EL JARDÍN DE LOS PRESENTES
Por Pablo Strozza Revista RS
El Flaco recorrió toda su trayectoria, con reuniones de Invisible, Pescado Rabioso y Almendra, ante 37 mil personas en Vélez.
A eso de las 22 horas, con una hora de demora de lo pactado originalmente, Luis Alberto Spinetta salió a escena. Primero agradeció a muchos de los músicos que tocaron con él durante su extensa trayectoria y que no pudieron ser de la partida de este concierto de sus Bandas eternas (Pedro Aznar, Frank Ojtersek, entre otros) y disculpándose ante los músicos que le gustan y que no serían versionados esa noche (Moris, Indio Solari, Andrés Calamaro y Hugo Fatorrusso, "el más grande talento que dio el Río de la Plata", fueron los más destacados). Y luego, con su banda actual y el bellísimo "Mi elemento", comenzó el recital.
Hubo dos segmentos bien marcados en el show, y cada uno de ellos contó con 25 c
anciones. En el primero, Spinetta repasó temas de Jade y de su trayectoria solista con multitud de invitados, se permitió hacer covers de gemas ajenas ("Mariposas de madera" de Miguel Abuelo sólo con su guitarra, "El rey lloró" de Litto Nebbia, "Adonde está la libertad" de Pappo con Juanse en voz). Las intervenciones de históricos tecladistas de Jade como Juan del Barrio, Diego Rappoport y Leo Sujatovich dieron un clima de intimidad casi inédito para un estadio de fútbol (más que nada los dos últimos que, acompañando a la casi desnuda voz del Flaco, brillaron con "Ella también", "Umbral", "Era de uranio" y "Vida siempre"). Fito Páez puso su piano al servicio de "Las cosas tienen movimiento" y "Asilo en tu corazón"; Gustavo Cerati cumplió "el sueño del pibe" (sic) al cantar "Té para tres" y "Bajan" y, tras una toma hip hop de "Necesito tu amor" de Manal con Dante y Leeva, una hermosa versión de "Filosofía barata y zapatos de goma" fue el preludio para la aparición de Charly García, con uno de los plenos de la noche: "Rezo por vos". Final de la primera 
mitad, en donde no faltaron los habituales diálogos con el público ("Flaco, ¡no te mueras nunca!". "Vos tampoco, porque si yo me muero, vas a necesitar un testigo") y las menciones a los músicos geniales que iban a ser parte de la escena, que de tanto repetirse por parte de Luis terminó siendo una suerte de guiños cómplice con la gente.
El segundo set comenzó con el recuerdo al desparecido Daniel Wirtz, y una formación de los Socios del Desierto ("Los socios de este concierto") con el original Marcelo Torres y Javier Malosetti en batería. Y luego,el Everest de la noche: Invisible. Spinetta, Machi y Pomo, o como un power trío puede sonar como una orquesta sinfónica, desafiar el paso del tiempo ("Lo que nos ocupa es esta abuela, la conciencia que regula el mundo" es una canción que parece compuesta hace sólo quince días, y supera las tres décadas), aplicar métricas imposibles ("Jugo de lú
cuma") y sensibilizar hasta a las piedras con crescendos explosivos ("Perdonado (Niño condenado)"). El final fue con Lito Epumer haciendo las veces de Tommy Gubitsch (quizás, el gran ausente de la jornada) y el "Amor de primavera" de Tanguito. Sin solución de continuidad, la reunión más festejada: la de Pescado Rabioso. Con David Lebón en guitarra y Guillermo Vadalá en bajo, "Poseído del alba" fue el comienzo soñado que muchos jamás pensábamos ver en nuestras vidas, seguido del "Hola dulce viento" de Lebón. En "Serpiente (viaja por la sal)" el diálogo a lo Genesis de las dos guitarras con el Hammond de Carlos Cutaia fue tan épico como marcaba la leyenda. "Me gusta ese tajo" tuvo a Bocón Frascino como invitado en viola, y el fin fue ni más ni menos que "Post crucifixión". Y, por último, Almendra. La comunión entre Del Guercio, Molinari, García y Spinetta es la de esos cuatro chicos de Belgrano que de buenas a primeras pintaron su aldea y, de paso, el mundo de todos los argentinos, al menos. ¿Cómo se explica, sino, el solo de Edelmiro en "Color humano", la voz de Emilio en "Fermín", el ataque de la batería de Rodolfo en "Hermano perro" o el arreglo vocal de "Muchacha ojos de papel" (dedicada a
la mamá de Luis Alberto)? Sólo cuatro hombres que se conocen desde hace más de cuarenta años, con sus bondades, miserias, alegrías y tristezas, pueden lograr semejante grado de entendimiento mutuo.
Ricardo Mollo sumó su guitarra para "8 de octubre" (a beneficio de los chicos muertos en la tragedia de Santa Fe) y tres hitazos cerraron la fiesta: "Seguir viviendo sin tu amor", "Yo quiero ver un tren" y "No te alejes tanto de mí". Y, luego, la anécdota innecesaria: Spinetta haciendo mención a la portada de "una revista que nos solía gustar, en donde en su tapa, junto con mi socio Charly García, hay un primer plano de los rostros de ambos que oculta y oscurece la remera de Conduciendo a conciencia. Para esa revista, fuck you. Quiero ver los deditos de todos levantados", dijo, para luego invitar a todos los músicos participantes a saludar con la misma remera. La revista, claro, es Rolling Stone. Y el enojo de Spinetta está originado en que, por el encuadre de la histórica foto, no se puede ver la leyenda sobre las ONG que patrocina.
CHE SUDAKA
“TUDO É POSSIBLE”
El 5 de octubre Kasba Music publica en co-producción con Cavernícola Records “Tudo é possible”, cuarto trabajo discográfico de CHE SUDAKA.
Despues de siete años de giras sin freno y más de 700 conciertos en 17 países, los cinco músicos de Argentina y Colombia se han ganado la valoración y el respeto tanto del público como de la indústria musical y ambos coinciden cuando dicen que tienen uno de los directos más enérgicos, locos y contundentes del panorama musical estatal e internacional.
Bajo la producción artística de Gambeat (bajista de Radio Bemba), con TUDO É POSSIBLE estan evolucionando los conceptos de sus discos anteriores, cogiendo de referéncia la contundencia de “Alerta Bihotza” (2005) y la calidez del CD más acústico editado por ellos, “Mirando el mundo al revés” (2007). El álbum contiene 14 temas frescos que se mueven entre la canción popular, el ska, el rock, el funky mas roots, el reggae, la cumbia, el hip-hop y algun que otro toque country siempre interpretados con la energía adquirida en sus años de músicos callejeros y que cuentan con las enriquecedoras colaboraciones de B-NEGAO, MERI LOPEZ (COSTO RICO), MADJID FAHEM (RADIO BEMBA), BRUNO (SUPERAMAZOO), JAIME (PA’LO QUE SEA) y un recitado final del maestro FACUNDO CABRAL entre otros amigos de la banda que llevan todavía mas lejos la propuesta musical…
El álbum viene acompañado de un DVD documental realizado por CARLOS LARRONDO (director del documental LT22 LA RADIO COLIFATA) que narra las aventuras y los encuentros más importantes de la banda durante los últimos dos años en sus giras por Sudamérica y Europa y la interacción lograda con distintas causas sociales como el PUEBLO SAHARAUI, RADIO NIKOSIA, LA COLIFATA entre otras. Como extras el DVD incluye también extractos de conciertos en directo y dos nuevos videoclips.
ADRIÁN OTERO
Ex cantante de Memphis presenta su nuevo álbum "Imán"
El cantante Adrián Otero, ex líder de Memphis la blusera, presentará en vivo los temas de su más reciente producción "Imán", el 5 de diciembre en el Teatro ND Ateneo, donde además interpretará los clásicos de siempre como "La Bifurcada".
Durante el espectáculo el artista estrenará su video clip del corte de difusión del tema que da nombre al álbum y que fue dirigido por el videasta Marcelo Lamorte, quien lo filmó enteramente en la ciudad balnearia de Mar Del Plata.
Entre los clásicos que interpretará Otero se destacan "Un montón de nada", "La Flor más bella" y "Blues de las 6.30", entre otros.
"Imán" es un trabajo discográfico que cuenta con 12 canciones entre las que se encuentra la que da titulo al álbum, además de "Tu belleza", "Es la salida", "Colapso nervioso", "Da más", "Creo veo", "Pendejo" y "Rockstar".
Otero editó su disco solista a finales de 2008, después de desvincularse de Memphis la blusera, la banda que fue una de las más representativas en lo que se refiere al blues local.
Tras su presentación en el ND Ateneo, Otero ofrecerá un show en Mar del Plata.
LAS PELOTAS
Se despide de los escenarios porteños con dos shows
Buenos Aires, 4 de diciembre (Reporter). Tras un 2009 agridulce -en el que se consolidaron en convocatoria pero perdieron a su histórico líder, Alejandro Sokol- L
as Pelotas cierra el año con dos conciertos en La Trastienda Club.
Luego de la excelente repercusión de sus tres primeros conciertos íntimos en este escenario, la agrupación vuelve a presentarse de la mano de su último álbum.
La banda mostrará cómo suena en vivo "Despierta", su flamante material, considerado por el grupo como un nuevo capítulo en su extensa carrera de más de dos décadas.
"El disco es el resultado de la búsqueda del grupo, apunta al corazón, habla del despertar del alma. Es un álbum vivo y espontáneo, que apunta a la esencia. Fue un trabajo grupal, utilizando la emoción, elemento que resultó fundamental para llevarlo adelante", le explicó en su momento a la prensa el actual líder de la banda, Germán Daffunchio.
Así, se suceden en la placa tanto temas de neto rock, como "Si quisiste ver", "Saben" y "¿Qué podés dar?" con composiciones melódicas y reggaes como "Que estés sonriendo" y "Una tregua".
Estos temas, junto con sus mayores éxitos, podrán escucharse en vivo el martes 8 y el miércoles
VÍCTOR JARA
LA VOZ QUE FUE APAGADA POR LA DICTADURA CHILENA
Detenido un día después que se instalara la dictadura de Augusto Pinochet, el 11 de septiembre de 1973, el cantautor chileno Víctor Jara fue asesinado tres días más tarde en el Estadio Chile, donde fue torturado por agentes del Estado, que le destrozaron las manos con las que tocaba la guitarra.
Jara se encontraba el día del golpe en la Universidad Técnica del Estado, donde trabajaba como director teatral. Fue detenido en ese lugar, junto a varias decenas de personas, por agentes del nuevo régimen y luego trasladado hasta el Estadio Chile, un recinto en el centro de Santiago que fue utilizado como centro ilegal de detenciones.
Durante tres días fue interrogado y torturado por efectivos del Ejército. Según testigos, fue sometido a brutales palizas y le destruyeron las manos. "¡Mira mis manos, mira mis manos... me las machacaron para que nunca más volviera a tocar la guitarra!", le relató el propio Jara al periodista Sergio Gutiérrez, que se encontraba también detenido en el Estadio Chile.
El 15 de septiembre de 1973 es el último día en que se le vio con vida, según el Informe Retting de 1991, que cuantificó las víctimas de la dictadura de Pinochet.
Al día siguiente, su cuerpo acribillado fue encontrado en un terreno baldío en las afueras de Santiago junto a otros cinco cadáveres. Todos fueron trasladados hasta el Servicio Médico Legal (SML), donde fue identificado por un funcionario que avisó de su muerte a su viuda, la coreógrafa británica Joan Turner.
Según un primer informe de autopsia, Jara murió tras recibir 44 impactos de bala en su cuerpo. Tenía 41 años.
El informe Retting, que atribuyó a la dictadura más de 3.000 víctimas, señaló que el cantante "fue ejecutado al margen de todo proceso, constituyendo ello una violación a sus derechos fundamentales de responsabilidad de agentes del Estado".
Su viuda, junto a un amigo y el funcionario que lo identificó, lo enterraron secretamente el 18 de septiembre de 1973, en una modesta tumba donde permaneció 36 años, hasta que una orden judicial determinó la exhumación a mediados de este año. Ahora será enterrado el sábado, tras un homenaje de tres días que se inició el jueves.
TEXTUALES DE CALAMARO
"El salmón" le ofreció una entrevista exclusiva a VOS, que se publicará en breve. Aquí, un adelanto de sus declaraciones más resonantes.
Los videos de "
Corazón en venta" y "Bachicha". En ambos, Calamaro celebra la poesía en cierta "pauperización urbana".
Germán Arrascaeta
Sobre su presente feliz y prolífico, que contrasta con un pasado febril, creativo y turbulento.
“No debería extrañarnos tanto este presente. No falta tanto para los 30 años desde que giramos con LADLN, y 25 desde que grabe mi primer disco solo. Digamos que me pasé la vida entrenando para lo que siempre hice. Revisitar las rutas secundarias, los archivos, es revelador y es una divulgación justa, porque no siempre un disco lo refleja todo. Sin embargo este balance antológico (de 10 años), que es Obras incompletas, es un buen artefacto para escuchar, para leer y para mirar mientras se extingue el ‘discosaurio’”.
Sobre cómo fueron sus años '70.
"Cumplí mis 15 años en el peor año que recuerde nuestra historia íntegra. Ir a recitales, o fumarse un joint, era una situación de alto riesgo policial. Aunque hubiera sido más trágico tener cinco años más y militar en la izquierda revolucionaria. Puedo suponer que tuve suerte porque estoy vivo. Mi generación no tenía ni lugar en los cementerios. La paranoia, sin embargo, fue un estado bastante frecuente y justificado. “Que yo sea paranoico no quiere decir que no me estén persiguiendo” (dice la frase célebre). Así estaban las cosas".
Sobre su rol de compositor.
"No soy el compositor ritual que era antes, volví a una frecuencia mas live. Tampoco creo que sean estas temporadas de muchas canciones, nadie está escribiendo mucho. Ahora busco excusas para no escribir; me gustaría salirme del formato de canciones de rock y poder hacer música para el cine, y generar otra naturaleza de grabaciones. Pero voy a ofrecer más discos y giras de rock; son mis años de intérprete, ahora me toca dar la cara por el repertorio que cultivé en los últimos 20 años. No sé cuando voy a firmar la próxima canción. Mañana, quizá".
Sobre su respaldo a Diego Maradona
Semanas atrás, y también desde la blogósfera, Calamaro defendió a Maradona tras las palabrotas de Montevideo. Es evidente que es un incondicional, y no teme que en el respaldo se filtre un “sidieguismo”. “No soy sólo un incondicional, somos amigos. Pero Maradona es Maradona para todos –reflexiona–. El pueblo lo quiso demasiado, y nos generó mucho orgullo para olvidarlo ahora. En la radio, y en la tele, se escuchan groserías gratuitas todos los días. Y mucho más al pedo; tampoco soy un ‘sidieguista’, reaccioné contra la ‘clase media pensante’ que cada vez piensa menos, que es hipócrita y egoísta, que es responsable de la decadencia moral y social que sufre nuestro país”.
PRESENTACIÓN OFICIAL DE 'VOS SABÉS'
En La Trastienda se presentó el disco tributo a Los Fabulosos Cadillacs con la presencia del Sr. Flavio.
Luego de haberse editado el disco que tributa
a Los Fabulosos Cadillacs, por representantes de la música hispanoamericana, poco creíble podía pensarse la posibilidad de realizar un recital en vivo que reuniera a la mayoría de los participantes del mismo.
Más allá de eso, 7 bandas en escena hicieron vibrar a todo el público presente en una gran noche en la trastienda club.
Los Cafres, Árbol, Los Tipitos, Kapanga, Los Pericos, Cuentos Borgeanos, Massacre presentaron “Vos Sabes…Como te esperaba!” un gran disco tributo a Los Fabulos Cadillacs.
La sorpresa sin dudas fue la presencia de Flavio Cianciarulo, quien junto a su familia disfruto y vivió cada tema con mucha satisfacción.
Luego de más de 2 horas de show, el evento tuvo un cierre de lujo, donde músicos de cada una de las banda subieron al escenario junto con Fernando Ruiz Diaz ( Catupecu Machu) a cantar “Carnaval toda la vida”, este tema provoco una gran adrenalina en el publico quienes efusivamente lo cantaron y lo bailaron!!
Tras el show, Flavio Cianciarulo dejó la siguiente carta en representación de la banda:
Soy el Señor Flavio, en sintonía con el ritmo del León 007 y su altísimo homenaje-alto voltaje. En nombre de todos Los Fabulosos,quiero agradecer una y otra vez a todos los artistas colegas que han grabado y grabaran nuestras canciones.
Voy a contradecirme una vez mas, porque la contradicción en el arte es bella, no hay riesgo de desorden moral, alguna vez dije que no me gustaban los discos tributados, hasta que llegó el día de ponerme a escuchar este disco,homenaje contemporáneo de altísimos artistas de hoy, que abordan canciones de nuestro extenso repertorio de todos los tiempos.
Versiones de nuestras canciones hechas por otros son caricias que se reciben con emoción, sorpresa, alegría.
Massacre! que lujo!, qué tema elegido! que versión! con ellos mantenemos una profunda intimidad desde los inicios, por ende, era de esperar que eligieran un tema bien de la primera hora.
Calamaro, no nos sorprende que eligiera dicha canción... el estuvo ahí cuando grabamos la original, para mi Calamaro es nuestro Elvis Costello.
Cuentos Borgeanos! La New Wave pop power no ha muerto! que versión de calacas y diablillos!
Kapanga, y su rock pop punk versión de "Número 2 en tu lista", la versatilidad multi-estilísitica de Kapanga al talentoso servicio de esta canción de nuestros inicios.
"Vos sabés" Cafre versión! , como llevaron a su campo de acción la canción que escribí hace tantos años atrás es genial, han refrescado el tema, otorgándole una nueva ola de oxígeno y de jamaican groove
Arbol y su alegría tenían que caer en el humor desopilante de "Mi novia...", "La Vida", versionada en tiempo de cumbia rock colombiana por originales de la tierra del ritmo tropical, Los Pericos tocando para vos!, para nosotros!, el sentir rioplatense-rock en la versión de No te va a Gustar de "Basta..."
Los genios de la fusión electrónica-trip-folk -norteño mexicano de Nortec , plasmado en la increíble versión de "Manuel Santillan...", Gracias por el pop orgánico y profundo a Tipitos y su lectura vocal y noble de "Siguiendo la luna", Cultura Profética sabe de reggae boricua!, atacaron con el jamaican groove en "Silencio Hospital", recuerdo cuando abrían para nosotros los conciertos de los noventas en Puerto Rico, hoy son grandes.
Los Deca y sus cuates de España arremeten con " Demasiada presión" y no es casualidad, porque en la versión original, la percusión fue grabada por Martín La Mosca Lorenzo, un decadente virtuoso que nos ayudaba en aquellos tiempos en la percusión , porque no había rockeros que tocaran percusión, estaba mal visto, o sea, para nosotros ( LFC y Decas) entonces estaba bien
El Cartel de Santa! , poder de hip hop norteño cabrón! arremetieron con Matador!, Matamba de Bolivia le pone roots a Desapariciones, "Malbicho" por uno de los favoritos latinoamericanos de David Byrne, Los Amigos Invisibles, y su versión elegante, pop y latina del gran "Malbicho", "Padre Nuestro" en singular versión colombiana trip rock de Los Atercipelados, muchos escenarios por toda Latinoamérica con ellos hemos compartido, y lo seguiremos haciendo.
Una vez mas, gracias a los colegas por todas las interpretaciones, gracias al público !
GUSTAVO CERATI COMENZÓ SU GIRA
El cantante inició la gira presentación de 'Fuerza Natural' con dos conciertos en tierras mexicanas.
Acompañado por su banda -Richard Coleman, Gonzalo Córdoba, Leandro Fresco, Fernando Nale, Fernando Samalea y Anita Álvarez de Toledo- con una puesta de Martin Phillips, diseño de vestuario de Manu Morales, sonido de Adrián Taverna y video en vivo de Nicolás Bernaudo, se desarrollaron los dos pri
meros shows de la gira presentación de Fuerza Natural, su último disco de estudio.
Los medios dijeron:
Regios se rinden ante Cerati.
Para anotarse un ‘jonrón’ en Monterrey, a Gustavo Cerati no le hizo falta ni un bate, ni terceras bases y menos pelotas de beisbol. Bastó con su voz y talento inigualable para echarse al público a la bolsa e iniciar con el pie derecho su Tour 2009. (Milenio)
Cerati contagia su Fuerza Natural.
Gustavo Cerati fue bien recibido por los seis mil asistentes que se dieron cita en el Auditorio Telmex. (Informador)
Gustavo Cerati muestra su fortaleza.
La música de Gustavo Cerati es como una habitación compartida por dos épocas: Una que siempre está llegando; otra que nunca se ha marchado...acompañado de una banda de músicos virtuosos, no defraudó a quienes llegaron para quedarse dentro de su habitación que mantiene el confort de siempre y donde el anfitrión puede decir: ¡Gracias por venir! y ¡buen viaje!. (El Bravo)
Ofreció una noche con Fuerza Natural.
El músico argentino, figura indispensable en la historia del rock hispano y favorito en Guadalajara, se presentó anoche en el auditorio Telmex logrando emocionar a más de seis mil seguidores que no faltaron a la cita. (Milenio).
Mientras, Rapto el segundo corte de Fuerza Natural ya comenzó a sonar y en pocas semanas estaría culminada su versión en video.
Esta etapa 2009 de la gira, que continuará en 2010, se completa con los siguientes shows:
05/12 | Velódromo Municipal | Montevideo | Uruguay |
11/12 | Orfeo Superdomo | Córdoba | Argentina |
19/12 | Club Ciudad | Buenos Aires | Argentina |
LA VELA PUERCA PRESENTA SU PRIMER DVD
'Normalmente Anormal' es el título que eligió la banda para su flamante DVD 
Editado en forma independiente bajo su propio sello discográfico, “Mi Semilla”, y distribuido por DBN en Argentina y Bizarro en Uruguay, el DVD saldrá a la venta en los primeros días de diciembre y podrá conseguirse en todas las disquerías de ambos países.
Después de un gran trabajo de búsqueda y selección de material, La Vela logra en Normalmente Anormal un documental que recopila toda su historia desde el comienzo hasta la actualidad y que incluye, de entre otras, imágenes de giras, conciertos, ensayos, entrevistas y backstage.
El DVD contiene también 8 temas grabados en el Estadio de Ferro de Buenos Aires en Septiembre de 2007 y 8 temas en el Teatro de Verano de Montevideo en Agosto de 2008.
Este nuevo lanzamiento incluye además, a modo de extra, 5 temas inéditos (canciones que quedaron afuera de sus discos anteriores y canciones nuevas).
Cabe destacar que la música de este DVD no tiene sobre grabaciones de ningún tipo.
Los dos primeros cortes de difusión del esperado DVD son “Va Escampar” (versión en vivo) y “Respira” (tema inédito) y aquí podés disfrutarlos.
Por otra parte, La Vela Puerca se presentará el Sábado 19 de diciembre a las 21.00 hs. en el Estadio Malvinas Argentinas.
DANTE SPINETTA Y MIGUE GARCIA
Familia & tradición
Por: Nicolás Igarzábal, Especial para el Suplemento Sí!
Tanto desde la admiración como desde el cariño filial y ya consolidados con nombre propio, Migue y Dante rescatan para el Sí! la influencia de la obra de sus progenitores. Casi cuatro décadas de historia, reivindicada por quienes mejor los conocen.
Juega con las tapas de unos vinilos: una colección de discos que podría ser su propio álbum familiar. Hojea el de PorSuiGieco, donde están sus viejos (María Rosa Yorio y Charly García) posando bien hippies, el segundo de La Máquina de Hacer Pájaros (de 1977, su año de nacimiento) hasta llegar a un Yendo de la cama al living tan gastado que parece Apostrophe de Frank Zappa. Su departamento de la calle Coronel Díaz está oscuro y desolado. Hay un sillón, una mesa, una biblioteca (donde asoma un LP de James Taylor, uno de sus ídolos) y un piano. Su gata Blanca camina despreocupadamente por sobre las teclas. "Es sorda e histérica", avisa el dueño: "A veces escucha algunas disonancias. Si fuera más chiquita, formaría armonías más lindas, pero la distancia entre las patas hace que toque notas que se chocan".
Migue (sobre) vive dando clases de piano y canto. Este 2009 fue complicado: su tratamiento psiquiátrico ("estoy yendo a una fundación con médicos que trabajan en la sanidad mental, me ayudan un montón") y la rehabilitación de su padre lo mantuvieron lejos de los escenarios, con un segundo disco (Ciencia ficción) que no tuvo tanta difusión como su debut de 2005 (Quieto o disparo). "No fue un año apropiado para hacerme la vedette. Hay que saber cuando emitir la vedette y cuando omitirla", explica el músico: "La vida le dio una segunda oportunidad a mi viejo y estoy feliz de verlo bien".
-¿Cómo viviste el Vélez?
-Estuve hasta los bises, contra la valla, pude ver los últimos temas con toda la monada. Quedé de cama una semana, por la lluvia, ¡y eso que yo no me enfermo nunca! La profesionalidad y la excelencia de su show en Vélez no se podrían poner en palabras. Fue algo para la tapa del Time Magazine.
-Hace un tiempo, Pipo Cipolatti te había acusado de filtrarle a tu viejo "Kill Gil" en la Web.
-Eso es hermoso, haber sido acusado de una cosa tan terrible, falsamente, es una prueba de vida maravillosa. No quisiera involucrar a la persona que lo subió, la conozco, no soy ningún pelotudo. Hay gente que en momentos de desesperación económica puede hacer cualquier cosa, pero sé que los masters originales están bien guardados.
-¿Volviste a hablar con Pipo?
-Pipo es un divino. Por suerte quedan freaks como él todavía. Yo nunca me peleé con Pipo, inclusive lo admiro bastante, aunque sea un facho de mierda (risas). Si hay algo que me hincha las pelotas es la gente racista.
Es paradójico: cuando Migue editaba su disco debut, Charly se paseaba de escándalo en escándalo. Y ahora que enderezó el barco, apoyado por Palito Ortega, el que está desdibujado es su hijo. "Con Lucas (Martí) buscábamos un sonido súper hi-fi para Ciencia ficción, grabamos en tres estudios diferentes y tuvimos que rompernos el upite y endeudarnos bastante", cuenta: "Hace poco estaba viendo un documental sobre Simon and Garfunkel y decían que para Bridge Over Troubled Water usaron 800 horas de estudio. Entonces, ahí mismo, me puse a calcular con los precios de ahora, ¡son como 10 millones de dólares!". Después, anuncia como al pasar: "Quiero hacer una trilogía de discos, que toda mi obra sea un trípode. Intento mantener el concepto del rock nacional, porque se está diluyendo".
-¿En qué sentido?
-Anhelo las formas en que se hacían las cosas hace algunos años. La tecnología es muy buena, pero también hay una glorificación del amateur, algo peligrosa, y una sobreinformación, donde ver las flores entre la basura es cada vez más difícil. Soy un militante del rock nacional y voy a hacer todo lo posible para que no pase.
PELIGROSOS GORRIONES
La banda clave del rock platense en los ´90 se pliega a la ola de regresos. Después de diez años, inauguran el festival In-Edit. ¿Y después? Veremos.
Por: Pablo Rabotnikof, Especial para el Suplemento Sí!
Tomando vuelo. Título de epígrafe resultante de una conjunción entre el nombre del grupo y la actitud de la toma, según el manual establecido por una legión de periodistas que nos antecede. (Foto: Germán García Adrasti)
"Hagamos otra foto que salí con cara de vieja", le dice Francisco Bochatón a Guillermo Coda, mientras intentan por enésima vez eternizar su suspensión a metro y medio del suelo. Nadie creería que estos dos tipos que se divierten como si tuvieran 20 años hayan pasado una década sin tener ningún contacto entre ellos. Bochatón (voz, bajo, letras) y Coda (guitarra) son el 50% de Peligrosos Gorriones (la otra mitad: Rodrigo Rocky Velázquez en batería y Martín Cuervo Karakachoff en teclados) quienes después de diez años se reúnen.
Rewind, 1993. Cuatro chicos de La Plata editaban su primer disco con producción de Zeta Bosio y, con video de alta rotación en MTV incluido, superaría las 20 mil copias en tiempos pre MP3. Coronarían ese año siendo elegidos como Revelación en la encuesta anual del Sí!. De esa manera, los Peligrosos Gorriones quedarían englobados en la escena del Nuevo Rock Argentino, cartel que compartían con Babasónicos, Los Brujos, IKVy Massacre, entre otros. "Un buen título para ponerle a todos, pero cada banda tenía su estilo" dice Bochatón. ¿Se reúnen, entonces?
Bochatón: -Vamos a tocar después de diez años (el próximo jueves, en El Teatro de Colegiales). Esa es una realidad. A mí me emociona.
Rewind, 1999. Peligrosos Gorriones hace su último show en un shopping de Haedo, después de girar por todo el país, compartir escenarios con grandes bandas y dejar toda su obra plasmada en tres discos que contienen varias claves fundamentales para entender el rock argentino de los '90. "Fueron ocho años de tocar y de giras y de grabar discos. Y sin nadie que nos cuidara", dice Bochatón. En los ensayos ni se miraban a la cara. Ya estaban cansados. Stop.
La década siguiente, Bochatón sacó varios discos que lo afianzaron como cantautor indie y los otros músicos también armaron sus propios proyectos musicales. Mientras, el mito gorrión se acrecentaba: muchas nuevas bandas los citaban como influencia, se gestaba una gran movida musical en La Plata y ellos, aunque reconocen que tuvieron ofertas para juntarse, siguieron sin dar señales de vida. Hasta ahora.
Fast Forward. Marzo 2009. La cita fue en la casa del baterista, en una reunión con hijos incluidos para escuchar y editar viejas grabaciones de la banda. Dice Coda: "La excusa de las cintas nos vino bien para tener un punto de partida para juntarnos y vernos. Eso fue medio astral, cinco años atrás no se hubiese dado". El segundo paso sería unos meses después, cuando coincidieron en un show en La Plata: Bochatón con las bandas de Coda (Miles), Rocky (Pájaros) y el Cuervo (Bazaar). Allí los cuatro volverían a ser Peligrosos Gorriones por un rato. El encuentro se repetiría en Niceto el 29 de octubre pasado.
Lejos de los regresos premeditados, los Gorriones insisten en que el único objetivo es pasarla bien y durante la entrevista darán pistas varias de la espontaneidad de esta vuelta. ¿Ejemplo? Todavía no se juntaron a ensayar (no lo hacen ¡desde 1999!) y el manager intercambia teléfonos con Coda, como si recién se conocieran.
-¿Qué slogan elegirían para su vuelta?
Coda: -Uy, qué difícil... no sé. "que fluya". Pero queda muy místico.
Bochatón: -"Amor y odio". Se me escapó decir eso cuando se abrió el telón en Niceto.
-¿Se imaginan haciendo un disco nuevo?
Bochatón: -Yo tengo la intriga de cómo sería un disco nuevo. Y tal vez lo hagamos, tal vez no. No estoy histeriqueando, no lo sé.
-¿Qué creen que fue lo que caracterizó a Peligrosos Gorriones?
Bochatón: -Nosotros éramos una acuarela de lo que sentíamos. Para mí, ésa era la debilidad y la virtud de los Gorriones. Coda la pasaba mal y tocaba con cara de culo. Yo me sentía mal y escribía Manicomio gris. Y eso te expone. Pero no quiere decir que "mi casa es una aldea de desprotegidos". Hoy no lo es.
-¿Qué imágenes del pasado rescatan?
Bochatón: -Me acuerdo de un festival en el que tocó Love & Rockets. Después, ser soporte de Divididos en Buenos Aires Vivo ante 90 mil personas. También me acuerdo del show del cumpleaños de La Plata en el que tocaron Soda Stereo, Spinetta, Los Cadillacs... La segunda vez en Obras, en el Festival Nuevo Rock Argentino en el '95: yo no le llegaba a ver la cara a Coda, de tan grande que era el escenario.
-¿Qué sentís al volver a cantar canciones que compusiste a los veinte años?
Bochatón: -Man, son mías. Uno es compositor de una obra que no tiene tiempo. Para mí no envejecieron. (Hace un silencio). Mirá, están sonando los Redondos. ¿Envejeció La bestia pop?
PETER CAPUSOTTO
La innovación y la originalidad
Un adelanto de "Peter Capusotto, el libro", donde el genial bufo enseña a escribir una canción... como los Redondos.
En el rock, como en cualquier actividad humana, hay momentos de originalidad e innovación, y momentos en los que las viejas fórmulas se siguen repitiendo. El productor discográfico S. Biasutto hace un análisis de lo valorable que es innovar, pero también de las desventajas comerciales que a veces esto conlleva: "Es muy lindo, claro, pero probar algo nuevo siempre es riesgoso. No veo entonces por qué hacerlo, habiendo cosas por las cuales alguien ya se rompió el culo y que encima funcionan".
Lo original e innovador puede fallar. Repetir una fórmula que llegó al éxito, también, pero muchísimo menos. Por eso, a través de cursillos radiales, prospectos y manuales para los jóvenes que recién inician su carrera y quieren triunfar más rápido que el resto, S. Biasutto enseñó fórmulas y estilos comprobadamente eficaces. Aquí reproducimos algunas páginas de su libro Práctica y aprendizaje del estilo musical de grandes estrellas para que vos también puedas triunfar.
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Capítulo 22:
Cómo escribir letras del estilo de Los Redonditos de Ricota
Los Redondos han sido exitosos, tienen prestigio. ¿Podemos ser exitosos como ellos? Sí. ¿Podemos tener su prestigio? Es más difícil. Pero a nosotros nos interesa el éxito y no el prestigio. Porque el prestigio se logra con esfuerzo y mérito propio. Y el éxito se puede copiar.
Más allá de sonar parecido o raparnos la cabeza, debemos saber cómo hacer letras similares a las de ellos. Muchos dicen que no entienden los textos; en realidad, no son letras comunes, son sucesiones de metáforas e imágenes. Una metáfora o imagen del estilo de los Redondos podría ser así:
"Qué metejón, gato cyberceloso, / Ya tu risa es paraguaya".
Estas imágenes o metáforas hablan de alguien que se enamora de una chica, le revisa los mails, y después fuma algo que le traen de Paraguay o tiene una sonrisa parecida a la del ex arquero de Vélez, Chilavert. Constituyen un ejemplo de cómo escribir "estilo Redondos". La manera de hacerlo la elige quien escribe. Puede decidir de qué tema hablar y a partir de allí organizar sus metáforas o imágenes. O al revés.
O sea: escribir las metáforas o imágenes primero, y después ver de qué cosa pueden estar hablando.
Podemos hacer otro ejercicio. Escribimos lo siguiente:
¿Quién va a chupar bombilla de hiper mat? /
Lavada yerba del gran cerebro Taragüí /
Dale que chupa, dale que chupa /
Al gordo Carlos la bombilla ya se le tapó, oh, oh, oh...
¿Es esto una metáfora que nos puede hablar del sistema y su forma de absorber para su usufructo el producto de la inteligencia de los hombres? Puede ser.
Pero, en realidad, es una imagen que tuve una vez en una playa de San Clemente, cuando vi a un gordo en slip que chupaba una bombilla tapada hasta sufrir una embolia. Lo internaron y después se puso bien.
A través de esto es posible ver que una metáfora o una imagen tienen la ventaja extra de que pueden interpretarse en varios sentidos. Es decir: el que escucha la letra de esa canción hace su propia interpretación y la discute con sus amigos.
Puede ocurrir, sin embargo, que el autor de la letra explique en un reportaje qué quiso "decir con tal cosa" y se terminen las interpretaciones personales. Pero esto trae el peligro de la desilusión, al descubrir que eso que parecía decir no era tan lúcido ni trascendental. De ahí que no sea bueno explicar las letras. Si preguntan es porque les gusta. Y si les gustó, ya está.
ORGANIZAN OTRA MARCHA POR RUBÉN CARBALLO
El viernes 4 de diciembre a las 18 en Plaza de Mayo habrá una movilización para apoyar al joven que se encuentra en coma tras un recital de Viejas Locas.
El regreso. El show de Viejas Locas duró 3 horas y media. Pity se movió mucho y cantó poco.
Para reclamar justicia y repudiar actos de violencia y represión que los jóvenes sufren a diario, un grupo de jóvenes está organizando una nueva marcha para el viernes 4 de diciembre a las 18hs en Plaza de Mayo. La convocatoria dice así: "Los invitamos a estar presentes el viernes 4 de diciembre a las 18 hs en Plaza de Mayo para poder apoyar a Rubén Carballo murguero de los Matamufa y para reclamar contra todos los actos de violencia y represión que sufrimos los jóvenes a diario. Desde Walter Bulacio en 1991, hasta Rubén, 2896 chicos fueron ejecutados por la Policía Federal".
El destino de Rubén quedó escrito cuando acudió al recital que marcaría el regreso de Viejas Locas. El ingreso al show se desmadró cuando cientos de fanáticos sin entradas intentaron ingresar al estadio (y algunos lo lograron). La intención de los "sin entradas" dejó un tendal de vallas derribadas, piñas, balas de goma, corridas (de personas y caballos), botellas voladoras, heridos y 44 detenidos. El domingo
KAPANGA – ANDATE A DORMIR VOS
“Intentamos que fuera una película bien fumona”
Por Luis Paz – Suplemento NO
Eso dice el Mono de Kapanga sobre el film, y es evidente que les salió. “Laburamos desde la mente de un pibe de siete años, en la que todo puede pasar”, dice su co-director Pablo Parés. ¡Andate a dormir vos!
Los bañeros más recontra-re-locos del mundo. Superojerosos. Super High Me, Master. Cualquiera podría haber sido el nombre de Kapanga Todoterreno. Pero para que así fuera, la película de la banda más festivalera de todas debería haber sido una sátira. Está bien que Farsa Producciones está detrás y que, por consiguiente, los guiños a clásicos del cine clase B, a videojuegos e historias fantásticas estarán presentes. Pero el flamante relato visual que retrata a Kapanga en una secuencia de escenas sin ton, ni son, ni razón es una obra original en sí misma, un acercamiento al loco mundo del sexteto conurbano a partir de una anti-lógica: “Laburamos la película desde la mente de un pibe de siete años, en la que todo puede pasar”, le explica al NO Pablo Parés, co-director del film junto a Paulo Soria y Hernán Sáez, todos de Farsa.
“Tenemos 28 clips en nuestra carrera, pero los clips son canciones, no hay diálogos. Además, los tiempos del cine son muy distintos”, empieza a recordar el Mono. Y aunque parezca que se queja de lleno, en verdad ni siquiera es un reclamo: “Igual nos cagamos de risa y la llevamos bien, nos divertimos mucho”. Hacer una película era “el sueño” de Kapanga: si ellos son “los Beatles de mierda”, como se bautizan en un momento de esta concisa road movie de 74 minutos, merecían su Help! de mierda. “Ponemos la cara en ser la primera banda que hace una película así, porque si la hacía otra iban a bardear, pero a nosotros nos lo permiten. Creo que los únicos que podrían haber hecho algo así son Los Decadentes”, piensa el Mono, que hace casi dos décadas no toma alcohol y hace no tanto tiempo se limpió del resto de lo que no le hacía bien.
Pero los yogures cannábicos quedaron y eso se nota: “Intentamos que fuera una película bien fumona, sin serlo expresamente. No queríamos que quede como apología, ni caer en un re cliché sobre el faso, pero bueno, Kapanga es Kapanga”, admite Parés, que comenzó la relación con ellos en 2005, para los videoclips de Postal y Rock, de Kapangstock. “En ese momento pegamos onda y nos contaron que querían hacer una peli, pero siempre quedó en el delirio, porque hasta la peli más chiquita lleva un esfuerzo muy grande siempre”, destaca Parés, que celebra por estos días que la productora que comparte con Soria, Sáez, Berta y Walter Comás, entre otros, haya estrenado tres largometrajes independientes: 100% Lucha. El ataque de los clones, Kapanga Todoterreno y Nunca más asistas a este tipo de fiestas, de próximo estreno.
Pero el delirio se convirtió en proyecto cuando el Mono, Maikel, Balde, Mariano, Maffia, Memo y su manager Bucky (que hace de sí mismo en el film) convencieron a Pop Art de que era preferible invertir el dinero disponible para los cuatro videoclips promocionales de Todoterreno, su reciente disco, en un film homónimo que los incluyera. La costumbre de Farsa por trabajar con bajo presupuesto llevó a que, con “poquísima plata”, pudieran sumarle una historia de casi una hora donde participan Alejandro Nagy, Sr. Flavio, Pablo Echarri, Pablo Lescano, Gillespi, Viloni y Flavio Pedemonti.
Todo entra en el Universo Kapanga. Y Parés, que prácticamente convivió con ellos durante los dos meses que llevó filmar la película, puede dar fe: “Son geniales, se la pasan de joda y cagándose de risa. Cada uno tiene su vida, porque ya son muchachos con familia, pero 
cuando están juntos es una fiesta, son como nenes de siete años a los que tenés que calmar para poder filmar”. El Mono la disfrutó más aún porque sabe que, teniendo los cuatro clips incluidos en Kapanga Todoterreno, “de acá a dos años” zafó del maquillaje y se puede dedicar a lo que mejor le sale, la música y el asado: “Soy un gran asador. Te aseguro que todos los que hago merecen arriba de 8 puntos. Aparte, son asados con todo, aunque seamos mi mujer, mi hijo y yo. Tengo una parrilla de 1,70 que no sabés la de chorizos, morcillas, mollejas, salchichas parrilleras, vacío, costillitas de cerdo, chinchulines, tira de asado y provoleta que carga”.
Todo bien, entonces, para filmar la escena del campeonato de asados. Pero el resto fue más complicado, asegura Parés: “Fue todo un tema trabajar con ellos, con Pablo Lescano y con Flavio, por ejemplo, que no están acostumbrados a actuar. Pero les encontramos la vuelta por el lado de la frescura, aunque hubiera que resignar en lo cinematográfico”. Lo más complicado, coinciden el músico y el cineasta, fue filmar con Ricardo Iorio (el Dios del Asado). Parece que el perro cristiano llegó al set, vio el escrito que Soria tenía pensado para él, armó un gargajo, lo escupió al piso, levantó la mirada y dijo: “¿Y si aparezco y no digo nada?”. Tras una larga negociación, la nueva oferta de Iorio fue poner una foto de Perón y que él hiciera la voz del General. Pero el interés era tal en tenerlo en cámara que finalmente la producción consiguió una foto de Perón luego de una odisea de una tarde en General Rodríguez. No porque hubiera sólo una, pero Iorio la quería “de un Perón no muy viejo y que no esté vestido de milico”, recuerda Parés.
Ah, pero, ¿de qué trata la película? Tardó en llegar la explicación, pero responde a la escasa linealidad del relato, lo que en absoluto es algo malo. A grandes rasgos: los Kapanga son “los mejores obreros del mundo”, pero están tan podridos del arquitecto para el que trabajan que deciden dejar la construcción y anotarse en un concurso de bandas beat (ver “Cine de cantautor”). De bromear, de eso se trata. De jorobar, como los Beatles en los films de Richard Lester. Como Cheech & Chong en sus películas ultralimadas, pero con homenajes laterales a El exorcista, Laberinto y las de James Bond. Si hasta un dragón-colectivo se trenza con Conan a la mitad del relato. Elementos como para hacer de Kapanga Todoterreno precisamente lo que buscó ser: una película ATP. “A Farsa nos suma público rockero por fuera del mundo más clase B y a Kapanga les suma público de cine no rockero, así que es una muy buena movida para todos y estamos muy contentos”, dice Parés.
La recepción del público fue fenomenal. En Mar del Plata, durante el Festival de Cine, la presentaron a bordo de un trencito de la alegría. En La Trastienda, el inicio de comedia musical con El albañil de fondo arrancó pogo y el final interestelar con El Mono relojero fue un delirio. “Ese tema no es parte de Todoterreno, pero quisimos meterlo porque es el tema más representativo de la banda y de la potencia que tiene en vivo”, explica Parés. Pero para el Mono también hubo otro motivo: “Casi 14 años después de que compusimos el tema, sigue teniendo vigencia con las disposiciones nuevas de Scioli en provincia y de Macri en Capital. En muchos sentidos es nuestro Cambalache.”
EDELMIRO MOLINARI
Y EL REGRESO DE ALMENDRA, ESTA NOCHE EN VELEZ
“Nunca perdimos contacto, somos hermanos”
Por Alvaro Ithurbide para pagina 12
El retorno del cuarteto será uno de los muchos puntos emotivos de la noche de las Bandas Eternas. El guitarrista desliza algún dato sobre los planes 2010, analiza pasado y presente y no deja de recordar el modo en que las discográficas se aprovecharon de la banda.
La cavernosa voz de Edelmiro Molinari retumba en el teléfono como si estuviera amplificada. Esa voz grave, que parece abrazar los sonidos, parece alejarse de cualquier atisbo de ansiedad desmedido que le produciría, a cualquier terrestre, la proximidad del show que Luis Alberto Spinetta dará hoy en el estadio de Vélez Sarsfield para festejar sus 40 años en la música, y que lo reunirá en un escenario con sus compañeros de Invisible, Pescado Rabioso, Spinetta Jade, los Socios del Desierto y, claro, Almendra. Pero Molinari no es de este mundo. O, al menos, no de Buenos Aires. Radicado en San Luis, el legendario guitarrista parece haber absorbido la tranquilidad puntana, en donde pasa sus días, hasta que empieza a hablar. Y es fácil imaginar la sonrisa y los ojos brillosos, impacientes por reencontrarse con sus compañeros de ruta en el escenario.
–¿Cómo se gestó este show?
–Bandas Eternas es una idea de Luis Alberto, que quiere festejar en vida su trayectoria como músico... y me parece alucinante que lo haga porque es uno de los más grandes autores y compositores que tenemos en nuestro país. ¿Cómo no íbamos a estar presentes en el festejo de uno de nosotros? Realmente es muy linda la ocasión, muy hermoso escuchar la trayectoria de Luis: ser partícipe de todo esto es simplemente un momento de alegría y festejo.
–¿Hacía mucho que no hablaba con Spinetta?
–Nosotros nunca perdimos contacto. Nosotros somos hermanos, no de sangre, sino de espíritu. Con Spinetta somos amigos desde los 14 o 15 años. Todos nosotros, Luis Alberto, Emilio Del Guercio, Rodolfo García y yo.
–¿Siente al show como un reencuentro de Almendra o como un recital de Spinetta con invitados?
–No, no. Almendra se aleja de todo ese tipo de conceptos. En realidad nosotros tenemos un proyecto para tocar el año que viene y tiene que ver con la humanidad y con el mundo. Este show es una cosa que se le ocurrió a Luis y ya le digo, somos hermanos, por lo tanto no puedo faltar.
–Entonces, ¿el año que viene va a haber un reencuentro más formal de Almendra?
–Sí, pero yo no lo llamo reencuentro de nada. Si yo me tengo que remontar 40 años atrás, cuando la gente decía que nos habíamos separado, tengo que contestar lo mismo que contestábamos en ese momento: nunca nos separamos. Nos multiplicamos. Almendra fue un cuadro que pintamos entre cuatro personas que comparten una obra de arte con mucho amor. Y a partir de eso, cada uno de nosotros siguió con distintas experiencias, por eso nos multiplicamos: de Almendra nació Aquelarre, conjunto que hicieron Rodolfo y Emilio, con Héctor Starc y Hugo González Neira. Y nació Color Humano, el grupo en el que yo tocaba con Rinaldo Raffaneli, David Lebon y después, cuando se fue, con Oscar Moro. Pero Almendra nunca se separó.
–Volvieron a tocar juntos en los ensayos. ¿Cómo se encontraron?
–Seguimos afinados. Y es muy lindo poder compartirlo porque cuando uno llega afinado, en la misma frecuencia, con personas que conocés desde que tenés 14 o 15 años, y pasan 40, te encontrás con que siempre estamos y estuvimos en la misma cosa. Es por eso que el proyecto que tenemos para el año que viene es tan hermoso.
–Con respecto a Color Humano, alguna vez Rinaldo Raffaneli dijo que era una banda que hacía una música muy avanzada para la época.
–Yo no sé. A mí no me gusta tratar de definir con una palabra algo que es muy difícil de definir. Me halaga esa opinión de Rino, pero no sé realmente... (piensa). Otro amigo, un músico argentino muy conocido, me dijo que Color Humano fue el primer grupo de música alternativa, pero otra vez, no sé. Las cosas le pegan a la gente de manera diferente. No hace mucho, Roger Waters pidió unos discos del país, para ver cómo había empezado la cosa. Y escribió algo muy lindo sobre Color Humano, y particularmente sobre “Cosas Rústicas”, en la que decía que le recordaba al Pink Floyd anterior a Dark side of the moon. Es como decía antes, las cosas le pegan a la gente de manera diferente, pero lo más lindo es que creo que todo esto se sostuvo por la ingenuidad y la belleza que tiene el amor.
–Usted vivió 25 años en Estados Unidos. ¿Por qué se fue? ¿Qué cosas aprendió?
–¡Pero si le cuento eso va a tener como para escribir dos Biblias! (Risas.) Yo me fui a tocar básicamente con negros. Con músicos de color, afronorteamericanos. Porque todo el rock y toda la música tal cual la escuchamos hoy en día viene por la presencia de los negros africanos en Norteamérica. Si eso no hubiera pasado, la música actual sería muy distinta. Entonces me fui para eso, para buscar las bases. La experiencia fue tremenda, hermosa. Es algo que me marca y me seguirá marcando por el resto de mi vida.
–¿Cómo encontró el rock actual? ¿Hay alguna banda que le llame la atención?
–Hay muchas cosas hermosas, pero me parece que aquí, en términos generales, hubo mucha tecnificación, digitecnología (risas). Creo que se encriptó un poco la canción, que siempre es, fue y seguirá siendo la esencia de nuestra música. Una hermosa canción. Hoy en día encontrás tipos que tocan los instrumentos maravillosamente, porque cuentan con una tecnología muy superior a la que había 40 años atrás, pero se diluyó un poco ese concepto de las canciones, de los temas que realmente emocionan. Aquellos temas en los que, de repente, sale un solo de guitarra que te parte como si te hicieras un harakiri, pero todo dentro del concepto de una hermosa canción. Eso creo que es producto del mtvismo (más risas), que quiere interpretar la música a través de imágenes, que es muy difícil porque solamente una verdadera obra de arte lo puede hacer.
–Bueno, en los ’70 los videos eran imágenes de shows a los que se les agregaba la música...
–A eso me refería. Una cosa es filmar un show y otra cosa es hacer un video de una canción.
–Una diferencia con respecto a los ’70 es que antes estaba lleno de los denominados “héroes de la guitarra” y ahora no tanto.
–Pero no fue así. No era que éramos héroes de la guitarra o algo. Estábamos todos tocando dentro de un contexto musical que era el adecuado. Nadie intentaba ser ningún héroe ni astro de la guitarra, simplemente lo que uno quería era tocar y tocar bien. Ahora, como dije, hoy hay tipos que tocan la guitarra bárbaro, pero no tienen el contexto adecuado como para expresar esa habilidad, entonces se vuelve todo medio frío.
–¿Por qué sacó tan pocos álbumes solistas? Se siente más a gusto dentro de la estructura de una banda, con un nombre que represente el conjunto?
–A mí no me interesa figurar como solista. Cuando yo hice Color Humano fue porque ése es un nombre que me sirve a mí para transmitir todas mis experiencias con distintos músicos a través del tiempo, y no importa cuál sea el formato, sino que simplemente ésa es la música del Color Humano. Yo siempre consideré que la música es algo que uno tiende a compartir. Por eso me encantó el nombre Color Humano, y todavía lo sigo usando. También aparezco como Edelmiro Trío en el último disco que grabé, Expreso de Agua Santa, y eso, sin quererlo, es básicamente Color Humano. Es un nombre atemporal. De hecho tengo programado un Color Humano próximo para el año que viene, con una cantidad de material impresionante, que será, creo, una sorpresa agradable para todos.
–Expreso de Agua Santa, editado en 2006, salió de forma independiente...
–El emprendimiento de Agua Santa es absolutamente independiente porque es época de cambiar, de que haya cambios. Las discográficas no andan, nunca anduvieron. Todas las empresas siempre nos robaron descaradamente y, por supuesto, cuando nos roban, por tantos, tantos años, lanzar el disco de forma independiente es como decir bueno, basta. Nosotros con Almendra es probable que hayamos vendido dos o tres millones de discos a través de todo este tiempo; ahora, ¿alguien vio que en algún momento nos llamaran y nos dieran un premio? No. ¿Y sabe por qué no? Porque si nos dan un premio reconocen que vendimos, y lo que nos pagaron es una miseria (risas), entonces ahí queda.
–Imposible no sentirse estafado.
–Bueno, pero todo esto lo contrarresta el amor de la gente, volviendo la música atemporal, porque ha transcurrido mucho tiempo y todavía sigue siendo vigente. Y eso es algo que ninguna compañía comercial va a poder borrar. En todo caso, se van a tener que hacer cargo en algún momento.
MACHI RUFINO
UNO DE LOS PILARES DE INVISIBLE
El trío que detuvo el tiempo
Por Eduardo Fabregat para Pagina 12
El bajista dice tener “una adrenalina buena” antes que ansiedad por el show que lo reunirá con Pomo y Spinetta. Y deja traslucir su sorpresa porque “es como si hubiéramos dejado de tocar la semana pasada, como si el tiempo no hubiera pasado”.
Es uno de esos bajistas-músicos que hacen la diferencia, que no se concentran sólo en el virtuosismo sino que saben dibujar en su instrumento paisajes que agregan espesor, drama, belleza. Machi Rufino es uno de los tres pilares en los que se apoya Invisible, el trío que completan Pomo y Spinetta, que dejó tres discos imborrables –Invisible, Durazno sangrando, El jardín de los presentes, ya con Tommy Gubitsch en guitarra–, hizo historia grande en el rock argentino y esta noche protagonizará uno de los segmentos de Spinetta y las Bandas Eternas. Aquel “Amor de primavera” en el Café Molière no hizo más que recalentar la expectativa que, al fin, será saciada en Liniers.
–La ansiedad en la gente es palpable. ¿Cómo la maneja usted, en estos últimos cien metros?
–En realidad me siento tranquilo, no sé si quizás por aquello que se suele llamar oficio..., mucha gente me dice “¿querés un té de tilo?” (risas), pero yo lo vivo con serenidad. Sí siento que estoy realmente motivado, que tengo una adrenalina buena. Por otro lado, y eso sí entra en lo imprevisible, pienso que hacía 36 años que no nos juntábamos a tocar, y ya pasamos los ensayos y nos sentimos listos, y tengo una sensación como si hubiéramos dejado de tocar la semana pasada. Eso es raro, como que no existió el gap en el tiempo. Lo miro a Luis, a Pomo, nos miramos y es algo impresionante, me siento espectador de algo que no podía prever.
–Para ustedes esto no es sólo algo que sucederá hoy en Vélez: es algo que viene sucediendo, que vienen experimentando, están viviendo día a día hace ya un tiempo.
–Los primeros días había algún nervio, pero enseguida dio lugar a todo lo que viene atrás. Nosotros tuvimos una relación muy especial, muy intensa, de mucho tiempo juntos, todo un invierno en General Rodríguez tocando, cocinando y durmiendo con las camas una al lado de la otra: algo que podés hacer solo en la juventud, sin mayores obligaciones, que solo vivimos entre nosotros y que generó un vínculo humano muy fuerte que se nota en lo que hacemos. En 2003 toqué como invitado de Divididos y después de los ensayos me ametrallaban a preguntas sobre Invisible. Y hoy se me ocurre que la respuesta a lo que nos diferenciaba de otras formaciones es eso que teníamos en el balero, esa conexión. Somos compadres, Pomo fue el primero en casarse y Luis y yo fuimos los testigos, y después me casé yo y Luis y Pomo fueron los testigos, y después se casó Luis y Pomo y yo fuimos los testigos...
–¿Qué cosas cree que va a encontrar el público joven que nunca vio a ese trío mítico?
–A mí me hace feliz que mi hijo, que nació dos años después de la separación de Invisible, pueda vernos tocar. Eso es algo que... si mañana me llaman de arriba me voy con una sonrisa. Hay algo que le escuché decir a Sting sobre The Police, y es que las reuniones son un arma de doble filo: si llegás a tocar peor que antes... pero desde el punto de vista musical y sin querer sonar pedante, por una cuestión de madurez sé que eso no va a pasar. Leí algunas cosas muy duras en Internet, de gente que hizo hincapié en el paso del tiempo, como si uno a cierta edad debiera retirarse. Hay cosas que me desalientan mucho del rock argentino actual, creo que hay mucho bocho quemado, gente que se ha quedado en la chatura y no se da cuenta de que el tiempo le llega a todos y lo que uno hace no tiene que ver con la edad. Pero en la mayoría de los comentarios que me llegan hay mucha expectativa, mucho cariño, y siento que vamos a cumplir con eso. Hay muchos que me dicen “voy a ir con mi papá”, o “voy a llevar a mi hija”, como que se forma un puente generacional...
–Mucha gente saldando cuentas.
–Yo no escucho mucho a Invisible –salvo todo lo que tuve que escuchar para recordar los temas, porque algunos son un moño de verdad–, pero no puedo dejar de sentir un legítimo orgullo. No sólo por haber formado parte de eso, sino también por haber tocado ocho años con Luis, en otros proyectos... los sentimientos no pueden estar al margen, yo a Luis lo quiero, lo admiro, nunca dejé de seguir su obra. Yo digo “Luis es un genio” y no es una alabanza fácil o una etiqueta, yo estudié mucha música y el tipo es un genio de verdad, fuera de lo común, y por eso salen las cosas que salen y tienen la magia que tienen. Y más allá de lo musical, tiene conducta, algo importantísimo en épocas de relajo moral: a los pibes que me hablan de su estatura musical yo les contesto que no es sólo eso, que el Luis-persona es tan grande como el artista.
–Frente a este panorama, hay un pronóstico clavado para esta noche: alto porcentaje de gente grande lagrimeando.
–Probablemente. Pero ojo, que hay que ver cómo la llevamos nosotros...
EL ORGULLO DE PESCADO RABIOSO
Por Bocón Frascino, para Pagina 12
Recibí la propuesta de integrar Pescado Rabioso para ocupar el lugar de bajista: Luis ya había arreglado con Black y éste le propuso probarme. Black y yo veníamos de tocar con Pappo y estaba convencido de que era el tipo de bajista que Spinetta buscaba. Un día me vinieron a buscar los dos. Black ya me había hablado de esta posibilidad y me tenía convencido, porque en realidad yo me dedicaba a componer y tocar primera guitarra. Ocupar el lugar de bajista no significaba sólo desempeñarme como un profesional (con todo el respeto). Sacar las partes, interpretarlas... integrar Pescado era también seguir provocando el cambio rockero, catalizar lo nuevo, experimentar, estar en comunicación con el público y formar parte de uno de los grupos más importantes de la época.
Yo ya venía con todo un trayecto previo que se había iniciado con “Twist and Shout”, de Los Beatles. Empecé a los 13 años y antes que nosotros, “los fundacionales”, no había rockeros en Buenos Aires. Con Black ya habíamos tocado muchas veces y nos llevábamos muy bien. Luis Alberto venía de dejar Almendra, volvía de Francia y buscaba una formación que fuese... grossa. Jorge Pistocchi alquiló una casaquinta en Ituzaingó, donde fuimos a vivir Luis, Black y yo. Allí ensayábamos, comíamos, dormíamos, hablábamos... de allí salieron temas como “Dulce 3 nocturno” y “Me gusta ese tajo”, compuestos por los tres. Luis dirigía, tenía muy buenos temas; yo coescribí “Dulce 3 nocturno”, “Me gusta ese tajo”, “Algo flota en la laguna” y “Mi espíritu se fue”. Mi rol no sólo fue tocar el bajo, porque todo lo que sucedió en un principio siguió modificándose hasta la grabación de Desatormentándonos, grabado en cuatro canales, sistema analógico, con partes improvisadas en el estudio. Grabé las primeras guitarras en “Dulce 3 nocturno” y la base de bajo, guitarra y solo en “Me gusta ese tajo”. Luego se integró Carlos Cutaia y grabamos “La serpiente (viaja por la sal)”, las teclas de “Me gusta ese tajo”. Yo busqué un puente armónico entre la base y el vuelo de Spinetta: sin dejar de marcar la base, apoyando la tendencia a los riffs que empezábamos a utilizar y armonizando con la guitarra. Pero... yo sentía que me alejaba de la composición y de la viola, que es mi pasión. Empecé a sentirme mal y tuve que optar: seguir con Pescado Rabioso y trascender o sacrificarme por mi vocación. No dudé un instante: hablé con Luis y me entendió.
Cuando me enteré de que se estaba preparando el show en Vélez, llamé a Luis a su estudio, y me dijo: “Me ganaste de mano porque te estaba por llamar”. Creo que Luis Alberto Spinetta merece este homenaje y los premios que ha recibido a lo largo de su trayectoria. El está entre lo más prestigiosos de rock local y los músicos que ocupan esos lugares merecen mi respeto. Le estaré eternamente agradecido por su invitación.
Pasaron 37 años de la separación de Pescado Rabioso, y me emociona tocar en Vélez para el público que nos vio en esa época. Tocar para gente que te dice, por ejemplo: “Permitime que te salude, yo dormía a mi hijo cantándole ‘Dulce 3 nocturno’”. Es muy importante para mí este reconocimiento por parte de Luis, me consuela y reconforta.
Soy rockero y vivo para el rock & roll. Después de Vélez seguiré con Engranaje. Y para los jóvenes de ahora, “Nueva sangre para el viejo monstruo”. Volver a ver a Luis, a Black, a Carlos Cutaia, a David, después de tanto tiempo, los ensayos, los grandes músicos que tocarán antes y después... es simplemente conmovedor.
LEON GIECO
pidió no criminalizar a "los pibes"
El cantautor argentino no negó la inseguridad, pero se mostró contrario a los proyectos que pretenden bajar la edad de imputabilidad. Por el contrario, propuso educar y "darles trabajo" a los jóvenes. "Un pibe drogado, no piensa si lo van a meter en cana o no porque tenga 13, 14 ó 15 años", sostuvo.
León Gieco pidió no "criminalizar a los pibes".
El cantautor argentino León Gieco, que brindó en Mar del Plata un recital a beneficio, afirmó que en materia de seguridad "criminalizar a los pibes es empezar la casa por el techo" y, en cambio, propuso "educarlos y darles trabajo".
Gieco, que brindó un show ante unas 800 personas en un local marplatense donde se presentó además de un álbum doble en su homenaje, realizado también con fines benéficos, dijo que "un pibe con un arma, drogado, no piensa si lo van a meter en cana o no porque tenga 13, 14 ó 15 años".
"Aparte, si su vida (para la sociedad) no vale nada, ¿la tuya por qué va a valerlo?", se preguntó en rueda de prensa. Antes que "criminalizar a los pibes hay que darles educación y trabajo", afirmó.
El creador también negó que la realidad de la juventud argentina sea la que exhiben "algunos medios, que muestran un boliche donde todos los chicos están drogados, todos borrachos y se pelean. Lo que pasa es que la sangre vende".
Dijo que esos medios de comunicación "no muestran a la juventud que estudia, a los pibes que juntan ropa para llevarla a Catamarca o a San Juan".
"En Buenos Aires -explicó- hay 15.000.000 de personas que se levantan para ir a trabajar y millones de pibes que van a estudiar. No voy a negar que hay inseguridad, pero también hay que tener en cuenta eso otro", concluyó.
TODOS ESTOS AÑOS DE GENTE
Por Cicco Para Revista C
Ver para creer: cuando Luis Alberto Spinetta presentó a la prensa a los músicos que lo acompañaron a lo largo de su carrera, y que serán de la partida de su cumpleaños 60 –los cumple en enero- y sus 40 abriles con la música en Vélez (el próximo viernes 4), a medida que los iba convocando al escenario, uno podía sentir que todos esos artistas que lucían juveniles, prósperos y floridos en las portadas de sus discos, acababan de ser remplazados por abuelos hippies, indios cherokees y delegados del sindicato de camioneros de Pablo Moyano.
Ahí estaba el Bocón Frascino, bajista salvaje de Pescado Rabioso, una banda que, según Spinetta, “no alcanzaban ni las palabras ni la música para mandar al frente todo lo que estaba sintiendo”. Hoy, a más de tres décadas de aquellas sesiones, el Bocón ha devenido en un ser pequeño, de sonrisa maléfica y andar arrastrado, como el Golum, pero sin su anillo.
O el legendario Pomo, el baterista de Invisible, el hombre que convirtió el zigzagueante mundo spinetteano en un ritmo hechizante e imposible de bailar sin pisarse los cordones de los zapatos.
En las fotos de los tres discos de la banda, Pomo lucía como un poeta maldito francés de bigotes, melena y pañuelo al cuello. A treinta y tres años de su separación –aún cuando martilló las baterías de Spinetta durante diez años-, Pomo perdió el pelo, el bigote y el pañuelo. Si no supieras que Pomo es Pomo, tal vez lo confundirías con un inspector de la DGI que te viene a cerrar el boliche.
A 36 años de la disolución de Pescado Rabioso, esa banda distorsionada, borboteante, con tres discos en la calle en permanente estado de hervor de sartén, David Lebón perdió el bigote, el porte y cierto desafío en la mirada. Hoy, más que el bajista de una de las bandas más explosivas del rock local, parece un vendedor de pipas y espejitos de colores con stand propio en el Parque Lezama. A Rodolfo García, a casi 40 años de la primera disolución de Almendra, el grupo que inauguró una forma insustituible de hacer rock en español y dejó una ópera inconclusa, el pelo por los hombros negro azabache de aquellos tiempos, se le cubrió a García de viento y de nieve. Más que batero, hoy en día, Rodolfo tiene pinta de viejo cacique en una marcha de protesta mapuche.
A Black Amaya, en cambio, baterista de Pescado Rabioso, el rock y los años le volaron el bigotito, pero buena parte de la fibra muscular sigue en pie, y al día de hoy, morocho y con anteojos vintage, parece una extraña versión rockera y distorsionada del cantautor Víctor Heredia.
En verdad, el tiempo no perdona a nadie, y no importa lo que parezca toda esta gente que puso su firma en las primeras tres bandas de Spinetta.
El rock podrá acelerar los relojes, llenar la cara de surcos, convertir —por fuera— a un joven con el porte de un león en un cajero del Banco Provincia.
Pero por dentro la sangre bombea un torrente vital como el primer día. Una casa antigua y descascarada cuyos cimientos se conservan firmes e inalterables. Podrá pasar el tiempo, caerse el revoque, pero la cañería tiene vida para rato.
Poco antes del show aniversario Spinetta, Amaya, Lebón, Pomo y Rodolfo García, pilares de tres de las bandas más emblemáticas de la música vernácula y socios de Spinetta en su punto caramelo, se reunieron para contar por qué se formaron, por qué se separaron, qué corno significa la poesía de Luis Alberto y, en líneas generales, qué ha hecho el viento huracanado del rock con sus vidas.
—Si baja en este mismo momento un platillo volador, ¿cómo le explicarían al alienígena qué clase de música hacían junto a Spinetta?
—Rodolfo García: En esa época, ni podíamos explicarnos a nosotros mismos esa pregunta. Por un lado, estábamos influenciados, con Almendra, por bandas del exterior, y por otro escuchábamos tango y todo lo que sucedía acá. Era una mezcla única.
—Black Amaya: Pescado Rabioso es la clase de música que no entienden las nuevas generaciones de rockeros. Pero sabés una cosa: sí las podría entender un alien, desde luego.
—David Lebón: Yo, por las dudas, no le presto mi celular al extraterrestre. Mirá si se le ocurre llamar a su casa. Te sale un fangote. Después, habría que ver qué escucha el extraterreno para ver si puede entender lo que hacíamos.
—Pomo: Yo le diría que, primero, escuche cada disco de Invisible dos veces. A la segunda pasada, yo te aseguro que el ET se va a dar cuenta de que Luis era uno de ellos.
—¿Qué era lo mejor y lo peor de tocar con Spinetta?
“Había un tipo en Saavedra que era un intuitivo y enseñaba guitarra a los pibes del barrio. Luís fue dos clases nomás. Con eso tenía suficiente. Lo demás, fue todo creación suya.”
—García: Lo mejor era convivir con un tipo que no solo era compositor, además era un creativo las 24 horas del día. Luis tiene una percepción muy especial de las cosas cotidianas. Malo no hay nada, que yo recuerde.
—Lebón: Luis me enseñó a mostrar los dientes y a no ser humillado. Cuando él componía quince temas por día, yo me iba a comprar ropa para sentirme más lindo que él. Estaba en la pavada. Cuando le llevé mi primer tema, “Mañana o pasado”, él me dijo: “Es emocionante, lo voy a poner tal cual lo trajiste.” Y para mí, viniendo de él fue un honor. Pero era bravo estar con Luis. Vivíamos juntos y conmigo nunca tuvo problemas. Nos entendíamos sin necesidad de palabras. En tiempos de Pescado, él tenía mucho dolor. Luis anticipó lo que se venía. Sabía que había guerrilleros. Y se venía algo muy oscuro. Lo intuía. Era muy bravo a la hora de decirte la verdad. Luis no se tiraba de un séptimo piso.
Pero llevaba ese enojo a su música. Por si fuera poco, fue el primer amigo que estuvo conmigo cuando mi hija de dos años tuvo un accidente y se prendió fuego. Habíamos estado distanciados, pero recuerdo que Luis llegó, me dio un abrazo y lloramos juntos. Desde entonces, es como un hermano para mí.
—Amaya: Lo bueno de Luis es que, para mí, fue mi maestro. Lo malo, claro, es cuando venía con un tema que me tenía que dar la cabeza contra las paredes para sacar los arreglos con la batería. ¡No los agarraba! Pero, en fin, Luis me ayudaba a mejorar.
—Pomo: No podés separar lo bueno de lo malo en Spinetta. Por lo general, cuando hay algo muy bueno, también hay una gran complejidad, y uno como músico tiene que estar a la altura de ese desafío.
—García: Es verdad lo que dice Pomo. Cuanto más exigía Luis, la banda más se superaba.
—Pomo: Para el primer disco de Invisible, nos fuimos a una quinta en General Rodríguez. Me acuerdo de que lo único que hacíamos era tocar, comer y dormir. Ah, yo hacía el fuego para los asados porque había un horno de barro hermoso. No sé cuántos cajones quemé en esos ensayos. Me acuerdo de que una vez abrí el horno y paf: me salió una llamarada. ¡Me quemé hasta las cejas!
—¿De dónde creen que Spinetta sacaba todos esos acordes tan raros, que lo han hecho tan famoso entre los músicos de rock?
—Pomo: Y... los sacaba de sus amigos ET. Jo, jo, jo.
—García: Yo conozco la historia de cómo empezó Luis a tocar la guitarra. Había un tipo en Saavedra que acompañaba a su padre, que era cantor de tangos, en guitarra. Y tenía un hijo llamado Dionisio, que era un intuitivo y enseñaba guitarra a los pibes del barrio. Les mostraba los temas que ellos querían tocar. Luis fue dos clases nomás. Aprendió lo básico y con eso tenía suficiente. Lo demás, fue todo creación suya. Yo creo que todos los acordes los dedujo él.
—Lebón: Luis era un creador. No copiaba a nadie. No sé de dónde sacaba esas melodías. Yo soy un desastre sacando acordes. Pero ahora que vuelvo con Pescado voy a tocar la guitarra.
Antes me había puesto como bajista y me di cuenta de que no eran tan difíciles los acordes como cree la gente. Y eso no es para restarle méritos. Son igualmente hermosos.
—Amaya: Cuando tocaba en Pescado, yo estaba muy compenetrado tratando de sacar los ritmos en la batería para preguntármelo. Pero siempre imaginé que Luis sacaba esos acordes tan raros del piano. Nunca supe si tenía o no razón.
—Pomo: A veces, Luis levantaba un dedo y modificaba todo el sonido del acorde. Después del hijo del carnicero, él tuvo dos grandes maestros: David Lebón y Pappo.
—García: Con Almendra, por ejemplo, nunca usábamos partituras.
—Pomo: Nosotros tampoco. ¡Qué vamos a usar partituras! La partitura mata la genialidad, querido. El lenguaje perfecto de la música viene de arriba, como un don natural. La música en el papel se muere.
—¿Por qué se separaron de sus bandas y por qué vuelven ahora?
—Amaya: Nos separamos con Pescado porque David ya se iba a casar y quería hacer su música. Carlos Cutaia, el tecladista, pensaba grabar un disco solista. En verdad, yo fui el último en irme de Pescado. Me acuerdo de que nos separamos en el teatro Planeta. David anunció en el camarín: “Luis, yo me voy”. Y después siguió Carlos. Luis me miró a mí y me preguntó: “¿Y vos también te vas Negro?” Y yo le dije: “Sí”.
No sabés cómo me miró. Me dijo: “Con vos, loco, no toco nunca más”. En verdad, yo no me quería ir para siempre. Quería tomarme dos meses nada más. Después me di cuenta de que lo que más deseaba era volver a estar con Luis.
—Pomo: Pasaron tantos años y ¿todavía no te das cuenta, Black? A vos te rajó, negro, porque estábamos armando Invisible. Así de clarito.
—Amaya: Claro, esa banda rara de ustedes. No, con Pescado me acuerdo de que como veníamos de tocar con Pappo junto a David, le decíamos: “Che, ¿por qué no tocamos algo más blusero o un rock?” Yo ensayé para el disco Artaud. Por un tema contractual apareció como de Pescado Rabioso, pero ninguno de la banda tocó ahí. Fue algo aparte de Luis. Pero siempre tuve ganas de volver a tocar con él. Y este show es la gran oportunidad.
—Lebón: No tengo recuerdos de por qué nos separamos. Éramos pocos en ese entonces y el mundo era muy grande. Todos tocábamos con todos. Todos queríamos seguir creciendo. Ahora, no sabés las ganas que tengo de volver a tocar con Luis. Era mi sueño. Para mí, Pescado fue la mejor banda que toqué en mi vida. En serio. Más que Serú. Era otra época, donde las drogas se tomaban para sentarse y
hablar de Dios, no para volarse la cabeza.
—García: No hay una sola razón de por qué se disolvió Almendra. Es como un matrimonio, viste. Yo creo que lo que nos terminó separando fue el hecho que éramos muy pendejos. Nos jodió la inexperiencia. Cuando uno es más joven, si surge un problema, en lugar de encontrar la solución manda todo al diablo. Nosotros ya volvimos antes con Almendra y grabamos un disco y un álbum en vivo.
—Pomo: Claro, porque ustedes eran unos pibes y tuvieron la oportunidad de disfrutarlo a Luis completito con un regreso.
—García: Pero fue un regreso acotado el nuestro. No dijimos: “Volvemos a ver qué pasa”. Sabíamos que tenía principio y fin.
—Pomo: Bueno, pero con Invisible no pasó eso. Nunca volvimos. Invisible jamás fue reciclado. Y el show de Vélez no es un regreso. Es un episodio único. Una excepción. Yo no vuelvo por Invisible, yo vuelvo porque le cuido las espaldas a Luis de por vida. Yo tengo mis propios proyectos. Ahora, ¿sabés que no sé por qué nos separamos en Invisible? No sé qué pasó. Una vez que dejamos de ser un trío para el disco El jardín de los presentes, empezaron las incomodidades. Pero, si te soy sincero, no sé qué incomodidad fue la que terminó de volar la banda por los aires. Ahora, retomando lo que te decía: nuestra banda perdura a través de nuestros registros. El grupo no vuelve. Es invisible.
—La última pregunta y nos gustaría que respondieran con total sinceridad. Al día de hoy, ¿hay letras de Spinetta que aún no entiendan un pito a qué se refieren?
—Amaya: Uf, un montón. Yo le preguntaba todo el tiempo. Y sino, tenía que ir a buscar el diccionario para entender las palabras.
—García: Mirá, una cosa son las letras de Ricardo Arjona, y otras las de Spinetta. Es otro el nivel de comprensión. Luis trabajaba el vocabulario de una manera única. Utilizaba las palabras por sus significados y también, muchas veces, porque le gustaba el sonido. Y eso hace a su poesía más hermética. Además, siempre hay más de una lectura de cada tema. Pero claro, hay muchas letras arduas.
—Pomo: Yo me acuerdo de una que decía: “Desnuda marabunta sin lugar para quedarse”.
Un día le pregunte qué quería decir. “Es una forma de describir la lluvia”, me dijo.
—Amaya: Había un tema que se llamaba “Serpiente viaja por la sal”, de Pescado, y la gente se pensaba que Luis se andaba inyectando sal. Cada uno se hacía su propia película.
—Lebón: A mí me pasó algo parecido. Estábamos en Pinamar y yo le pregunté a Luis qué había querido decir con el tema “La perla del agua”. Me dijo: “Vení conmigo”. Y me llevó junto a un pino. Acababa de llover. “Mirá”, me señaló, “mirá bien la gota de agua en la hoja. ¿No ves la perla?” Y, fuera de broma, yo ví esa perla. Luis decía la verdad.
El lugar al que todos llaman Cielo
Por Marcelo Fernández Bitar
En 1970, José Alberto Tanguito Iglesias grabó los legendarios bocetos de un álbum que nunca pudo completar, en un intento por dejar así una obra completa y acabada de uno de los primeros compositores del rock local. En esas cintas, que recién se editaron tras su trágica muerte, se lo escucha claramente charlando con el técnico y con Javier Martínez, de Manal, que hacía las veces de productor de esas sesiones. “¡No me hagas cantar eso, no tiene nada que ver!”, responde Tanguito con ironía cuando le piden que haga “La balsa”, que compuso con Litto Nebbia y jamás había grabado.
Así, casi desde su fundación misma, el rock argentino tiene una peculiar relación con las canciones de éxito. Nebbia mismo, durante lustros, se negó a tocar “La balsa”. Charly García resistió durante la época de La Máquina de Hacer Pájaros los pedidos del público para volver a formar Sui Generis o al menos evocar esos temas. Divididos, tras el furor de su disco La era de la boludez, dejó de cantar su hit “Qué ves”. Y el propio Luis Alberto Spinetta, poco después de editar el primer LP de Almendra, ya sacó “Muchacha (ojos de papel)” del repertorio de muchos shows.
El público no parece entender estas actitudes y el periodismo muestra su hilacha de fan poniéndose en general del lado de los espectadores, sin tomarse el trabajo de explicar o dilucidar la postura de los artistas. Y en realidad es claro como el agua: si un compositor prolífico y joven se entrega a los pedidos de la audiencia, teme seriamente quedar encasillado para siempre en ese territorio, atado a esas canciones. Razona que una bendición, como es un hit, podría convertirse en una cárcel y un encierro que imposibilitaría avanzar en nuevos caminos musicales. En vez de ser una celebración para público y artista, podría resultar un lastre para el músico.
Luis Alberto Spinetta, en su fascinante y continuo crecimiento compositivo, no solo fue dejando atrás a canciones fundamentales que él mismo quiere y ama, sino también a las formaciones que las forjaron. Paso a paso, de acuerdo a su evolución, madurez y los tropiezos mismos de la vida y las relaciones humanas, dio forma a Pescado Rabioso, Invisible y Spinetta Jade, hasta decidirse a seguir adelante como solista, retomando la etiqueta grupal solo con Los Socios del Desierto. En algún punto de sus carreras, tanto Nebbia como García y Mollo han vuelto a abrazar sus canciones más populares y reconocidas, tras haber establecido –eso sí- que era una excepción y no el inicio de una ‘etapa karaoke’ de sus carreras. Lo mismo ocurrió en muchos recitales del Flaco Spinetta: de pronto, con complicidad y generosidad, entonó temas famosos o muy oscuros, pero en ambos casos inusuales en su repertorio habitual. Ahora dará un paso aun más osado y excepcional: tocará junto a los músicos de las formaciones originales y cantará una selección de las canciones más queridas por el público. Algo así como el sueño del fan hecho realidad, en un acto whitmaniano (por aquello de “Me canto y me celebro”) que derrocha la mayor paz interior y tranquilidad de conciencia. De nada servía tener miedo a quedar preso del pasado, porque él mismo ya lo dijo: “Las almas repudian todo encierro”. Las canciones, aunque sean eternas, también.
