ARRANCA ROCK IN RÍO, FESTIVAL MONUMENTAL
Asombrate con los números de uno de los eventos de rock más importantes del planeta, que tiene además una grilla para envidiar.
Por Agencia EFE
El Rock in Rio, que comienza este viernes, es una de las mayores citas musicales del mundo por las estrellas que actúan y por las impresionantes cifras que giran en torno al festival, como las 3.000 toneladas de material empleado en la construcción de la Ciudad del Rock, según los organizadores.
Este recinto, que recibirá un público de unas 800.000 personas en las siete noches de concierto, se levanta a unos 30 kilómetros de la zona céntrica de Río de Janeiro, sobre una enorme superficie de 150.000 metros cuadrados cubierta en parte por 40.000 metros cuadrados de césped artificial.
El escenario Mundo, al que se subirán 35 estrellas de la música de la talla de Elton John, Rihanna, Shakira, Metallica y Red Hot Chili Peppers, fue diseñado con paneles cóncavos y convexos revestidos con una chapa metálica con el objetivo de ampliar los efectos de iluminación durante la celebración de los conciertos.
Con un diseño de formas onduladas y tonos grisáceos que recuerda al Museo Guggenheim de Bilbao, el escenario Mundo mide 86 metros de ancho, 25 de alto y cuenta con una estructura que pesa unas 600 toneladas.
Los imponentes datos que se desprenden de la construcción de la Ciudad del Rock, cuyo perímetro alcanza los 2,5 kilómetros, se completan con los 2.000 metros de cableado eléctrico y las 3.000 toneladas de material utilizado para su ejecución.
El recinto, que contará con catorce horas diarias de música en directo, está presidido por diez torres blancas de luz y sonido de quince metros de altura y diez toneladas de peso que fueron diseñadas en forma de cola de pez.
Los siete días de festival, que se abrirá con un espectáculo de fuegos artificiales y con un homenaje a los 26 años del Rock in Rio, supondrán un consumo eléctrico de 12.000 kilovatios, una cifra equivalente a la que gastan unas 600 viviendas.
El escenario Sunset permitirá la fusión de diversos géneros musicales con las actuaciones de artistas consagrados y jóvenes promesas.
La estructura, de 31 metros de ancho y quince de alto, pesa cien toneladas y su diseño se asemeja a una puesta de sol.
La fuertes emociones en la Ciudad del Rock están garantizadas con atracciones como el "Free Fall", una caída libre desde 17 metros de altura, o con una tirolina de 200 metros que comienza su vuelo desde una torre de 24 metros de altura.
El esquema que atenderá eventuales incidencias sanitarias estará compuesto por quince ambulancias, por un enorme centro médico y por cinco consultorios repartidos por el recinto, en los que trabajarán durante los siete días del festival 1.500 profesionales entre socorristas, enfermeros y doctores.
La llamada zona VIP, reservada para 4.000 invitados, ofrecerá a diario 2,5 toneladas de comida con platos exquisitos como tarta de queso de jengibre con salmón o "wasabi", elaborados por una veintena de cocineros y servido por un equipo de 250 camareros.
"La idea es servir platos prácticos para comer rápido y ver el siguiente concierto", explicó Robert Medina, vicepresidenta del Rock in Rio.
El Rock in Rio se celebrará del 23 al 25 de septiembre y del 29 de este mes al 2 de octubre.
“SOLO IMAGINACIÓN”, HOLY PIBY
blog.rock.com.ar
Holy Piby tiene pocas reglas, romper con lo establecido, crear su propio camino, cautivar al público con su enérgico e hipnótico show y nunca detenerse en el pasado, caminando firme en el presente hacia un futuro impensado, porque lo mejor siempre está por llegar….
A tres años del lanzamiento de “Is coming”, llega el esperado tercer album de la banda “Solo imaginación”, lo nuevo de Holy Piby, el disco presenta 13 canciones frescas y originales, cantadas con puro sentimiento, líricas que hablan sobre conciencia, espiritualidad, vivencias, revolución del pensamiento, amor y positivismo; con una base reggae y fusionando diversos estilos como el jazz, el funk, el soul, el folk y el rock, el álbum cuenta con una interminable lista de amigos invitados, musicos que admiramos profundamente y con quienes tuvimos el inmenso orgullo de compartir escenario en los ultimos años, desde el gran placer de grabar en nuestra casa “She is my baby”, un corte reggae lover 80’s, con el enorme Gregory Isaacs, hasta contar con la increíble vibracion de las coristas jamaiquinas de Groundation, Kim Pommel y Kerry-Ann Morgan, quienes aportaron sus coros a lo largo de casi todo el album.
“We just dance” es un corte reggae funk cargado con unos autenticos sintetizadores, dueños de uno de los tecladistas y productores mas originales del reggae, Sidney Mills de los legendarios y vanguardistas ingleses Steel Pulse.
La canción “Healing of the nations” es un reggae al auténtico estilo Holy Piby, en el que podemos escuchar al gran Anthony B raggamufeando junto a los susurrantes organos Hammond de Marcus Uranis, tecladista y lider de Groundation.
“Different Paths” es una cancion soul funky entre setentista y moderna que cabalga sobre unos poderosos riffs de guitarras, aquí tenemos secuencias humanas de la boca de Beaxyonario, sin dudas el mejor human beatboxer del pais hacia el final de la cancion Jahdan Blakkamore aporta sus multiples voces en un rapping sin respiro.
“(intro) – Ito San ”, asi arranca el disco, un viaje sonoro psicodelico por diferentes paisajes, esta canción fue grabada y zapada en vivo en una sola toma, tocada sobre un relato de Jiddu Krishnamurti acerca de la transformación de la mente humana, la canción descansa sobre un colchon de Didjeridoo y percusiones tribales.
“Own shine” el termino jazzy reggae es el que mejor le cae, de atmosfera voodoo, voces guturales, pianos rhodes y la brillante trompeta de Rafael Rodriguez Morales de los talentosos amigos de S.O.J.A..
“Listen White souls” es un reggae moderno, con una lírica que habla sobre la energia de la musica y los placeres con los cuales esta nos bendice, contiene un explosivo solo de guitarra a cargo del genial Hugo Mendez y teclados por Rafael Senegal de los brasileros Leos de Israel.
“Solo Imaginación”, una de las 3 canciones en castellano de este disco, suena reggae folk, con una lírica de conciencia y un estribillo esperanzador, muestra otra de las tantas caras de la banda a la hora de crear musica.
“Palm Groove” un paseo en convertible por la costanera viendo las palmeras pasar, de sonido vintage, es un instrumental que cuenta con el buen gusto de las guitarras de Eugene Grey (guitarrista jamaiquino que toco entre otros con Burning Spear, Culture, actualmente junto a Sly & Robbie).
“Algún lugar” es la balada de “Solo Imaginación” , una letra que invita a tomar otra visión de las cosas, se destacan los coros gospel de Kim Pommel y Kerry Ann Morgan junto a una instrumentación acustica e intimista.
“Sometimes” una cancion de fogon, de hermosa melodia vocal, guitarra acustica junto al bajo y la percusión de Juan Nelson & Leon Mobley, talentosisimos bajista y percusionista de Ben Harper & the inoccent criminals.
“I’ll be here” es un tema de corte disco-soul que invita a bailar, cuenta con la participación del Coro Kennedy de niños y Dj Alex en scratchs
“Sin razón” un inicio epico y orquestal que desencadena en un poderoso funky, esta canción habla sobre romper moldes y seguir avanzando sin tomar patrones preestablecidos por viejas tradiciones.
El album fue integramente grabado y mezclado en los estudios Afro de Lanus (Bs.As) por Tatu Estela y Martin Loiseau entre noviembre del 2010 y febrero del 2011, las grabaciones adicionales se realizaron en 4 paises diferentes: Jamaica, USA, Brasil y Puerto Rico.
Al igual que “Is Coming”, la masterización se realizo en los Estados Unidos en Lion & Fox Studios, la misma estubo a cargo del renombrado ingeniero Jim Fox, quien trabajo con grandes artistas como Burning Spear, Israel Vibration, Gregory Isaacs y muchisimos otros.
HOMENAJE A PAPPO
Qué buena estuvo la fiesta, en el club de blues local…
Marcelo De la Cruz - blogrock.com.ar
Teníamos 22 grados cuando comenzó y para el final el termómetro de nuestro corazón subió a un nada envidiable 40. Así de llamativa fue la tarde-noche en Tecnópolis cuando un puñado de guitarristas hicieron homenaje al Carpo Napolitano. No hay tributos en nuestra jerga: hay homenajes, porque el Pappo está aún entre nosotros y ahora es un rockero para todos.
Descollante actuación del Tano Claudio Marciello en cada una de sus participaciones, y fueron muchas, y lógicamente la estrella de la noche fue Gustavo Fabián “Chizzo” Nápoli al final del evento. No falto ninguna canción y los invitados fueron sumando a cada instante. El público respondió de una manera pletórica al homenaje y se revistió nuevamente en remeras de Riff y del mismo Carpo. Fueron seguro buscadas en el fondo de los placares más escondidos.
El gestor principal fue Luciano Napolitano que planto una batería de motos en el predio de Tecnópolis antes de formar su grupo de guitarristas arriba de un escenario que mereció un poco más de calidad visual de la que ofreció. Ahí desfilaron Black Amaya, Vitico, Michel Peyronel, Andrea Álvarez, Miguel Botafogo, Luis Robinson, Alambre González, Nacho Smilari, Andrés Giménez, Tano Marciello, Beto Ceriotti, Nico Raffeta, Machi Madco, Lisardo Álvarez, Jaf, Lurriel Bell y el Choque Urbano.
Todos pusieron un toque especial, pero los aplausos principales se los llevo el Chizzo porque aparte convoco a una abrumadora hinchada de La Renga que no lo veía desde el show fatídico de la bengala.
El amor no se corta y además si de por medio hay un buen blues, la magia no declina. Andrés Giménez demostró que aún puede estar “sucio y desprolijo”, Luciano Napolitano le dio la bienvenida a la primavera con “Rock and roll y fiebre”, Vitico solo quiere “que sea Rock”, JAF busco un “Viejo Blues” y el Chizzo llegó por la “Ruta 66”.
Al final un pletórico y emocionante momento por todas las guitarras que asistieron. Una por una hicieron un solo en nombre del Carpo. Marciello y Botafogo fueron los encargados de guiar las huestes hacia un paraíso especial, aquel desde donde nos saluda el maestro.
En algún instante vi sonreír a Luciano Napolitano, se lo merecía este hombre que dejo de ser un pibe para tomar el volante de la Harley que le dejó su viejo.
CIRO PERTUSI: "ESTAMOS VOLVIENDO A EMPEZAR"
Para presentar el nuevo video de Jauría, "Morgue corazón", la banda liderada por el ex Attaque tocará en un show a beneficio del Borda
Revista RS
Compromiso musical y humanitario. Nada menos. La posición de Ciro Pertusi con respecto a las problemáticas sociales y ambientales es conocida: desde Jauría, esta agrupación que conforma junto a Pichu Serniotti, Ray Fajardo y Mauro Ambesi, intenta elevar ese mensaje generador de conciencia. "Los problemas se contienen mejor en una sociedad consciente, hermanada", sostiene. El nuevo video de su tema "Morgue corazón", en el que aparecen caracterizados como muertos, fue filmado en el Hospital Borda: realizadas en el marco de una de las peores crisis atravesadas por la institución de salud mental, esas sesiones movilizaron a la banda. Así, decidieron encarar una iniciativa solidaria para presentar el video a sus fans y, de paso, tener una nueva excusa para tocar. Este viernes, a partir de las 18 horas en el Teatro de Colegiales, podrán asistir sólo aquellos que hayan donado elementos de higiene personal (jabones, máquinas de afeitar, papel higiénico, etc) que serán donados. Miércoles y jueves, de 9 a 21 hs, pueden canjearse por entradas en el edificio de Rock &Pop. Antes de tocar en México durante los primeros días de octubre y en el Revolucion Fest en Chile con No Relax y The Locos, la banda aprovecha la ocasión, también, para festejar sus primeros 20.000 fans ("mestizos", como llaman a sus seguidores) en Facebook. Ciro nos cuenta cómo surgió esta iniciativa.
¿Cómo fue la filmación del video en el Borda y qué quisieron contar?
El video está hecho por estudiantes de cine de la Universidad Interamericana. Nos encantó el ímpetu, la frescura y la audacia de los chicos, su convicción. Y nos encantó la experiencia. Fue loco caracterizarse como muertos: la idea era sacarse un poco esa cosa pesada y oscura que está siempre sobre estos temas, tomarlo con una mirada humorística. Liberarse y darse cuenta que ese tema puede ser divertido también; aquel que haya mirado Six Feet Under, por ejemplo, puede comprender de qué hablo. Sufrir el dolor de la muerte es difícil pero también es un tema que puede tratarse de manera grotesca o disparatada. Los detalles del video (The Catcher in The Rye o la presencia de esta chica entre dictatorial y fría) fueron agregados por Ray, que es el creador de la historia.
¿Cómo surgió la iniciativa del show a beneficio y qué significado tiene para ustedes?
Llegar al Borda y ver de cerca su situación, sufrir el frío dos días y pensar que ellos lo sufren todos los días, nos hizo salir de ahí realmente consternados. Apenas terminamos, llevamos frazadas y abrigos y caloventores para tratar de paliar ese frío implacable y se nos ocurrió que la presentación de este video debería incluir una acción que convoque a la gente a ser solidaria.
Es una deuda que tenemos como parte de esta sociedad. Estamos demostrando, con nuestra indiferencia hacia nuestros hermanos, lo poco que nos queremos a nosotros, lo superficiales que somos. Lo crudo que puede ser pensar que, porque una persona no vote o no gaste con la tarjeta de crédito, es un N.N., no existe, no está, desapareció... Estamos repitiendo a Videla. Y los metemos en un lugar donde no se vea, donde no nos genere un conflicto porque no podemos entender la locura: y la locura la tenemos nosotros, no estamos diagnosticados pero estamos todos recontrarelocos.
¿Cómo están viviendo el proceso de posicionamiento de Jauría en la escena local?
Como somos una banda nueva, a pesar de estar conformada por estos viejos lobos, todavía la gente no se da cuenta de qué va todo el asunto y la propuesta: la idea ahora es tratar de que relacionen todos los elementos, el logo, el sonido, nuestras caras. El show del domingo, antes de la presentación de los Red Hot Chili Peppers, fue una oportunidad de oro: estamos volviendo a empezar. Tenemos experiencia pero tenemos que volver a recorrer ciertos caminos, volver a pagar cierto derecho de piso. Ahora tengo 43 años pero si esto hubiera pasado 20 años atrás, estaría nervioso, me mataría la ansiedad o me amargaría por tocar ante 30 tipos. Hoy aprendí a vivir el ahora, el presente y este momento me parece grato, genial. Lo estamos disfrutando a conciencia.
LA MEGA PIERDE EL DOMINIO DEL AIRE
Desde su irrupción en el 2000, la fórmula exitosa de la 98.3 contagió a casi todas las FM; entonces ¿por qué la radio que se hizo grande pasando puro rock nacional bajó tantos escalones en las mediciones?
Revista RS
Los Tipitos, protagonistas de la edad de oro de La Mega.
En los últimos tres años, la fórmula radial de puro rock nacional dejó de ser un imán para la mayoría de los oyentes. Después de casi una década liderando las mediciones, en 2008 La Mega inició una lenta caída que, este año, según IBOPE, la ubicó en el octavo lugar entre las diez FM más escuchadas (primera está La 100, con figuras como Pettinato y Lalo Mir en las horas calientes de la mañana, y relegando la oferta musical a un relativo segundo plano; detrás están Radio Pop, la Rock & Pop, Metro y Los 40 Principales).
Y la clave de su éxito es, en cierta medida, la explicación de su caída. Su rise and fall parece darse en un solo y lento movimiento. En el momento de su irrupción, el efecto La Mega fue tan fuerte que terminó contagiando a todas las FM, incluidas las pop. Hoy, un single de Massacre puede sonar en cualquier radio y un hit de Tan Biónica, por ejemplo, le disputa a Daddy Yankee el podio de Los 40 Principales. La radio salió al aire en abril de 2000 y al mes ya era la más escuchada de toda la FM. "Salió en medio de la crisis, en un momento en que la gente estaba con un ser nacional muy lastimado y sus valores nos venían bien a todos", explica Diego Poso, gerente de programación de La 100, que vio de muy cerca el fenómeno. Y aunque el catálogo de La Mega empezó siendo el de los clásicos más clásicos del rock nacional, como Charly, Moris, los Redondos y demás, pronto encontró una nueva generación de bandas que estaban estallando y, de alguna manera, conformaron la identidad y el sonido de la radio, como Arbol, Miranda!, Los Tipitos o La Mancha de Rolando.
"La Mega demostró que con rock nacional se hacía una radio número 1", asegura Roberto Costa, director de Pop Art. Silvia Cordano, directora de La Mega, asegura que "la radio llegó con audacia a romper con el prejuicio de que lo extranjero siempre es mejor". En sus orígenes, además, lo extranjero estaba virtualmente terminado: con la crisis de 2001 y el fin de la convertibilidad, las bandas dejaron de venir y el mercado local, de pronto, se puso a mirar qué tenía a su alrededor.
En ese contexto, la radio de puro rock nacional le dio aire a una nueva generación de grupos cargados de canciones que desplazaron a los combos latinos y refrescaron el dial. Poso lo explica así: "El rock estuvo muy filoso. Si hago una mirada retrospectiva, aportó no menos del 40 por ciento de los éxitos de la grilla de los últimos diez años". El problema es que esos hits se viralizaron en el dial y, de alguna manera, la identidad de La Mega se licuó. "Si vos analizás La 100, por ejemplo, está pasando un 70 por ciento de música en español, y el 40 por ciento es rock nacional", detalla Costa.
SUMO, REENCUENTRO HISTÓRICO EN MANCHESTER
Germán Daffunchio visitó a la baterista original del grupo, la inglesa Stephanie Nuttall en la ciudad británica. Crónica de lo sucedido.
Por Germán Arrascaeta – Suplemento VOS
Hace unos días se produjo un histórico r
eencuentro en Manchester que guarda relación con una de las bandas más importantes de nuestro rock nacional: Sumo. Es que se llegaron hasta la casa de la baterista original del grupo, la inglesa Stephanie Nuttall, sus ex compañeros Germán Daffunchio y Timmy McKern, guitarrista y manager del grupo que supo tener al italo–inglés Luca Prodan como vocalista.
Vale recordar que Nuttall tuvo que abandonar Sumo durante la guerra de Malvinas, luego de formatear y probar en vivo un repertorio afterpunk, reggae y de folk melancólico. Nuttal había llegado al país a instancias de Prodan a comienzos de los ´80, tras una experiencia como contemporánea de la escena Manchester pre The Hacienda como miembro de Manicured Noise.
Hacía 30 años que Stephie y Germán no se veían. Timmy, en cambio, había tomado contacto con la baterista un par de años atrás, en ocasión de la realización del documental Luca, de Rodrigo Espina, cuya producción también demandó un viaje al norte inglés. Según contó Daffunchio, durante el reencuentro primaron la emoción y los abrazos entrañables. “La sentí con la misma energía de siempre. Le debo mucho a Stephie, la considero una guerrera, una guía. La encontré bien, feliz de vernos”, contó el actual líder de Las Pelotas vía correo electrónico.
Por su parte, Nuttall adelantó que la visita de sus ex compañeros encendió sus ganas de volver a la Argentina.
A 14 AÑOS DEL "GRACIAS TOTALES"
El 20 de septiembre de 1997, Soda Stereo se despedía por primera vez de los escenarios. Mirá el video.
Por Redacción VOS
El 20 de septiembre de 1997, Soda Stereo se despedía de los escenarios. Fue un show emotivo en el estadio de River que la posteridad conocería como "El último concierto". En aquel momento nadie podía saber que diez años más tarde volverían a juntarse para realizar una gira regreso.
Aquel recital del 97 se inscribió de inmediato en la historia del rock nacional. Fue intenso, emotivo y dejó para la posteridad una de las frases más célebres de Gustavo Cerati, voz y guitarra del grupo.
Al finalizar la última canción del show, De música ligera, Cerati agradeció al público y su equipo de trabajo: "No sólo no hubiéramos sido nada sin ustedes, sino con toda la gente que estuvo a nuestro alrededor desde el comienzo. Algunos siguen hasta hoy. ¡Gracias totales!".
A partir de allí, aquel "Gracias totales" se convirtió en un eslogan. De hecho, un disco tributo a Soda Stereo lleva por título esa frase.
EL TSUNAMI PINK FLOYD, REMASTERIZADO
En unos días, el grupo británico lanzará todos sus 14 discos remasterizados, y habrá ediciones de lujo de “The dark side of the moon”, “Wish you were here” y “The wall”, entre otras cosas.
Por Diego Manrique, El País de Madrid
Palabras mayores: estamos seguramente ante el legado más valioso de la historia del rock (si colocamos a los Beatles en la categoría de pop). El catálogo de Pink Floyd despacha millones de copias anualmente y el grupo lo cuida con avaricia. Hace poco, los músicos llevaron a juicio a su discográfica por permitir que se vendieran temas sueltos en iTunes. Y ganaron: legalmente, hoy solo se puede descargar Money como parte del álbum The dark side of the moon.
Pink Floyd también ha retaceado esos complementos (descartes, demos, versiones alternativas, vivos) que aceleran el pulso de los aficionados más completistas.
Todo cambia. Este otoño (boreal), Pink Floyd empieza a poner en circulación las joyas de la abuelita. Una oferta tan compleja que parece el sueño húmedo de todo un equipo de mercadotecnia. Han ideado una gama de productos calibrados según el poder adquisitivo y el grado de fanatismo del cliente potencial. Establecen tres niveles: las “Discovery editions” llegan de golpe el 26 de septiembre y contienen remasterizaciones de los 14 elepés de estudio, realizadas por el ingeniero James Guthrie. A partir de esa fecha, de forma escalonada, aparecerán algunas “Experience editions”; de momento, The dark side of the moon, Wish you were here y The wall, todas con un CD extra que rescata directos y curiosidades inéditas. Esos tres discos también estarán disponibles en la versión “Inmersion”: cajas que costarán un buen dinero y que sumarán merchandising (¡bufandas inspiradas por las portadas!) más una variedad de mezclas (premezcla, surround, cuadrofónica, etcétera) y material audiovisual, en CD, DVD y Blu-ray.
No huyan, hay más: una caja “Discovery”, que reúne los 14 discos originales. En efecto, los originales de The piper at the gates of dawn (1967) a The division bell (1994). Más un “grandes éxitos remasterizados” denominado A foot in the door. Hay dos formas de contemplar semejante avalancha: asistimos a la más ambiciosa movida de unos gentlemen que nunca permitieron que el polvo se asiente sobre su archivo, y que intentan vender por enésima vez un material que sus fans poseen en varias ediciones, usando el anzuelo de las grabaciones inéditas y las nuevas aportaciones visuales del mago Storm Thorgerson.
También podríamos decidir que se trata de un acto de sensatez económica. Hablamos de un grupo que perdió millones en un fondo de inversiones y que dilapidó dinero y energía en litigios que enfrentaron a Roger Waters y sus excompañeros, con batallones de abogados discutiendo (en serio) si su famoso cerdo hinchable era macho o hembra.
Las razones para semejante oleada de lanzamientos son varias y reveladoras de la mentalidad dominante entre la aristocracia del rock. Esencialmente, sienten que se les acaba el tiempo. En la pasada década, Pink Floyd se vistió de luto por dos miembros fundadores (Syd Barrett, Rick Wright) y su manager (Steve Rourke). Saben que peligra su modelo de negocio, la venta de música en soportes físicos. Quizás en pocos años desaparezca la infraestructura que convirtió los discos cumbre de Pink Floyd en fabulosas minas de oro. Además, aprovecharon las recientes turbulencias en EMI para conseguir mejores condiciones contractuales: la compañía no podía perderlos tras las marchas de Radiohead, McCartney o los Stones. Finalmente, el grupo está estacionado: puede que Dave Gilmour y Nick Mason toquen alguna vez con Waters, el más activo, pero difícilmente habrá una gira como Pink Floyd y ni pensar en nueva música.
Ocurre que la banda tiene un buen fondo de armario. Ahora sale a la superficie, entre otras rarezas, un Wish you were here con Stéphane Grapelli tocando el violín. Pero los fieles quieren más: los restos de aquel disparate, Household objects, cuando pretendieron hacer un disco entero sin instrumentos. Sobre todo, se ansía acceder al material grabado con el desdichado Syd Barrett, incluyendo el repertorio de r&b que tocaban en sus inicios. Conviene recordar que Pink Floyd no significa Fluido Rosa: es la amalgama de los nombres de dos obscuros bluesmen, Pink Anderson y Floyd Council. Hasta el rock más arquitectónicamente monumental contiene algo del ADN de la primitiva música negra.
Las opciones, una por una
EMI envió una gacetilla en la que detalla las opciones de adquisición de los inminentes lanzamientos de los discos remasterizados de Pink Floyd.
Disco. Cada disco costará $ 60. Viene con el mejoramiento sonoro de James Guthrie y en formato de digipack.
Catalogue boxset. La caja que reúne a todos los discos de estudio, de The piper at the gates of dawn (1967) a The division bell (1994). $ 1.628.
The dark side of the moon. Experience version. Disco doble. Uno contiene al álbum original remasterizado; el otro, show de 1974 en Wembley, nunca antes editado. $ 82.
The dark side of the moon, vinilo. Versión vinilo. $ 259.
The dark side of the moon. Inmersion boxset. Contiene el disco original, el ya citado show en vivo, un DVD de audio con mezclas alternativas, dos DVD con material audiovisual y un Blu-Ray. $ 1.165.
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CULTURA PROFÉTICA
Luna boricua
Emmanuel Angelozzi – blogrock.com.ar
La banda puertorriqueña Cultura Profética desplegó su música en el estadio Luna Park por primera vez en su historia y festejó, con un extenso show, sus 15 años en la ruta.
Un aroma singular perfumaba la llegada del público a la intersección de Corrientes y Bouchard. La fragancia tomaba vigor cuando la gente se acercaba a los diferentes puntos de acceso al estadio. En el interior, la tenue brisa que circulaba le permitía al olfato identificar cada uno de los componentes que crearon aquel perfume: ansiedad, nerviosismo, dulzura, seducción y ferocidad.
Una puesta en escena sobria pero imponente, un magnífico juego de luces que brilló durante toda la noche y un gran despliegue de cámaras indicaban que el concierto sería registrado; Algo que motivó aún más a las siete mil almas que ovacionaron la salida del grupo a escena. Una estallido emocional que, seguramente, quedó inmortalizado en lo más profundo de cada uno de los músicos de Cultura Profética.
CHARLY GARCÍA VUELVE A LOS ESCENARIOS EN EL GRAN REX
El cantante del rock ofrecerá una serie de tres conciertos los días 27, 29 de octubre y el 1 de noviembre, en el que estará escoltado por su banda The Prostitution. Serán tres shows en los que entregará un repertorio diferente en cada uno de ellos.
Charly García, la gran figura del rock argentino, ofrecerá una serie de tres conciertos los días 27 y 29 de octubre y el 1 de noviembre en el teatro Gran Rex, en los que estará escoltado por su banda The Prostitution.
Se trata de tres shows en los que entregará un repertorio diferente: el primero llevará el nombre "La vanguardia es así", el segundo "Detrás de las paredes" y el último fue bautizado por el artista como "El ángel vigía".
García hará un recorrido por su extensa y prolífica trayectoria y ya está preparando unas 60 canciones para presentar junto a su reinventada banda, “The Prostitution”, formada por los músicos que lo acompañaron en esta última etapa.
En este ciclo de shows porteños también estará secundado por un conjunto de cuerdas y bandoneón, a cargo del talentoso Fernando Samalea.
