DE BUEYES
'NOS SENTIMOS CON MUCHAS GANAS'
Los cinco miembros de DE BUEYES hablaron en exclusiva con UOL MUSICA.
Oscar Righi, Cóndor Sbarbati, Daniel Suárez, Martín Pomares y Pepe Céspedes, nos brindaron una entrevista íntima dónde hablaron de sus proyectos, sus sensaciones, sobre el nuevo disco y sobre un posible reencuentro de Bersuit en un futuro.
Ya hace un tiempo que están juntos en este proyecto y que el disco está en la calle, ¿cómo se sienten hoy en día como banda?
DANI: Y hoy en día como banda nos sentimos bien, nos sentimos contentos, nos sentimos con ganas, con muchas ganas de tocar, con ganas de estar compartiendo de vuelta escenarios... estuvimos muy poco tiempo abajo del escenario, un par de meses nomás, de lo que fue el año pasado. Con ganas de presentar el disco, de ver lo que está pasando con la gente... la verdad que con ganas de compartir estas canciones que las hicimos con mucho cariño, con mucho amor, con respeto, y ver que pasa con la gente... con ganas de saber también cómo va siendo la respuesta del lanzamiento de este disco, con ganas de hacer el nuevo video, bueno... la verdad que con ganas.
Hicieron gira éste año, ¿Cómo fue la recepción del disco por los distintos lugares que fueron?
MARTÍN: Sí, estuvimos de gira por la Costa Atlántica, por el Sur, empezamos por abajo, llegando hasta Mar del Plata.
¿Y cómo fue la repercusión del público en esos lugares?
MARTÍN: Bien, bien, buenísimo. La verdad que la respuesta estuvo buenísima. La banda se fue afianzando con el paso de los shows, ya estamos súper afilados con La Trastienda, y la gente fue respondiendo muy bien en todos los shows.
Sienten que se abrió un nuevo público ante De Bueyes ¿o la mayoría son ex bersuiteros?
CÓNDOR: Al principio estaban los bersuiteros curiosos, a ver qué era De Bueyes, pero hoy en día sigue estando esa gente porque le gustó y se quedó, y hay gente nueva que está viniendo a los shows y está trayendo a otra gente así que bueno, felices nosotros.
¿Qué opinan de los proyectos de los otros ex Bersuit?
OSCAR: Bien, el disco de Juan (Subirá) un disco diferente, un disco inteligente, un disco para sentarse a escucharlo y disfrutarlo, con una temática bastante fuerte… El disco de Cordera, un disco más liviano, un disco más pop, que habla más desde el lugar de la mujer, según él, y también un lindo disco, incluso Pepe y yo trabajamos y produjimos “Suelto”, y contentos que los chicos estén trabajando, que estén tocando al igual que nosotros, y bueno que también estén probando esto que significa estar separados entre paréntesis y cada uno con su espacio de libertad armando con lo que tenía ganas de armar: nosotros un grupo, y tanto Juan como el Pelado que ya tienen plasmados sus discos, trabajando en sus carreras solistas, mientras Albertito está terminando su disco de su grupo “La Demanda”, y Carlitos está trabajando en un proyecto que se llama “Música viva”, que tiene que ver con improvisaciones y meterse en el estudio a descubrir qué es lo que sale sin ninguna cosa que tenga que ver con un pensamiento pre estipulado de lo que se va a tocar… digamos “cerrá los ojos y mira” es un poco. Así que bien, todos intentando hacer cosas nuevas y bueno, en un momento muy lindo por lo menos el de los Bueyes, contentos por que el disco funciona muy bien, las canciones gustan mucho, la banda está un poquito más afianzada y bueno, con el correr del tiempo va a ir creciendo el grupo y vamos a ir creciendo nosotros como grupo.
¿Está la idea de compartir un escenario o un disco con algún ex Bersuit en un futuro?
PEPE: Si, de hecho Juan compuso varios temas, yo compongo con él, o sea que cualquier canción que entre a un disco de Bueyes va a estar Juan haciendo letras casi siempre… ningún problema… Carlitos estuvo en la presentación del disco también, así que sí, sería algo totalmente natural, es incluso un sueño hacer todos los proyectos juntos, tocar en algún lugar y luego por qué no Bersuit tocando algunos temas.
¿Cómo es el proceso de composición de los temas?
PEPE: Y… básicamente entran las canciones mías (Risas). No, mentira. Estamos haciendo demos nuevos… te das cuenta de hecho cuáles son las canciones que despegan, cuando estamos escuchando, se despegan solas, y bueno… estamos utilizando el sistema de composición colectiva, que es siempre muy saludable… Siempre las mejores canciones te das cuenta en una primera escucha cuáles son o por lo menos cuáles son las que más te gustan. Igual siempre es ideal el trabajo de un productor externo que ve las cosas de afuera como un “Gran DT”, que bueno quizá para el próximo disco tengamos a alguien que colabore en ese aspecto. En éste disco colaboró Alejandro Vázquez, sobre todo con las mezclas finales, así que no sería raro que quizá el próximo disco lo produzca él.
KAPANGA VUELVE AL LUNA PARK
Antes de su gira latina y su presentación en el Festival Vive Latino, la banda presenta de forma oficial Todoterreno.
Kapanga está terminando su último ensayo en los estudios El Santito, a horas de presentar en el Luna Park su último disco, Todoterreno (editado en 2009, acompañado por un film protagonizado por la banda y dirigido por Farsa Producciones). La banda viajará la semana próxima a México, para tocar en el Vive Latino 2010 (23, 24 y 25 de este mes) e iniciar una gira latinoamericana. Pero el Mono Fabio, frontman del grupo, define qué se siente antes de tocar en el Madison argentino. "Primero, cagazo siento", enumera. "Y después... una emoción muy grande".
¿Por qué es especial para vos llegar al Luna Park?
Porque en el Luna Park yo vi a Los Titanes en el Ring, a los Globetrotters, a los gimnastas rusos... ¡Yo vi a A-ha en el Luna!
¿La puesta en escena va a estar ambientada en Todoterreno, la película?
No, ¿sabés que no? La película tomó su vuelo propio. Entonces apuntamos a la música, a poner adelante a la banda. Apuntamos a eso. Y las imágenes que se van a proyectar no van a tener nada que ver con la peli.
Es una gala especial, ¿cuál es el dress-code?
Ninguno. Vengan cómodos... Cómodos y con una remera de repuesto.
LA NOCHE QUE SUMO SE VOLVIÓ CUMBIA
En su programa, Roberto Pettinato tocó "Debedé" con Damas Gratis. Mira el video y comparalo con la versión original de 1985.
"Va a tocar cumbia el Petti, eh", apuró Pablito Lescano, de Damas Gratis. "A esta altura de la vida... Vamos a tocar un tema de Sumo", respondió Roberto Pettinato mientras se calzaba el saxo, y Lescano y su banda arrancaban con el teclado / amteralladora más una base 100% zumbiera, que derivaba en los acordes de "Debedé", el clásico de Sumo del álbum debut, Divididos por la felicidad, de 1985.
Fue el jueves pasado, hacia el fin de Un mundo perfecto, el programa que con la combianción de un Petti más suelto e inspirado que la temporada anterior, la eficacia "en cámara" de la potente Amalia Granatta y el uso de Facebook como herramienta y fuente de contenidos (los comments "desaforados") ha logrado revertir el fracaso del año pasado e instalarse en la franja nocturna de América.
Esa noche, con Lescano de invitado, el programa del ex Sumo tuvo un promedio, según IBOPE, de 6,6 puntos de rating, y en el mes acumula un promedio de 6,4, según Television.com.ar, con la misma fuente.
Mirá el video y comparalo con la versión original, de la banda de Luca Prodan, en 1985.
MIRA EL VIDEO: Hace clic en el link
http://www.youtube.com/watch?v=L8lnhIdf6QE&feature=player_embedded
CALLEJEROS ANUNCIA UN NUEVO SHOW
Desde su site anuncian una fecha el 15 de mayo en Tucumán, y de manera escueta hablan sobre la salida de Eduardo Vázquez y Elio Delgado de la banda.
Una vez más, Callejeros eligió su página web para hablar sobre los últimos sucesos referidos al grupo: en este caso, la salida de la banda de Eduardo Vázquez y Elio Delgado y, al mismo tiempo, anunciar su próximo concierto: el próximo 15 de mayo en el estadio de Central Córdoba de la provincia de Tucumán.
"Ante las informaciones trascendidas referentes a la banda, comunicamos que estamos pendientes de la situación de Edu a quien apoyamos desde un primer momento y lo acompañamos en su recuperación. Le deseamos lo mejor a Elio en la promoción de su nuevo proyecto El Hito. Por nuestra parte, nos encontramos el 15 de mayo en Central Córdoba de la provincia de Tucumán", fue el escueto texto que subió el grupo a Internet. No hay precisiones acerca de la formación que se presentará en el Jardín de la República (cabe recordar que los miembros originales de la banda que quedan son Patricio Santos Fontanet, Juan Carbone y Cristián Torrejón) y pocas sobre el show: las entradas saldrán $ 60, y se ponen a la venta el próximo viernes 16 de abril.
ROGER WATERS GIRA CON "THE WALL"
El músico conmemora los 30 años del disco de Pink Floyd con un tour mundial y una puesta en escena acorde al acontecimiento.
Han pasado 30 años, pero The Wall todavía tiene un gran peso específico en el mundo del rock y en la vida de Roger Waters, uno de sus creadores. Para conmemorar el aniversario de ese disco de Pink floyd que rompió con los moldes de la época, Waters planifica una gira con una nueva puesta en escena que espera atraer una nueva generación.
El co fundador, bajista y principal compositor de la banda, dijo que cada vez que interpreta temas de ese disco, basado parcialmente en su vida, éste cobra un nuevo significado. "Hace 30 años cuando estaba como enojado con la vida y no era un chico muy joven (de espíritu), me encontré a mí mismo tomando la defensiva porque estaba asustado con muchas cosas, y me di cuenta de que en esa historia personal, quizás hay escondida una alegoría sobre temas más generales y universales, políticos y sociales", indicó.
"Es realmente por esa razón que decidí crear un nuevo espectáculo basado en ese disco, usando muchas de las mismas cosas que años atrás", dijo. Waters no solo desempolvará el recital que la extinta banda Pink Floyd solía montar, sino que usará nueva tecnología que le permitirá hacer cosas con las que solo podía soñar en los '80 y '90.
"Los sistemas de proyección ahora son completamente distintos de lo que había entonces, lo que significa que seré capaz de proyectar sobre toda la pared de
Aunque la gira promete grandes montajes teatrales, lo más importante para Waters son los comentarios políticos y sociales de su disco, que entiende aún están vigentes. "Cuando lo hicimos entonces, estábamos al final de la Guerra de Vietnam, y ahora estamos en medio de las guerras de Irak y Afganistán, y hay un gran mensaje anti-bélico en The Wall. Lo había entonces y lo hay ahora", indicó.
Waters quiere tener un segmento dentro del concierto en que rinda tributo a los soldados que han perdido la vida en los distintos conflictos bélicos. La gira arrancará el 15 de septiembre en Toronto, Canadá y culminará el 15 de diciembre en Anaheim, California. También incluirá fechas por Europa.
Para Waters, esta gira culminaría sus días en el escenario. "Ya no soy tan joven. No soy como B.B. King, o Muddy Waters", indicó el músico de 66 años. "Mi amigo Eric Clapton tocará la guitarra y estará sobre el escenario hasta el día que se muera, porque eso es lo que él hace".
"Yo no soy un gran cantante o un gran músico o lo que sea, pero aún tengo el fuego dentro de mis entrañas, y tengo algo que decir".
EN ARGENTINA?
FUENTE: Neptune Pink Floyd
Argentina ha estado en el itinerario de las dos ultimas giras mundiales de Roger; en 2002 y 2007 nos visitó dejandonos shows increibles e inolvidables, asi que no puede extrañar a nadie que Argentina vuelva a ser una de las escalas sudamericanas de su nueva gira mundial.
Imaginen poder ver en vivo "The Wall", tal como sucedio entre 1980/1981 o mas cerca en el tiempo con el show de Berlin de 1990, aunque estemos hablando de ¡20 años!. Por supuesto un megaevento de estas caracteristicas no va a ser nada barato y en caso de que venga por estos rumbos, un ticket, como barato, —imagino yo—, no creo que cueste menos de........... bueno, imaginen usted cuanto puede salir.
CRÍTICA A "CONFÍA", EL NUEVO TRABAJO DE FITO PÁEZ.
El maestro amor después del amor
Por Emanuel Rodríguez para suplemento VOS
Si algo aprendimos escuchando a tipos como el Fito Páez joven es justamente a no confiar en tipos como el Fito Paez viejo. Por eso el pedido que hace Fito en este disco no deja de sonar un poco fuera de tiempo y lugar, como si fuera inevitable asociar lo de “confía” al gesto canchero de Carlos Calvo cuando le decía a su amigo, “vos fumá”.
Sucede lo siguiente: antes de perder el poder de síntesis, Fito supo ser el abanderado de un rock ligeramente rebelde, furioso y sensible. Ahora, en cambio, sus letras son tan descriptivas que uno olvida, en medio de la canción, qué era lo que Fito estaba describiendo. La rebeldía deviene pedagogía, y el disco se llena de consejos de autoayuda para chicas perdidas y chicos listos.
“La vida son los círculos, los círculos dan vuelta y los círculos se van”, nos dice, “cada día es una oportunidad de salir a la calle y enfrentar al viento”, “las chicas buenas van siempre al cielo y las malas donde quieren”, “sólo se trata de caminar, vas caminando no hay nada más”, “todos le echamos fuego al leño del amor”... la verdad es que las canciones nuevas de Fito parecen un compilado de aforismos para uno de esos gurúes de Facebook, en ese tono vitalista pero un tanto pretencioso que tienen las sentencias y las definiciones.
“Así es la ley de la vida, es una ruleta rusa hecha de cal y de arena, de principio y final”, insiste. Desde Circo Beat en adelante se dice que Fito transmite mejor el dolor que la felicidad, que sus discos “viejos” y desesperados y desolados son mejores que sus discos de hombre feliz. En Confía, que tiene canciones tristes, da la sensación de que el problema no es la felicidad sino la docencia, la actitud como de un Paulo Coelho con una destacada noción del ritmo.
Cuando no renuncia a contar historias, aparece algo de un Fito confiable, pero cuando se deja llevar por la tentación de enseñarnos de qué se trata la vida, su rock se vuelve una doctrina, una religión cuyos ritos han perdido el encanto.
Por lo demás, el disco –que fue grabado en parte en una hostería de Cruz Chica, provincia de Córdoba– es sumamente cómodo, apto para el mp3 durante una caminata matinal por el Parque de las Naciones o por uno de esos paisajes que salen en las tapas de los libros de autoconocimiento y superación personal. Por acuerdo o desacuerdo con la catarata de consejos que ofrece, Confía viene bien para levantar el ánimo, contemplar con cierta sensibilidad la decadencia de los demás y repetir “tiempo al tiempo, dale tiempo al tiempo”.
CIELO RAZZO ÍNTIMO Y ACUSTIZADO
La banda rosarina que hace años viene creciendo, se presentó en el ND Ateneo el sábado pasado. Dado el éxito del doblete, los chicos anunciaron una tercera función para el 19 de mayo.
Cerca de las 9 comenzaron los aplausos de bienvenida. Los músicos sentados, con una escenografía otoñal, árboles de pocas hojas y una llena luna de fondo, abrieron el show con “Belicosis”. Para nadie es costumbre ver a su banda de rock tocando acústicamente, así que a algunos el estar sentados les duró poco. Vino “Alma en tregua”, junto al primer invitado de la noche: Cachu, en el saxo. Luego entraron Maxi (violín) y Paolo (chelo) para hacer “Carne 2″.
Pablo anunció que venía una versión que les gustaba mucho de “Puta”. Todos los temas (o la mayoría de ellos) estaban reversionados especialmente para el doblete. Unos eran más complejos de hacer, como el caso de este tema, notándose el cambio de rock a desenchufado. Igualmente, no implicaba necesariamente ser para peor, sino algo innovador y por cierto muy bueno.
Llegó una seguidilla de temas del último laburo (Grietas): “El Huracán”, “H” y “Algen”, con una respuesta más que positiva de parte del público. La banda sonaba cada vez más rockera, dejando un poco de lado la consigna del recital. “Reacción” fue anunciado como un tema que quedó fuera de la selección para este último CD, y terminó enamorando a todos. Por ende, altamente recomendable (busque el que quiera el video en YouTube). El ambiente estuvo tranquilo por completo los minutos que duraron los acordes inéditos.
“La cuna del Sol” continuó con la magia, y Diego Almirón -alias Pájaro- quedó en el escenario junto a Javi Robledo, para hacer “Unicornio”. No podía faltar “Charlone”, contando con la reaparición de Pablo y su voz.
El típico corte llegó, y por unos minutos el murmullo tomó el lugar de la música mientas todos nos tomábamos un descanso. “Sin salida” fue la elegida para retomar, contando sólo con Pablo al frente del público. Ya llegando al final, vino “Barek” –uno de los temas de Grietas que sirvió de difusión- y con él los razzeros se pusieron de pie, desplegaron banderas y el teatro dejó de tener asientos por un rato. Se anunciaba la llegada del punto culminante del show, y con esto un par de palabras desde el micrófono contaron que “queríamos mostrar otra cara, y no estábamos seguros de si les iba a gustar”. Parecía que las inquietudes e incertidumbres habían ido desapareciendo desde el inicio.
Cerca de las 11 de la noche, con “Madre poder” y “Luminoso”, terminó la primera función. El Ateneo estuvo colmado, las entradas agotadas, y el público –aún quedándose con las ganas de saltos- quedó sorprendido, satisfecho, con el sonido impecable del que disfrutaron, y de ver que Cielo Razzo sigue conquistando terrenos nuevos, con el mismo éxito de siempre.
REPORTAJEA PITY ALVAREZ
“la banda no estaba preparada para ese show tan masivo”
Autor: Pablo Díaz D'angelo (desde Rosario) para Rock.com
Antes de tocar este próximo sábado en el estadio Cubierto de Newell’s, en Rosario, Pity Alvarez habló de todos los temas que le plantearon. Desde el nuevo disco que podrían grabar este año hasta los incidentes en el regreso de Viejas Locas en Vélez, que le costó la vida a un chico a raíz de la represión policial. Y una autocrítica que no suele ser común en los artistas.
Pity AlvarezEl Dr. Alvarez es un verdadero copado. El fulano llegó el lunes a la conferencia de prensa, al hotel céntrico rosarino, con una petaca (económica) de vodka y una lata de energizante, para su cóctel genérico. Posó, con acting incluido, para las fotos, se sentó donde quiso y de allí, más que una rueda de prensa, la charla con el ex Intoxicados, hoy en plena re-fundación de Viejas Locas, mutó en una conversa con el ex Cristian, el creativo genuino, la chispa y la estampita del rock vernáculo actual, un pibe divino y original, un loco lindo.
Por momentos lúcido, por momentos elocuente, Pity Alvarez es generador constante de opiniones diversas, pero se brindó a los periodistas con un gesto encontrado de tristeza encantadora en su rostro que fue disminuyendo su tenor en la medida que recibía el calor de las preguntas realizadas con buena leche. Conformado en un rockstar, con buena pilcha (para nada made in
A Pity hay que traducirlo, transcribirlo y surcir sus frases una por una. Luego interpretarlo y recién comprenderlo. Es un meticuloso trabajo para apreciar lo que una de las figuritas del rock vernáculo tiene para decir, ese mito viviente que es Cristian Alvarez.
¿Cómo estás viviendo esta nueva etapa de Viejas Locas?
Muy bien. Qué loco no? Andar repitiendo esta historia, que empezó siendo un proyecto para hacer un recital, pero me terminó gustando el sonido y lo que habíamos logrado en los ensayos.
¿Y cómo empezó todo de vuelta?
Pity AlvarezPrimero nos juntamos con Abel (Meyer-baterista), Fachi (Fabián Crea-bajista-) y empezó a gustar como sonaba, por eso no queríamos que sea algo pasajero. Creo que daba para más. Y empezamos a versionar los temas, a ponerle un poquito más de garra. Buscar sonidos. Comprar equipos, Cambiar notas. Además hicimos dos videos, uno todavía no lo vio nadie. Y creo que hay posibilidad de grabar algún disco.
¿Qué diferencias hay del Viejas Locas actual con el anterior?
Que pasaron diez años y el tiempo es el gran profesor y enseñó algo. Y si lo supiste aprovechar tiene que salir algo mucho mejor. No es lo mismo un pibe de quince tocando la guitarra que un tipo de 50.
¿Y de qué cosas te diste cuenta después de este tiempo?
Por ejemplo que la nota más importante es el silencio… creo que estamos usando un poco más el silencio.
¿Después de aquella separación de Viejas Locas estuvo dando vueltas la idea de volverse a juntar?
No, no, no. Sí, sí (sic). Dije que era como separarme de mi esposa pero nunca se me había cruzado por la cabeza re-fundar Viejas Locas. A lo mejor tocar en la banda de Fachi me acercó, porque terminó siendo el nexo. El que me venía a romper las pelotas seguido para hacer algo, “zappar” un rato y yo no quería (tose).
¿Y cómo es la relación ahora con Fachi ahora?
Es mejor. Ya no tenemos esos berretines de niño. Nos tomamos todo más serios, más adultos.
¿Disfrutaste de los shows de Velez y en Cosquín?
Del primero no tanto. Fue mucha responsabilidad por haber empezado a lo grande y creo que la banda no estaba preparada para ese show tan masivo. Habría que haber arrancado con algo más chiquito.
¿Cómo te enteraste de los incidentes del show de Velez?
Pity AlvarezTres días después, o una semana, no recuerdo bien, porque salí del recital, me fui a mi casa y me quedé ahí por una semana. no prendí la tele, ni atendí a nadie. Me enteré por la gente. Hasta que lo comprendí, lo fuimos a ver al pibe en sus últimos días.
¿Qué sabés del chico?
(Rubén Carballo, un chico de 17 años) fue encontrado como a tres cuadras, se quisieron hacer los “boludos”, las pericias no daban. La familia nos apoyó mucho y nosotros a ellos. Le conseguimos el servicio de sepelio, porque no tenían obra social. Y quisieron hacer una marcha en Plaza de Mayo y le buscamos los medios. Porque no estábamos ni enterados porque no fue una organización nuestra.
¿Y qué pensaron?
Nosotros fuimos contratados como los artistas de una productora (Fenix) que no hace “rocanrol”. Tienen artistas buenísimos: (Ricardo) Arjona, (Joaquín) Sabina, con mucha convocatoria, pero cuando ellos vieron que se vendían las entradas de Viejas Locas muy rápido, pusieron mucha seguridad. Si hubiesen puesto la mitad de policías, seguro no pasaba nada, porque a la gente no le gusta estar tan custodiada.
¿Cómo fue tu llegada al estadio de Velez?
Llegué tardísimo y capté todo eso que pasaba. Mucha policía, mucha gente afuera. Y después hablando con ellos me decían que había sido más difícil y peor que entrar a un Boca-River.
¿Van a volver a trabajar con esa empresa?
No se, no somos exclusivos de nadie.
¿Seguís viviendo en Piedrabuena?
Me mudé a un barrio de monoblocks que está a quince cuadras más o menos.
¿Y la realidad del barrio, te sirve para escribir en este Viejas Locas?
No hago hincapié en la violencia. Me pasa por al lado, pero cuando compongo, porque la veo de cerca. Me codeo con ella, pero estaría bueno que si vos respetás, te respeten.
¿Qué pensás de todo lo que se dice de vos?
La verdad… digan lo que quieran. Cada uno tiene su forma de ver las cosas (mientras hace algo de percusión con la silla donde permanece sentado).
¿Y el hip-hop? ¿Va a haber algo en esta nueva etapa?
No creo, Viejas Locas no está preparado. En Intoxicados había gente con la cabeza más abierta. No porque no lo puedan hacer, porque no pueden hacer algo que no sienten.
¿Disco nuevo?
Probablemente, en mayo vamos a hacer unas demo. Temas tenemos. Cuando nos separamos con Viejas Locas quedaron algunos temas en carpeta y Fachi me los recuerda. Algunos hechos hace 20 años. Esas canciones son partes de mi vida.
¿Qué tema disfrutar tocar?
Los lados B. Los que la gente no quiere que toquemos (risas), porque me cansé un poco de los conocidos. A lo mejor la gente lo quiere, pero no vamos a tocar un tema si no tenemos ganas. Como “Todo sigue igual” que es un tema del guitarrista que no está más… Y aparte todo no sigue igual.
¿Cómo ves el rock actual? La separación de tantas bandas.
¿Se separaron muchas bandas? Intoxicados se tomó vacaciones. De Bersuit (Vergarabat) sabía, de Los Piojos y de Attaque 77 también y me gusta más ahora, está más power. Me gusta que se haya separado
¿Viste alguno de los shows internacionales qué pasaron?
Todos.
¿Hay mucha diferencia con los bandas internacionales?
Sí, por lo equipos y toda la infraestructura.
Nota de color: sobre el final de la charla (en la cholula “sesión” de fotos), una señorita se acercó y le dijo: “Pity, yo tengo un gato que se llama como vos… en tu honor”, y el auténtico Cristian A. contestó, luego de unos segundos en que su rígido se booteo: “Uhhh, pero justo un gato, yo preferiría un rottweiler”.
¿Que te pareció AC/DC?
… (Onomatopeya)… Pity balbuceó un sonido orgásmico y alabó a los australianos, solo con gestos. A veces, la kinesis de una dice más que muchas palabras. Los medios, quizás, demonizan, elevan y destrozan personajes cuando dejan de serle útiles. Pity parece anti-destructible, y hasta aparenta estar cuidándose de sí mismo permanentemente. Un incorregible. Histriónico, sencillo, y vive en esa contradicción constante entre la incompresión y el fanatismo. Viejas Locas está llegando, y el sábado se presenta en Rosario, en el Estadio Cubierto de Newell’s Old Boys. La mesa está servida… ¿Quieren rock?
CHALA RASTA
"NO SONAMOS COMO LAS BANDAS TÍPICAS"
Christian Gordillo, cantante de la banda reggae, cuenta el detrás de escena de "Hombre de barro", el flamante disco/libro del grupo.
Por: Carmen Torcellán
Un disco/álbum. Esa es la última idea que encaró Chala Rasta cuando el grupo reggae (con casi 20 años de trayectoria) se dispuso a armar su octavo disco. Así nació Hombre de barro, donde lectura y música se fusionan para ir más allá. "Hombre de un barro que no mancha su honor/ El fango redentor expulsa el aguijón", canta Christian Gordillo, líder y voz de la banda, en el tema que da nombre al disco y que pretende ser una muestra de la ideología del grupo. -¿Por qué decidiste escribir un libro para sumar al álbum?
-Desde hace tiempo con la banda buscábamos hacer algo más allá. Ya teníamos siete discos, algunos con más y otros con menos producción. En este caso se dio todo, yo tenía la idea de escribir y contar un poco más el trasfondo de las canciones con historias mías.
-¿Quién es el "hombre de barro"?
-La canción es un homenaje a los trabajadores. Fue el último tema que apareció y cerró el concepto. La idea era que en la selección de canciones haya variedad y que no sea monótono como muchos álbumes de reggae.
-¿En qué se diferencia Chala Rasta de otras bandas locales?
-No sonamos como las típicas bandas de acá. Hacemos reggae argentino, hablando de nuestras cosas y sin renegar de determinados ritmos o instrumentos si la canción lo pide. No somos puristas en ese sentido, tenemos melodías que no son tradicionales.
-Sin embargo en este disco tienen muchos colaboradores...
-Ninguno de ellos era amigo nuestro. Los invitamos y les pasamos los temas que nos parecían adecuados para ellos. Lo bueno es que ninguno vino para cumplir: se quedaron todo el día grabando e hicieron varias tomas.
-El libro arranca con la historia de cómo nació la banda: ¿qué logros tienen pendientes?
-Nosotros siempre tuvimos mucha convocatoria, pero algunas veces es difícil hacer algo de calidad superior con poco presupuesto. Nos interesa llegar a la mayor cantidad de gente posible, pero hay que ver cuál es la mejor manera para hacerlo. No se puede decir que quién más gente mete es mejor banda que otra, porque no así. En el fondo, todos queremos ser escuchados.
PEZ
PRESENTA DISCO Y BARRE MITOS: "NUNCA FUE NUESTRO INTERÉS SER UNA BANDA DE CULTO"
La banda de Ariel Minimal, eterna candidata al título de secreto mejor guardado del rock nacional, estrenará mañana en vivo su disco número 12. En una entrevista, su cantante le quita trascendencia a la autogestión y a los rótulos: "La canción es la misma si la saco yo o si la saca el sello de Ricardo Fort".
Por: Guillermo dos Santos Coelho
"Hacer lo que queremos". Casi 17 años y 12 discos después, ese es para Ariel Minimal el secreto de la longevidad de Pez, la banda que lidera. Y que mañana presentará en
- ¿Cuál es el secreto de la longevidad?
- ¡Hoy vi que los Súper Ratones cumplen 25 años, viejo! No sé, hacer lo que queremos, y tenerle mucho cariño a todos nuestros proyectos y a bancarlos con todo. Y a creernos este juego que estamos jugando hace tanto tiempo.
Ex Fabulosos Cadillacs y cabeza del grupo que mejor cuadra en el lugar común de "secreto mejor guardado" del rock nacional, Minimal es el compositor principal de Pez, y el único miembro que se mantiene desde el inicio de la banda, que mutó de primeros discos más vinculados con el hardcore y el punk a obras más experimentales, jazzeras o cercanas al prog rock. Y ahora parece revisitar los comienzos con varias vueltas de tuerca.
- Pasó mucha gente... ¿El grupo quizás es más grande que la formación que presenta circunstancialmente, no?
- Se va armando una obra, que después cada uno decide si le gusta o no, pero está ahí. Eso queda insoslayable. La suma de todo lo que pasó en este tiempo es Pez. Entonces siempre el Pez actual tiene que encarnar todo lo que fue a través de los años.
- ¿Qué paso significaría este disco en la carrera de Pez? ¿Cómo lo presentarías?
- Es raro, es el 12° disco, pero a la vez para nosotros siempre es una situación nueva. Nos gusta mucho haber afianzado la formación. Pez pasó por diferentes formatos de banda, pero hace como cinco años que estamos como cuarteto y estamos reestablecidos. Esta formación va perfeccionando la forma de interpretar las canciones. Cada vez que hay una formación nueva es jugar a descubrirse, pero cuando ya hace varios años que tenés una misma formación ya tenés en claro cómo juega el equipo y te dedicás a pulir otras cosas.
El disco desnuda desde su duración la urgencia: son 13 canciones en apenas 33 minutos. Otro guiño al pasado: fue grabado en Estudios del Abasto con Angelo Villagra, alguien muy cercano a los comienzos de la banda.
- Quizás se veía venir en el disco anterior (El porvenir, de 2009), pero ¿podríamos definirlo como un regreso a los orígenes de Pez, más acelerado, con más guitarra distorsionada, después de las experimentaciones en discos anteriores?.
- Para nosotros no es como una vuelta atrás. Es como estar otra vez en otro lugar. Me parece que Pez va a seguir sacando discos recontrarockeros y en algún momento va a mechar algún otro disco sin distorsión, medio folk, quizás en otro momento algún disco instrumental. Me parece que Pez tiene muchos otros costados. No lo vivimos como un retroceso sino como visitar de vuelta esa situación. Me parece que musicalmente tenemos muchas identidades y todas son Pez, pero a la vez nos gusta diferenciarlas un poquito. No es que un disco va a tener todo.
- Pez es una de las bandas más apreciadas de
- Nunca fue algo que nos interesara. También entiendo que es un mote cariñoso. Por lo general se les dice banda de culto a bandas que están buenas. Nadie se lo dice a bandas pedorras. Obviamente no nos molesta, pero nunca fue nuestro interés. A nosotros nos gustaría ser recontrapopulares y tocar todos los fines de semana en la esquina de tu casa. Nosotros no alentamos la situación. Es lo que de algún modo nos toca. Del modo que tenemos de sacar los discos, del modo que tenemos de no difundirnos, todas esas cosas terminan dictaminando el tipo de carrera que terminamos llevando, pero no es nada dogmático. Estamos al tun tun y somos bastante hippies, por eso nos va como nos va, ja ja.
- También plantean un modelo de autogestión. Desde la propia creación del sello y en el manejo de la carrera apuntan a eso también...
- Pero es algo que ocurre. Lo que importan son las canciones. La canción es la misma si la saco yo o si la saca el sello de Ricardo Fort, y se pone a sonar las 24 horas. La canción es la misma. Nosotros queremos hacer hincapié en eso. El modo en que lo hacemos es el modo que encontramos nosotros para poder hacer las cosas. Para mí no es mejor ni peor que firmar un contrato con alguien o lo que sea. En algún punto es irrelevante.
La presentación del disco (mañana a las 21 en
Desmitificado el rótulo de banda de culto y desmitificado también el planteo de la autogestión y la independencia por encima de la música en sí, el cantante y guitarrista pide entonces más sencillez.
- Hay una contraposición muy fuerte entre la tapa de este disco (una imagen de los miembros de la banda en una especie de raid urbano con mucho movimiento) y la del anterior (una foto de un anciano sentado plácidamente en un sillón, como contemplando sereno el futuro). ¿Hay algún mensaje ahí?
- Lo bueno es que cada uno puede interpretar lo que quiera. Somos una banda de rock, eh...está todo mucho más en la superficie de lo que parece.
ENTREVISTA A SKAY BEILINSON, QUE SACA "¿DONDE VAS?"
“Ya hicimos mierda todo”
El ex guitarrista de Los Redondos dice que el modelo de “negocio” del rock está terminado, que ya se rompió todo lo que había que romper y ahora el rock quedó “desnudado como música dependiente de sponsors”. Sólo queda inventar algo nuevo: “Hay que recuperar la belleza”, piensa.
Por Lucas Kuperman y Luis Paz para suplemento NO Pagina/12
El modelo Redondos ha caducado. Con un Gitanes en la izquierda, una porción de budín de naranja en el plato y un mate en la derecha, Skay Beilinson sentencia el final de la política de imitación de modelos, incluso del de la banda a la que le puso alma y solos, y alecciona: “Obviamente yo no soy quién para juzgar, a esta altura. Pero si hacés mucho hincapié en copiar un modelo anterior, perdés la otra cosa, que es lo que tenés que hacer, lo que tenés que construir vos mismo. Hoy copian modelos de rockstar y lo que estoy diciendo es que por lo menos tenés que inventarte un modelo. Eso de tirar televisores, fumar porro y todo eso de los que creen que son unos bananas, es estúpido. Inventate un modelo. El modelo de Redondos funcionó porque antes no había nada así, pero ahora es momento de construir donde no se ha construido aún, de inventar y crear”.
Cuando el NO llega a la casa palermitana de Skay y Poli, se encuentra con Eduardo Beilinson, que invita a pasar a su “baticueva” cual Bruno Díaz desenmascarado, sin sus lentes, su sombrero ni su pañuelo característicos. La intención es hablar sobre ¿Dónde vas?, su flamante cuarto disco solista (aunque luego se verá si, efectivamente, se trata o no de una carrera “solista”), en batea desde el viernes; y tener un acercamiento al universo Skay, ese que incluye la posibilidad de una isla, magia y misticismo, simbologías, cosmogonías, rock, estudios, viajes (mentales y físicos), shows, púas, budines, pajaritos y los zapallos de Poli, la eternizada compañera de Skay desde su adolescencia pre Redondos.
Vagan perdidos, sedientos de amor
“De alguna manera, ¿Dónde vas? es una invitación a recorrer distintos territorios, lugares, comarcas. Es el diario del viajero que emprende su camino y al que el reloj de arena le está recordando que sólo está de paso”, explica Skay sobre la obra, que estuvo por llamar “Bitácora”, entre “otros muchos nombres”. En este álbum, así como en A través del mar de los Sargazos (2002), Talismán (2004) y La marca de Caín (2007), el guitarrista vuelve a referirse a caminos, viajes y tiempos: “No es algo adrede, son esas cosas que uno no puede sacarse. Las canciones son territorios, tanto físicos, imaginarios y mentales. Son otra manera de entender el espacio”.
Visualmente, el disco impacta: un reloj de arena en relieve, que deja ver una cara en vías de sufrimiento, en la tapa; un lienzo que envuelve el libro, cosido e ilustrado; y el propio libro, contenedor del disco. Un trabajo magistral del Mono Cohen, Rocambole. “Es pura genialidad suya. El trajo la idea del reloj de arena, que cierra con el concepto del viaje, el paso del tiempo y ese volver al inicio.” El disco fue registrado en los Estudio Conde, con Joaquín Rosson como ingeniero (el mismo de su anterior disco). “Es un estudio sencillo, como estar en tu casa. De todas maneras, no me meto a grabar y termino un disco, entro diez días, salgo para tocar, pasa una semana, vuelvo al estudio, arreglo alguna, cambio otra”, cuenta.
–A esta altura, ¿por qué no un estudio hogareño?
–Soy muy malo para la tecnología, no tengo computadora ni celular. Se necesita tiempo para usar bien el Protools, que está genial, pero si sos ágil. El tiempo que me lleva usarlo es demasiado. Soy del viejo modelo analógico. Elijo estudios chicos, con ingenieros que entiendan Protools y que me sepan leer. Lo demás es buen gusto, imaginación y creatividad.
La rueda de las vanidades
“Como dice Troilo, yo nunca me fui, siempre estoy volviendo”, parafrasea Skay, antes de comenzar una exposición sobre los comienzos de las cosas. “Siempre empezar tiene una gloria que después no vuelve. Los momentos del principio están cargados de mucho entusiasmo: explorar esos sonidos donde no buscaste, encontrarte con otros músicos y la manera de hacer música nueva. Esa gloria es lo que más rescato de mi trabajo. Y también que hoy nos entendemos perfectamente con la banda y podemos tocar en cualquier lugar y formato y divertirnos.” Sin comparar a Los Seguidores de
–¿Te conflictúa el paso del tiempo?
–No, pero me hace tomar conciencia de que si me pierdo este día, me lo perdí. No estoy encima de los días como una especie de cruzada, pero trato de recordarme que mañana será otra cosa y que hay cosas que van a aparecer hoy y van a quedar, una frase, un riff, un sonido. Hago un balance diario.
–Se dice que todo viaje es un camino hacia lo desconocido. ¿Componer también lo es?
–De alguna manera, sí. El lenguaje de la música me es conocido, pero desconozco el territorio al que voy. A veces caés en los ya conocidos y se produce un vicio; y otras veces caés en lo desconocido y ahí creo que está lo más importante, en ver cómo usar eso en una canción. Me pasa con las escalas, un lugar recurrente que no se me agota, que siempre es novedad.
El rock, territorio caníbal
La charla transcurre en
–¿Qué creés que le falta romper al rock?
–Creo que romper se ha roto todo, es tiempo justamente de lo contrario, de construir, de poner donde no hay. Ya hicimos mierda todo y llegamos a tal punto de vacío que parece que ya no hay nada. Lo que falta, creo, es recuperar la belleza. Está faltando un poco de belleza aquí.
–¿Y no creés que para que haya belleza debe haber romanticismo?
–Totalmente, el romanticismo le hace bien a la vida. De lo que me tocó vivir (como estar en el Mayo Francés o en el under de los ‘80), los más heroicos y bellos momentos tenían un grado muy alto de romanticismo. Creo que no hay cambio posible sin romanticismo, donde mires: Guevara, Gandhi. Por más pragmáticos, siempre tienen un alto grado de romanticismo. Lo malo fue que rompimos demasiado y ese espacio de romanticismo quedó vacío. Hoy faltan esos locos como Omar Chabán que ponían lugares como Cemento, que era un espacio de expresión, donde todos podíamos hacer los primeros pasos, probar la banda, y si él ganaba o perdía plata era lo mismo. O lo que hace José Luis Luzzi en el Marquee, que es de los pocos que quedan.
–¿Hay esperanza de recuperar a los románticos?
–Sí, creo que hay buenas bandas aquí. Pero hay un problema: el rock era interesante porque era el vehículo de una contracultura; esa contracultura desapareció y el rock quedó desnudado como música dependiente de sponsors y de compañías, donde se nota que hay cada vez menos aventura. Lamento que todo intente ir hacia el lado de la industria, que también está haciendo agua y no sabemos para dónde va a disparar.
–Ahora que, según vos, el rock perdió el romanticismo, ¿tiene fecha de vencimiento?
–Depende de cómo veas al rock. Si lo ves como una cosa de jóvenes que tienen que saltar y todo eso, supongo que sí, porque todos envejecemos. Igualmente, creo que el rock es más que eso, creo que es una cultura.
Talismanes
La carrera de Skay está fuertemente atravesada por los símbolos. Desde el universo simbólico de
Con el modelo Redondos, muchas bandas generaron sus simbologías, sus logos y sus modos de vestir. No casualmente, las últimas bandas masivas de
–¿El problema sería, entonces, que el rock es música y no más cultura?
Skay: –Sí. Y seguirá siendo así hasta que se piensen cosas nuevas y se pongan en discusión otras, que se apuntale nuevamente una contracultura. Para eso se tiene que mover todo, no sólo la música: la pintura, la escritura, todo.
Poli: –Hoy a nadie se le ocurre unirse con el otro, porque están todos con la computadora, creyendo que están unidos. La idea de cambiar el mundo se da únicamente cuando estás con otros. Si estás con tus amigos, te aparecen ideas para cambiarlo. Siempre está la posibilidad de cambiar las cosas. Ustedes piensen que antes, a los 20 ibas al servicio militar, volvías, te casabas, armabas tu familia y listo: tu vida se terminaba.
Skay: –Esa es la idea romántica que se perdió, la de que todavía es posible cambiar las cosas. Es inevitable que el mundo cambie, no sé si para mejor o para peor. Lamentablemente, si no hacemos algo, creo que se viene uno peor, un mundo al que le va a faltar mucho la gracia.
ESPIRITU NON SANCTO
“Todos creemos en algo”
“Lo espiritual es un campo bastante impreciso –admite Skay–. Pero, de alguna manera, siempre presente. Cuando hacés una canción, hablás sobre cómo la realidad te golpea en tu interior, cómo recreás esa realidad y lo que representa para vos en tu mundo espiritual, donde está todo: los miedos, las alegrías, los sueños, todo eso en lo que uno cree.”
–¿Sos creyente?
–En realidad todos creemos en algo, hasta el ateo más ateo o el agnóstico más agnóstico. Claro que uno se va armando sus propias creencias de acuerdo a experiencias, a determinados tipos de informaciones y cómo las vas procesando. Todos creemos.
–¿Creés en la inspiración?
–Muchas veces, desde lo musical, los viajes son bastante inspiradores. Me gusta pensar que cada lugar tiene una sonoridad propia. Estás en Nueva York y el rock and roll le suena perfecto, vas a Fez y es esa música, vas a Tilcara y el folklore le sienta bárbaro. En viaje, me dejo influenciar por lo que veo y, al regreso, intento integrar todo eso en una canción.
–¿En la magia?
–Sí, la música es magia pura. En otras cosas no estoy seguro, pero en ese tipo de magias, como la musical, sí creo.
–¿Y en los fantasmas y en los dragones, presentes en tus canciones?
–Creo en ellos como personajes mitológicos, que te permiten hablar de alguien o de algún rasgo de la personalidad sin tener que nombrar a esa persona específica. Hablar de personajes mitológicos es hablar de todos. Como la idea de Dragones (la canción del disco Talismán), de San Jorge y el dragón simbolizando toda su maldad, contra la que San Jorge combate. Y después hay cosas raras, que no comprendo. La otra vez me desperté con un nombre desconocido en la cabeza. Quise buscarlo en la guía y llamarlo, pero no me animé. Otras veces sueño con música que después no puedo reproducir del mismo modo.
–Volvemos al viaje como concepto de tu disco. ¿Creés que existe un lugar en el mundo para cada quien?
Skay: –Con Poli hemos pensado, alguna vez, en una isla donde poder vivir con nuestros seres queridos y bajo nuestras propias leyes.
Poli: –Creo que como utopía es bastante buena.
–Y vos, Skay, ¿adónde creés que vas?
–Hacia allá, hacia la isla vamos. Esa es la idea. Si está en la cabeza, está en algún lugar. Y si está en algún lugar, se puede considerar real.
DE ABUELO DE
EL DOCUMENTAL BUEN DIA, DIA VALORA
Sergio “Cucho” Costantino y Eduardo Pintos dicen que es imposible que su película esté a la altura de la inmensa obra del homenajeado. El film tiene testimonios de Spinetta y Calamaro, de la mujer del músico y del hijo de ambos.
Por Luis Paz para Pagina/12
Miguel Abuelo nació el 21 de marzo de 1946, una fecha que suena casi a anagrama de la del comienzo de la última dictadura. Sin embargo, es difícil pensar en un artista que haya estado más cerca de la libertad y lejos de las opresiones y represiones que Miguel Ángel Peralta, un pibe de hogar humilde entregado a una búsqueda poética y artística proyectada en todas direcciones que, al mando de Los Abuelos de
“La verdad es que se te frunce el culo al hacer una película sobre Abuelo –admite Costantino–, pero no te podés poner a pensar en que tu homenaje esté a la altura de su obra, porque es imposible. Lo que quisimos hacer fue un homenaje respetuoso y justo, como nos pidió Krisha.” Desde su niñez hasta su fallecimiento (el 26 de marzo de 1988), con las necesarias referencias a sus viajes europeos, sus proyectos musicales y el retrato del Abuelo de entrecasa, Buen día, día propone un acercamiento a su figura global, tal vez liviano para los que más conocen de su obra, pero efectivo para los menos propios a su música. “En los testimonios queda claro que lo suyo no era una postura en la vida y otra en el escenario, sino una continuación”, remarca Costantino, también entrevistador en el documental.
“A diferencia de lo que hubiese pensado cualquiera, Spinetta fue el que primero enganchó. Lo llamé una mañana a las 11 y a las 3 de la tarde estaba bañado, cambiado y afeitado, recibiéndome en su estudio”, cuenta el autodefinido “trabajador” del cine, la televisión y la comunicación. La presencia del Flaco vale para sumar contundencia al legado poético de Abuelo en los autores del rock argentino: “Si no lo hubiese conocido, mi poesía no hubiese mejorado”, admite Spinetta en un momento del documental.
Claro que un proyecto de estas dimensiones sería imposible (o al menos posible con demasiadas limitaciones) de no contar con la voz de Abuelo. Y ahí fue que los productores recurrieron al archivo popular y al propio, para desempolvar grabaciones de la llegada de Los Abuelos al Luna Park, de la banda tocando en Badía y Cía. o de Miguel siendo entrevistado para la televisión y regalando frases memorables con esa mezcla de vocabulario ilustrado y efecto amistoso: “Uno busca la luz afuera y no es por afuera la cosa, es adentro”, “Mi histrionismo nació cuando empecé a vender en la calle” o “Los Abuelos de
Por detrás de la figura de Miguel Abuelo, se yergue en el documental un Gato Azul coordinador, que recorre la ciudad buscando pistas y legados de su padre, en una historia ad hoc (y sobre ruedas): si al comienzo de la película se ven en él sentimientos encontrados y algo de rabia contra Miguel –dice que a Abuelo “le faltó una buena paliza” suya–, sobre el final se lo ve liberado y pleno de admiración por papá. Es que el proceso de la película fue realmente largo: la idea nació en 1997, comenzaron a grabar en 2005 y la terminaron a fines de marzo pasado, días después del aniversario de su muerte. “La transformación del modo en el que Gato ve a su viejo es real, más allá de que incluirlo en el relato haya sido para construir un espacio de ficción en medio de un documental”, comenta Costantino, debutante en los largometrajes pero no en lo audiovisual, y desliza su intención de hacer otros sobre Pappo, Spinetta y Calamaro.
El Salmón, justamente, es quien parece dar la tecla al definir a Miguel, a quien le compuso tal vez la canción de amor fraternal más épica del rock argentino (“Con Abuelo”, de Honestidad Brutal): “No era un diamante en bruto. Era un diamante, brutos eran los demás. Era el barro que se subleva”, precisa Calamaro en el film. Sobre el cierre de la entrevista, Costantino toma un tono entre confesional y místico: “Me pasó algo raro, sobrenatural, mientras hacía la película. En cuanto la abandonaba un poco, Miguel se me aparecía. Subía a un taxi y sonaba ‘Buen día, día’; o Gato Azul y Krisha me llamaban el mismo día; necesitaba una canción para un momento particular y la pasaban en la radio: demasiadas coincidencias como ésas hubo a lo largo del trabajo para esta película”. Para un artista que siempre ha sido un buscador, como Abuelo, no sería raro que haya hallado la forma de actuar más allá de las posibilidades de la materia. Cosas suyas.
* Buen día, día será proyectada el viernes
ROCAMBOLE RETRATA EL BACKSTAGE DE SKAY
Les recomiendo visitar la siguiente galeria fotográfica que publica el sitio Rosariorock (http://www.rosariorock.com/home.php).
En ella encontrarán imágenes íntimas y del backstage de Skay y Los Seguidores de la Diosa Kali tomadas durante Cosquín Rock. Se trata de un anticipo del portal rosarino para palpitar los shows de Skay del próximo fin de semana en Willie Dixon. A disfrutar!
EL REGRESO DE PELIGROSOS GORRIONES
La banda platense que en los ‘90 supo liderar la vertiente más personal y salvaje del “Nuevo Rock Argentino” le cuenta por qué, cuándo y cómo vuelve para revalidar los bien ganados laureles. Reconciliados con su pasado y sin cuentas pendientes, Bochatón, Coda, Karakachoff y Velázquez se proponen agregar un nuevo capítulo a la historia que empezaron a escribir hace casi veinte años, en el Boulevard del Sol, con amor, furia, pop, punk y psicodelia.
“La vuelta se dio en un recital en el que tocamos los cuatro con nuestras respectivas bandas; al final subimos a zapar unos temas -¡sin haber ensayado en los últimos 11 años!- y salió bueno. Listo”. El relato con que el violero Guillermo Coda resume la serie de chispas que encendieron el motor Gorrión, una década después del adiós, mezcla entusiasmo juvenil y admiración por una química particular que considera intacta. Sensaciones que comparte Francisco Bochatón, bajista, cantante y letrista de la banda: “nos gustó, nos sentimos bien y hacerlo trajo satisfacción. Los recitales y las propuestas económicas vinieron después, como siempre en la historia de la banda: nosotros hicimos las cosas y después nos llamaron. Es mucho más fuerte la necesidad de hacer algo que nos gusta y que es nuestro; creo que a ninguno le costo más que a otro volver”.
El regreso será de la mano del repertorio clásico de la banda. Pero Bochatón aclara que “los sonidos no son exactamente los mismos porque tenemos más experiencia y técnicamente otros medios; es decir, las estructuras están casi iguales, pero la interpretación es otra, es 2010″. Coda agrega que “los temas están como nos salen hoy, para mí tienen la misma vigencia que ayer y que mañana”.
“Todos tenemos mucha más experiencia y se nota en cómo tocamos e interpretamos” admite el cantante: “cada uno siguió tocando y aprendiendo, también grabando discos y eso suma”. El guitarrista aclara que “igual, en los ensayos nos cagamos de risa… ¿si son más tranquilos que en los ‘90? naaa…”.
Para los próximos recitales -incluyendo el que en algunos días ofrecerán en la Ciudad-, la banda prepara una lista basada en sus dos primeros álbumes: “Peligrosos Gorriones” (1993) y “Fuga” (1995). “Hay muchas canciones de los primeros discos y algunas menos de ‘Antiflash’… igualmente en los ensayos pasa de todo” precisa Bochatón. Y Coda no descarta sorpresas: “son los Gorriones, algo inesperado puede haber”.
En el terreno de las novedades, la idea de grabar material inédito sobrevuela pero no cobró forma. Francisco considera que “es difícil hablar de eso, lo que planteamos fue ir paso a paso”, y Guillermo que “todo es posible, pero tendríamos que tener una ‘charla técnica’”. Al fin y al cabo, ni ellos ni los otros dos Gorriones -el baterista Rodrigo “Rocky” Velázquez y el tecladista Martín “Cuervo” Karakachoff- planean poner en el freezer sus proyectos grupales junto a Miles, Pájaros y Bazaar. De hecho, Bochatón está preparando nuevo disco solista.
Ese “nuevo rock” de siempre
“Nada es ‘retro’, o mejor dicho no creo que la música tenga un tiempo determinado” recapitula Bochatón: “nosotros siempre tuvimos algo de atemporal; pero no considero que una obra de arte pase de moda, eso sólo se daría sí fuese una obra con intereses para una época”. Coda coincide con que “hay temas de los Gorriones que siguen teniendo esa cosa rara o novedosa después de unos cuantos años, como ‘Cacería de caballos’, ‘Penumbra’ o ‘Una dosis’, por nombrar sólo algunos que tienen en su armonía y letra algo diferente”.
“El ‘nuevo rock argentino’ fue una etiqueta que le puso alguien a un grupo de bandas de la misma edad” recuerda el violero: “todos sacamos nuestros primeros discos a principios de los ‘90. A la distancia, no sé si se puede decir que hubo un ‘antes y después’, pero sí que fue una época de creatividad y farra, y que dejó algunos buenos discos y otros tantos shows para la posteridad”. Bochatón evalúa que “esos años tuvieron muchas bandas que abrieron un camino, mostraron nuevos colores, texturas, sonidos y actitudes, y eso sirvió para abrir cabezas. Muchas bandas recogieron eso. La principal influencia fue generar una apertura a algo más despierto”.
“Los noventa tuvieron un sonido potente, y en el caso de los Gorriones, las producciones de los discos fueron totalmente profesionales” señala Francisco: “ideológicamente no era igual al indie actual, que en mi interpretación es algo pop o más íntimo y con producciones ‘low-fi’. De todos modos, nosotros ideológicamente tampoco estábamos tan ligados a lo que se llamó ‘nuevo rock argentino’, siempre tuvimos una vida independiente”.
“Nosotros grabábamos nuestros demos en una portaestudio de cuatro canales, y hoy podés hacer un disco en tu casa con una PC y colgarlo en la red” subraya Coda: “para una banda ‘indie’ o under eso es una gran diferencia”.
MIRA EL VIDEO: Escafranda (En vivo 2009)
http://www.youtube.com/watch?v=Ls1P2N_loYA&feature=player_embedded
EL DIVINO ANDRÉS
Andrés Calamaro ya tiene nuevo simple y acá se puede escuchar: “Los divinos” es el adelanto de su próximo disco, que estará en la calle el 1 de junio y se llamará “Calamaro on the rock”.
Poco se sabe de este nuevo trabajo, sucesor de “La lengua popular” (aunque en el medio haya editado “Obras incompletas”). La banda que lo acompaña está integrada por Guido Nisenson, Candy Caramelo y Rafael Arcaute. Y además, tendrá varios invitados: Diego El Cigala, Enrique Bunbury, Loquillo, Niño Josele, Calle 13 y Pereza.
En cuanto a las próximas presentaciones del Salmón, están confirmadas: 1 y 2 de mayo en Junín, 4 en Rosario, 7 en Neuquén, 9 en Mendoza, 14 en Montevideo y 17 en La Plata.
En su cuenta oficial de Twitter (reconocida recientemente), Andrés publicó: “Ya sabemos que LA PRIMERA CANCION tambien es la mas ligera, pero tambien sera la preferida de algunos , aun asi … tiempo al on the rock”.
“Los divinos”
Cuando un cántaro se rompe,
y no hay monedas en la fuente.
Cuando uno se despierta,
y ya no es indiferente.
Y no existen los destinos,
ni siquiera los divinos,
desafinan los metales,
sin principios ni finales.
La ciudad se queda sola
y nadie me da bota.
Hoy es hoy, ayer fue hoy, ayer…
Cuando te quedas adentro,
mientras se derrite el centro.
Siempre hay alguien acostado,
sin aire acondicionado.
Y no existen los relojes,
el verano esta caliente,
desafinan los pianos,
como todos los veranos.
La ciudad se queda sola,
y nadie te da bota.
Hoy es hoy, ayer fue hoy, ayer…
Y no existen los destinos,
ni siquiera los divinos,
desafinan los metales,
sin principios ni finales.
La ciudad se queda sola,
y nadie, nadie, nadie te da bota.
Hoy es hoy, ayer fue hoy, ayer
