pero se nota que los compositores seguimos siendo los mismos”.
Acá y allá
En Córdoba se reconoce a Caligaris por ser rockeros con energía cuartetera (o viceversa). ¿Cómo viene la mano en otras latitudes? “En México, por ejemplo, tocamos Nadie es perfecto y lo bailan como si fuera ska. Nos asocian con bandas de rock latino, como los Cadillacs o los Decadentes. Nosotros empezamos haciendo covers de ellos, que nos comparen es una gran alegría. Es sentir que hacemos las cosas bien”, resalta Pampiglione.
“Aunque el corte de difusión programado sea otro, en Córdoba siempre pican en punta los temas más cuarteteros. Es diferente a otros lugares, donde por ahí pegan más las canciones de otros estilos –señala el tecladista Valentín Scagliola–. Pero así como podemos ponernos más rockeros, también nos encanta ser cuarteteros y lo somos de pura cepa. De otra forma, no lo hubiéramos invitado a la Pepa. Por eso siempre hay cuarteto en nuestros discos, por eso el cuarteto está presente en los agradecimientos.”
A propósito, ¿qué les pareció Monatributo, álbum donde el rock cordobés homenajea a “la Mona” Jiménez? “Está bueno. Antes de que se realice desde Buenos Aires, mejor que lo hayan hecho primero artistas cordobeses. Eso nos convenció. Y en el disco hay muy buenas versiones”, ratifican los Caligaris, que participan con Lluvia de amor.
Vienen meses movidos para la banda. Los espera un verano con varias actuaciones por la costa argentina y shows en las sierras cordobesas. También la grabación de su primer DVD. No hay una fecha de presentación del disco confirmada en nuestra plaza, pero ellos tiran que por ahí en marzo, antes del Vive Latino (ver aparte), se arma un recital en casa. Como sea, 2012 los va a encontrar con mucho trabajo, lo cual indica que de llegar a terminarse el mundo, seguro los agarra arriba del escenario, cantando y bailando. Y allí abajo, esos privilegiados que disfrutarán de una canción de los Caligaris para el instante final de sus vidas.
Confirmados para el Vive Latino
En las últimas horas se confirmó la grilla del Vive Latino 2012, que tiene a los Caligaris y a Sol Pereyra como números confirmados. El festival tendrá lugar en el Foro Sol de México los días 23, 24 y 25 de marzo del año próximo, y cuenta con un programa extensísimo, que incluye shows de Café Tacuba, TV on the radio, Kassabian, Catupecu Machu, Enrique Bunbury, Foster the People, Gogol Bordeló y Jauría, entre muchos otros.
“Es un festivalazo”, confirma Pampiglione. “Ahí no vamos a presentar el disco, porque son recitales de 45 minutos y se hacen shows muy al palo. En el Vive Latino tiran la casa por la ventana. Casi siempre coinciden bandas grosas que tocan al mismo tiempo, así que tenés que elegir escenario para no perderte a los artistas que querés ver. Y los horarios se cumplen a rajatabla, eso está bueno”, explica Scagliola.
SUR OCULTO MUESTRA SUR OCULTO
El secreto mejor guardado
Música sin prejuicios podría ser una definición sobre lo que hace esta banda cordobesa. “Sentimos que lo estamos armando hace doce años”, dicen sus creadores sobre el disco.
Por Lucas Kuperman – suplemento NO – pagina/12
Bajo, batería y teclado. Tres instrumentos que, en conjunto, suelen estar relacionados al jazz. Sur Oculto no hace jazz. Tampoco hace rock, hardcore, funk, ni drum and bass. La banda es mucho más que eso.
Nació en Córdoba en 1999 como un trío de guitarra, bajo y batería, con la idea de hacer música sin prejuicios. “Estábamos cansados de escuchar ‘esto se va del estilo, no lo hagamos”. Queríamos tocar lo que nos sonaba, sin necesidad de encasillarnos”, dice Sebastián Teves, bajista fundador de la banda. Buscaron cantante, pero nunca apareció. Había temas que no lograban hacerlos sonar. Gustavo, el violero de aquel entonces, invitó a su primo, Fabricio Morás, para agregar un teclado a la formación. Al poco tiempo cambiaron el baterista y les ofrecieron una fecha para presentarse en vivo. El guitarrista se tenía que ir de viaje, y decidieron tocar como trío. Así quedó la formación estable de Sur Oculto con la que grabaron Trío, su disco debut.
En 2006 editan su segundo disco, Estados. Y luego de una nueva reestructuración, Pablo González se hizo cargo de la batería.
Actualmente se encuentran presentando su disco homónimo, que recorre distintos matices y una expansión importante a nivel sonoro. “Es el primer disco que puede transmitir lo que hacemos en vivo —continúa el bajista-. Las partes con groove tienen más groove, las pesadas son más pesadas, los lime son más lime. Sentimos que nos representa bien. Además hay un asentamiento del nombre. Esto es Sur Oculto, y qué mejor que ponerle este nombre al disco. No es que este disco sea una culminación, pero sentimos que lo estamos armando hace doce años.”
—El número tres aparece unas cuantas veces en el disco. Ustedes son un trío, Zeitgeber está dividido en tres partes, hay una tríada conceptual de temas...
Fabricio: —Teníamos ganas de tener un espacio para cada uno en el disco, por eso hicimos la tríada: Infradiano, Yuxtaposición y Circadiano.
Sebastián: —El orden no lo teníamos premeditado porque no sabíamos que íbamos a grabar. Fabri empieza con Infradiano, que es un tema de él. Lo mío es Yuxtaposición, que es algo que yo suelo hacer en vivo. Armo cosas con loops. Lo bueno del tema es que parecen dos partes. Todo lo que escuchás ahí son bajos, no hay otras cosas. Quería que cuando dobla el tempo entre Pablo. Cuando lo grabamos, la idea era que él toque un rato, después yo elegía algún patrón y lo íbamos copiando. Se le hizo copy & paste a un montón de compases de bajo como para que Pablo tenga un rato para zapar. Empezó a tocar probando distintas cosas. Lo escuchamos y nos encantó. Lo que se escucha ahí es a Pablo probando cosas, no había nada pensado. Se sacaron algunos bajos, y se pusieron otros. Terminó quedando una mezcla de bajo y solos de bata.
Pablo: —Circadiano es sólo batería. Mi idea era plasmar lo que siento tocando con los chicos. Planteamos la idea desde los sets que laburamos con el drum doctor. Partí de la base de hacer un juego entre dos sets distintos de batería: uno más rockero y el otro más jazzero. Comienza y se empiezan a contestar entre las dos baterías. Queda una sola, la más rockera de medidas más grandes, desarrollando ciertas ideas, y después entra la batería jazzera.
—El concepto de Zeitgeber es muy interesante. ¿Cómo surge esa idea?
Fabricio: —De casualidad. Los Zeitgeber originalmente eran improvisaciones que teníamos pautadas, pero no las pudimos hacer sonar. Lo que entró en el disco son otras improvisaciones como para conectarnos, para engancharnos antes de hacer ese tema. Después lo escuchamos y era eso lo que teníamos que poner en el disco. Estuvimos atentos a escuchar eso.
Sebastián: —De hecho, Zeitgeber I y II no sabíamos que nos estaban grabando. Zapamos un rato para entrar en calor y el técnico puso Rec. Después lo escuchamos y nos encantó. Que sean tres también es muy loco, iban a ser dos originalmente. Le dijimos a Mauro (Taranto, ingeniero de grabación) que la zapada estaba buena hasta cierto punto. El se equivocó y en vez de mezclar hasta donde le dijimos, mezcló desde ahí. Nos dijo que lo escuchemos porque para él mataba. Lo escuchamos y dijimos: “Esto tiene que estar en el disco”. Se armaron muchas cosas de casualidad.
Fabricio: —Si no estábamos atentos a eso, lo hubiésemos desechado.
—Ese tema está grabado a dos baterías...
Pablo: —Fue impresionante porque se trabajó la idea de que no había que tocar demasiado. Teníamos que tener mucha comunicación los cuatro. En el disco pusimos una batería en cada canal. Cuando se escucha con auriculares, se siente cómo va trabajando cada una. Con Fer (Fernando Caballero, drum doctor y baterista invitado) nos mirábamos como para dirigir un poco lo que iba pasando, y los chicos iban complementando esa base.
Fabricio: —Vos ni siquiera sabés bien qué estás haciendo, porque estás escuchando qué es lo que falta para que suene bien lo que está tocando el otro. Esa sumatoria es la que nosotros conectamos con la idea de Zeitgeber.
Sebastián: —Zeitgeber es una palabra alemana que se usa en cronobiología. Es un agente sincronizador, un dador de tiempo. Para nosotros, Sur Oculto es eso.
“EL MEJOR DISCO DE SMITTEN TODAVÍA NO LO HICIMOS”
Yamila Cazabet – blogrock.com.ar
Después de tres años, Smitten volvió a editar un disco. “Puentes” tuvo un gran trabajo de composición. Escribieron alrededor de 30 canciones, luego eligieron la mitad. “Puentes es el disco número siete de Smitten. Son trece canciones variadas. Realmente es un buen disco de rock”, así lo define Chucky, guitarrista y vocalista de la banda.
“Puentes” es un disco conceptual, Chucky cuenta cuál es ese mensaje que buscan dar: “Básicamente la idea del disco, es el tiempo. Es disfrutar el hoy y tratar de ser felices con lo que tenemos. Queremos decirle a la gente que se puede ser feliz sin tener todas las cosas materiales que las sociedad nos intenta vender todo el tiempo. Podemos ser felices sin comprar. Se puede ser feliz caminando abajo del sol con la persona que querés al lado, o con tu perro”.
A la hora de repasar su carrera, eligen el presente. “El momento es ahora para nosotros. Es este disco. Laburamos muchísimo para sacarlo y seguiremos laburando para sacar otro más. Estamos unidos como banda. Creemos que estamos haciendo las cosas bien. El mejor disco todavía no lo hicimos”.
Quizás mucho tenga ver con esto, la idea del éxito que ellos tienen, lejos de las cuestiones materiales. “Algo tiene éxito cuando lo podés disfrutar. Lennon decía que nuestra misión como artistas es transmitir los sentimientos de las personas. Nosotros lo que hacemos es transmitir ese sentimiento, plasmarlo en una canción y hacerlo sonar. Después la gente lo canta, y ese es el éxito. Escuchar a una persona cantando una canción con vos es algo muy groso”, comenta Chucky.
A lo largo de estos más de 15 años, el estilo de Smitten ha variado. Patrick así lo ve: “Es lo divertido de hacer música. Tratar de probar otros estilos. Generalmente dentro del rock. Lo venimos haciendo hace rato esto de probar. Tenemos una mezcla de varios estilos siempre dentro del rock”. Chucky agrega: “Uno va creciendo y le va cambiando la cabeza y lo que te gustaba ayer ahora no te gusta tanto. Eso no quiere decir que reneguemos de nuestro pasado. El momento es el que vas viviendo y en ese momento nos encantaba esa música. Hoy estamos más lejos del punk pero lo seguimos queriendo y nos encanta todo lo que hizo la banda. Somos nosotros, pero más chicos”.
El próximo viernes 9 será la primera presentación del disco en La Trastienda. Patrick, también guitarrista de Smitten, cuenta de qué manera han preparado el show: “Estamos preparando la artística del escenario, más allá de los que es el sonido. Estamos tratando de hacer algo lindo que sea vistoso como show, que no sea solamente ir a ver a una banda y escuchar. Queremos que la gente se pueda llevar un show completo. Estamos trabajando en eso”.
Y luego vendrán las giras. Aún no hay fechas confirmadas pero sí algunos lugares a los que estarán llegando el próximo año. “Después seguramente tengamos alguna fechita en la costa. Siempre en verano estamos por ahí. Y después arrancar el año por el Gran Buenos Aires, las demás provincias, Chile seguramente. Tiene que ser un disco de gira larga. Hace mucho que no giramos así que seguramente nos tomemos el año para hacer una buena gira”, cuenta Chucky.
CATUPECU: INTENSIDAD Y EMOTIVIDAD EN EL LUNA
Daniel Funes – blogrock.com.ar
El 4 de diciembre fue una noche cálida. En las calles, por la avenida Corrientes las remeras con los colores azul y amarillo inundaban el Obelisco para festejar el campeonato obtenido por Boca Juniors. Pero en dirección contraria, hacia la avenida Leandro N. Alem, había otra corriente de almas en búsqueda de otro festejo, encontrarse con Fernando Ruiz Díaz, Macabre, Sebastián Cáceresy Agustín Rocino (reemplazante de Herrlein en la batería) para celebrar la presentación oficial del séptimo trabajo de estudio de Catupecu Machu, “El mezcal y la cobra”.
Con un piso y platea colmados, el telón cayó cerca de las 21.15 con los primeros acordes, a pura potencia, de la canción que le da nombre al disco. La intensidad característica de la banda se reflejó desde el inicio en cada tema de la noche. Sin tregua, solo para un cambio de instrumentos, Confusión la vida y más fue la letra que entonó (a continuación) Fernando Ruiz Díaz. Clásico inoxidable y siempre bien recibido arribó Oxido en el aire y “De cuadro dentro de cuadros”, Gritarle al viento como lo hicieron todos los presentes.
Efusividad demostrada mediante algún rollo de papel arrojado desde el público generó alguna desconcentración ya que hubo varios falsos arranques en el riff de Grandes Esperanzas. Pero llegó la redención con A veces vuelvo cuando fue cantada por el estadio completo para dar lugar a los acordes de la guitarra de Ruiz Díaz.
El cantante rindió su emotivo saludo a Gabriel Ruiz Díaz y Gustavo Cerati quienes recibieron esas ganas de recuperación a través de En los sueños y a capella, Persiana americana. En materia de covers, dos invitados de lujo, los señores Wallas y el Dotor o Tordo de los Massacre, primero para juguetear con las notas de Tanto amor (del disco “Ringo”) y después para tocar Plan B con Wallas en el rol de primera voz. Después de la ensordecedora respuesta de la gente, vino Danza de los secretos con los chicos de Massacre como dos integrantes más de los Catupecu.
Promediando el show, rugieron Aparecen cuando bailamos, Origen extremo y Dale! con el ritual clásico del público jugando con la banda mientras en la pantalla, el nombre del track era traducido en varios idiomas. Faltaba una sorpresa más y apareció enY lo que quiero es que pises sin el suelo, con la presencia de Zeta Bosio, bajo en mano, quien subió en medio de una cálida recepción y con un rostro resplandeciente de alegría para sumarse al festejo.
El cierre, tal vez no tan power como lo fue casi toda la noche, fue con Musas mientras Ruiz Díaz cantaba Encienden todas las luces, y bailemos hasta que alguien cierre el lugar hasta el próximo encuentro, en el cual se repetirán rostros y cuerpos, canciones y emociones, rituales y sorpresas.
PELOTAS QUE DESTELLAN
Emmanuel Angelozzi – blogrock.com.ar
La banda liderada por el guitarrista Germán Daffunchio realizó dos funciones en La Trastienda Club para despedirse de su público porteño hasta el próximo año.
Los minutos parecían horas y el tiempo se escurría a cuentagotas para un público que no podía contener la ansiedad de ver a su banda de cabecera. Deambulaban por el lugar en búsqueda de un trago para ver mejor o de algún rostro conocido para entablar una conversación que apresurara el andar de las agujas del reloj.
“Las pelooo, las peloooo….”, gritaba la gente con la intención de motivar la salida de los músicos para compartir juntos uno de los últimos conciertos de este año que hulle por la tangente. “Que podes dar” desató la alegría contenida, traducida en un pogo que alivió las tensiones.
“Ya no estas” y “Combate” fueron recibidas calidamente por el público, que ayudó a la banda en la interpretación. La banda irradiaba una energía positiva, lucía animada y sonaba impecable. Daffunchio estaba de muy buen humor, bromeaba con sus compañeros y buscaba complicidad en sus fanáticos, incitándolos a callar o reír junto a él durante “Tormenta en Júpiter”.
Una rabiosa versión de “La vaca y el bife” más “La marmota” provocaron “Destellos” incandescentes y ardientes que encandilaron oídos pasmados por un deleite musical sublime. “Personalmente” se sumergió en un mar de palmas al compás; Mientras que “No me acompañes”, permitió respirar aunque sin apagar el deseo de bailar en una seguidilla de canciones realmente indomable: “Siento luego existo”, “Si supieras” y “Transparente”, todas con cadencia reggae, “Cuando podrás amar”, con Sebastián Schachtel en acordeón, y un final vehemente que tuvo en “Corderos en la noche” los acordes correctos.
Llegó el momento de los himnos peloteros: el clásico “Capitán América”, con su respectivo abucheo a la canción patria norteamericana, “Bombachitas rosas”, siempre con la voz de “Bocha” Sokol retumbando en la memoria, “Muchos mitos” y “20 minutos”. Ante “La mirada del amo”, meticulosa y expectante, la gente entregó un inmenso pogo “Esperando el milagro”.
“Menos mal” y “Sueños de mendigos” le dieron forma a un final tan tranquilo como apabullante que llegó, tras varios amagues de retirada, con “El cazador” más “El ojo blindado.
BABASÓNICOS, ROUND 2
Josefina Schmipp – blogrock.com.ar
Babasónicos se presentó por segunda vez en un año en el Luna Park: hizo un impasse en su apretada agenda para deleitar a sus fans argentinos. Sigue la gira por Ecuador y Chile.
La banda de Adrián Dárgelos aprovechó la cita en el Luna para presenta un tema nuevo “La Mitad de Mi” y traer de regreso de las catacumbas temas como Chicos en el Pasto.
La puesta en escena fue la misma del show de agosto, aunque no los juegos de pantalla. Durante Tormento, Dárgelos nos cantó desde el backstage saliendo por las pantallas, mientras el resto de la banda era iluminada intermitentemente, jugando el juego de no dejarse fotografiar. Luego, Pulpito la cantó desde la cima de la estructura principal, para luego bajar bailando en Microdancing y acercarse al público que, aunque poco, gritaba como si el estadio estuviera lleno.
Babasónicos es una banda que nunca detiene su marcha y siempre tiene novedades para encantar a su público. Cuando aún no habíamos terminado de aprender el juego tipo “wack-a-bee” que tienen en su página web, juego que nos permite ver la segunda y tercer parte del video de Muñeco de Haití, EL Sultán y Jaula, presentan un tema nueva y, para despistarnos y agasajarnos hacen un recorrido por algunos grandes temas de sus primeros años: Chicos en el Pasto, Viva Satana!, Árbol Palmera y Su Majestad. También podemos destacar la versión sampleada de Y Qué – Egocripta, que se está convirtiendo en un clásico desde el año pasado y Putita estilo Malibú.
Dentro de los momentos más altos estuvo el gran final de distorsión con Sátiro, con Adrián saludando y deseándonos un buen año.
Les dejamos muchas fotos para revivir el show y la canción nueva para que la vayan aprendiendo.
“La mitad de mi”
Puedo establecer contacto
Proponértelo en el acto
Te prometo no ser
Tan desubicado
O todo lo contrario
Puedo encaminarte al bosque
Y desafiarte a que me toques
Te prometo no ser
Tan desesperado
O todo lo contrario
Te cae mal
Que con la noche yo me entienda tan bien
Te da terror que la salga a buscar
Te da miedo que muchos me sigan
Y solo sabes la mitad de mi
Puedo entrar contigo al baño
Encerrarnos por un rato
Te prometo no ser
Tan degenerado
O todo lo contrario
Puedo manejarte el día
Llevar tu agenda prohibida
Te prometo no ser
Ttan organizado
O todo lo contrario
Te cae mal
Que con la noche yo me entienda tan bien
Te da terror que la salga a buscar
Te da miedo que muchos me sigan
Y solo sabes la mitad de mi
LISTA DE TEMAS
* Tormento – Pulpito
* Microdancing
* Deshoras
* Cuello Rojo
* Yo Anuncio
* Viva Satana!
* Irresponsables
* Chicos sobre el pasto
* Flora y Fauno
* Ideas
* En Privado
* El Ídolo
* Sin mi Diablo
* Ciegos por el Diezmo
* Árbol Palmera
* Muñeco de Haití – El Sultán –Jaula
* Barranca Abajo
* La Mitad de Mí
* Putita
* Y Qué – Egocripta
* Los Calientes
* El Colmo
* Su Majestad
* Fiesta Popular
* Yegua
BISES
* Chisme de Zorro
* El Pupilo
* Sátiro
LOS PÉREZ GARCÍA: “LA MESA ESTÁ SERVIDA”
Julián Gonnella – blogrock.com.ar
A poco de editar su quinto disco de estudio, el cantante y guitarrista Beto Olguín nos cuenta de qué se trata el nuevo material y adelanta la próxima fecha en Capital.
Con ¡¡17 años!! en la ruta, Los Pérez García ya han atravesado todas las etapas de una banda under y el resultado de esa larga travesía por la periferia es un sólido proyecto que está listo para dar el último gran paso hacia las “grandes ligas”. Este inmejorable presente se refleja tanto en su propuesta artística, como también en lo que se genera en sus shows con una convocatoria en pleno crecimiento, pese a que casi no suenan en los grandes medios, y sus logros (que no son pocos) los han conseguido conservando ciertas pautas que se propusieron desde sus comienzos, allá a lo lejos en 1994: “Manteniendo el convencimiento en lo que haces”, sostiene Beto y ratifica: “Lo principal es que nos emocionemos nosotros en la sala, que nos guste a nosotros. Después que las canciones le gusten a la gente en los conciertos, y, por último, si le gusta a la crítica, mejor. Pero esas dos previas son fundamentales para nosotros.”
Si bien Mr. Olguín expresa cierto aplomo por este excelente momento de la banda, puertas adentro también se vive con felicidad ya que, como para cualquier otro grupo independiente, cada “éxito” que se consigue se valora de otra forma y se celebra como una victoria. “Lo vivimos con alegría y orgullo porque es el resultado de muchos años de trabajo y confirma que lo que hicimos en los discos y en los shows estuvo bueno. La gente viene y el público crece porque se pasa la bola que la cosa está buena. No tenemos un aparato que nos empuje, es todo tracción a sangre.” Estamos en la previa de un show y la charla se dirige hacia ese ritual característico que señala el comienzo de cada presentación de la banda de la mano del bellísimo “Somewhere over the rainbow” de Israel Kamakawiwo’ole. Esa ceremonia casi litúrgica arranco en el viejo Teatro Arlequines. “Nos gustó y ahí quedó”, rememora el cantante, y reconoce que “hace rato, que ya la hubiera sacado, pero siempre alguno quiere dejarla y queda”. Al tiempo que se manifiesta reacio, B.O. pregunta si iban a hacer la intro y ante la respuesta negativa debido a una incompatibilidad en el formato del audio, le brota una preocupación propia de querer estar hasta en el más mínimo detalle para que todo salga a la perfección. “Con el disco nuevo seguramente vamos a cambiar de presentación”, anuncia.
A fines de noviembre, Los Pérez García estarán editando su quinto álbum titulado “La mesa está servida”, que nuevamente cuenta con Martín Méndez como productor artístico (al igual que en «Santo Remedio» y «Asuntos de familia») y está compuesto íntegramente por “temas fresquitos, especialmente hechos para este disco” entre los que se destacan “Halcón Peregrino”, “Todo Eso Que Nos Queda”, “Doble Carolina”, “Tren Fantasma”, “21 gramos”, “¿Dónde esta mi Elefante?”, “Entretiempo” y “Asuntos Internos”, que seguramente enriquecerán aún más el amplio repertorio de la banda. “Habían quedado veintipico de temas afuera de ‘Asuntos…’ pero ninguno de esos va a formar parte de este disco, esperaran otra chance”, bromea Beto. Sin dejar de lado la canción-rock que siempre los ha caracterizado, en esta placa se proponen experimentar con otros ritmos e incursionar en un tema con aire de cumbia (“Curarte”) y otro con impronta de bachata (“Sirena y tiburones”). “No somos puristas de ningún género, bastardeamos lo que tocamos”, explica con humildad el líder del grupo.
El próximo viernes 2 de diciembre, el septeto desembarcará por tercera vez en La Trastienda, en una fecha que tendrá como objetivo primordial darle la bienvenida al nuevo disco de estudio. “Va a ser el lanzamiento de ‘La mesa está servida’, la presentación oficial será después del verano”, adelanta Olguín, y continúa: “Vamos a tocar unos cuantos temas, más de la mitad del disco. Después vamos a esperar a que la gente lo escuche un par de veces y en marzo, lo presentamos con todo.” Cada vez que una banda edita un nuevo material comienza una nueva etapa en la vida del grupo y las expectativas también se renuevan. La voz líder nos resume cuales son los anhelos que esperan para el sucesor de «Asuntos de familia» (2009): “Que nos siga dando la oportunidad de tocar en lugares nuevos, que venga más gente y, sobre todo, que las canciones les gusten a la gente porque es una incertidumbre que tenemos siempre. Así que esperemos que eso se de una vez más.”
