ANIVERSARIO DEL FALLECIMIENTO DE AGUSTÍN TOSCO NOV. 04, 2011

AGUSTÍN TOSCO (1930-1975)

Por: Leónidas Ceruti

http://argentina.indymedia.org

Cuando las patotas de la burocracia sindical, atacan, golpean y matan a trabajadores combativos, como Mariano Ferreyra, se cumple un nuevo aniversario del fallecimiento de Agustín Tosco, cuando se encontraba en la clandestinidad, porque el gobierno de Isabelita había decretado su detención, la Triple A lo había condenado a muerte y su gremio Luz y Fuerza había sido intervenido por el Ministerio de Trabajo.

Pensamos, que por la dimensión de su figura, merece que lo recordemos en distintos aspectos de su vida, y eso es lo que intentaremos.

EJEMPLO DE SINDICALISTA

Tosco fue un dirigente sindical combativo, clasista, honesto, solidario, democrático, pluralista, trabajó codo a codo junto a compañeros de distintas posturas políticas y con los estudiantes universitarios.

Tosco en 1952 fue electo secretario del cuerpo de delegados de Luz y Fuerza de Córdoba, en 1953 ganó las elecciones para la conducción del gremio en la provincia, teniendo 23 años. Un año más tarde lo eligieron como Secretario Gremial del secretariado nacional de la Federación Argentina de Trabajadores de Luz y Fuerza (FATLYF). Al cese de las intervenciones militares, entre 1955-1957, bajo las cuales fue inhabilitado, formó parte del Congreso Normalizador y volvió a ser reelegido en los dos cargos antes mencionados. En 1972, mientras permanecía en prisión fue elegido como secretario adjunto de la CGT Regional Córdoba.

Tosco se pronunció por una sociedad sin explotadores ni explotados, con posiciones antiimperialistas, antidictatoriales e internacionalistas.

Tosco fue perseguido, varias veces detenido, pasó por distintas cárceles, y la Masacre de Trelew lo encontró encarcelado en Rawson.

NADA DE LO HUMANO LE ERA AJENO

Tosco recordaba que hizo el secundario en calidad de interno, “el ciclo básico industrial, en la Escuela de Trabajo, donde fuí elegido presidente del Centro de Alumnos. Mi militancia arrancó en esa época, cuando encabecé varias huelgas por condiciones en el internado y contra las autoridades de la casa. No es lo único: en el mismo lugar al terminar el ciclo, me designaron para hablar en el cierre del curso; desde allí critique el sistema vigente en la escuela y me negué a recibir el diploma de parte del Director, donde me ovacionaron todos los compañeros. A los 9 años decidí hacerme hincha de fútbol y en vez de optar por el campeón de la temporada (1939) Independiente, me hice hincha del único equipo que logró derrotarlo: Huracán. Años más tarde esas preferencias se volcaron por dos clubes cordobeses: Talleres y Alas Argentina, un modesto equipo de mi barrio. A los 18 años durante tres años fui a la Universidad Tecnológica, donde me recibí de electrotécnico, donde fuí delegado de curso. Allí se discutía mucho y ese diálogo permanente me incitaba a profundizar la lectura. Siempre me gustó leer. En mi propia casa con piso de tierra y sin luz eléctrica; me había construido una pequeña biblioteca, precaria pero accesible. De adolescente solía preferir a Ingenieros; aunque positivista, enseñaba cosas. Cuando a los 17 años salí a buscar una nueva ocupación, recibí enseñanzas de otra índole: me aceptaban como aprendiz y entonces no me pagaban o me pagaban poco. Corría la liebre. Tan solo al cumplir la mayoría de edad conseguí incorporarme a Luz y Fuerza como ayudante electricista en el taller electromecánico, donde ahora soy técnico especializado. Por aquella época ya había adquirido conciencia de los conflictos sociales, y había decidido también tomar partido por mi clase. A los 19 años fui elegido subdelegado, a los 20 ascendí a delegado. Mientras tanto, Perón subía al poder y yo miraba con simpatía al movimiento que levantaba un eslogan contra Braden."

Consultado como era un día de su vida, comentó: “Bueno, me levanto a las cinco y media. Antes de las seis y media estoy fichando en la empresa. Trabajo hasta la una y media. Almuerzo en casa (a veces lo hago en el sindicato), duermo una pequeña siesta de dos horas, y desde las cinco de la tarde estoy en el sindicato, trabajando con los compañeros, con la gente que viene. Atiendo también en la CGT. En fin, terminamos siempre a la una o dos de la mañana, dormimos muy poco. Por las noches, íbamos a ver partidos de básquetbol; nos quedábamos a cenar, en fin, seguíamos hablando siempre de los problemas nuestros, pero no bajo el signo que nos obligó Ongania y la Revolución Argentina”.

SUS DEFINICIONES IDEOLÓGICAS

Se definía como “marxista-socialista, los fundamentos que tengo están elaborados en base al materialismo dialéctico, y en lo político estoy por la unidad de las fuerzas de la distintas tendencias, sin discriminaciones ideológicas, pero siempre que coincidan con el progreso y la liberación nacional de los argentinos”.

Ante la consulta de ¿Cuál revolución es la que propugnaba?, no vaciló en responder: “En realidad la única revolución posible es la que cambie la propiedad de los medios de producción y de cambio, ahora en manos de entes privados y privilegiados, para colocarlos en manos del pueblo. Es la revolución socialista, con sus características y su desarrollo histórico según las condiciones nacionales de cada país”.

Y para que no quedaran dudas de sus posturas declaró “nosotros queremos rescatar los medios de producción y de cambio que están en manos de los consorcios capitalistas -fundamentalmente de los monopolios- para el pueblo. Nuestro punto de vista es que deben desaparecer las clases y que debe existir una clase: la de quienes trabajan. Y no como ahora, que existen: la de los explotados que trabajan y la de los explotadores que sólo viven del esfuerzo de los demás”.

LA UNIDAD DEL CAMPO POPULAR Y LOS REVOLUCIONARIOS

Fue un defensor de la unidad de los revolucionarios y de la izquierda. Compartió con los comunistas la construcción de la Comisión Nacional Intersindical y el Encuentro Nacional de los Argentinos, apoyó la candidatura peronista de Atilio López para la vicegobernación de Córdoba en 1973, impulsó y participó en los Plenarios Antiburocraticos, junto a numerosos gremialistas combativos, se sumó entusiastamente a los Congresos del Frente Antiimperialistas y por el Socialismo (FAS), que impulsaban entre otros el ERP-PRT, en tanto que su abogado y amigo era el radical Hipólito Solari Irigoyen.

SUS COMPAÑEROS OPINAN DE SU PERSONALIDAD

Felipe Alberti –secretario de Cultura de Luz y Fuerza Córdoba- sostuvo ante “Primera Plana” que “Tosco es uno de los pocos dirigentes que la Federación no logró corromper”. Otro compañero, Contreras, opino que “tanta austeridad, tamaña conducta, suele reflejarse en la ayuda que el dirigente sindical acepta para su esposa e hijos, mientras dure su prisión. Mensualmente y por limitación del propio Tosco, entregamos 60 mil pesos viejos a su esposa, fruto de la colaboración voluntaria de nuestros afiliados; cada uno se cotiza con lo que puede. Desde el más modesto hasta los que tiene cargos altos. Lo que sobra de esa suma, lo integramos en el fondo para ayuda de los presos….” La revista comentó que “Contreras y Alberti, junto a otros dirigentes sindicales lucifuercistas (Moro, Ditofino, Grigaitis), constituyen el anillo que rodea a Tosco. “El Gringo –refieren- tiene una gran personalidad; es honesto y correcto. Posee una capacidad de trabajo increíble. Se pasa 18 horas en el sindicato. A nosotros nos cuesta seguirlo. Le gusta hablar de noche. Por ahí –bromean- le decimos que en vez de haber sido encargado de sector, tendría que ser sereno”. Claro que no todas son rosas entre Tosco y sus amigos: “Por ahí nos peleamos, es que Tosco tiene todas las cosas que puede tener un hombre –dice Alberti-, pero a poco de discutir, de calentarnos, vemos que la mayoría de las veces tiene razón”. Además dicen que “Desde la cárcel, el 17 de septiembre del año pasado, Tosco fue reelecto en su cargo por 1110 votos contra 653. Nadie duda sobre el respeto a su personalidad, una actitud de todos los sectores, incluso los de la propia oposición sindical. En ese terreno, algunos acuerdos pudieron lograrse más allá de las frías relaciones políticas”.

TOSCO Y SUS CONVICCIONES

Sobre él se dijo: “Fue de esos hombres que militó la terquedad de la esperanza, un autodidacta, anduvo siempre en la búsqueda de ampliar el conocimiento, como una manera de ser cada más libre, buscó perfeccionarlo a través de la lectura y el estudio, éste, fue uno de las modalidades para ampliar el conocimiento, tanto humanísticos, políticos o técnicos; el otro, fue el de bucear en las aguas profundas de la práctica concreta, y combinaba la teoría con esa práctica, en un ejercicio permanente de comprobación”.

El otro aspecto de su personalidad, pero que tiene que ver con la integralidad del hombre, fue la de cumplir con los mandatos que le daban sus iguales: los compañeros, la de ser buen trabajador, la de tener una actitud correcta frente al trabajo, ante sus compañeros en la relación social diaria, ser solidario, una de las formas era la de transmitir sin egoísmos el conocimiento acumulado del oficio, cualidad de esa particularidad, que es ignorada en los mundos académicos cuando se trata de la descripción de un trabajador.

Una fuerte concepción fue la de obrar siempre en forma colectiva, lo demostraba en los hechos concretos, hablaba y actuaba en plural siempre rodeado de sus pares.

Desarrolló su pensamiento buscando otra realidad para el Movimiento Obrero Argentino, que se centraba en la rotura de las cadenas que lo oprimían.

Fue claro al señalar que el reclamo económico solamente, era una trampa tendida por los explotadores. Dijo que “el patrón, trataba de penetrar con esa concepción, la de pelear sólo por el salario y otras reivindicaciones parecidas. Era la ideología del economicismo que se inmiscuía en el seno de las luchas de los trabajadores para desviar el problema central, la lucha de clases en el marco de la lidia por la liberación nacional, para terminar con la explotación del hombre por el hombre”.

“Acabar, definitivamente, con explotados y explotadores, terminar con los sueños de los explotadores que quieren que los trabajadores trabajen de la cuna a la tumba”.

“Eso fue lo que intentaron en intentan en la actualidad los dirigentes obreros participacionistas o colaboracionistas, y los llamados burócratas en los tiempos contemporáneos, cuando buscaban y buscan artimañas para que la lucha sólo sea por el salario. Y que además, el Movimiento obrero fuera apolítico, tal como lo pretendían y pretenden las patronales, el Estado y las burocracias entregadas”.

Tosco y sus compañeros, expresaban distintas corrientes del pensamiento político local y nacional, tuvieron en claro que no se puede introducir ningún partido político en forma preeminente, ni darle un tinte partidario al sindicato. Entre los trabajadores, en el seno de la clase obrera conviven y existen distintas expresiones, identidades, creencias y pensamientos. Por eso sostenían que la política sindical es la forma política más importante y compleja a desarrollar.

DOS TIPOS DE SINDICALISMO

Tosco, definió que existían, dos tipos, al menos de sindicalismo. “Uno el sindicalismo que denominamos participacionista o adaptacionista, que se mueve en forma dependiente y referencial al sistema. Es el que espera que crezca el costo del nivel de vida para pedir aumento de salarios y que termina conformándose en la práctica con el aumento de salarios que la Secretaría de Trabajo autoriza. El otro, es el sindicalismo de liberación, que ha comprendido que debe ser un factor en la lucha por la liberación nacional. Es el que atiende tanto a la defensa de los derechos y reivindicaciones de carácter inmediato de los compañeros y que plantea la lucha contra el imperialismo internacional del dinero, en su manifestación concreta de monopolios de la producción, de la distribución, de los servicios, de las finanzas internacionales. Es el sindicalismo que asume una misión y una responsabilidad global, social y nacional. Que plantea la transformación revolucionaria de las estructuras y que reclama en lo inmediato que los grandes medios de producción y las palancas fundamentales de la economía sean de propiedad estatal -social y no privada-”.

“El sindicalismo de liberación lucha en estos momentos contra los tres grandes responsables de la injusticia y de la opresión: el imperialismo, la dictadura y el participacionismo. A su vez levanta tres banderas de unidad y lucha: justicia social, soberanía popular y liberación nacional, que particularmente pueden tener otras denominaciones, pero que en el fondo, deben unir a todos los que luchan por una vida mejor, sean del color que fueren. El sindicalismo de liberación debe actuar en todos los terrenos, institucionales o no. Depende de la relación de fuerzas y de las circunstancias para la preeminencia de su accionar en un terreno u otro. Los sindicatos en cuanto instrumentos de la clase trabajadora no son apéndices natos del sistema”.

“Este sí, quiere convertirlos en un apéndice morigerador. Pero la lucha de la clase trabajadora debe llevarse en todos los terrenos y no debe cejar su esfuerzo para que todos los sindicatos sean, en el ámbito sindical, sus canales reivindicativos, desde los cuales mucho se puede hacer para el cambio del sistema, al menos por ahora en Argentina y varios países del mundo dependiente. El sindicalismo de liberación asume su papel político general en su capacidad vanguardista, en unidad con los demás sectores populares, políticos, económicos y sociales…”.

“Ya sea en el terreno institucional, en el de la resistencia e incluso en la clandestinidad no hay otra relación posible que la democracia de bases. Es decir el contacto directo entre los trabajadores y sus representantes o dirigentes. La concienciación a nivel de bases. La reciprocidad del intercambio de opiniones. Las asambleas generales, las de sectores, las de unidades de trabajo. Claro que hay diferencias para una situación institucional, de resistencia o de clandestinidad. Pero en definitiva en el terreno del sindicalismo, nada es válido, sin la democracia de bases y la consecuente reciprocidad entre las bases y las direcciones”.

“En todos los casos de manera tal que las bases sean las que decidan como protagonista de la vida y de los objetivos de su organización”.

CARTA A SU COMPAÑERA

Con su compañera Susana, delegada del gremio, pasó gran parte de su vida. Cuando fue detenido el 29 de abril de 1971, al declararse el estado de sitio, fue traslado a Villa Devoto, luego fue traslado en 1972 a Rawson, y fue liberado el 23 de septiembre de ese año. A los días de ser encarcelado, le envió esta carta:

“Querida Susana: Ni bien llegué fuí ubicado en la celda de aislamiento en el entrepiso N° 6. Este es muy reducido construido sobre el 3° y último piso de uno de los grandes edificios del penal. Esta cárcel aloja alrededor de 2.500 detenidos. El ascensor llega hasta el último piso y por una escalera se va hasta donde estamos nosotros. La celda del entrepiso tiene dos pequeños compartimientos de 2,30 m. de largo por 1,40 m. de ancho; de altura 2,10 m. Podemos apoyar las manos en el techo, con los brazos abiertos un codo da sobre una pared y la mano sobre la otra; allí está la cama y la puerta no puede abrirse del todo, porque topa con la cama. Así, con datos prácticos, es la dimensión de cada compartimiento. Son contiguos y por el frente los comunica un pasillo, que a su vez desemboca en el baño. En éste una ventana con rejas da al exterior”.

“Desde la misma se puede observar parte del penal y del barrio Villa Devoto. Estuve 17 días completamente solo, hasta que lo trajeron a Ongaro, acompañado de una radio a transistores y los diarios de la mañana que dejan entrar. Tantos días sin conversar resultaron cansadores. Veía fugazmente a los celadores, ya que no están en el entrepiso sino abajo en el pabellón, cuando traían la comida o procedían al recuento. Hizo mucho frío y lo combatía con un calentador a kerosene”.

“Comenzaron a llegar cartas y comunicaciones por intermedio del abogado Dr. Hipólito Solari Irigoyen y desde Córdoba mi abogado y compañero el Dr. Arnaldo Murúa, aliviaron la situación. De la correspondencia y de los saludos de mis familiares, de las compañeras y compañeros de Luz y Fuerza, de instituciones, abogados y amigos recibí una cálida solidaridad llena de fe, de firmeza y de combatividad. Fueron mi principal oxígeno espiritual y pasé y paso la mayor cantidad de horas contestándolas, reconociendo todo eso que viene de los que luchan, de los que combaten la arbitrariedad y la injusticia, las trampas y los engaños de un régimen usurpador y continuista. Todas las cartas son pedazo de una vida palpitante que está allí afuera y que llegan hasta mí con su carga generosa de sentimientos, de ideas, de sólidas afirmaciones. Y por mi cabeza pasan los recuerdos, vuela la imaginación, se ratifican todas las posiciones y se contempla toda la sociedad que todos queremos construir”.

La persecución, la cárcel y la condena a muerte no pudieron vencerlo, siguió luchando y hoy sus acciones e ideas siguen vigentes en cada conflicto obrero.

NOTICIAS DEL ROCK DAK 29 al 03/11/11

COSQUÍN ROCK 2012

TENDRÁ A CHARLY, SKAY, KURYAKIS Y CIRO

Mientras se define el line-up definitivo, en exclusiva, te contamos como será la nueva edición del festival cordobés.

Luego de asegurarse el predio del Aeródromo Santa María de Punilla por cinco años, la versión 2012 del Cosquín Rock comenzó a armarse con una grilla que, al igual que cada año, promete ser contundente.

Off the record, pudimos averiguar que dos de las tres jornadas (10, 11 y 12 de febrero) ya están casi armadas. Si bien aún falta firmar algunos contratos, estamos en condiciones de asegurar parte importante del line-up que hará vibrar a los cordobeses en el verano.

Una día, tendrá como estrellas principales a Charly García, Calle 13 y los resucitados Illya Kuryaki & The Valderramas. Mientras que el otro, se armará un bloque rockero con un ex Los Piojos (Ciro), un ex Los Redondos (Skay) y los liderados por un ex Sumo (Las Pelotas), entre otros números fuertes.

Así, por estas horas, la idea de su organizador, José Palazzo, es confirmar un número internacional para empezar a diseñar la tercera jornada. El hecho de que el evento se realice justo en fechas de carnavales, complica dicha tarea, pero el productor confía en cerrar contrato con un artista de primera línea.

Pero, el Cosquín Rock 2012 también traerá otras sorpresas. En medio del inmenso predio se montará una carpa donde hará de las suyas La Organización Negra. La vanguardista agrupación de teatro que inspiró a De La Guarda, preparará una performance para interactuar con el público. La misma se desarrollará en los tres días que dure el evento. Imperdible.

FITO PÁEZ

CANCIONES DE LA MEMORIA

Fito Páez lanzó el primer corte de su nuevo disco de covers, “Canciones para aliens”. Se trata de su versión de “Un beso y una flor”, de Nino Bravo.

Fito Páez lanzó el primer adelanto de su nuevo disco de covers, “Canciones para aliens”. El tema en cuestión es “Un beso y una flor”, clásico de Nino Bravo, y puede escucharse aquí.

“Recuerdo un álbum con los éxitos de Nino Bravo en los años setenta, y ésta como algunas otras canciones quedaron grabadas en la memoria sentimental, que es de lo que se trata también este álbum”, explicó el cantante sobre el disco y la elección de “Un beso y una flor” en particular.

“Se me ocurrió que podríamos hacer una serie de grabaciones para enviar al espacio, como un mensaje en una botella y que lo escuche alguien en algún recóndito lugar del universo. Parte de las canciones más hermosas del mundo, con autores de todas las nacionalidades. Este sería el primero de una serie de discos que seguiremos haciendo en el futuro con otras canciones de otros lugares y otros autores”, amplió.

Entre otros artistas, además de a Nino Bravo, en esta producción Fito versionó a Chico Buarque, Pablo Milanés, Ryuchi Sakamoto, Jacques Brel y Charly García.

MARCELO BARAJ DEJA D-MENTE

"Por infinidad de motivos"

Marcelo Baraj deja D-Mente, la banda que él fundara junto a Andrés Giménez en 2006. En el comunicado, se alegan "motivos humanos" y agradece a sus fans.

D-Mente, el grupo integrado por Lisardo Álvarez, Andrés Giménez, Marcelo Baraj y Cristian Cocchiararo, se queda sin batero. Baraj deja el grupo a poco de sacar su cuarto trabajo de estudio, No es el premio ganar sin saber lo que fue perder, sucesor de Morir para nacer (2009).

Acá, el comunicado oficial de prensa donde se anuncia que Baraj se aleja de la banda:

"Por infinidad de motivos, diferencias de opiniones, forma de vida, criterio de trabajo, pero especialmente por motivos humanos, Marcelo Baraj confirma su desvinculación de la banda.

Luego de 5 años ininterrumpidos de trabajo, el reconocido baterista y la banda toman caminos diferentes. Durante esos años Baraj colaboró artística y personalmente, brindándose de manera total y desinteresada al desarrollo y la evolución del proyecto. Así realizó valiosos aportes creativos y sobre todo compartió y entregó su tiempo.

Los objetivos comenzaron a divergir, lo mismo que las prioridades y las decisiones. La situación recientemente llegó a un nivel de insostenibilidad tal que la relación se quebró.

Baraj, quien seguirá su camino musical fuera de la banda, agradece enormemente el cariño y el apoyo recibido de todos los seguidores que incondicionalmente le han demostrado siempre su afecto."

CALLE 13 SUSPENDE UN RECITAL POR EL PRECIO DE LAS ENTRADAS

En su Twitter oficial, la banda de René Pérez y Eduardo Cabra escribió: “Es la única manera en que los promotores nos respeten como artistas y a ustedes como pueblo” y dijeron que no tienen "problemas con tocar hasta de gratis".

Calle 13 no actúa hasta que los organizadores bajen el costo de las entradas

El grupo Calle 13 postergó su show en Comodoro Rivadavia y lo explicó en micromensajes. Negó las versiones que no viajaban a esa ciudad desde Neuquén porque los vuelos estaban cancelados por las cenizas.

Desde su Twitter oficial, la banda de René Pérez y Eduardo Cabra dijo que la postergación del show fue por los altos costos que los promotores del concierto le pusieron a las entradas.

“Debido al alto precio de los boletos para el show Comodoro sin el consentimiento nuestro,decidimos mover la fecha hasta q bajen los precios.”, escribieron

También Calle 13 en Twitter aclaró: “Es la única manera en que los promotores nos respeten como artistas y a ustedes como pueblo..”.

Además, la banda se disculpó con "la gente linda" de Comodoro Rivadavia. También señalaron que "no tenemos problemas con tocar hasta de gratis, pero esto no se puede permitir..”.

HEREFORD TAMBIEN CRUZA EL CHARCO, PERO AL REVES

“Ahora está jodido tocar allá”. El grupo de rock crudo montevideano celebra 15 años con la edición de un compilado y un show en Buenos Aires. “La rebeldía es un bastión rockero”, defienden.

“Arrancamos en un momento bajísimo del rock uruguayo”, recuerda Diego Martino, guitarrista y cantante de Hereford, uno de los combos con mayor tradición del rock crudo de Montevideo. “Pero hubo un nuevo despertar que tocó su punto más alto en 2003, luego bajó un poco y ahora es estable. No nos podemos quejar: hemos compartido un proyecto de vida juntos, que arrancamos muy de chicos, y pudimos transformar a la banda en la meta en sí misma”, cierra Martino, notablemente facilitado para el balance por la actualidad de la banda y por este festejo de 15 años que acompañan con la edición de un compilado de las piezas más representativas de sus 5 discos.

“También ayudó que siempre pusimos primero el grupo antes que los egos, y que fuimos desarrollando una amistad que nos permitió sobrepasar los obstáculos”, continúa, pasándoles información también a las generaciones más nuevas. Porque si algo se multiplicó en la cultura juvenil uruguaya de los últimos tiempos fue, extensamente, la cuota rockera entre el piberío: “El rock es cada vez más global y atemporal, ya que trasciende lo musical y se cuela por otras arterias de la sociedad. La rebeldía y no aceptación de las normas impuestas son bastiones del espíritu rockero, y veo que los jóvenes están interesados en el rock, pero también veo que el concepto de rock se puede estar diluyendo en una generación para la que parece que lo más importante es la velocidad con la que pueda satisfacer sus falsas necesidades”, señala, crítico, el violero charrúa.

“Por supuesto que el rock argentino nos inspiró. Ningún músico que haya nacido antes de los ‘80 en un país de habla hispana puede obviar a los referentes legendarios que surgieron en la Argentina”, asegura. Hereford se dio el gusto (y viceversa) de grabar con Juanse y Manuel Quieto dos temas que quedaron registrados en 15 años, el compilado en cuestión. “Lo de Juanse fue en el ‘99 porque tocó con Guzmán Mendaro (el encargado de la otra guitarra montevideana). Lo de Manu fue distinto: pertenecemos a la misma generación y creamos un vínculo de amistad muy copado”, se alegra.

Frank Lampariello, bajista y cantante, suma su preocupación por el hecho de que en un país que vio crecer su capacidad rockera ampliamente, el circuito de lugares para tocar se viene achicando: “Hay muchas más bandas que antes, la calidad ha mejorado muchísimo y hay menos lugares. Eso hace que el bolichero se aproveche de la situación. Y los músicos bajan sus pretensiones, incluso llegando a tocar gratis con tal de hacerlo... Está difícil, sin dudas”. Quizá por eso sea que cruzarán el charco pronto.

DEBORAH DE CORRAL AFIANZA SU LADO POP

La ex modelo lanzó su debut “Nunca o una eternidad”, antes del reencuentro con INXS.

Por Javier Mattio – Suplemento VOS

Tras cruzar su destino con INXS el año pasado, grabando una reversión soulera y cool de New sensation y girando por el mundo con los afamados australianos, Deborah de Corral se anima hoy a incursionar en su debut solista, Nunca o una eternidad. Ataviada con un largo vestido primaveral y un sombrero ligeramente cowgirl, la cantante presentó el jueves pasado en Studio Samsung de Buenos Aires sus flamantes canciones de ánimo folk, junto a una banda en la que sobresale el violero Gonzalo Aloras.

Visiblemente calma en el camarín del lujoso espacio de San Telmo, Deborah habló de su disco y del borrón y cuenta nueva que éste supone, ya lejos de su etapa pretérita con Imperfectos. “Estoy feliz, entusiasmada, más segura que nunca. Por eso también tardé tanto en dar este paso, porque no me parecía suficientemente bueno lo que estaba haciendo. Ahora sí creo que es tiempo de compartir y entregar mis canciones”, aseguró.

Por encima de todo, Deborah defendió el espontáneo espíritu “pop” de su debut: “En nuestra región, el pop es sólo algo, una cosa, una rama de la música, cuando en realidad de Los Beatles hasta acá todo es pop. Mirá El álbum negro de Metallica, es lo más pop del mundo. Para mí el pop tiene que ver con una sensibilidad espontánea, de llegar porque sí, sin planteárselo. Es lo que pega sin que sepas por qué. Y esa es la música que a mí me gusta”, subrayó.

Sin dudas, Nunca o una eternidad suena a toda una declaración de principios. ¿Hay un trasfondo de seriedad deliberada entre tanta ligereza? “Mi pensamiento en cuanto a la música y la vida es bastante abstracto, tiendo a propósito a no definir un pensamiento demasiado, prefiero dejar las puertas abiertas”, responde Deborah. Y sigue: “‘Nunca o una eternidad’ es parte de la letra de una de mis canciones favoritas del disco, Este cielo; quiere decir que hay que aprovechar el momento y hacer siempre lo que uno quiere, porque si dejás pasar un día o un segundo se puede volver nunca. El tiempo es lo que vos querés que sea”.

Deborah se dispone a compartir escenario con sus compinches de INXS en el inminente Personal Fest porteño este fin de semana, donde volverá a versionar el hit ochentoso New sensation. La cantante revisó esa provechosa sociedad musical: “Para mí significa un gran honor, crecí escuchando la radio y las canciones de INXS. Quedé después de un casting enorme donde de repente aparecí yo, chiquitita, porque como cantante no me conocía nadie, y ellos se la jugaron y dijeron ‘la queremos a ella’”.

JAVIER CALAMARO: EL MUNDO ES UN AFANO

Javier Calamaro prepara su nuevo disco con invitados y una versión rockera de “Bésame mucho”, a dúo con su hermano Andrés.

Javier Calamaro, siempre inquieto y prolífico, alguna vez me dijo “tengo más de 600 canciones en la cabeza, no siempre las recuerdo todas”, En ese momento la había pedido que volviera a tocar una hermosa canción de su antiguo grupo Los Guarros, “Abeja reina”. Cuando volvimos a hablar me resaltó que la balada había sido reeditada en su disco “Este minuto”.

Todos los fines de semana se presenta en vivo en diferentes espacios, entre semana se toma el tiempo para acompañar a algunos amigos en sus shows y para seguir produciendo su legado musical. Precisamente ese fue el punto de conversación: “Estoy preparando un disco muy lindo”, cuenta.

Tendrá varios invitados esa producción, entre ellos a su hermano Andrés, David Lebón, y Fabricio Rodríguez (músico y armoniquista de gran proyección, nacido en Villa María – Córdoba, y residiendo en Buenos Aires donde toca con Javier, Alejandro Lerner, Abel Pintos, León Gieco y otros).

El fundador de Los Guarros desde hace un tiempo divide su pasión por la música entre el rock y el tango. Precisamente su próximo disco era un proyecto de música ciudadana: “Tenía 12 canciones para un disco de tango, incluso a medio grabar, pero no prosperó la idea porque estaba tan embalado con ‘Este Minuto’ (disco editado en 2010) que seguí componiendo en ese plan, paralelamente al disco de tango que estaba grabando seriamente, con la intención de terminarlo y editarlo, pero nunca había dejado de escribir canciones, como las que hago normalmente. Prosperó más lo de canciones y el tango quedará para 2012”.

A modo de adelanto se podría decir que la particularidad del próximo disco de Javier Calamaro será la inclusión de 3 canciones de amor, “lo cual en mi es una rareza”, reconoce. El estilo, para el artista, es visceral, con una balada de base pianística únicamente, y también con un tango llamado “La vida es afano”, título que pugna por ser el de la placa junto a “Hasta la tumba”, que es la idea primaria. “La frase me la regaló mi amigo Normand, es muy buena porque la vida es afano”.

También será parte del disco una versión a dos voces de “Bésame mucho”, junto a su hermano Andrés. La manera en que se inició esa canción merece ser narrada: “Un día caí por la casa de mi hermano, creo que sin avisar, y me dice: ‘Caíste justo’. Tenía el micrófono en el pie, todo el estudio listo, y me dijo ‘te guardé la mitad de la canción’; ahí nomás grabé sobre la voz de él”.

Esa pista tuvo otro proceso posterior, cuando Javier se llevó el master a su casa, junto al Indio Márquez (guitarrista y productor) separaron los canales y dejaron solamente la voz de Andrés, “después hicimos una versión mucho más rockera y bizarra”, adelanta.

El disco no tiene fecha de lanzamiento, pero la ansiedad del artista es tan grande como la de su público y será lo antes posible sin dudas. Por ahora me voy silbando la canción de la mexicana Consuelo Velázquez, que dicen nunca había besado cuando la escribió siendo una adolescente.

GRAN MARTELL

Asegúrate la aventura sonora. Escuchar a Gran Martell es asegurarse un viaje y la principal ventaja es que solo lo hacés poniendo sus discos o comprando una entrada.

Inmediatamente se siente un shock que electrifica y conmueve. No es misterio, es contundencia y creación.

Abordando diferentes estados de ánimo: JORGE ARAUJO, TITO FARGO Y GUSTAVO JAMARDO le ponen sonidos exuberantes a letras que siempre dejan mensajes.

Un universo de acordes, locura y viaje; algo no muy común en el ambiente local.

Transitando otros caminos, la banda independiente defiende su trayectoria, y en cada presentación derrama un aluvión de texturas impredecibles: altos, graves, bajos y agudos.

Una alucinante manera de expresión que deja al espectador envuelto en las llamas de todos sus riffs.

No es una banda más, es una inquietante aventura sonora llamada…GRAN MARTELL.

GRAN MARTELL TRAYECTORIA

GRAN MARTELL se formó a mediados de 2004 en Buenos Aires.

Está integrado por Jorge Araujo (batería y voz), Tito Fargo D`Aviero (Guitarra) y Gustavo Jamardo (bajo y voz).

Con tres discos editados, “GRAN MARTELL” (Pirca Records/Universal music-2005); “DOS HUECOS” (Gentil Irreverencia/ Emi Music 2008) y “UN VOLCAN” (Gran Martell Records 2010), han podido reflejar su particular estilo en el tratamiento sonoro y rítmico, sin perder el formato canción y el trabajo en las melodías, logrando una combinación inusual para la escena del rock argentino.

Gran Martell se ha presentado en los principales escenarios de Buenos Aires (Pepsi Music Festival, La Trastienda, Auditorio Parque Sarmiento, ND Ateneo, Festival Parque Lezama, El Teatrito, Centro Cultural Rojas, Centro Cultural Borges, Ciudad Konex, Niceto Club, The Roxy Live, Estadio Parque Roca, etc.).

Durante el 2009, 2010 y en lo que va del 2011, han realizado giras por Mendoza, San Luis, Córdoba, Tucumán, Rosario, La Plata, Mar del Plata, Bahía Blanca y por varias provincias de la Patagonia.

Gran Martell, junto al productor César Silva editaron su último material de estudio, titulado “UN VOLCAN”.

El mismo se hizo presente en dos partes; la primera de ellas, en un formato electroacústico y la parte que da cierre, netamente eléctrico llegará para el 2012 y tendrá la particularidad de que antes de ser editado, sus canciones podrán ser oídas solamente en los shows en vivo que realice el trio.

El primer corte de Un Volcán se titula “El Amigo del Rey”, canción que ya cuenta con un videoclip filmado en las instalaciones de CIUDAD KONEX.

El segundo corte se titula “Perro por Bozal”, con la participación de Richard Coleman en Slide Guitar.

CORTITAS DAK

SPONSORS, luego de la excelente aceptación que tuvo su debut con "110%" donde se destacaron "Nada", "Momentos de Gloria" y " Presente" entre otros, que los llevó a ser Ganadores del Premio Gardel a la música 2009 en el rubro "Mejor Álbum Nuevo Artista de Rock". Sponsors, con Joaquín Levinton como front-man (ex Turf, creador de éxitos como "Loco un poco", "Pasos al costado", "Yo no me quiero casar" y "Magia blanca") presenta su nuevo disco de estudio “A TRODO TRAPO”, el cual contó con la producción de Moska Lorenzo y fue grabado por Álvaro Villagra en los Estudios del Abasto, con invitados como Jorge Serrano, Leo García, Los Tipitos, Cucho Parisi, El Bolsa y el mismo Álvaro Villagra. El primer corte de difusión que se desprende de este material es “LA AMISTAD”, que promete convertirse en un himno, y en breve tendrá su video en rotación en todos los canales. “A TODO TRAPO” Tracklist 1. Nunca es igual 2. Hay que bancar 3. La amistad 4. Vos sos lo más 5. Lo mejor del amor 6. Sin tu amor 7. Afuera llueve 8. Drogarse y coger 9. Dealers 10. Da mas gratis 11. Diarios de ayer 12. Tacho de basura 13. Los que te quieren de verdad 14. Acá estamos 15. A todo trapo Sponsors son: Joaquín Levinton - Voz y guitarras Agustin "Agus" Della Croce - Teclados Rodrigo "Pica" Bosco - Bajo Gonzalo "Gutty" Gutiérrez - Guitarras Juan "Mr Ganja" Lorenzo – Batería.

D-MENTE presenta su lado más crudo No es el premio ganar sin saber lo que fue perder. La banda muestra un nuevo sonido: más pesado y potente. Manteniendo las melodías que los identifican y redoblando la apuesta, llevan su música a un nivel más extremo. 10 canciones, en las que D-Mente decide explorar sus límites, son la síntesis perfecta del poder y la pasión por la música.“Este es un disco que nació en nuestra sala de ensayo hace casi un año. En ese tiempo, le fuimos dando forma y los temas fueron cambiando y mucho. Cada uno desde su lugar aportó su furia y se fueron poniendo más pesados.” “Las canciones del disco tienen letras precisas y directas. La profundidad de las voces, una base arrolladora y grandes solos, las convierten en energía pura. Expresan exactamente lo que queremos.” Andrés Giménez Track List: 1.La Soledad X 2.Himno de fe X 3.Oyeme X 4.Serás el juez 5.Hasta el fin X 6.Grito para no callar X 7.En tus brazos 8.Es el momento X 9.Nada ha sido en vano X 10.Sabes bien Andrés Giménez X Voz y guitarra Lisardo Álvarez X Guitarra Gula Cocchiararo X Bajo Marcelo Baraj X Batería

LA FRANELA presenta su segundo álbum de estudio titulado “Hacer un puente”. Grabado y mezclado pro Martín “Tucán” Bosa en los estudios del Abasto (Mansión Monsterland) y estudio Tucansoniq. Masterizado por Max Scenna en Puro Mastering. Producido por Martín Bosa. Contó con artistas invitados como Alejandro “Pollo” Gómez Ferraro, Carlos Casella, Carito Santos, Antonio Fernández y Tavo Kupinski. "En vez de murallas, alambrados, vallas, en vez de muros que separan, que excluyen, que expulsan: hacer un puente", es lo que propone La Franela en su nuevo disco, un disco que reúne doce canciones que hablan de encuentros y desencuentros, de viajes, de cambios, de orillas reales y metafóricas; doce canciones que transitan por el rock, el ska, los ritmos latinos. "Hacer un puente", este segundo disco de La Franela, inicia con el tema "Lo nuevo", y finaliza con algo eterno: una breve pieza de bandoneón tocada por Gustavo Kupinsky unos días antes de partir. Tracklisting 1. Lo Nuevo 2. 414 3. Price for freedom 4. Hacer un puente 5. Corre 6. Sirena 7. Maikel Focs 8. Mareo 9. Te morís de ganas 10. Las horas 11. Vos sabés 12.

NTVG CIERRA SU GIRA ARGENTINA EN EL ESTADIO GEBA

9 de diciembre - 19Hs. Entradas a la venta a partir del viernes 14 de octubre a las 14hs.

Después de haber recorrido prácticamente todo el país con localidades agotadas y agregando funciones en varias plazas , No Te Va Gustar anuncia la última presentación del año en Capital Federal, cerrando su exitosa gira por Argentina.

Las nominaciones al Grammy Latino y las presentaciones sold out en todo el país, no hacen más que confirmar el gran momento artístico por el que atraviesa No Te Va Gustar.

El año comenzó con una exitosa visita a México para participar de los Festivales Vive Latino y Revolution Fest, siguió con un megaconcierto para más de 70 mil personas en Montevideo por los festejos del Bicentenario Uruguayo; continuó con 4 presentaciones SOLD OUT en el Estadio Luna Park de Buenos Aires; una gira por más de 30 ciudades de Europa; shows en Chile, Estados Unidos y Canadá; y sigue actualmente con el tour por Argentina que lo llevó a recorrer de Ushuaia a la Quiaca. De aquí a fin de año la banda seguirá girando por la región, llevando nuevamente su música por México, Venezuela y su Uruguay natal. Para finalizar el año con un gran show despidiendo el 2011, en el Club

GEBA de Buenos Aires.

Por lo menos hoy fue editado en Latinoamérica, Estados Unidos y España. Y va camino al status de Platino en Argentina y Uruguay. El single Chau lidera los ránkings de radio y televisión y va llegando a los 2.6 millones de vistas en YouTube, mientras que el número de seguidores de la banda en Redes Sociales se multiplica día a día: más de 600 mil en Facebook y por encima de los 25 mil en Twitter.

No Te Va Gustar es sin dudas una de las bandas de rock más importantes de Sudamérica.

Heredera de las finas tradiciones musicales uruguayas e influenciados por la mejor sangre del rock argentino transita un camino singular dentro del panorama rioplatense. Con letras sentidas e inteligentes y una musicalidad que los libera de cualquier etiqueta, construyen un sonido que viaja entre lo autóctono y lo cosmopolita.

"NUEVOS AIRES PARA GONDWANA"

Gira y cierre en Groove por Lau Maiojas

El pasado sábado 22 de octubre cerró su visita a la Argentina Gondwana, la banda de reggae chilena mas popular, prestigiosa y con mas cantidad de seguidores de América Latina.

Destacándose por sus constantes giras, con agendas desbordadas de shows en vivo y su gran gusto por nuestro país se presentaron en varios boliches, algunos fuera de Capital, y hasta en Entre Ríos.

El último y mas importante show de esta visita fue en Groove, de Palermo, compartiendo la velada con Tribal Zion y Chelo Zimbabwe & The Groove Factory, en la cual la banda chilena liderada por el bajista I-Locks Labbé elevó al público presente con una gran energía durante casi 2 horas.

A lo largo del show repasaron una interminable cantidad de hits de calidad y sus 2 temas ineditos: "ALTERADA REALIDAD" y "PARA QUIEN AVANZA" grabados ya en el compilado oficial "PINCOYA CALIPSO" y adelanto de su próximo disco, tributo a Bob Marley.

La banda se mostró homogénea, equilibrada y Mc Jona, el nuevo vocalista, a pesar de su poco tiempo en Gondwana, reavivó el power de los viejos tiempos con su voz temperamental, su actitud de empatía y su visible disfrute arriba del escenario.

El público en su totalidad cantó y bailó de principio a fin, al ritmo de las canciones acompañados por un impecable juego de luces en los 3 colores característicos del reggae music que vistieron el escenario a modo de escenografia.

Como no podía ser de otra manera, a punto de meterse a grabar un disco tributo a Bob, aunque será de temas propios y no covers, el cierre fue una extensa y original versión de "COULD YOU BE LOVED" en la cual, fueron presentados cada uno de los impecables músicos de la banda.

El disco nuevo, que comenzará a grabarse en breve, viene acompañado de una gran expectativa. Tanto de parte de los seguidores de la banda ( quienes esperan temas nuevos desde "RESILIENTE" 2007) como de la banda misma, quien asume este nuevo desafío en una etapa que reconocen de estabilidad y madurez tanto musical, como grupal.

EL PRIMER DVD DE DIVIDIDOS

La banda de Mollo, Arnedo y Ciavarella edita su primer CD+DVD doble, y lo presentan en un video

Por Redacción VOS

Desde su sitio web, Ricardo Mollo y Diego Arnedo le sacan el celofán a la caja de Audio y Agua, el primer DVD oficial de Divididos, y anuncian que para presentarlo lo proyectarán en un legendario cine de la Capital Federal.

Audio y Agua es el registro audiovisual, con sonido 5.1 y planos e imágenes que, prometen, permiten sentir la demoledora actuación de Divididos.

La más novedosa tecnología de filmación acompaña la interpretación en vivo de las 26 canciones que integran este doble DVD y doble CD de audio junto a un libro de fotografías, dibujos e información que completan una lujosa edición, complementaria al lanzamiento que ya hicieron del vinilo y siguiendo la entera dedicación a su obra.

Grabado en vivo el 2 y 3 de junio de 2010 en el Luna Park, el material es el documento de las presentaciones de Amapola del 66. Con una puesta importante, el escenario con la whipala y el molino real, 16 invitados especiales, primeros planos del público, el trabajo de luces y proyecciones dan un gran marco a la nueva apuesta de Divididos.

Este primer DVD del power trío, aquí también despuntando su perfil más folklórico, trae además una serie de extras que ilustran los momentos previos y posteriores al concierto que, a modo de guiño con sus seguidores, han querido compartir en este formato de colección, del cual se ha visto un anticipo en su página web, territorio de novedades directas y sorpresivas.

Audio y Agua es la esperada nueva obra de Divididos. El primer DVD oficial de su historia. Editado por La Calandria y 300, desde el 10 de noviembre en todas las disquerías.

VIRUS: 30 AÑOS DE WADU WADU

Lucas Seoane –blogrock.com.ar

Para conmemorar las tres décadas de su primer álbum, la banda platense prepara un super festejo para el domingo 27 de noviembre en el Teatro Opera.

Transcurrieron 30 años de aquel disco, que arranca con una declaración de principios como “Soy moderno, no fumo” y que colocó a Virus dentro de una escena moderna que emergía a principios de los 80 en el rock nacional. En aquel entonces, resultaba complejo encuadrar a los hermanos Moura en un solo estilo musical: eran pop por su propuesta moderna y bailable, pero también se los encasillaba en el punk por la corta duración de sus temas.

“Wadu Wadu” (1981) contenía 15 temas, muchos de ellos pasaron a ser clásicos en cada presentación en vivo: “Loco coco”, “El Rock es mi forma de ser”, “Todo este tiempo perdido”, “Caliente café”, “Densa realidad” y, claro, la canción que le da título al material.

Pasaron los naranjazos, las camperas de cueros, los raros peinados nuevos, la muerte de Federico, los desafíos, la separación, el reencuentro y la reconquista al público ya con Marcelo como frontman.

El “Wadu Wadu” pasará a bailarse el último domingo de noviembre cuando Virus llegue al teatro porteño de la calle Corrientes para celebrar las tres décadas de un disco que traía nuevos aires a un país que empezaba a respirar el retorno de la democracia.

Virus se presentará el domingo 27 de noviembre, a las 21.30, en el Teatro Opera. Av. Corrientes 860, Capital.

OS PARALAMAS DO SUCESSO

UN LARGO CAMINO A CASA

Entrevista. Os Paralamas do Sucesso. La banda del mítico Herbert Vianna vuelve a Buenos Aires a repasar sus éxitos en un show acústico.

En la historia de Paralamas hubo un antes y un después del 4 de febrero de 2001. Aquel día, Herbert Vianna cayó con su avión ultraliviano, perdió a Lucy, el amor de su vida, y apenas logró sobrevivir tras 44 días de coma quedando parapléjico y perdiendo parte de sus capacidades mentales. Un año más tarde, sus compañeros Bi Ribeiro y João Barone editaron Longo Caminho , el disco que estaban grabando en ese momento. Luego la música y el coraje del cantante hizo que sacaran De Perto , donde Herbert volvía a componer: “No sé vivir solo y sin soñar. Sin fe, sin tener alguien”, escribía, entonces, desde su dolor.

Hoy la música les devolvió la felicidad, y antes del show de esta noche en el Gran Rex, el baterista João Barone cuenta cómo están.

¿Cuán importante ha sido la música para la recuperación de Herbert? Fue de importancia capital para él, así como para nosotros como integrantes. Herbert nos ha ayudado mucho, su capacidad de superar los desafíos fue impresionante. Su nueva forma de ver el mundo es muy interesante y despierta muchos sentimientos nuevos. Seguimos muy inspirados y con muchos shows, estuvimos en el Rock in Rio y ahora vamos empezar a componer nuevos temas. Herbert sigue escribiendo mucho. En 2012 se cumplirán 30 años de la banda, y planeamos una gran gira.

Hay pocas bandas que manifiestan cierta influencia del rock argentino en Brasil, ¿son la excepción? Ciertamente logramos hacer un intercambio real con muchos artistas argentinos, y si hay gente en Brasil que conoce a Charly, Fito, Los Pericos y Soda, nos hace sentir muy orgullosos de que sea de la mano de Paralamas. Hoy es más difícil aportar cosas nuevas de unos a otros, porque la producción local de ambos países está muy grande y con públicos muy distintos y ocupados en atender su propia escena musical. Igual, con Internet se puede ver un poco lo que pasa, ya sea acá o en Londres.

¿Cómo ven a la nueva generación de músicos brasileños? La movida del rock en Brasil está muy buena. Nos encanta Pitty, una chica que anda muy bien entre los nuevos nombres. Ya hicimos cosas juntos en nuestro nuevo DVD.

ENTREVISTA A RICARDO SOULÉ

“Se están abriendo puertas que estuvieron cerradas mucho tiempo”. Uno de los pioneros del rock local, cofundador de Vox Dei, acaba de sacar un álbum donde lo acompañan figuras como Chizzo Nápoli de La Renga, y Manuel Quieto de La Mancha de Rolando. Lo presentará en vivo este jueves en el ND Ateneo.

Diario Tiempo Argentino

La primera generación del rock argentino no se conformó exclusivamente con músicos porteños, sino que a fines de los años ’60 también confluyeron artistas de Rosario (Los Gatos) y de barrios alejados del naufragar céntrico (Arco Iris de Ciudad Jardín, Almendra de Bajo Belgrano). Otro caso fue el de Vox Dei, que desde Quilmes accedió a hitos como el sello Mandioca y los recitales del domingo por la mañana en el Teatro Coliseo. Desde entonces, la figura de Ricardo Soulé siempre sobresalió por la fuerza de su voz grave y la combinación de su impronta rockera con una vieja pasión por el violín, que logró utilizar con Vox Dei y en su carrera solista, que ahora tiene una nueva obra llamada Dolmen, donde suena bien pesado y tiene como invitados especiales a Chizzo Nápoli de La Renga y Manuel Quieto de La Mancha de Rolando.

–Había una época en que discográficas y radios le daban la espalda a una generación pionera. ¿Ahora hay más respeto?

–No les queda más remedio, porque mundialmente es así. Esa gente siempre fue seguidora de lo que pasaba afuera, aun teniendo un crisol de música y de arte alucinante acá, y ahora tuvieron que volver a la raíz, porque mundialmente se vuelve a la raíz. Fijate que los Rolling Stones siguen tocando temas de aquella época, lo mismo que Paul McCartney y Eric Clapton, que toca “Leyla”, ¡un tema de cuando yo no tenía ni veinte años! Entonces no me extraña que en este momento se haya revertido la situación, más por una cuestión de moda que por una cuestión de fondo.

–¿Te resulta difícil conseguir dónde sacar los discos, tocar en vivo o sonar en la radio?

–Comparado con otras épocas, en este momento no. Otras épocas fueron más duras que esta. Yo creo que estoy pasando un momento muy bueno, tanto por las puertas que se están abriendo como por los contactos que se están acercando para generar cosas. De alguna manera me siento un poco representante de una comunidad de músicos argentinos que la estamos viendo difícil; no en mi caso personal, porque, ya te digo, estoy pasando un momento muy bueno, pero les resulta muy difícil a los chicos tocar en vivo, que les paguen, que vendan los discos, que les hagan notas, en fin, que los tomen en serio. Las razones deben ser muchas, yo no las tengo, pero en mi caso se están abriendo puertas que estuvieron cerradas durante mucho tiempo, y las actuaciones no te digo que ahora son muchísimas, pero son muchas más de las que tuve durante muchos años.

–Incluso hay un lugar casi específicos para los pioneros del rock local, que es La Perla de Once.

–Bueno, La Perla para nosotros vino bárbaro. Estamos tocando para unas audiencias pequeñas pero con fervor y conocimientos muy profundos. Da gusto tocar en un lugar, por lo que es La Perla, por la gente que lo organiza y por lo emblemático del lugar, porque la verdad que ahí se generó toda una movida que indiscutiblemente es como una especie de meca del rock argentino.

–De todas forma vos no lo frecuentaste con Vox Dei, ¿no?

–Nosotros éramos contemporáneos de La Perla, pero no estábamos en la Capital hasta el año ’70, cuando con mi mujer nos mudamos a seis o siete cuadras de ahí. Muchos de los que estaban en La Perla venían a casa, antes o después de La Perla, pero nos enteramos después de qué era La Perla. En ese momento no lo sabíamos.

–También hay un mayor acercamiento y respeto de la generación más joven de rockeros. ¿Cómo conociste a Chizzo, de La Renga?

–Con Chizzo ya venía desde hacía tiempo el asunto, no con él puntualmente sino la relación a través de terceros, que me hablaban de La Renga y me decían: “Mirá que ellos están muy vinculados con ustedes, tienen mucho que ver y tienen muchos puntos en común.” Tuvimos algunos encuentros pero muy espaciados y sin tener la profundidad que tienen los actuales. Ahora ya realmente hay una relación de amistad y de profesionalidad, donde realmente los estoy conociendo y estoy encantadísimo, porque la verdad, es un tipo extraordinario.

–A la Renga le gusta juntarse con gente como Edelmiro Molinari y Javier Martínez, sus héroes.

–Buscaron la raíz, fueron a sus héroes, como nosotros también tenemos los nuestros. Para mí, ellos se están transformando en héroes porque lo que hacen es digno de admiración, y no solamente desde la cantidad de personas y ese tipo de cosas, sino desde la calidad humana que tienen.

–¿Tocaron en vivo juntos?

–Sí, dos años atrás, en San Pedro, con toda mi banda completa. Fue hermoso, la verdad que fue hermoso. Hicimos un show de 40 minutos más o menos, y Chizo no aguantó, y subió y tocó con nosotros la armónica. ¡Lo único que faltaba era que se abrieran las aguas!

–¿Cómo fue el caso de Manu, de La Mancha?

–Una vez en Rosario compartimos escenario con ellos, en una fiesta del 21 de septiembre, cerca del Monumento a la Bandera. Estábamos en el mismo hotel, nos intercambiamos los teléfonos y ellos empezaron a visitarnos y a invitarme a tocar con ellos. Luego salió la idea de hacer un disco juntos y apareció una serie de elementos que fueron los que redondearon la producción de Dolmen.

¿UNA CANCIÓN INÉDITA DE GUSTAVO CERATI?

Se trata de "Vamos a tu hotel", una colaboración del ex Soda Stereo con un DJ alemán.

En las últimas horas fue dado a conocer un tema presuntamente inédito de Gustavo Cerati. Se trata de la canción Vamos a tu hotel, grabada en colaboración con el dee jay alemán Wechsel Garland.

El tema, se desprende de una antigua colaboración del músico con el pinchadiscos, que se remonta a un álbum titulado Easy, donde Cerati participa en tres tracks: White Circle, Walker y Stones.

El disco fue editado en nuestro país por el sello Casa del Puente, el mismo que trabaja con artistas como los marplatenses Altocamet y Cecilia Amenábar, ex mujer de Cerati.

Algunos años atrás, Wechsel Garland, también conocido como Wunder, realizó un remix de la canción Sulky, que fue publicado en el disco Reversiones - Siempre Es Hoy, del año 2003.

RICHARD COLEMAN: EL ESLABÓN PERDIDO

Luego de deleitar a generaciones con Los Siete Delfines o acompañando a Soda Stereo entre otros grandes, saca su primer disco solista. Una delicia. Música para escuchar siempre.

Por Jorge Belaunzarán

Un artista es también las expectativas de su público. Ambos se conforman. Aunque las posibilidades de influir en la formación del otro son mayores en el artista. En la cresta de la ola, puede disponer a su arbitrio si algo nuevo quiere de su música. Y de su vida. En la pendiente, mejor recurrir a lo seguro de los sonidos consagrados. Las fieles compañías suelen ser el refugio en los momentos aciagos, que no por eso debe ser confundido con la solución: sencillamente es donde más a resguardo se está; y lo que calma, cura.

En el origen, algunas cosas son menos difíciles. Por ejemplo, aún hoy Argentina se pregunta por qué no puede aparecer un nuevo Luis Alberto Spinetta, o un Charly García. Por no hablar de unos cuantos más, que sin olvidar a Pappo debería incluir a los exitosos ochentistas Andrés Calamaro, Gustavo Cerati, Los Redondos, Virus, por nombrar los que vienen a la memoria de inmediato y funcionan de disparadores para volver a pensar la música en algún momento distinto al hoy. Y es que los que arrancan con algo, como en su tiempo hubo que arrancar con el rock argentino, saben que tienen todas las de perder: así es más factible hacer la música que realmente se viene en gana; se haga lo que se haga, no se venderá lo suficiente para hacer la diferencia: nada superior al placer de lo que gusta. Entre otras cosas, los nombrados, también por eso se hicieron grandes como son.Los que llegaron después tenían el camino despejado. Y más comprometido. Encima la experiencia de los anteriores mucho no les servía, ya que era una experiencia para otro tipo de situación, para cuando estaba todo por hacerse. Ahora la dificultad era otra, y nadie sabía bien siquiera en qué consistía.

Entre ese grupo de artistas que explotaron en los 80 pero cuya configuración corresponde a una época previa, una configuración que podría definirse como decantada, casi en su máximo grado de pureza, resultó sin dudas en lo que fue Soda Stereo, Virus, Los Redondos, Andrés Calamaro, Los Fabulosos Cadillacs, incluso formaciones más noventistas como Los Piojos, La Bersuit, Divididos, Las Pelotas (lo cual no deja de llamar más la atención aún sobre Sumo: una formación que parece no admitir antecedentes ni continuadores, que no admite otra categoría que la propia)

Entre todos ellos, un músico de esos que cuesta creer que existan cada vez que se lo escucha o se lo ve. Que provocan la pregunta de por qué no alcanza el calor de las masas. Richard Coleman. El que hizo Clap y luego Fricción con Cerati, Christian Basso y Fernando Samalea; el que luego hizo Los 7 Delfines (L7D); el que grabó con García y Calamaro; al que llamó Soda Stereo para hacer su gira final; el que hizo discos para volver a escuchar sin que la naftalina le haya dado olor, y al que cada disco parece salirle igual de bien que siempre: en vez de ser una cordillera con grandes picos, lo suyo parece una cadena montañosa de gran pero pareja altura. Insólito. Cautivante.

Coleman es de culto e influyente. Sabe dar toques de distinción a la música que acompaña con su guitarra, y una energía atrapante a la que inventa y ejecuta como propia. Sabe rockear si hace falta (y vaya que lo hizo) y ser el más de los profesionales. Puede producir lo ajeno como dejarse producir lo propio. Puede jugar donde los demás hacen agua. Y apelar al oficio frío si hay que levantar lo ilevantable. Un músico de excepción, antes que uno excepcional.

El eslabón ochentista que permite unir lo que va del inexplicable Sumo al sofisticado pop de Soda, del gran rocanrol clásico de Los Redondos al juguetón pop de Virus, de las encantadoras canciones de Calamaro y Fabiana Cantilo al rock latinizado de los Cadillacs. En su música aparecen, con la delicadeza del anfitrión más excelso, todos esos sonidos. Ninguno en su versión original: los remasteriza su fina guitarra. Y así como todos los 80 pasan directamente por su música, los 70 de García y Spinetta lo hacen a través de lo que de ellos tomaron sus herederos.

Siberia Country Club se llama su primer disco solista, que acaba de sacar y presentar. Produce el mismo efecto que al escuchar a L7D: suena como de siempre, como si el tiempo no lo afectara, una continuidad permanente que no se repite jamás. Un único disco que se promete inmortal. Si Coleman fuera divino, se hablaría de milagro. *

LEON GIECO HABLA DE EL DESEMBARCO, SU NUEVO DISCO

“Todos tenemos un pequeño monstruito adentro”. Al frente de una selección comandada por Jim Keltner, León impacta con un paquete de canciones que lo muestra en excelente forma. Gieco recorre presente, pasado y futuro.

Por Gloria Guerrero y Eduardo Fabregat – Pagina/12

Hay personas que poco tienen para decir y hay personas que nunca tienen nada para decir. Pero León Gieco siempre tiene todo para decir. Intenso, eufórico, vehemente; listo para sorprender(se), para alarmar(se), para tomar aire (a veces) y hasta para abrumar a sus ocasionales interlocutores, el santafesino existe atento a y comprometido con –y agitado de– la vida suya y la de todos los demás. Su nuevo disco, El desembarco, el primero con canciones nuevas después de seis años, lo encuentra a sus casi 60 (los cumple en tres semanas) muy despierto y muy feroz. De hecho, el primer corte de El desembarco se llama “El argentinito” (ver aparte) y, después de semejante filípica, no quedará argentinito en pie.

–¿A qué “desembarco” refiere el título?

–Hebe (de Bonafini) y las Madres llamaron el desembarco a su entrada en la ex ESMA, y así se titula una de las doce canciones de este disco. Los cantantes y autores solemos elegir un tema y ponerle ese mismo título al álbum; para mí siempre funcionó así, con la excepción de Por favor, perdón y gracias (2005), que iba a llamarse Santa Tejerina pero, justo cuando iba a editarlo –con una tapa muy linda, con una especie de Virgen– llegó el juicio a Romina Tejerina y se armó el quilombo y la compañía me dijo: “Loco, empezamos mal, ¿viste? Va a parecer que tu título es una especulación. Hagamos otra cosa”. Hasta Mercedes Sosa me llamó preocupada: “Nene, tenemos que hablar”. Una vez que le expliqué la historia, comprendió...

–Por favor, perdón y gracias tuvo también un conflicto con los padres de las víctimas de Cromañón.

–Sí, cuando estalló lo de Callejeros me hicieron sacar el tema donde cantaba el Pato Fontanet. ¡Y ahora que grabo El de-sembarco, se arma el quilombo con Sergio Schoklender! (se agarra la cabeza).

–¿Habló con Hebe al respecto?

–Justo había viajado a Los Angeles para grabar, así que no sé nada en concreto, sólo que respaldo a Hebe. Y que una de las críticas que pueden hacérsele a este Gobierno es que esa plata salía sin una comisión que la controlara; armaron una pelota tan grande que se les escapó. Hebe creyó que todo funcionaba bien y pecó por no enterarse de lo que estaba pasando; nunca entendí que le diera una oportunidad a este tipo pero, bueno, viniendo de Hebe... podía ser; fue uno de sus tantos actos de amor. Igual, en cuanto a si “hablé con Hebe”... Hebe no es de hablar. Hebe sigue derecho, como un buey que ara; los martes hacen la comida y va y labura, es como una fuerza bruta, un ejemplo: todos en el mundo conocen su pañuelo. El problema máximo fue que Schoklender habló mal de ella, parecía pagado por la oposición. Pero al fin eso no se reflejó en el porcentaje: vamos a tener Cristina por cuatro años más. Es la primera vez en mi vida que me siento orgulloso del presidente que tengo. Igual, yo miro todo: creo que hay que ver el programa de (Mariano) Grondona o leer ese libro de Luis Majul, ¡incluso para aprender “al vesre”! Si no, es el extremismo total de decir “Si me venís a criticar, entonces sos opositor”. Tenemos que entender que no tenemos un Gobierno perfecto, que estamos en el primer escalón de un cambio positivo. Muchos dicen: “Uf, respiramos, vamos a tener cuatro años más de Cristina”, pero eso no es digno de un país: sería bueno que pudiéramos respirar por más de cuatro años. Formemos gente: ¡que haya una universidad de políticos..! (sonríe). La letra de “El desembarco” dice: “Hay quienes desembarcan sin barcos y sin armas por la vida”, y la canción y el álbum se llaman así, sólo por esa partecita. Cuando tuve que titular, me pareció lo mejor. Y pensé: ¿por qué no acompaño ese desembarco con fotos en el Espacio de la Memoria? Todas las fotos fueron hechas en la ex ESMA, y es la primera vez que imágenes del Espacio de la Memoria van a aparecer en un disco. Así que todo tiene que ver. “El desembarco” habla de las diferentes actitudes de las personas: algunas positivizan todo lo negativo –personas que han sido torturadas militan por los derechos humanos, como Pérez Esquivel o como las mismas Hebe o Estela de Carlotto–; y también habla de situaciones actuales: “ensuciamos las rutas, ensuciamos los ríos, matamos en la guerra y en las calles hoy tenemos monumentos a asesinos”.

–Otra de las nuevas canciones, “Fachos”, también recoge esa idea: un pueblo que lleva el nombre de un represor.

–La letra dice: “El pueblo se llama como genocida; al costado de la ruta nos paró Gendarmería. Lo que buscan no está en mi mochila, está en el avión que pasa por arriba. Estos creen que somos pelotudos, llaman la atención a la prensa amarilla y así la cocaína llega a su destino: España, Brasil, Estados Unidos”. Esto nos pasó con D-Mente (la banda de rock de Andrés Giménez, con la que editó un disco en 2009: Un León D-Mente) cuando fuimos a tocar a La Rioja y a San Juan. Allá hay unos pobres pelotudos que te bajan todo lo que llevás en el micro sólo porque los músicos están tatuados... Los que venden cocaína no están tatuados. ¡Los que llevan cocaína en un avión no se tatúan, usan corbata! ¿Entendés? Volviendo a los nombres de los pueblos, ¿sabían que la Argentina es el país que más ciudades tiene con nombres de militares? ¡Number One! Hay que agarrar un mapa y fijarse: Teniente Tal, Coronel Tal, cualquiera, ¡todos! Y además hay pueblos que se llaman como represores ingleses, como Nelson; Nelson era un hijo de puta que mató a miles de indígenas en Santa Fe: “¡Che, ¿vamo’ a tomar uno’ vino’ a Nelson?!”. Estoy componiendo una canción con todos esos nombres: será como una “gira” mía por todas esas ciudades y pueblos, y el festival mayor va a ser, por supuesto, en General Roca, el más asesino de todos. La tengo medio enfilada, pero hay que ponerse a trabajar: es un laburo como el de “Orozco”, porque hay que buscar mucha información. Y la otra canción que estoy haciendo es con las letras de las patentes de autos (risas).

Bailar hasta romperse

A León Gieco le han ofrecido publicar todas sus letras en un solo libro, Obras completas, y le divierte la sugerencia de que, luego de casi medio centenar de discos editados, más que un libro debería sacar una enciclopedia. “No, no publicarían todas (se ríe). Serían escogidas, quizá las mejores, o las que signifiquen algo en especial... No sé qué va a pasar con eso, pero siempre mi amigo Huguito Soriani me dice: ‘No lo hagamos así nomás; busquemos algunos pintores, que pinten sobre eso... Eso estaría bueno’. Pero ¿cómo elegir?:

‘Seamos todos caballos’, que compuse en 1973 cuando era pendejo, fue tan importante para mí como lo es este disco ahora...”

Pobre la canción que llega tarde,

Que aparece cuando todo pasó;

Viene atrás corriendo, como el paisaje

Que dejamos cuando nos estamos yendo.

Cristal débil, de hielo que se rompe,

De un mal paso, de tropezar

Que pretende tomar la vida en un trago

Y se ahoga al comenzar.

(“Las canciones”,

de El desembarco)

“Este tema habla de las canciones y de para qué sirven”, dice Gieco. “Porque está la canción que llega tarde, la canción especuladora que no sirve para nada... Está la canción más osada, la que te acompaña, la que ‘de dos caminos te hace uno solo’. Y están las instrumentales, ‘las que sin palabras te dicen todo’; y ‘las siempre presentes, las inadvertidas’; y las ‘centenarias, himno de una Patria para niño y dictador’... Porque al himno lo canta el nene y también un torturador.”

–¿Quién es “Ella”, la protagonista que abre el álbum?

–Ella es mi mamá, que falleció hace un año y medio. Mi vieja era una persona muy importante para mí. Me entendió como artista desde que toqué por primera vez: era ella quien iba a verme actuar; yo cantaba para ella, y teníamos una relación muy fuerte. Se llamaba Elda y, bueno, se murió, como nos va a pasar a todos.

–En “Hoy bailaré”, una suerte de cumbia, declara que bailará “hasta que se conviertan en polvo mis pies”. Es difícil imaginar a León Gieco en esa tarea...

–¡Yo lo puedo bailar perfectamente! Esta canción me la bailo, ¡¡me la bailo!! Más aún: estoy por hacer un video donde bailo yo mismo (risas), porque es un paso que sé hacer. Jim Keltner, el baterista, me preguntó: “¿Cómo toco esto?”. Le dije: “Como ‘Down in Hollywood’, que hiciste con Ry Cooder”. “Ah, allright”, dijo el tipo. Tun-tun pác, tun-tun pác. Y no es una cumbia, específicamente; en realidad, es un paso brasileño: hay un acordeón, hay un tiple colombiano, están las congas de Luis Conte... Ahí soy como un loco que dice: “A pesar de todo, hoy voy a bailar y me voy a desarmar bailando”. Es un tema optimista, pero no es alegre: tiene su carga: “Voy a bailar... y no quiero pensar en nada”.

–¿Puede permitirse un descanso así?

–Sí. No. Lo intento. Durante este tiempo que estuve grabando en Los Angeles, nadie me conocía; fui a ver todos los conciertos, entré a cualquier lado en cueros y short y nadie me decía nada, y dejé de ser León Gieco por tres meses. Después me costó mucho reacomodarme acá; casi me enfermé. En mi país no puedo, excepto que me vaya al campo, que es como un cable a tierra; todas mis primeras canciones las compuse dentro de una carpa, con el auto parado en un camino perdido, y me quedaba diez o veinte días viviendo solo y como un croto. Era un campo de mil por mil y nunca me voy a olvidar de aquella vaca...

Cada tanto, a Gieco le encanta recordar esta anécdota de cuando, siendo muy joven y en ocasión de una de esas “escapadas de croto”, se subió a un árbol en el medio de la nada...

–... y en aquella esquina de allá, muy a lo lejos, había un grupo de vacas y yo estaba tocando la guitarra y una sola vaca se separa del grupo; viene caminando hacia mí y demora un montón, como media hora... Y en un momento pienso: “Esta vaca viene para acá”. No puede ser... ¿sola? Y venía despacito, y venía, y venía, y venía... Cuando llegó adonde yo estaba, me miró: ¿viste cómo miran las vacas? Yo seguí cantando, se pegó la vuelta, y se volvió caminando hasta su grupo. ¿Cómo hacés para entender ese evento? ¿Cómo hacés para entender lo que le pasó a esa vaca?

–¡Qué les habrá contado a sus compañeras!

–(Carcajada) ¡Seguro que la mandaron ellas! “¡Andá a ver a aquel boludo, qué hace!” Hora y media después les cuenta: “No, está tocando una canción, nada más” (risas).

–En aquel entonces seguro no imaginaba que terminaría grabando con Jacques Morelenbaum y la Orquesta Sinfónica de Praga...

–(Sonríe) Fue una de las propuestas de Gustavo Borner (coproductor en Los Angeles), quien está muy avanzado tecnológicamente haciendo músicas de películas; cuando necesita una gran orquesta graba a través de Skype. Borner tiene el contacto con la Sinfónica de Praga, se compró un ProTools que recibe todos los canales por separado, y va mezclando él mismo lo que recibe. Entonces estábamos sentados en su estudio: en una pantalla veíamos a Morelenbaum –quien además hizo los arreglos para “Las cruces de Belén” y “Mi estrella”, que compuse con Iván Lins–, y en otra pantalla estaba la Sinfónica. Los músicos nos veían a nosotros y veían a Morelenbaum, quien los corregía, y Morelenbaum a su vez veía a la Sinfónica, y a Borner y a mí sentados en el estudio.

–Y ustedes grababan y luego juntaban los pedacitos de sus cabezas explotadas...

–¡Y claro! (Carcajada) Después tuve el honor de conocer personalmente a Morelenbaum, ¡porque el tipo viajó a Los Angeles a revisar si estaba bien la mezcla! Un lujo.

–Aunque una de las características de El desembarco es su propuesta analógica, queda claro que no se privaron de los adelantos de la más fina tecnología...

–La banda está grabada en vivo, y la diferencia de sonido entre lo digital y lo analógico es enorme. Tampoco es posible grabar como se grababa antes; aquella época ya pasó, pero grabamos con cosas parecidas y el efecto es muy diferente. Cuando grabás todo digital escuchás muy bien acá donde estamos sentados, pero si te vas a la cocina dejás de escuchar. Cuando ponés mi disco, que está grabado en cinta, te vas a otra pieza y seguís escuchando, o aunque sea te llega la voz. Hay algo que tiene la cinta que lo digital no tiene, una presencia especial. Pero también nos metimos en un bardo increíble porque, por ejemplo, hoy todos los autos están preparados para escuchar rap, esos bajos tremendos, y cuando puse el disco en mi auto dije: “¡Uy, no suena nada!” (risas), y nos comimos el bajón. La propuesta de Borner fue grabar en vivo con esta banda elegida, pero traer todas las voces desde la Argentina: entre ellos Roxana Amed (para “Las canciones”), Charly García, Nito Mestre, Raúl Porchetto y María Rosa Yorio (Porsuigieco, para “Bicentenario”), Oski Amante, Willy Campins y Aníbal Forcada (Oveja Negra, para “Latidos del corazón”, con letra de Alejandro Davio de Mundo Alas)...

–Y Spinetta, para “8 de octubre”.

–Tanto yo como Luis estuvimos desde el comienzo con lo de Ecos (la tragedia del 8 de octubre de 2006); su hija va a ese colegio y no se subió a aquel viaje de puta casualidad. En los conciertos de cada 8 de octubre se recaudan cosas para el mismo pueblito al que llevaban ayuda los pibes, pero también empezamos a pelear por el control de alcoholemia en las rutas; para que no haya tantos accidentes; para que la muerte de tu hijo, que no se repara con nada, por lo menos salve a una persona; para que pase algo. Un día fui a actuar en un video de Dante Spinetta y me dijo: “Ahora viene mi viejo, quiero que estén los dos haciendo unas mímicas”. Yo, la verdad, nunca tuve ninguna relación con Luis. Pero cuando llegó me comentó una cosa que fue increíble, devastadora: “Estoy grabando ‘La guitarra’, el tema que hiciste con Atahualpa (Yupanqui); me lo pasó Rodolfo García para hacerte el homenaje a vos, así les rindo tributo a dos grandes (en el doble Guardado en la memoria, 2009)”. Tremendas palabras... “Y aparte, tengo una música a la que sería bueno que intentaras ponerle una letra que hable del 8 de octubre”, y me pasó un demo. Fue glorioso para mí, porque quería grabar con las voces de los chicos que se habían salvado del accidente. Lo hice, y cuando llegué a Los Angeles la banda lo tocó en vivo... y de pronto descubrimos que en un canal había una voz de Spinetta, cantándolo de otro modo: yo acentúo más rockero; él es más jazzero. Borner, que conoce a Luis, me dijo: “Canten juntos”; le pedí autorización por mail y me contestó con muy buena onda, y así quedó Spinetta cantando con los amigos de los pibes que fallecieron, con su guitarra y la base, más la Sinfónica de Praga.

–Al final de la canción hay otra voz.

–Es la de Benjamín, uno de los chicos que murieron y que tenía un grupo de rock. Le pedí a su padre alguna grabación y me dio una de cuando era chiquito. Los músicos extranjeros me preguntaban todo el tiempo de qué hablaban las canciones, y cuando les conté esta historia se quedaron pegados a la mesa y grabaron con esa onda, y al final uno de los guitarristas se quedó haciendo como una cosa hindú obsesiva (tararea) que se iba repitiendo, y no le encontrábamos el final, y con la voz del pibe cerró. Yo lo puse porque me banco esas cosas; hay quien no se las banca. Era un reportaje que le hizo el papá a Benjamín cuando era chico: le preguntaba qué quería ser de grande, y el pibe le decía que quería ser músico y tocar la guitarra y tener hijos. Y termina riendo.

–¿Cómo se encontró con “A los mineros de Bolivia”, el poema del Che Guevara?

–Tristán Bauer hizo Che, un hombre nuevo, un film extraordinario que dura tres horas y tiene un material exquisito, porque consiguió por intermedio de Evo Morales una data impresionante de lo que los militares bolivianos tenían bajo llave. Bauer me llamó para que compusiera el tema de cierre, pero no me salía nada y no había caso, hasta que la mujer de Tristán me acercó un libro con algunas cosas que yo ya sabía y otras que no: ahí encontré cinco poesías del Che. Entonces, como estaba en medio del quilombo de la película Mundo Alas, le pedí a Gurito (Luis Gurevich) que me ayudara; apareció al día siguiente con una canción demoledora. Pero llegué tarde y Tristán me reputeó: “Este tema me hace llorar, pero la película está terminada”. Entonces lo puse aquí. Y vamos a hacer un video con lo que le sobró a Bauer y con Gustavo Santaolalla, quien canta y toca el ronroco. Yo quería invitar a Liliana Herrero, pero justo se había ido de gira y el tema quedó para Gustavo, a quien le encantó.

–¿Cuáles son los planes para mostrar El desembarco?

–El martes pasado toqué algunos temas para La Mega, a modo de adelanto. Esperé a que pasaran las elecciones, porque la gente estaba muy pendiente de eso, y quería que bajara la adrenalina. Pero calculo que voy a presentarlo oficialmente en mayo próximo.

–¿Está pensando en alguna cancha de fútbol?

–No. En el interior del país suelo tocar en festivales populares para 40 mil personas, pero sé cuál es mi medida en la Capital: dos Luna Park, o entre cuatro y seis teatros Opera. Y para Mauricio Macri no trabajo. Ya se lo dije a Hernán Lombardi (ministro de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires), que es un tipo que organiza bien y eso, pero yo no trabajo para ellos. Y no tengo ganas de invertir mucho tiempo y guita para ver si empatamos, o para ver “qué escenario ponés acá donde vimos a Roger Waters”, esa competencia ridícula. En mayo quiero festejar tranquilo en Buenos Aires mis 60 años de vida y mis 40 años de carrera, y tocar con todos los formatos en los que participé: D-Mente, Planeta de Mujeres, Guitarras del Amor, Mundo Alas, mi banda, solo... Un poco lo que hizo Spinetta con sus Bandas Eternas. Pero, obviamente, no tan grosso.

APUNTES SOBRE “EL ARGENTINITO”

La canción que interpela

El primer corte de El desembarco es “El argentinito”, una canción contundente (por decirlo con amabilidad) que Gieco enarbola como resumen de cierta identidad general e intrínseca de los habitantes de este suelo. Cuando se le recuerda que Fito Páez sufrió una demanda legal por quejarse del 50 por ciento de los porteños que votó a Macri, y se le pregunta si algún trasnochado irá a demandarlo por este poema en el que acusa de bestia al ciento por ciento de la argentinidad, se ríe: “Es que Fito dice cada cosa...” y enseguida advierte: “Yo no me quedo afuera. Todos llevamos dentro a este pequeño argentinito. Cuando llegué a Buenos Aires se hablaba de que teníamos dentro un

enano fascista. Yo saqué lo del enano, porque ser enano es una discapacidad y a un discapacitado no tenés por qué cargarle eso. Mi canción habla del Otro Yo del doctor Merengue (personaje emblemático de Divito). Vengo bajando con el avión en Aeroparque y soy yo, y me aparece el Otro Yo y miro la Villa 31 diciendo: ‘¡Qué buenas estarían un par de topadoras, acá!’. Eso es lo que piensa la gente”.

Ese pequeño argentinito que llevamos

Va colgado como gajo de la mano;

Bien peinado con corbata y mocasín

Va gritando sólo para hacerse ver.

Saca la lengua mientras vamos caminando

Y se revuelca entre lo que descarté;

Se persigna con el agua de cunetas

De la lluvia de ayer.

Picapleitos, paranoico y desconfiado, va puteando con voz de ventrílocuo.

Es apostólico, católico y romano,

Delator, miliquito y monitor.

Y festejó los goles de aquel Mundial,

Así los llantos del dolor pudo tapar;

Conmemoró con mil banderas argentinas

Al borracho del balcón

“Todos tenemos al argentinito dentro, y hay quienes lo tienen más. Me acuerdo de una señora cordobesa, del campo, con quien compartí grupos de caminatas en Caldas de Emperatriz, Brasil, donde fui para adelgazar; le preguntaba si todavía las vacas seguían teniendo sus propios nombres, porque mi viejo las llamaba y venían... Con esta señora tuvimos conversaciones divinas, nos moríamos de risa. Y al segundo día me dice: ‘¿Vos no sabés que los hijos de Bonafini no están muertos, que están en París?’. Ella estaba al tanto de quién era yo, pero su argentinito fue más fuerte: ¡me lo decía de verdad! Ese es el pequeño monstruito que tenemos dentro. Me dijo en la cara: ‘Yo sé que los hijos de Bonafini viven en París’.”

Ese pequeño argentinito que llevamos

Va colgado como gajo de la mano.

Odia a piquetes y a los pobres de la esquina;

¡Guay si la que maneja el auto es una mina!

Junta las ramas con espinas de los parques

Y te las clava en la espalda hasta sangrar;

Naturalmente es fracasado y te hace ver

Que aún perdiendo es ganador.

Pone pajaritos en la licuadora

Y con un palo tumba horneros de pared,

Se hace chupar por la ambulancia y la sirena

Y todos creen que esta allí por familiar

Y cuando ve La 31 del avión

Sueña con topadoras como solución.

“¡Del Sel sacó el 30 por ciento en Santa Fe, mi provincia! Lo llamé a Fito y le dije: ‘¿Y ahora qué vas a escribir sobre Santa Fe?’ (se ríe). ¡Y Fito se agarraba la cabeza! El argentinito votó a un tipo que es un invento. El argentinito dijo: ‘No voy a votar lo que hay; voy a votar una cosa nueva, por más que sea asquerosa’. Por eso también la letra dice: ‘Vota inútiles, y al tiempo te hace creer/ Que jamás él los votó’. Vos ahora te subís a un taxi y el chofer te grita: ‘¡La calle es una porquería, este Buenos Aires de mierda!’ Y le decís: ‘¡Pero si ustedes, los tacheros, lo votaron todos a Macri!’. ‘No, yo no fui...’ ¡Nadie votó a Menem, nadie votó a Macri! ¡Se votan solos! Ese es el argentinito.”

Ese pequeño argentinito que llevamos Va colgado como gajo de la mano,

Orina todas las macetas de la tía

Y le tira los gatitos del balcón,

Pone dulce de leche en los zapatos

De los amigos que quedaron a dormir,

Ensarta sapos con la flecha de su arco

Y muestra su trofeo al fin.

Periférico, vacío y egoísta,

Cree que todo este mundo piensa en él;

Rompe botellas en los tachos de comida

Y así los pobres no se acercan ni a ver.

Y se lleva la pelota del partido,

Porque es suya y es regalo del papá.

Va enojado porque el gol que le metieron

No lo deja ya ganar.

Cuando se le pregunta si durante los últimos cuarenta años (los que lleva mirando y componiendo) ha percibido un crecimiento o una mengua del argentinito, Gieco distingue: “Ahora aprendimos a no darle pelota al FMI; aprendimos que tiene que haber una ley de medios, una Asignación Universal por Hijo, cosas que son elementales y fundamentales para llevar adelante el país. Entonces, el argentinito está como shockeado, lo tenemos ahí, pero en la época de Menem, por ejemplo, con el deme dos, con el gritón porteño que se traía cuatro televisores y se peleaba con el tipo de la Aduana, el argentinito estaba exaltado, gordo. Depende de los momentos. Ahora es el momento perfecto para hablar de esto. Estas elecciones, por ejemplo. Hubo tantos candidatos de la oposición que tienen alimentado ese alien del argentinito...”.

La letra tiene una impronta caricaturesca. Gieco asiente: “Claro, lo mío es sólo una canción. No es más que eso. Lo mío no es nada. Te encargo la Presidenta, el quilombo mental que debe tener”.