RODOLFO GARCIA DIRIGE EL AREA DE MUSICA DEL ECUNHI
“Para saber hacia dónde vas debés saber de dónde venís”
El ex baterista de Almendra no dudó cuando Teresa Parodi le propuso incorporarse al equipo del Espacio Cultural Nuestros Hijos. “Para mí es un honor tremendo trabajar en un lugar dirigido por las Madres de Plaza de Mayo”, afirma.
Por Gloria Guerrero Pagina/12
Parado en la puerta de Libertador y Deheza, no cualquiera tiene el aguante de entrar. Pero tiene que entrar. Y tiene que caminar hasta el fondo, hasta donde está el Espacio Cultural Nuestros Hijos. Rodolfo García, cocoordinador del Area de Música del ECuNHi, pasa ahora las rejas de entrada de Libertador, atraviesa el “control” (un chico relajado sobre una silla, con auriculares puestos) y señala la enorme garita de cemento a nuestra izquierda: “Ahí había una cadena que cruzaba esta calle, ¿ves? Cada eslabón tenía el grosor de dos puños. Todo Falcon daba una contraseña que se cambiaba día a día; la cadena bajaba al ras del asfalto y pasaba el auto: en cada baúl había una persona, supongo”. Esto era la ESMA, donde ocurrió gran parte del genocidio argentino entre 1974 y 1983. “Apenas entré a trabajar al ECuNHi –recuerda el ex Almendra–, salía de acá al anochecer y no me bancaba caminar por estas calles. Me daba miedo. Ahora ya no. Lo que nunca hice fue la visita guiada (se refiere a los viejos calabozos, cuyas visitas, incluso en inglés, se solicitan vía web en espacioparalamemoria@buenosaires.gov.ar). Algún día voy a hacerla.”
Pero esto ya no es la ESMA. Y casi al fondo de todo, se dijo, el ECuNHi ocupa el predio de lo que alguna vez fue el Liceo Naval. “Lo que hoy es uno de nuestros escenarios fue un hangar, un galpón en donde se desarmaban motores de barcos o aviones, para que estudiaran los cadetes. Había una grúa enorme, que corría sobre rieles, y la transformamos en una especie de puente para colgar luces que iluminan el escenario. Atrás, en la grada de cemento, está pintada escalón por escalón la imagen de El Eternauta; es obra de los abuelos del Taller de Plástica, que quedará por siempre. En este auditorio caben unas quinientas personas sentadas.”
–Su trabajo en el área musical del ECuNHi llega luego de décadas en diversas secretarías de Cultura de la Ciudad y de la provincia, y hasta de una notable actividad en el Sindicato Argentino de Músicos en tiempos peligrosos, cuando usted aún estaba en sus veintipico y no mucho después de la disolución de Almendra...
–Fue una época muy difícil. Uf... En el gobierno estaba Isabelita y fui miembro del Consejo Directivo del Sadem, que por entonces tenía su sede del otro lado de la plaza del Teatro Coliseo, sobre Paraguay, en un edificio inmenso y hermoso que Evita le había regalado al gremio. Ahí se había creado una lista de unidad muy interesante, la Lista Oro, en la que estaban representados todos los sectores: desde los tipos que tocaban en los cabarutes hasta los músicos de las orquestas sinfónicas, pasando por los artistas de rock, folklore o tango. Y era una lista tremenda: Santiago Giacobbe como presidente, Litto Nebbia como vice, y además Roque Narvaja, Horacio Corral de Buenos Aires 8, Juan José Mosalini, Enrique Masllorens... Habían ganado las elecciones previas y, para las próximas, la idea había sido rotar los nombres, simplemente. Recuerdo que nuestra lucha era contra lo que llamábamos “la burocracia sindical”; el ministro de Trabajo de entonces, Ricardo Otero, vinculado con la UOM, nos volvía locos: nos anuló las elecciones que habíamos ganado y lanzó una resolución por la cual cualquier persona que en algún momento de su vida hubiera tocado un instrumento podía votar en el Sadem, previo pago de una cuota. E hizo llamar a nuevas elecciones. Entonces venían tipos a la Tesorería con un listado larguísimo, para habilitar gentes que no estaban en la profesión y que de golpe pagaban cientos de cuotas, y se repitió la elección... ¡pero volvimos a ganar! Mirá: el trabajo del sindicato siempre ha sido arduo, no es cantar una zamba...
–Pero entonces era más arduo todavía.
–Nuestras reuniones se concentraban en asuntos bien gremiales, como que “a cierto baterista de un cabaret no le habían pagado su quincena”. Pero para eso teníamos que reunirnos en casas particulares y en forma clandestina. ¿Sabés qué hacíamos? Nos encontrábamos en un bar y nos sentábamos en mesas diferentes, y en un momento alguien de una mesa iba al baño y entonces otro de nosotros, de otra mesa, lo seguía y en el baño nos anotábamos en un papelito la dirección en la que íbamos a reunirnos; y del bar uno salía enfilando a la derecha y el otro hacia la izquierda, y después nos encontrábamos todos juntos... ¡para discutir cómo hacer para que el dueño del cabaret le pagara la quincena al baterista! Surrealista.
–¿De dónde provenía el hostigamiento?
–Siempre recibíamos amenazas de la Triple A, con esas típicas letritas recortadas de diarios o revistas, formando palabras y pegadas en una hoja; y bueno... era un clima tremendo, tremendo. No estábamos más que en el tema gremial, realmente era así, y la mayoría ni siquiera pertenecíamos a ninguna agrupación política: éramos totalmente independientes. En la Comisión había, sí, gentes de alguno o de otro partido, pero incluso de partidos diferentes entre sí. En mi caso y en el de muchos otros, ni siquiera eso. Pero era el clima que se vivía en ese momento. Estuve hasta que me fui a España con Aquelarre, en 1975. Renuncié al Sadem porque me iba del país.
–Ya en democracia, usted pasó a ser director de Programación y Medios del Centro de Divulgación Musical (CDM) dirigido por Litto Nebbia.
–Cuando fue el golpe militar de Videla, yo ya no estaba; volvimos a finales de 1977, en pleno quilombo. Pero en 1989 se armó un equipito piola: Luis Borda, Manolo Yanez, el Negro González, en un principio también Manolo Juárez... En el CDM hicimos mucho, aplicando la autogestión: cuidar de cada mango, pero hacer cosas que fueran copadas para la gente y también para los músicos.
–Después de haber atravesado por casi todas las administraciones de la Ciudad, desde Grosso hasta Macri, ¿qué balance puede hacer de estos últimos veintidós años de Cultura en Buenos Aires?
–Pasaron gestiones de todo tipo y de todo color político, pero lo que siempre tuve fue libertad para laburar. Nunca nadie me cuestionó el haber programado a alguien, y nunca nadie me “ordenó” programar a alguien. Es más: una cosa que me reventaba bastante era cuando venía algún músico acompañado por una tarjetita firmada por algún diputado; para mí, eso jugaba en contra del tipo. Si hubiera sido un genio, claro, no me habría ensañado (sonríe), pero por lo general eran cosas muy pobres. Y sin embargo, nunca nadie me dijo: “¡Cómo no pusiste a Fulano si lo mandó Mengano!”. Fue verdaderamente así. Las cosas que hemos hecho... Buenos Aires No Duerme, Aguante Buenos Aires, el Rocanrolazo –en los 134 municipios de la provincia de Buenos Aires–, el Festival de Jazz que hicimos en el Dorrego para la Secretaría de Cultura de la Ciudad, con Telerman en el gobierno... Allí montamos tres escenarios y actuaron las figuras más importantes del jazz de acá y del exterior: vinieron grupos del Brasil, Chucho Valdés, Anthony Braxton –un músico top de free jazz que era la primera vez que llegaba a Sudamérica–, César Camargo Mariano (esposo y arreglador de Elis Regina), Kenny Barron, un pianista tremendo... Y con entrada gratis para la gente. El lugar era bellísimo. Es una pena que ahora esté desarmado, no se usa, no sé qué van a hacer ahora con eso.
–El ECuNHi cuenta con una mirada más profunda, algo que parece ir más allá de la estética artística.
–Para mí es un honor tremendo trabajar en un lugar dirigido por las Madres de Plaza de Mayo; está comandado por Teresa Parodi, pero es el lugar de las Madres. A toda nuestra generación, el tema de los derechos humanos nos sensibiliza mucho. Cuando nacíamos a la música vivimos la dictadura de Onganía, que fue una especie de demo de lo que vendría después. Allá hubo quizá menos sangre que en la de Videla, pero la censura era tremenda; la represión nos hacía estar sujetos a razzias todo el tiempo en los conciertos, íbamos presos dos o tres veces por semana sólo por tener el pelo largo. De lo demás, sabemos de lo que hablamos. Desde que aparecieron las Madres tengo una especie de respeto irrestricto hacia ellas, así que cuando hace un año me llamó Teresa y me propuso entrar a trabajar aquí, no lo dudé. Cuando llegué ya había un equipo funcionando en todo: Letras, Teatro, Artes Plásticas... Y en Música ya estaba trabajando acá Chiqui Ledesma, una artista fantástica del folklore quien es, además, una gran gestora cultural. Me acoplé a ese equipo y traje ideas y experiencias, y estoy muy contento. Todo el tiempo pensamos cosas que se puedan hacer y las realizamos lo mejor que podemos. La mirada, como decís, es diferente. Aunque nunca es excluyente, el tema de los derechos humanos está presente, siempre. Ahora estamos por empezar un ciclo de música contemporánea y experimental: algunos dicen que ése es un estilo minoritario, poco popular, ¡pero yo no creo que sea así! Serán experiencias irrepetibles, improvisaciones, algo especial que se va a de-sarrollar del 9 al 12 de marzo: Nuevas Músicas por la Memoria. Y después hay algo parecido en las Areas de Plástica y de Letras. Pero no tenés que hacer “cosas por la memoria” para entrar acá. La idea es convocar gente y vencer eso que te ocurre cuando llegás a la puerta de la ESMA. Cuando ingresás a este lugar hay una carga negativa tan fuerte que es algo a vencer. Primero, cambiar eso: la imagen de este predio identificado con el horror. Eso lo van a dar los artistas que podamos convocar, y también la gente que se acerque a compartir una exposición de pintura, una instalación, un taller o un recital de rock. La gente es la que se va a apropiar de este predio, porque es nuestro.
–¿Le cabe el discurso de quienes creen que seguir escarbando en los años tremendos es un estorbo para abordar ágilmente el futuro?
–Creo que uno de los déficit que tenemos como país es la falta de memoria. Cuando hicimos la muestra de los 30 Años de Rock, no fue por nostalgia llorona; fue decir: “Mirá el trecho que caminamos; ¿te acordás de cuando nos decían ‘¡Ya se les va a pasar el cuarto de hora!’? Bueno, ¡pasaron treinta años! Mostramos fotos, libros, instrumentos, memorabilia, las crónicas de los diarios, las grabaciones, las tapas de los discos. Todo esto se construyó en treinta años, ¿cómo no lo vas a mirar? Y ahora ya pasaron más de cuarenta (sonríe). Para mí el tema de la memoria es fundamental: para saber hacia dónde vas, tenés que saber de dónde venís.
–¿Cuándo se sintió más cómodo con una gestión de gobierno en particular?
–Honestamente, no tengo pertenencia partidaria, ni nunca la tuve. Pero desde que tengo memoria nunca viví un gobierno, hasta éste, que tuviera presidentes que fueran presidentes, digamos. Que se plantaran frente a las corporaciones como debe plantarse un presidente en nombre de nosotros, que lo elegimos. Que se plante, y no que designe a secretarios o a ministros de tal o cual área como si fueran managers de esas corporaciones, informándole al presidente del malestar que tiene una corporación, con tal de mantenerla calmada, ¿entendés? No, estos presidentes se plantan frente a las corporaciones y les ponen los puntos sobre las íes a la corporación que fuere: Iglesia, militares, el agro, los grupos industriales o económicos. Valoro muchísimo eso, porque es lo que siempre critiqué de otros gobiernos. Y viví otras épocas así, de euforia política: el corto lapso en que estuvo Cámpora en el poder fue algo que viví con mucha atención y pendiente de que se venía un cambio importantísimo, que se tronchó muy rápido. La primera época de Alfonsín también me ilusionó, pero después fui convocado a la Plaza en varias oportunidades y me volví con una frustración de la puta madre. Este gobierno no me da ninguna ventaja, de ninguna índole. Simplemente le reconozco cosas que otros no hicieron. Esta es la realidad.
–También está a cargo de la programación de La Perla del Once, que se recuperó hace unos cuatro meses y se cerró a principios de febrero...
–No es que se cerró, hubo una cuestión burocrática porque faltaba un papel, pero el segundo fin de semana de febrero volvió a funcionar: estuvieron Javier Martínez y Ricardo Soulé. La Perla no tiene ningún tipo de inconvenientes, es un lugar remodelado a nuevo, e incluso tiene elementos por encima de los que se exigen para la habilitación: por ejemplo, un grupo electrógeno. Me gustaría que la gente se enterara de lo importante que es incorporar un nuevo lugar donde poder escuchar música cómodamente y, sobre todo, donde puedan confluir artistas pioneros de nuestro rock junto a otros de las siguientes generaciones. Posiblemente en marzo bauticemos el escenario con el nombre de Litto Nebbia y lo tengamos a él haciendo un ciclo.
–¿Qué es lo próximo que ofrece el ECuNHi en el área musical?
–Estamos encarando tres festivales para este año: el primero será el de Tango, del 6 al 10 de abril; luego el de Jazz, del 1º al 4 de septiembre; y el de Folklore, del 29 de septiembre al 2 de octubre. Y a fines del año pasado lanzamos la convocatoria para Escenario Rock, un espacio destinado a grupos y solistas amateurs; este 28 de febrero cierra la inscripción. Ya habíamos hecho Escenario Jazz y Escenario Blues, donde encontramos cosas muy valiosas. Pero no son concursos; nadie gana, no hay premios. Y, para sorpresa nuestra, ahora no se inscribieron sólo músicos de Capital y Gran Buenos Aires, como era de suponer: tengo propuestas de Salta, de Córdoba, Mendoza, Bahía Blanca y ¡de México! La fecha de Escenario Rock todavía no está definida porque el padrino de este festival es León Gieco; el arranque será un concierto de León y depende de su agenda, aunque seguro será en marzo.
–Después de tantos años de coordinar programaciones y evaluar postulantes, debe de tener alguna estadística: ¿cuántos, de cada diez, digamos, valen la pena?
–En los años ’90 había un lote que era tan rudimentario, por decirlo de algún modo, que no se podía escuchar, que no rankeaba ni ahí; y había otro lote de clones: a los cuatro compases encontrabas a Virus, a Soda, a Calamaro, a los Redondos... Pero ahora notamos una mayor preocupación: hay cosas originales, hay una búsqueda de lenguaje en las letras. Los grupos que se presentan van, por lo general, de aceptable para arriba. Después de tantas convocatorias y escuchas, por suerte puedo decir (sonríe) que cada vez hay menos grupos “muy malos”.
SEIS AÑOS SIN PAPPO NAPOLITANO
En la noche del 25 de febrero del 2005, el legendario guitarrista murió en un accidente con su moto Harley Davidson. Y así como crece su legado, se multiplican las anécdotas y los reconocimientos.
Norberto "Pappo" Napolitano
Capital Federal (barrio de Paternal) 10/03/1950
Buenos Aires 25/02/2005
Norberto Napolitano nació en el barrio de La Paternal de la Ciudad de Buenos Aires, Argentina, el 10 de marzo de 1950.
Fue guitarrista, cantante y compositor de blues, rock y metal argentino, conocido artísticamente como “Pappo” o “El Carpo”.
Pappo fue uno de los pilares del rock nacional en Argentina, a fines de los años 60.
Fue integrante del grupo Los Gatos, de Los Abuelos de la Nada a fines de los '60, de Manal, Conexión N° 5 y La Pesada del Rock and Roll; y fundó Pappo's Blues en los '70 y Riff en los '80, bandas con las que tocaba en forma simultánea.
Después de más 35 años de trayectoria, a sus 54 años de edad, Pappo perdió la vida el 25 de febrero de 2005 en un accidente de tránsito, al caer de su motocicleta Harley Davidson y ser atropellado por un automóvil sobre la ruta 5, a la altura del km 71, en el partido bonaerense de Luján.
Obra
Desde su extensa carrera, "El Carpo" dominó las diferentes tonalidades del blues -incluido su contorno dramático-, los colores de un buen boggie, el rock con guiños de rockabilly y la melancolía de una balada.
Tocó en la primera formación de Los Abuelos de la Nada, cuando en Plaza Francia, allá por el año 1967, el recordado Miguel Abuelo y el periodista Pipo Lernoud buscaban músicos para integrar aquella histórica formación.
También participó en Los Gatos de Litto Nebbia (se alejó por no sentir ese tipo de rock), luego naufragó por Conexión Número 5 de Carlos Bisso, La Pesada del Rock de Billy Bond y un breve paso por el Manal de Javier Martínez y Claudio Gabis.
Fue con Pappo`s Blues, integrada con el "ruso" David Lebón y el baterista Black Amaya, donde comenzó su verdadera música, donde el rock pesado, se entremezclaba perfectamente con el blues.
Pappo realizó viajes constantes por Europa y Estados Unidos, lugar donde gestó debido a las influencias del rock pesado que había escuchado en esas tierras en los umbrales de los 80, la mítica y nunca disuelta formación de Riff (pese a las idas y venidas), junto a Vitico, Michel y Danny Peyronell (este último en los comienzos) y Boff.
Paralelamente a Riff ("siempre vamos a tocar, no tenemos porqué disolver la banda, si estamos a gusto"), promediando los 80, comenzó su carrera solista y también sus contactos permanentes con la música internacional y los conciertos en Argentina y en Estados Unidos, junto al guitarrista blusero, B. B. King.
LOVORNE PONE TODA LA CARNE AL ASADOR
Con su flamante álbum titulado Efecto rock, la banda que lidera Luciano Napolitano definitivamente deja de ser “el grupo del hijo de Pappo” y se confirmó como una ascendente agrupación local con todos los elementos para crecer y consagrarse durante el próximo año.
“Somos una banda, no soy yo solo”, subraya Luciano en el
comienzo mismo de una charla. “El disco se iba a llamar Evolución y la idea de la tapa era mostrar cómo el ser humano nace, va al colegio y en algún momento recibe el impacto del efecto rock. Finalmente cambiamos el nombre.”
El resultado, entre tanto despliegue de energía y fuerza de guitarras poderosas y riffs incandescentes, también incluye una balada de rock. Según Luciano: “Fue porque lo hice con una criolla y cuando lo fui a grabar usé una acústi
ca con cuerdas de metal y luego otra más. Entonces suena reloco. No dudamos en incluirlo, porque vamos siempre para adelante. Igual, te digo, las baladas de las bandas pesadas son las mejores. Metallica, Led Zeppelin, Megadeth… son las mejores. No nos hubiésemos permitido una canción que tire a melódico, pero una balada linda de rock and roll me parece que entra genial. Es una balada rutera que nos vincula con el rock & roll.”
MUESTRA SOBRE CHARLY GARCIA
Esas fotos que van a mil
El fotógrafo Maximiliano Vernazza estableció una relación con Charly García desde el año ’97, haciéndole fotos para la revista Gente. “García es poco afecto a las fotos; sin embargo, cuando me veía llegar, en cualquier circunstancia, sonreía y ordenaba: ‘El sí, que pase’”, cuenta Vernazza. Llegó la hora de mostrarlas.
Por Alejandro Seselovsky Suplento NO Pagina/12
MUESTRA SOBRE CHARLY GARCIA
Esas fotos que van a mil
El fotógrafo Maximiliano Vernazza estableció una relación con Charly García desde el año ’97, haciéndole fotos para la revista Gente. “García es poco afecto a las fotos; sin embargo, cuando me veía llegar, en cualquier circunstancia, sonreía y ordenaba: ‘El sí, que pase’”, cuenta Vernazza. Llegó la hora de mostrarlas.
Por Alejandro Seselovsky Suplento NO Pagina/12
El ojo de Maximiliano Vernazza tiene algo perturbadoramente estimulante, una especie de impiedad, el nervio inocultable de un tipo con una cámara en la mano al que, si le das un metro, te la puso.
Podríamos decir que el ojo de Vernazza no te perdona una vez que te encuentra. Y Maxi encontró a Charly, a uno de los Charlys que forman parte de nuestra vida y que, como todos los Charlys, éste también será inmortal.
Vernazza nos pone delante de alguien que ya suponemos extinguido, el sujeto de la compulsión en aerosol, Say No More y la locura en colores. O mejor: lo pone a él delante de nosotros, lo sujeta, lo desnuda y lo deja allí, en toda la dimensión de su caos. El Charly de Vernazza es el último Charly maldito y lo que encuentra Vernazza es la caja negra de esa maldición: la encuentra en las manos de su criatura, rastreando impunemente la atrofia del genio, la bruta complexión de un Mozart con artritis. Y la encuentra también, una tarde de sol, o una mañana, en el balcón del departamento de la avenida Coronel Díaz: allí Vernazza, de golpe, queda frente a la descarnada figura que estaba buscando. Un hombre desnudo de toda la desnudez posible, figurando lo que podría ser el paciente en un pabellón psiquiátrico del Estado, con un carrito de supermercado dándole énfasis al sinsentido y con la ciudad que lo erigió rey transcurriendo ahí atrás, amándolo como se ama a los ídolos verdaderos, desde lejos, inadvertida de su dolor y su soledad.
Cuando lo tuvo ahí, Vernazza no pensó en proteger a nadie, sólo pensó en su fotografía. Yo le agradezco esa impiedad.
Este texto pertenece a la muestra sobre Charly García en el Centro Cultural Recoleta, Espacio Central PB2, del 2 al 27 de marzo.
LAS COSAS
“LA INDEPENDENCIA ES BUENA PERO HEAVY”
Tiempo Argentino
–El año pasado lanzaron aSolarística, su segundo disco. ¿Cómo lo ven con el paso del tiempo?
–Estamos muy contentos con el resultado del CD. Para nosotros era importante el tema del audio, y finalmente conseguimos un buen sonido. El año pasado hicimos varios shows con cierta repercusión.
–¿De dónde viene el nombre del álbum?
–Está inspirado en la ciencia ficción rusa de los años setenta. Concretamente viene de la película Solaris, un film de Tarkovski de 1972. Musicalmente se trata de un material que remite a Brian Eno, Talking Heads, King Crimson y al post punk de finales de los años setenta.
–Siendo una banda emergente. ¿Cómo observan la escena del rock local?
–Eso es algo muy restringido. La idea de tener un grupo de rock, vender discos y vivir de eso ya está en extinción. Y si no lo está, por lo menos es reducidísima. Seguimos tocando y grabando pero es difícil hacerlo desde el bolsillo de uno. La independencia es buena pero heavy al mismo tiempo.
HOMENAJE A PAPPO, A SEIS AÑOS DE SU MUERTE
El sábado se hará en Luján un gran homenaje al virtuoso violero, a seis años de su muerte. Mirá videos de sus momentos más memorables.
Agencia Télam
Bandas como Horcas, El Tri, Kamikaze, el Negro García López y Lovorne (banda de Luciano Napolitano), se unirán "En concierto" para realizarle este sábado a partir de las 11 un homenaje a Norberto "Pappo" Napolitano, justo en el día cuando se cumplan 6 años de su desaparición física.
El festival en esta oportunidad se realizará en el Estadio Municipal de Luján, por una iniciativa de la jefa comunal Graciela Rosso, quien en una charla con Luciano Napolitano (hijo de Pappo y organizador) ofreció el lugar, al considerar que de esta manera el evento no traerá cortes de tránsito, caos vehicular o situaciones viales de inseguridad como en años anteriores.
Cabe recordar que en ediciones pasadas la concentración se realizó al costado de la ruta 5, en el kilómetro 78, produciéndose cortes de ruta por la alta afluencia de público.
Fue por eso que pensando en la seguridad y tranquilidad de los vecinos de Luján, como así también en la contención y el orden de los asistentes al espectáculo, que el Municipio de Luján ofreció el estadio.
También se habilitará un camping gratuito y se dispondrá baños químicos así como un estacionamiento para motos dentro del estadio.
En las boleterías se repartirán las entradas gratuitas desde las 9.30 y hasta las 14, para luego a partir de las 15, se cobrará un bono de 20 pesos y todos los asistentes al homenaje deberán llevar de forma obligatoria un alimento no perecedero que se destinará a los comedores "La mascota de Benavídez" y "Buenos Amigos de Luján".
Distintas formas del rock desde el más pesado como el heavy metal de Horcas y Kamikaze, o lo duro de Lovorne y El Tri, hasta llegar al rock and roll del guitarrista Carlos "el Negro" García López, ex guitarrista de La Torre y actual integrante de la banda de Charly García.
Dos libros sobre el mito
En los próximos meses, se editarán dos libros acerca de Pappo. Uno será 1000 veces Pappo, de Fernando García y José Bellas, ambos periodistas de Clarín, que consistirá en una compilación de anécdotas. Saldrá por editorial Norma. El otro llevará la firma de Sergio Marchi, se editará por Planeta en abril y será una biografía. Marchi no quiso difundir el título.
TANO ROMANO
ANTONIO TANO ROMANO - 20 años de ACIDO ARGENTINO. Show lanzamiento del DVD del TANO ROMANO!!! 23 de Abril - TEATRO FLOREs.
ANTONIO TANO ROMANO rememora y festeja este proximo 23 de abril los 20 años del nacimiento de un disco que marco a toda una escena: ACIDO ARGENTINO.
Otra fiesta de reencuentro metalero con momentos muy emotivos e inolvidables. Veni a recordar el Acido Argentino completo, veni a emocionarte y a hacerle el aguante a este luchador eterno del metal nacional.
25 años de carrera, 20 años de un disco que sento las bases para toda una escena por venir.
Un estandarte del heavy metal, luchador de mil batallas sigue festejando sus 25 años de trayectoria. Por pedido de la gente que estuvo presente el 13 de marzo y por quienes no pudieron estar, vamos por una segunda vueta el 9 de octubre en el Teatro de flores.
Un show como el anterior con muchos invitados de lujo como Eddie Walker, Pablo Hentsch, Juan Soto, Willy Caballero y muchas sorpresas mas. 25 canciones en las que recorrera toda su trayectoria: CERBERO - HERMETICA - MALON - VISCERAL - RAZONES CONCIENTES. Otra fiesta metalera con momentos muy emotivos e inolvidables que no podes perderte.
A muy temprana edad, materializando su esfuerzo y abriéndole paso a su ilusión, Antonio Tano Romano pudo comprarse su primera guitarra. Era una Fabrison nacional, la que le permitió explorar mundos que hasta entonces eran sólo anhelos. En sus oídos daban vuelta las melodías de Deep Purple y, especialmente, de Black Sabbath.
La vida le arrimó a su lado a Willy Caballero, lo que les permitió unirse musicalmente y llevar a cabo sus primeros ensayos, siendo la batería sólo unas cuantas latas que hacían las veces de redoblantes, toms, etc. Esta fusión facilitó consolidar a Cerbero, su primera banda.
Cierta mañana, Ricardo Iorio, se acercó explicándole su proyecto de querer formar un grupo llamado Hermética. Lo propuesto por el ex bajista de V8 sedujo al Tano Romano, quien aceptó la proposición. Afianzado en Hermética, logró el sueño de ser reconocido por su talento en todo el ambiente musical. En la etapa de mayor auge, sobrevino la disolución de lo que fue la banda emblema del metal nacional.
Conformado por tres ex Hermética, más la incorporación de Karlos Cuadrado, se plasmó MALÓN. Dicha banda se caracterizó por elaborar un heavy metal combativo y de esencia nativa. Dicha formación encontró el apoyo masivo del público, hasta que a principios de 1998, la separación se hizo presente sorpresivamente.
Volviendo a sus orígenes, junto a Caballero y Cuadrado, conformó Visceral. Lo que fue el exponente más crudo del metal, llevó a su fans el poder de un heavy metal arrasador. En el 2001 se dio la vuelta de Malón, ya sin Claudio O´Connor en la voz. Éste proyecto plasmó un EP, y cuando estaba en vías de grabar el disco las penumbras arreciaron contra el objetivo. El 2003 el Tano, sumó sus fuerzas nuevamente para dar vida a RAZONES CONCIENTES. Formación que a fines de 2004 pudo gestar su primer cd: Industria Argentina.
“Lo que siento al tocar en RAZONES CONCIENTES es muy similar a lo que sentía en Hermética, y no sólo me trae recuerdos hermosos de mi vida sino el placer de recorrer senderos que me llenaron de alegría”.
Antonio Carlos Romano marcha dando acabadas pruebas de resistir no bajando los brazos, persistiendo en la pelea por demostrar su sentir mediante su guitarra...hoy y siempre.
Para mas información:
www.eltanoromano.com.ar
AC/DC EDITARÁ UN DVD CON LOS TRES SHOWS DE RIVER
La banda australiana editará en los próximos meses un nuevo disco en vivo que incluirá íntegramente los tres conciertos ofrecidos en diciembre del 2009 en el Monumental. "Había 300.000 personas allí y fue maravilloso. Tuvimos a nuestra disposición 12 cámaras y un gran equipo de sonido", dijo su líder Brian Johnson.
La banda australiana AC/DC editará en los próximos meses un nuevo disco en vivo, acompañado por un DVD, que incluirá íntegramente los tres conciertos ofrecidos en diciembre del 2009 en el estadio de River Plate.
El cantante de la banda Brian Johnson informó que se trata de "Live in Buenos Aires", un resumen de las tres actuaciones con entradas agotadas que la banda australiana ofreció a principios de diciembre de 2009 en el Estadio River Plate, dentro de la gira mundial Black Ice Tour.
"Tenemos un nuevo álbum en vivo que grabamos en Argentina al final de la última gira. Había 300.000 personas allí y fue maravilloso. Tuvimos a nuestra disposición 12 cámaras y un gran equipo de sonido. Este nuevo disco vendrá con el video de esos conciertos. Estoy esperando por ello", añadió.
Además en junio, se publicaría por fin en DVD la película "Let There Be Rock", que recoge la actuación de AC/DC en París a finales de 1979, con el fallecido cantante Bon Scott.
Varias tomas de los conciertos en Buenos Aires fueron utilizadas para el primer single de la banda sonora de Iron Man 2, que AC/DC publicó el año pasado.
Se trata del video de ‘Shoot To Thrill’‘TNT’ para un promo de NASCAR (National Association for Stock Car Auto Racing), la categoría automovilística más importante de Estados Unidos.
Ambos videos están disponibles en YouTube y dan una idea de lo que fueron aquellas tres noches argentinas con el estadio del River, con una capacidad para 65.000 personas colmada.
Sobre el futuro próximo de AC/DC, Johnson precisó que buscan relajarse: "Solamente queremos descansar, porque que hemos estado en la carretera durante dos años. Tocamos para cinco millones de personas y pienso que nos merecemos un descanso".
JIMI HENDRIX: LA HUMILDAD DE UN GENIO INDOMABLE
Jimi Hendrix tiene su antología. Sony publicó "West coast Seattle boy", una edición de CD más DVD que concilia material inédito con un documental que lo muestra tan inaccesible como carnal.
Germán Arrascaeta y José Heinz Suplemento VOS
Hay una imagen muy poderosa en una película liviana. La protagoniza el actor Matt Dillon en Singles, de Cameron Crowe, y consiste en una reverencia de un músico sin talento a la tumba de Jimi Hendrix, acaso el ciudadano más ilustre de Seattle. Precisamente, la pertenencia a esa ciudad del estado de Washington, al noroeste de Estados Unidos, es el disparador para West coast Seattle boy, la reciente publicación de CD más DVD que oficia como antología de este artista inmenso. Al igual que la reedición remasterizada de sus discos oficiales, este trabajo fue curado por Janie, la media hermana del guitarrista que se hizo del control sobre su obra póstuma.
West coast Seattle boy comprende originalmente un box set de cuatro discos a los que se les suma el documental. En la edición local se optó por reducir todo ese material inédito a un solo álbum, lo cual puede entenderse como una carencia, pero hay que reconocer que la selección es buena, porque lo mejor de esas horas de grabación está allí, con todos los matices del violero eléctrico más influyente del rock. Hay riffs brillosos, largos solos y zapadas psicodélicas.
El disco está compuesto sobre una recopilación de presentaciones en vivo, tomas de estudio descartadas y covers de canciones que Jimi amaba tocar en vivo, como Hound dog, de Elvis Presley. Incluye asimismo una versión de Tears of rage, de su admirado Bob Dylan, en registro de blues rural que demuestra, por si hiciera falta, que Hendrix también la descosía con la acústica.
El material sirve para recordar que buena parte de la historia del rock & roll está en la pasión de Hendrix, en esos largos bendings que les sumaban vértigo a los compases. La sentida May this be love, con uso preciso del delay, puede ser otra prueba.
El alma que habla
Con respecto al documental de 90 minutos, hay que informar que éste se realizó a partir de una indagación de Janie entre cartas y objetos personales. Lo dirigió Bob Smeaton y resulta revelador porque reconstruye a Jimi en todas sus dimensiones. La humana, que lo muestra como un tipo adorable, medido y respetuoso; y la artística, en la que convergen un dominio técnico abrumador, un sexismo manifiesto y un imaginario metafísico que unta en la ciencia ficción. Aunque hay detalles atenuados, como la relación del artista con las drogas, en líneas generales el mito está a salvo. El logro principal, sin embargo, es que nos habla el mismo Jimi. A decir verdad, se expresa Bootsy Collins, pero el montaje general logra la ilusión de que es el mismo genio el que nos cuenta cómo fue su vida.
Y entonces accedemos a la dimensión humana, donde está el chico de Seattle criado por un padre estricto y una madre hedonista con descendencia cherokee. Ese chico fue luego un adolescente normal sin sobresaltos, sólo abrumando por lo que exudaban Muddy Waters, Howlin’ Wolf, Elmore James y Eddie Cochran; y más tarde, un joven que cumplió orgulloso con el deber de enrolarse en la milicia. Fue en ese momento en el que empezó su relación simbiótica con la viola, de acuerdo al relato cronológico y minucioso de Smeaton. A partir de ahí, la parábola artística, el tránsito por el período decisivo 1966 / 1970.
Se aprecia su experiencia como músico de acompañamiento de Solomom Burke, Sam Cooke y Little Richards. También el aprendizaje de la interpretación con los dientes para impresionar al público de Tennessee, y cómo un cuerpo que no alcanza a contener tanto talento debe buscar nuevas oportunidades en Nueva York. Hay un surfeo sobre el Hendrix como perfecto espía del tiempo que está obligado a un conjuro estético abrasador ante los conflictos raciales y el período anterior a Vietnam. Claro que en este tramo del material se detallan cómo queda prendado a Bob Dylan en la agitación del Village (“tiene el valor de desafinar”) y el momento clave en la vida de Jimi: Chass Chandler lo invita a Inglaterra. El resto es historia conocida, y se expresa casi como correlato visual de una entrada a Wikipedia que termina en un funeral plagado de estrellas (Miles Davis entre ellas).
Pese a ese epílogo enciclopédico, que también contempla una fundamentación groovera del tránsito de Experience a Band Of Gipsies, vale rescatar algunas reflexiones de Jimi en torno a su arte. Por qué se consideraba vulgar a su contoneo, sus reparos con respecto a que se lo considere psicodélico, su exaltación de la belleza femenina. Pero por sobre todo se destaca la convergencia de esas dimensiones humanas y artísticas. Se da en una entrevista televisiva en la que el conductor le pregunta: “¿Usted es el mejor guitarrista del mundo?”, a lo que Jimi contesta: “Soy el mejor guitarrista que está sentado en esta silla”. Y no suena a falsa modestia.
“REGGAE DEL PAÍS VOL. 1 Y VOL. 2″, VARIOS ARTISTAS
Fuente: blog.rock.com.ar
Reggae del País es un proyecto muy ambicioso que se inicia en el corriente año, de la mano de dos compilados consecutivos que reúnen nada menos que a treinta y cuatro bandas de la Capital Federal, el Gran Buenos Aires y varios representantes del interior del país.
Dos trabajos conceptuales, que engalanan al estilo musical de más crecimiento en la Argentina, en los últimos cinco años como lo es la música reggae y sus derivados. El complemento de bandas emergentes con algunas consagradas e invitados internacionales, hacen de los discos una verdadera joya de colección.
El sello independiente Other History Records es el encargado de la producción ejecutiva y artística de dichos álbunes, como así también de su distribución y comercialización para todo el mundo. Divididos en dos compilados de dieciocho canciones cada uno, ambos discos tienen un carácter didáctico y sirven a su vez, como una especie de catálogo del actual movimiento reggae en nuestro país. Masterizados por Mario Siperman de Los Fabulosos Cadillacs en El Loto Azul Estudios, las ediciones Vol. 1 y Vol. 2 ya se encuentran en las mejores disquerías del mercado.
Lista de temas Vol. 1: 1) “El ritual de la muerte” (Todos Tus Muertos), 2) “Como estatua” (Dread Negast), 3) “María Antonia” (Verde Reggae), 4) “Me iré” (Carmina Burana), 5) “Estrellitas” (Razas que amenazan), 6) “Save a bread” (Satélite Kingston), 7) “Enciende Roma” (Las Uvas de Nerón), 8) “ Poder natural” (Nueve Millas), 9) “Racist friend” (Butumbaba), 10) “Se que vivo” (Demasiado Revueltos), 11) “Busca tu lugar” (Delfines de Etiopía), 12) “No hay destino” (Limitada Reggae Corporation), 13) “La paga” (Mama Perfecta), 14) “Makonia way” (Inocente Kalavera), 15) “Confront” (Yalib), 16) “Uan lov” (Uniendo Raíces), 17) “Siempre de madrugada” (Capitán Riverside), 18) “Injusticias” (Skatoness).
Lista de temas Vol. 2: 1) “Raíces” (Chala Rasta), 2) “Música” (Dread Negast), 3) “Jamaica is the place to go” (Smocking Flamingo), 4) “Amor música” (Rey Gabriel), 5) “Tide is hide” (Reggae Rockers), 6) “Solidaridad” (Mukunda), 7) “Engaño dolor” (Razas que amenazan), 8) “Happiness” (Panal), 9) “Sangre” (El Cogoyo), 10) “Fácil represión” (Oye Primate!), 11) “Destino” (Livity Songs), 12) “Tu resplandor” (Zion Bless), 13) “Inspiración” (Sin Semina), 14) “Tu sol” (Timaias), 15) “Hoy” (Raíces Telar), 16) “Guns of Brixton” (Natura Manda), 17) “Camino real” (Sol Negro), 18) “Desde el cuore” (Rebel Music).
LA MANCHA DE ROLANDO
La Mancha de Rolando volvió al escenario de La Trastienda Club para presentar “El año del tigre”, la re-edición de su último trabajo discográfico, “A cielo abierto”.
Fuente: blog.rock.com.ar
La música funcional que matiza la espera en los shows suele ser tranquila, para que el público mantenga la calma hasta que la atracción de la noche pise las tablas. Sorprendió, y mucho, la inclusión de temas de Los Piojos, Divididos y Los Redondos en la previa, canciones que suelen desatar pogos infernales en los recitales de las bandas mencionadas calentaron a la multitud que acompañó a Mancha de Rolando en su vuelta a los escenarios porteños.
“Mis primeras páginas” o “My back pages”, el clásico de Bob Dylan, fue el elegido para iniciar el concierto. La versión que la banda oriunda de Avellaneda confeccionó especialmente para su nueva producción marcó el comienzo de un show compuesto por más de veinte canciones y muchas sorpresas. La intensidad en conjunto con el calor fueron creciendo juntos a medida que pasaban los temas: “Melodía simple” y el combo “Mentalidad parroquial” más “Santa María” incendiaron el lugar.
Tras “Llegará”, y luego de una larga zapada, Manu Quieto pudo solucionar algunos problemas de sonido con su guitarra que lo preocuparon durante los primeros pasajes del show. “En la calle”, “Hacia el sur” y “Rock del minero” fueron los mejores exponentes de las diferentes facetas rockeras de la banda: la primera, el equilibrio justo entre velocidad y distorsión; la segunda, un viaje con aromas stone (“Satisfaction” incluida); la última, pura potencia metalera.
“La planta”, “Sincera” y “Carolina” le dieron forma al bloque más íntimo, creando la atmósfera adecuada para pedir en la voz de Manu “por la salud y la pronta recuperación de Gustavo Cerati”… preámbulo perfecto para regalar “Puente”. Una intro a cargo del teclado condujo hacia “En la altura” e inauguró un bombardeo de canciones para todos los gustos: sin respiro sonaron “Chino”, “Cabrón” y la clásica mención a “Matador” de Los Fabulosos Cadillacs, “Entre ríos” más una batería de covers, clásicos de nuestro rock como lo son “Que tal?” de Divididos, “Alta suciedad” de Andrés Calamaro y “Viejos vinagres” de Sumo, para culminar en “Como ganado”, de Intoxicados.
Por un momento, el lugar se convirtió en “La tierra de la oscuridad” pero todo se iluminó con “Ríe por mí”. “Regala”, “Mago de la lluvia” y “Buscar” inundaron de palmas La Trastienda para instalar la sensación de que la fiesta era completa pero, hubo tiempo para mucho más: un impecable solo de batería inauguró el tramo final de la noche con “Donde vamos”, “Me estas atrapando otra vez” y “Sequía”, este último en un mix con “Sr. Cobranza”.
El Negro Quieto prometió varios shows mas en el local de San Telmo durante el año y alertó a los fanáticos para que enfoquen sus energías en los festejos por los 20 años de la banda en octubre próximo. “Acorde Sol Mayor”, explicó Manu y disparó “Siempre esperando”. La multitud ofreció hasta su última gota de sudor, algunos amagaron con irse pero los músicos no tenían ganas de abandonar el escenario. Entonces, agradecieron tanto aguante en los sonidos de “Calavera” y “Arde la ciudad”, con un coro de niños que subieron a escena seleccionados por el cantante para entonar juntos la canción.
Para el cierre, los elegidos fueron “Antes” y un nuevo popurrí de grandes éxitos: “Ruta 66”, “Un trago para ver mejor” e “Intoxicado”, combinación letal para volver a casa con la remera en la mano, los oídos llenos y el corazón contento.
LOS UMBANDA
“No entramos en la pelotudez del reggae”
La banda de La Paternal Los Umbanda presenta “Latintropiks”, su nuevo disco + DVD, que los muestra cada vez más alejados de los purismos.
Suplemento SI
Si nos moviéramos dentro de un sólo género, nos terminaríamos aburriendo”. La frase de Gaspar O.M., voz y sampler, refleja la consigna del grupo. El dvd que incluye Latintropiks , su sexto disco, lo reafirma: se observa una licuadora musical a la que se le introducen ritmos de distintas texturas y latitudes. “El álbum se basa en cuatro pilares. Los primeros cinco temas son bien reggae. Otros con algunos elementos tropicales y latinos. Temás que focalizan la canción como Sal y Por la boca muero . Y la última parte es más electrónica. Bien para bailar”.
Esa mezcla convive en esta banda que nació hace casi dos décadas en el conservatorio del Colegio Esnaola en Paternal. “Con Fede López Conde y Matu Kupinski, los guitarristas, empezamos a tocar a los 14 años. Al principio arrancamos en las peñas de las escuela, para después terminar tocando en un montón de festivales de centros de estudiantes y de distintas organizaciones de derechos humanos”.
–¿Siguen involucrados a esos movimientos? –Sí, pero militamos desde la música. No nos pegamos a un movimiento específico, sino con los que tienen buena leche para cambiar las cosas. Estuvimos en eventos de la F.U.B.A, como también en algunos organizados por las Madres de Plaza de Mayo. Siempre dentro de la izquierda, del sector revolucionario. No tocaríamos en un acto de Macri.
–¿El no hacer un género puro les trae un público más amplio o aleja a los fanáticos del reggae? –El mercado, las companías, necesitan ponerle un rótulo a todo. La gente que nos sigue es reggaera y abierta. Creo que no formamos parte, ni entramos en la pelotudez del reggae. Esa cosa importada de hablar en jamaiquino y emular a bandas que la pegaron en los ´80. Más que la creatividad se apunta a la repetición. Respeto a todos los grupos, porque somos laburantes, pero hay que entender que son las reglas que rigen.
–¿Pero nunca sintieron prejuicio por hacer cumbia? –Sí, pero a nosotros nos copa. Desde la cumbia colombiana a la villera. Te hace sentir ese sudor en el calzoncillo. Igual, hay muchas bandas que aunque son de otro palo, se están volcando a hacer algunos temas con ese ritmo.
El disco es la primera producción realizada íntegramente en la casa/estudio de Gaspar en La Paternal. “Los álbumes Hibrido! Hibridub! Hibrilove! (2004) y Musikadelante (2007), los coproducimos con El Chávez. Este quise que fuera un proyecto más solitario. Tardamos prácticamente un año y medio en realizarlo. Pero estamos muy conformes, tiene un sonido muy internacional”.
Además Latintropiks cuenta con la presencia de viejos amigos y compañeros de ruta. Ricardo Mollo, Alejandro, Goy Ogalde, Luis Alfa, Don Mateo, Alejandro Sokol y Tavo Kupinski. “Todos ellos tienen dos cosas en común: la humildad y lo grosso que son. No les da ningún beneficio tocar con nosotros. Es solamente por disfrutar de esa comunión tan básica que se da cuando la gente se junta a hacer música”.
LA SALUD DE GUSTAVO CERATI
La madre de Cerati es optimista
Lilian Clark, la madre de Cerati, agradeció los gestos de los fans del músico: "Son conmovedores", dijo. Reveló que su hijo, antes del ingreso a la clínica Los Arcos por una neumonía, "movía los párpados y las manos y escuchaba a músicos como Ricardo Mollo que fueron a tocarle". Y contó que "los que lo ven se sorprenden, tiene la carita rozagante, no ha adelgazado”.
“Muchas veces me agarró la mano, me ha tocado. Ahora está sedado, pero sé que escucha. Mollo fue a tocarle canciones con la guitarra y notábamos cómo las pulsaciones subían”, afirmó la madre de Cerati, respecto de la salud del músico, al momento de confirmar la internación por un cuadro de neumonía.
“En este momento está todo bien, pero después de nueve meses de este ACV, es un cuerpo que se ha tocado demasiado. Lo que tenemos que tener en este momento es ciencia y fe”, afirmó. “Los médicos son sumamente cautos, pero nosotros lo vemos y estamos esperanzados. Está estabilizado, eso es lo único que se puede decir por el momento”, aseguró.
Además de la presencia de Ricardo Mollo, Lilian también afirmó que Luis Alberto Spinetta, Fito Páez y Fabiana Cantilo fueron algunas de las figuras que pasaron a visitarlo y dedicarle algunos temas. “Los que lo ven se sorprenden, tiene la carita rozagante, no ha adelgazado”, dijo sobre su hijo.
Consultada respecto al mensaje que tiene para darle a los fanáticos, aseguró: “Gracias por lo que están haciendo. Creo en ese afecto profundo. Estoy con ellos”. Y agregó: “Las cosas que recibimos, los mensajes, las estampitas… son conmovedores. Las palabras que yo leo me conmueven, me ayudan muchísimo y me enorgullecen. Y le digo: ‘Volvé, que acá también te esperan cosas hermosas”, se emocionó.
“Notamos mucha evolución últimamente. Por suerte esta bacteria fue tomada a tiempo”, confirmó, y se volvió a referir al proceso de rehabilitación: “Se sienta varias horas, se le ha quitado el respirador y es un avance muy grande. Esas cosas en este estado son muy importantes. Todavía no abre los ojos, pero mueve mucho los párpados. Parecen pavadas, pero día a día eso lo notamos”, concluyó.
FABRICIO RODRÍGUEZ: “BUSQUÉ OTROS MATICES”
Fabricio Rodríguez se perfila como cantautor solista, aun sin abandonar Mr. Mojo, la banda que lo consagró como armonicista virtuoso.
Hay novedades en torno a la participación anual del grupo villamariense Mr. Mojo en el Festival de Peñas. En esta ocasión, la formación ejercerá la localía pero como respaldo de Fabricio Rodríguez, su armonicista líder que acaba de editar un disco casi en plan cantautor pop. Su título, El mundo de los silencios. La tapa lo tiene en pose canchera, con la viola colgada.
La inquietud surge naturalmente: ¿En qué contexto se da este desprendimiento? “En realidad es una decisión tomada junto a la banda. Hace ya un tiempo estoy viviendo en Buenos Aires y era necesario tener una identidad más definida que, tal vez, no la teníamos como banda. Fue una propuesta de mis compañeros que el proyecto se encare con mi imagen al frente. Igual, la banda sigue siendo la misma de hace 10 años”, explica Rodríguez, en cuya página oficial también anuncia un disco de armónica sobre música popular. “Es básicamente una especie de homenaje a Hugo Diaz, por lo cual es en su 70 por ciento instrumental de armónica. Es música que no puedo desarrollar con mi banda. Me gusta el folklore, crecí escuchándolo y disfruto mucho de esa faceta”, revela este casi solista que hace rato se viene codeado con los grandes de la canción.
Sigue Rodríguez sobre sus preferencias autóctonas: “En el disco anterior compuse un chamamé (Si lo tuviera todo) que lo terminó grabando León Gieco. Con el tango me estoy reencontrando y animándome. Al disco lo estoy haciendo con amigos invitados y lo estoy grabando con Enrique Aiello. Cuenta con la participación de Andrés Giménez, Alejandro Lerner, Abel Pintos y Javier Calamaro”. La obra a la que alude Rodríguez tiene 14 temas de su autoría y una versión de Angel dream, de Tom Petty.
–La tapa del disco te tiene con la viola y el repertorio como cantante. ¿Vas a hacer descansar al armoniquista virtuoso por un rato?
–No sólo me animé a tocar más la guitarra sino que también grabé mandolina, un instrumento que estoy investigando y me divierte. Amo a la armónica, pero tengo claro que no me banco escuchar un disco completo del instrumento. Busqué otros matices. Como una voz líder, por ejemplo.
Incompatible
–¿Hay un boom de armonicistas en la actualidad?
–No estoy muy al corriente sobre los nuevos armonicistas. Sí conozco a los que ya tocaban cuando empecé y el nivel era muy bueno. Pero no me considero sólo un instrumentista sino que también me gusta identificarme con la composición. Disfruto de cantar o tocar la guitarra. Veo a la música como un conjunto de cosas y es tan amplia que no me gusta encasillarme en nada.
–¿Cómo llegás a la armónica?
–Mi padre escuchaba desde Kenny Rogers hasta León Gieco. Y un buen día me regaló una armónica y comencé a sacar todos los temas de León. Ya tocaba la guitarra, y eso me facilitaba mucho sacar cosas. Luego llegó Hugo Díaz y me entusiasmé con la armónica cromática. Y éste fue el instrumento que me permitió tocar con artistas muy importantes como David Lebón, el mismo León, Lerner, Abel Pintos.
–La noticia más reciente es que te invitó Miguel Mateos. ¿Es para su nuevo disco de estudio?
–En realidad recibí una llamada de Mario Breuer, con quien hicimos el nuevo disco, para decirme que necesitarían que grabe con Mateos, pero aún no se concretó. Y este verano estuve de gira todo el tiempo...
–¿Con qué grupos del rock argentino tiene compatibilidad Mr. Mojo?
–Es una pregunta difícil. Tenemos tantos referentes del rock argentino y del exterior pero no sé si seguimos la línea de alguien. Porque si de compatibilidad hablamos, podría decirte que por momentos hay una notable influencia de León, pero también encuentro una compatibilidad con Abel Pintos, ya que no puedo dejar de lado mi faceta folklórica. Soy un profundo investigador de las músicas de otros lares. Entonces, al escuchar mi disco aparecen por momentos estilos celtas, folk, rock… Pero, como te dije, no encuentro una similitud o acercamiento musical a las propuestas actuales del rock nacional.
El álbum
El disco de Fabricio Rodríguez & Mr. Mojo ha conseguido buenas críticas por parte de la prensa metropolitana. Se titula El mundo de los silencios y fue producido por otro villamariense: Enrique Aiello. Más data: www.fabriciorodriguez.com.ar.
DON CARLOS, UNA LEYENDA DEL REGGAE EN CÓRDOBA
Se confirmó la visita de Don Carlos, una de las figuras más importantes del género. Será en marzo, en Casa Babylon. DON CARLOS. A punto de cumplir 60 años, sigue vigente como emblema de la música jamaiquina.
Andrés Fundunklian suplento VOS
Siguen las buenas noticias para los fanáticos del reggae. Además de la tercera edición del Carlos Paz and Love que se realizará este fin de semana con artistas de primer nivel, se confirmó la visita de Don Carlos, una de las leyendas del género.
Euvin Spencer, tal su verdadero nombre, fue fundador de Black Uhuru, uno de los grupos jamaiquinos fundamentales en la historia del reggae. Luego, tuvo una exitosa carrera solista en la década de 1980 editando más de 20 discos hasta la fecha, y volvió a reunir a la legendaria banda en los 90’s.
Don Carlos llega con la gira "Together as One" en la que comparte cartel con el cantante y productor jamaiquino Everton Blener y además, presenta su reciente disco Changes (2010). La cita será el sábado 26 de marzo en Casa Babylon (Las Heras 48) y las entradas anticipadas se podrán conseguir desde el lunes en Edén (Obispo Trejo y Deán Funes) a un precio promocional de $ 70.
CALAMARO: SÓLO UNA CANCIÓN DE AMOR
Andrés Calamaro aprovechó el día de San Valentín para dedicar un tema en su blog. ¿Habrá sido para Julieta?
Yamila Zuban suplemento VOS
Aunque a Andrés Calamaro lo enoje, el escándalo amoroso del verano fue su separación de Julieta Cardinali. Rumores de infidelidad cruzados condimentaron una ruptura tan dolorosa como sorpresiva en el mundo del espectáculo.
El Salmón, por su lado, señalado como protagonista de un supuesto affaire con la modelo Micalea Breque en Chile. Cardinali seguida por los paparazzi en España, junto al director Juan Carlos Fresnadillo. Después nuevamente Andrés fue visto muy bien acompañado del brazo de la modelo y vedette Mariana Diarco.
En tanto, desde su blog el cantante le exigía respeto a la prensa del corazón: “Están haciendo una carnicería con mi familia y con nuestra dignidad... Defiendo y pido furiosamente respeto para mi familia, somos tres...”, supo escribir desde su sitio el Salmón.
Por estos días y después de un mes y medio de absoluto silencio, Andrés regresó a teclear en su blog, esta vez inspirado por el día de San Valentín. Recordando que el 14 de febrero es el día de los enamorados, el cantante le dedica una canción a su “amor”. Sin dar nombres, todo parece indicar que dicho tema estaría direccionado directo al corazón de su ex.
Acompañado de un link para bajar la versión de Your song de Elton John, Calamaro escribió así en su sitio web: “Por lo menos de este lado del Atlántico hacia el sur del continente, todavía es el catorce día del mes febrero, el día de aquellos que están enamorados, especialmente enjoyable por aquellos correspondidos por el amor en carne viva !! ... Entonces!! YOUR SONG (Elton John y Bernie Taupin) ... (Sic).
Baja el tema de este link
http://www.calamaro.com/ac/ac.asp
CLAUDIO O’CONNOR PRESENTA RIO EXTRAñO
“Mi mundo es más grande que el corral del metal”
Uno de los baluartes del heavy argentino se asentó en las profundidades del Tigre y cada tanto trepa el delta, río adentro, para encontrarse consigo mismo. No es poco.
Por Juan Ignacio Provendola - Suplemento NO
“Uy, hay ratas acá. Pasó una a las chapas. Ahora estoy en lo de un vecino, le vine a sacar el perro”, avisa, agitado. Son las nueve de la noche y por el auricular se cuela un sostenido grillerío. A Claudio O’Connor hay dos formas de ubicarlo: por celular, si la señal acompaña, o yendo al puerto del Tigre y trepar el delta con alguna lancha colectiva hasta llegar a su nuevo bunker, en plenas aguas del río Paraná. “Descubrí que este lugar existía y que estaba a mano de la ciudad”, cuenta por celular el nuevo vecino de la misma zona del delta que alguna vez describió Haroldo Conti en Sudeste. “Es muy loco eso de salir a la puerta de tu casa y que tu calle sea un río. Hay gente a la que no le gusta, por los mosquitos o porque estás aislado, y yo no sé si a los 30 me hubiese venido. Pero hoy tengo 47 años y tenía la necesidad de un lugar así. Me vino bien porque me encontré mucho conmigo mismo. Estoy mucho tiempo solo, con mis cosas, enfrentamientos, cuestiones por mejorar o cosas que ni sabía que estaban y es bueno vivirlas, como levantarse temprano.”
Restos y rastros de esa experiencia abundan en Río extraño, su séptimo y reciente disco solista, aunque ya todos sabemos que el asunto no se desprende de un arresto individual sino más bien de la sociedad creativa que O’Connor selló con el bajista y compositor Hernán García ni bien los presentó el ex sonidista de Hermética en 1998. “Si la banda fuese una mina, él sería la cara y yo el culo. Es por eso que me miran más a mí, pero él hace un trabajo importante; por empezar, la música”, banca Claudio, quien no escatima en florear a su compañero: “Encontré la persona que necesitaba para desarrollar las inquietudes que tenía. Es un tipo muy abierto y, además, no competimos entre nosotros pese a llevar tantos años juntos, así que todo lo que sale es producto del esfuerzo por buscar cosas lindas. Ya me conoce y sabe para dónde puedo agarrar”.
Como dos enamorados que miran fotos asepiadas de una luna de miel lejana, ambos revuelven viejos recuerdos y proponen regrabar, en vivo, Hay un lugar (1999) y Yerba mala nunca muere (2000), discos incunables con los que O’Connor canalizó angustias artísticas contenidas en Hermética y Malón, cuando decidió cortarse por su cuenta. Será este fin de semana, en La Trastienda, pero el material saldría recién a fin de año para darle aire a Río extraño, una propuesta directa y agresiva que afianza el bloque Claudio O’Connor-Hernán García-Pablo Naydon e incorpora a Darío Casciario, uno de los tantos guitarristas que prestaron sus servicios al proyecto.
–Pese a que se insiste con que seguís abriéndote del metal, en Río extraño sonás más pesado que nunca.
–Creo que tiene que ver la incorporación de Darío, que tiene un toque muy personal y es el más heavy de todos los que violeros que estuvieron. Me encanta el impulso musical que tomamos, si no, el disco jamás hubiese salido. La mayoría de las voces las grabé engripado, porque no podíamos postergar las sesiones. Por eso no hay tanto de mi voz clásica y eso hizo que el disco tomara otro rumbo. Al principio me hice un poco de problema y empecé a cabecear, pero me terminé convenciendo. Soy cantante y quiero demostrar que canto, por eso fui explorando otros colores con mi voz, ya que en otras épocas la idea era bastante resistida. De hecho, recuerdo que cuando hice la primera prueba para entrar a Hermética, canté con una voz más grave, pero me pidieron que lo haga como finalmente lo terminé haciendo.
–Se cumplen 20 años de Acido argentino. ¿Te despierta algo esa efeméride?
–Es lo mismo que me digas que cumple 20 años un pibe que vive a diez cuadras. ¿A quién le importa? Mi respuesta es que saqué un disco nuevo hace dos meses.
–En Trinchera cantás cosas tales como “arde el fragor del metal en mí”, “vuelvo a entrar, nunca me fui” y “regresar al campo de batalla”. ¿Todo tiene que ver con todo?
–No, no, no. Todos se van al carajo, chicos. Mi mundo es más grande que el corral del metal. La canción la hice pensando en un amigo que fue a Malvinas. Nada que ver con el heavy. Tiene que ver con la guerra, y habla del metal porque se refiere a las balas de cañón que pasaban silbando por arriba de las trincheras. Yo escribo, y cuando me convence, queda. No especulo con eso, pero tal vez tendría que intentarlo buscando frases para que luego me pregunten.
–¿Entonces?
–Yo me abrí de los dogmas berretas, de la pedorrada de verdulería. La cosa de que “cuanto peor, mejor” o “loco, está bueno tener los zapatos llenos de barro”. Son cosas que no le hacen bien al ser humano y, por lo tanto, no las quiero para mí. Prefiero transmitir que si te preocupás, laburás y te rompés el culo para comprarte unas zapatillas nuevas, hay que felicitarte, en vez de decirte “sos un cheto porque ahora tenés plata”. ¿Y cuál es el problema? ¿Acaso está bueno no tenerla? Pareciera que hay que subir al escenario con las mismas cuerdas de hace cuatro años para no ser un careta. A esos que dicen “aguante, la concha de tu madre” yo les pregunto: ¿qué es el aguante? Yo no quiero estar aguantando, prefiero vivir bien. Tenemos el cerebro más evolucionado del planeta y no podemos permitirnos ser tan pelotudos.
