EL VUELO DE LA GRULLA YA TIENE LISTO SU ÁLBUM DEBUT
Durante el mes de julio verá la luz Metamorfosis, el primer disco de la nueva banda de Roger Cardero, ex baterista de Los Piojos.
Metamorfosis es el título del álbum debut de El Vuelo de la Grulla, el trío conformado por el ex Piojos Roger Cardero en batería, Guillermo Cudmani en voz y guitarras y Fernando Cardero en bajo.
El disco fue completamente compuesto y preproducido entre agosto y diciembre de 2010 en la sala de ensayo de la banda y grabado en Osa Mayor, su propio estudio de grabación, entre febrero y abril de 2011.
Producido por Pablo Romero (Arbol), masterizado por Alvaro Villagra en Estudios del Abasto y con Claudio Romandini como ingeniero de grabación, este inminente trabajo discográfico incluye 10 temas en los que mantienen el espíritu característico del power trío y arribará a las tiendas de discos durante el próximo mes de julio a través del sello PopArt y con “Agua de mar” como primer corte de difusión.
Aquellos que deseen enterarse de qué la va Metamorfosis antes de su edición, tendrán una imperdible oportunidad el próximo sábado 11 de junio en el Salón Pueyrredón (Av. Santa Fe 4560, Capital), lugar elegido por El Vuelo de la Grulla para presentarse en vivo.
CIRO Y LOS PERSAS REGRESA AL LUNA PARK
El ex líder de Los Piojos se presentará en el Palacio de los Deportes de Buenos Aires el próximo 5 de julio.
Después de cerrar la cuarta y última fecha del Festival Quilmes Rock 2011, Ciro y Los Persas arribará al Luna Park el próximo martes 5 de julio.
Aunque, en realidad, no será la primera vez que el ex vocalista de Los Piojos pise el escenario del mítico estadio porteño, ya que, el año pasado, fue allí donde debutó con su flamante banda agotando las localidades a lo largo de cinco conciertos.
Aquellos que deseen escuchar el material de Espejos, álbum debut de la agrupación, y los clásicos "piojosos" ya pueden adquirir las entradas a través del sistema online Ticket Portal y desde el 2 de junio en las boleterías del estadio.
RATA BLANCA, A 20 AÑOS DE “MAGOS, ESPADAS Y ROSAS”
Rata Blanca, banda emblema del metal clásico en iberoamérica, festejará el próximo sábado a las 21 en el porteño estadio Luna Park las dos décadas de la salida de su exitoso álbum “Magos, espadas y rosas”.
El disco, editado en 1991, fue el que marcó el despegue definitivo del grupo, ya que tiene en su haber la increíble cifra de más de 300.000 copias de venta sólo en ese año, 5.000.000 de unidades en todo el mundo y un multitudinario show que el 28 de diciembre de 1991 congregó a 40.000 espectadores en el estadio de Vélez Sarsfield.
“Si bien no somos muy meticulosos con el tema de las fechas, somos concientes de que no podíamos dejar de lado estos 20 años de `Magos….` porque fue el álbum que marcó un espacio y un tiempo en la banda y nos pareció una muy buena oportunidad de festejarlo con un concierto”, comentó a Télam Walter Giardino, guitarrista, compositor y mentor del grupo.
El impulsor de Rata Blanca, subrayó que “nunca dejamos de ser una banda bien de barrio, que se hizo de abajo y a la que nadie le regaló nada”.
Giardino abundó que “todo nos costó mucho y el lugar que ocupamos hoy hace que algunos sientan envidia por el camino que hemos transitado”.
Dejando de lado cualquier entredicho, el violero sostuvo que “lo principal es que el sábado en el Luna Park la gente se sienta parte de la familia de Rata Blanca”.
El vocalista Adrián Barilari recordó que su presencia en la placa que está cumpliendo 20 años “es inolvidable porque implicó mi ingreso a Rata Blanca”.
“Me tocó reemplazar a Saul Blanch (quien había grabado el álbum debut en 1988) y a partir de ahí -se explayó- inicié el camino con el grupo compartiendo muchas horas de ensayos, grabaciones y constantes giras por el mundo”.
En cuanto al concierto del sábado, Barilari prometió que “más allá del festejo con una puesta de escena acorde con el aniversario, no faltarán canciones nuevas y otras sorpresas”.
Junto a Barilari y Giardino, la banda de entonces se completaba con Gustavo Rowek en batería, Sergio Berdichevsky en guitarra, Hugo Bistolfi en teclados y Guillermo Sánchez en bajo. De aquellos solamente se mantiene Sánchez, mientras que el resto del elenco actual es: Fernando Scarcella en batería y Danilo Moschen en teclados.
En “Magos, espadas y rosas”, Rata registró el súper hit “Mujer amante”, pero tampoco pueden dejarse de lado otras obras como “La leyenda del hada y el mago”, “El beso de la bruja”, “Haz tu jugada” o “El camino del sol”, que también reflejaron la realidad de la música de Rata, un estilo que luego los llevaría a una extensa gira “Por los caminos del sol”, en la que recorrieron Argentina de punta a punta y parte de Sudamérica.
Con los años, además, supo compartir escenarios con grandes iconos del metal como Glen Hughes, Dooguie White, Graham Bonnet, Accept, Dio, David Gilmour, AC/DC, Sepultura, Judas Priest, Saxon, Ozzy Osbourne, Korn y Alice Cooper.
Capaz de realizar un balance de los años transcurridos, Giardino retomó la palabra y apuntó que “la balada `Mujer amante` fue uno de los temas más difundidos a través de los tiempos, pero al momento de grabarlo tuvimos dudas y también nos pegaron bastante por el hecho de participar en conciertos en bailantas”.
“Hoy, con el correr de los años, -confió- me siento arrepentido de haber participado de aquellos recitales en lugares específicos de la música tropical, pero me parece bueno y necesario aclarar que en esas presentaciones Rata no tocaba cumbia sino que hacía su música”.
En relación a la música de la banda, especificó que “nos sentimos totalmente identificados con el heavy o el power metal, pero Rata es más que eso porque también contamos con elementos del jazz, el rock duro, el blues y la música clásica”.
Por último y ante la consulta acerca de la realidad del metal argentino, Giardino señaló que “siento que hay demasiado fundamentalismo y por eso pareciera que si seguís a una banda estás traicionando a otra y ése no es el verdadero espíritu del heavy”.
CHARLY GARCÍA EN CÓRDOBA 2011
Información Detallada
* Artista: Charly Garcia
* Fecha: Sábado, 18 junio 2011
* Hora: 9:30pm
* Ciudad: Charly Garcia en Córdoba
* Ubicación: Orfeo Superdomo
* Dirección: Cardeñosa 3450. B° Alto Verde
* Teléfono: (0351) 526 1500
* Precio: Desde $130
Después de su paso por el Cosquin Rock 2011, y por su visita a Chile, Charly Garcia vuelve a poner fecha para un nuevo recital consecutivo en la ciudad de Córdoba.
El nuevo show de Charly Garcia en Cordoba será el Sábado 18 de Junio de 2011 a las 21.30 hs en el Estadio orfeo Superdomo, de esa ciudad.
Venta de Entradas
Las entradas se pueden adquirir en el sitio del Orfeo Superdomo a los siguientes precios:
* Pista VIP: $210.
* Pista: $130.
* Sector Rojo: $210, $180, $150, $120.
* Golden Tickets: $430 (Solo en boleterías)
HORCAS EN VIVO
El pasado sábado 28, Horcas se presento en vivo en el Auditorio Oeste (Rivadavia 17230, Haedo). El lugar, recientemente inaugurado, cuenta con una adecuada infraestructura y una excelente ubicación, estos factores, seguramente lo transformaran rápidamente uno de los mas importantes escenarios para la realización de shows, en la zona Oeste del Gran Buenos Aires.
Con una previa de tres bandas soportes, y gran cantidad de público -incluso quedo gente afuera- Horcas salio a escena cerca de las 22:30 Hs para realizar un repertorio plagado de temas clásicos durante poco mas de una hora y media de un show intenso y vibrante. Por allí pasaron : "Esperanza", "Argentina", "Vencer", "Golpe a golpe", "Fuego" y "El juego" entre otros. El cierre de la noche fue para el clásico de V8: "Destrucción" y "Solución suicida".
Con Walter Mesa al frente, Horcas se consolida en la actualidad como una de las bandas mas importantes del genero, y de la manera que suena... tiene con que.
CORTITAS DEL ROCK DAK
Almafuerte
Mientras preparan el nuevo disco de estudio, la banda de Iorio se presentara el próximo 17 de junio a las 21 Hs. en el salón Imperial, Presidente Peron 1281, Capital Federal.
Andando Descalzo
Después de presentar en vivo el video clip "La Pipa" con un show en Niceto, la banda de Mataderos se prepara para un nuevo show en la localidad de La Plata. Sera el 18 de junio El Ayuntamiento (Calle 1 entre calle 47 y calle 48).
Salamanca Rock
El 9 y 10 de julio se realizara la 2da edición del "Salamanca Rock" en la ciudad de La Banda, Santiago del Estero, ya están confirmados: Los Cafres, Las Pelotas, Fito Páez, Luis Spinetta, Auténticos Decadentes, Ciro y Los Persas y Babasónicos entre otros.
Cadena Perpetua
El próximo 11 de Junio a las 19 Hs, Cadena Perpetua presenta su nuevo trabajo llamado "Plaga" en estadio el Malvinas Argentinas (Gutenberg 350, Paternal, Capital Federal). Entradas en venta en Ticketek.
FITO PÁEZ
Gira por Europa
El rosarino se encuentra recorriendo el viejo continente, donde sus canciones comienzan a ser recibidas.
Desde hace algunos años, la obsesión de Fito Páez es abrir su música a otros públicos, a regiones donde los artistas latinos de rock se les hace complicado llegar. Por tal motivo, en estos momentos se encuentra recorriendo el territorio europeo.
Con éxito y mucho esfuerzo, el rosario y su piano comenzaron el periplo en España, país donde tuvo la posibilidad de visitar ciudades como Palma de Mallorca, Zaragoza, Pamplona, la bella Bilbao y Leganés. En cada punto fue recibido con singular fervor.
Más tarde, el pasado miércoles 25 de mayo festejó el día patrio en Londres, para luego trasladarse a París. En la nación de Moliere se presentó por primera vez en su carrera y lo hizo el lunes 30 de mayo, frente a una audiencia formada principalmente por argentinos.
Por estos días, el creador de “11 y 6” aterrizará en Israel donde también debutará el sábado 4 de junio. Luego de esta gira mágica y misteriosa por el viejo continente, volverá a la región que lo vio crecer y emprenderá un tour latinoamericano, el cual comenzará en República Dominicana.
TROTSKY VENGARAN
EL MEJOR PUNK URUGUAYO POR PRIMERA VEZ EN CORDOBA!!!
SABADO 11 DE JUNIO - 23:00 HS - REFUGIO GUERNICA
TROTSKY VENGARAN nació en 1991; La formacion inicial era: Guillermo Peluffo (en voz), Hugo Díaz e Ignacio Guasch (en guitarras), Guillermo Perazzo (batería) y Marcelo Abreu (bajo). Desde el principio no sabían tocar nada de nada... (solo algunos covers de Ramones, AC/DC, Johnny Thunders, y poca cosa mas...)
En 1993, participan con 2 temas (“Reflejo” y “Korean Boys”) en la ensalada “Criaturas del Pantano”, editado por el sello independiente Perro Andaluz. Ese mismo año filman su primer video-clip del tema “Reflejo”, que increíblemente resulta premiado en un Festival de Cine y Video de Lima, Perú... y es verdad... Editan su primer CD, “Salud, Dinero y Dinero” a través del sello Ruta 66. “Mueve que te Mueve” es el segundo video clip que hacen. Tienen el honor de abrir el show de The Ramones en Montevideo, siendo la unica banda uruguaya que compartio escenario con The Ramones en la historia.
En 1995 Ignacio Guasch y Marcelo Abreu dejan la banda. Se convierten asi en un cuarteto, con la incorporación de Felipe Di Stefani (ex Guerrilla Urbana y Puticlub) en el bajo. Durante el resto del año realizan la gira “Epidemia Sónica” junto a Chicos Eléctricos por el interior del país, y cierran el año con dos recitales en La Factoría, el primero junto a The Supersonicos y el segundo con 2 Minutos de Argentina.
A principios de 1996 graban su segundo trabajo: “Clase B”, para el sello Orfeo, en Estudio Record (mvdo - uru) con Alejandro Mérola y masterizado en el estudio Del Garden (bs.as. - arg) ni idea con quien.
18 canciones punks, con versiones de músicos como Nino Bravo (“Un Beso y Una Flor” y “Tu Cambiaras”) y Johnny Thunders (“Do you love me?” y “I Wanna Be Loved”). Los dos video clips que hacen son de: “Un Beso y Una Flor” y “Tu Lugar”. Tocan junto a Divididos en el Teatro de Verano para casi 5000 personas.
En el 1997 llueven los mega festivales y tienen la suerte de estar en un par de ellos: ROCK de ACA en el Teatro de Verano y 5 HORAS de ROCK (en la estación de AFE) junto a bandas como Buitres, La Vela Puerca, Tintoreros (Arg.) y Peyote Asesino. De nuevo se quedan sin bajista. Felipe Di Stefani decide abandonarlos y probar mejor suerte en otro país. Pasa a formar parte de toda esta fantochada Nicolás Pequera en el bajo.
1998 firman contrato con el sello multinacional Universal Records y editan su tercer disco “Yo No Fuí”; producido por el ex GIT, Pablo Guyot y grabado en los estudios Del Abasto al Pasto (bs.as. - arg). Realizan dos nuevos video clips: "Por Vos" y "Tocando Fondo", (como todos los anteriores y los futuros, dirigidos por Guillermo Peluffo).
En el 2000 terminan su relación con Universal y a partir del 2001 los discos se suceden sin parar: primero fue el “Durmiendo Afuera” con la producción artística de Jaime Roos, después vino el “Todo Los Contrario” (2002), después el “Pogo” (2003) el primer disco en vivo de la banda, después el “7 Veces Mal” (2005), luego “Hijo del Rigor” (2006) y en el 2007 graban su segundo disco en vivo “No Estamos Solos”.
Todos estos discos fueron editados por Koala Records.
En el transcurso de todo ese periodo (2001 – 2007) varias cosas le pasan a la banda. Algunas buenas (según ellos) otras no tanto (según ellos):
Nicolás Pequera se va y se pone el cartelito de “bajista” Héctor Souto.
Disco de Oro de “Pogo”, “7 Veces Mal” e “Hijo del Rigor”.
Disco de Platino de “No Estamos Solos”
Premio Graffiti a la “Mejor Banda del 2002”, otorgado por voto popular.
Premios Graffiti a la “Mejor Banda del 2003”, esta vez por voto del jurado.
Lanzan su primer DVD “Pogo” (2004).
Participan en todas las ediciones del Pilsen Rock. En “La Fiesta de la X” del 2005 y 2006.
Editan el “7 Veces Mal” en argentina a través del sello Barca (2005) y el “No Estamos Solos” en CD y en DVD a través del sello Pinhead Records (2008). Con esto empiezan a tocar durante todo el 2006 y 2007 en Argentina con bandas como: Attaque 77, Cadena Perpetua, Bulldog entre otros y a crecer en convocatoria siendo el referente mas importante del punk rock en Uruguay . Su video clip de “Los Secretos” rota fuertemente en Much Music, CM y MTV.
A fines 2008 registran su decima placa “Volumen 10“ la cual fue lanzada durante el año pasado en nuestro país con 13 nuevas canciones y del que ya han cortado dos singles en video clip “Llueve” y “Noche Alucinante”.
Para fines del mes de abril lanzarán en nuestro país su último trabajo discográfico "Todo Para Ser Felíz" a través de Tocka Discos (Pop Art).
MALTRATO - VOLUMEN 2" (2010) - EP B005
Segundo EP del 2010, también bajo el sello Bestiario. En este material la banda, además de incluir dos canciones grabadas en el año 2008, presenta una versión explosiva del tema “Vuelve” popularizado por Ricky Martin. Esta particular versión ha tenido alta rotación en las principales radios de nuestra ciudad y permitió que otro público se acerque a la propuesta de MALTRATO. Talento, desenfado y mucha actitud caracterizan a este grupo que durante el 2010 ha tenido un gran crecimiento y apuesta por mucho más.
Solicitalo a discos@bestiario.com.ar
GONDWANA GIRA ARGENTINA
La Banda Reggae Chilena
Gondwana vuelve a la Argentina, en el marco del “PINCOYA CALIPSO TOUR”, que comenzó en Chile, pasó por la ciudad de Panamá con gran éxito (6.0000 personas sold out), por México, presentándose en Buenos Aires, Rosario, y Córdoba entre otras ciudades.
Gondwana, que presenta a su nuevo cantante, MC Jona, acaba de terminar su canción tributo para el álbum “Tributo a Bob Marley”, Colud you be loved, que será el primer corte del tributo, y tendrá flamante video clip. A la par, la banda esta en proceso de composición y preproducción de su próximo disco, sucesor de “Resiliente”, que verá la luz en agosto de este año, a través de Popartdiscos.
GONDWANA, es sin dudas, la banda de reggae más sólida, prestigiosa y convocante del Mundo Hispano. Con un constante movimiento por todo el Continente, con actuaciones vibrantes en los mejores festivales de Latinoamérica, y con un repertorio a prueba de balas, el grupo chileno más internacional, de 26 años de trayectoria, continúa recorriendo el mundo, demostrando su vigencia, y ampliando cada vez más sus horizontes. Formado en Chile en 1987, el grupo mantiene una trayectoria muy destacada, con ventas multiplatino y presentaciones de los mejores festivales de toda América (Reggae On the River en California, Rock al Parque en Bogotá, Vive Latino en México, Pepsi Music en Buenos Aires, Cosquín Rock en Córdoba, Quito Fest en Ecuador y varias apariciones en el Festival de Viña del Mar son testigos de su impacto masivo).
Un aspecto sorprendente en la actualidad de GONDWANA es el notable récord de actividad digital de sus seguidores, con un nivel creciente de 40 millones de visitas en YouTube y un promedio de 30 mil visitas a la página oficial del grupo. Se trata de un romance inédito entre los fans y la banda. La prueba contundente del impacto masivo de un grupo que no necesitó de sellos ni productores estrellas para llegar al corazón de millones de jóvenes en todo el mundo.
Luego de haber editado su primer DVD y CD en vivo, grabado en Buenos Aires en 2010, GONDWANA comenzó el 2011 dispuesto a aumentar aún más su ya abultada agenda de actividades.
A principios de este año se lanzó su primer compilado oficial (con la participación directa de la banda): Pincoya Calipso, editado por Sony Music, en donde se recopilan 17 canciones del catálogo del grupo, con sonido remasterizado, más dos canciones nuevas, como un anticipo del álbum de estudio que saldrá en agosto. En 2011, la banda recorrió varias ciudades de Chile, Buenos Aires, Montevideo y Caracas, con un éxito arrasador. A partir de marzo, la banda comenzó la preparación de su próximo disco en sus propios Estudios, con la incorporación del nuevo vocalista, MC Jona, quien ya grabó las voces para dos temas que serán parte de un Tributo a Bob Marley que lanzará el Sello Pop Art en todo el continente.
Luego la banda debuto en Panamá, con 6.000 entradas agotadas. Luego vino Mexico, recorriendo el DF,(lunario, 2 shows sold out), Guadalajara, Puebla, etc.
GONDWANA 2011 es: I -Locks (bajo), MC Jona (voz), Yayo Loyola (batería), Leo Dread (percusión y vocal), Pancho Contreras (trompeta), Keno Fingaman,(teclados) Hugo Prado (trombón), Gato Ramos (saxo), y Pez López.(guitarra)
WATERS, EL DURO
Después del nuevo reencuentro entre Roger Waters, David Gilmour y Nick Mason, surgieron otra vez los rumores sobre un posible regreso de Pink Floyd. El bajista, con pocas palabras, explicó las verdaderas posibilidades de concreción.
Augusto Do Santos - Redacción de El Acople
El jueves 12 de mayo, en el 02 Arena de Londres (Inglaterra), los Pink Floyd se reunieron nuevamente: David Gilmour y Nick Mason fueron al recital que allí daba Roger Waters, y tocaron juntos “Confortably Numb” y “Outside the Wall”.
Por supuesto, no tardaron en llegar las especulaciones sobre un posible regreso de la banda; los fanáticos, ilusionados por los rumores que corrieron, reclamaron una declaración de los músicos al respecto que contara la verdad. Y la misma llegó.
“Estoy muy feliz de haber estado en Pink Floyd durante veinte años, lo he disfrutado mucho y creo que hicimos un gran trabajo juntos. Pero no tengo ningún deseo de hacerlo nunca más”, dijo Waters, dejando poco margen de dudas y dando una lección de cómo ponerle fin a versiones falsas, eligiendo pocas pero correctas palabras. Lo que se dice las palabras justas.
EL ROCK DE BUENOS AIRES TENDRÁ SU PROPIO CATÁLOGO MUSICAL
En un intento por darle visibilidad a la producción de los sellos independientes de la provincia de Buenos Aires, el rock contará ahora con un catálogo de sellos musicales.
"Este catálogo es un paso más en la profundización del trabajo que venimos desarrollando en materia de políticas hacia las industrias culturales; en este sentido, continúa con el desarrollo de plataformas que brinden visibilidad a nuestras producciones, nuestros artistas y pymes culturales. Es una gran oportunidad para dar a conocer estas producciones al exterior", comentó Juan Carlos D'Amico, presidente del Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires.
Conformado por músicas de 22 bandas que editaron su material a través 11 sellos de la provincia, el catálogo de sellos reunirá material vinculado al rock y distintas tendencias: pop, dub, hip-hop, electrónica.
El catálogo estará integrado por las propuestas de bandas como El Mató a un Policía Motorizado, 107 Faunos, Shaman y los Hombres en llamas, Villelisa, Norma, La burla, Demencia, La zurda, Socio, Ácido canario, Casimiro roble, Brahamán Cero, AltoCamet, Reyes del Falsete, Viva elástico, Gas/Lab, Armamentales, Mustafá Yoda y los Métricos, Julieta Salas y Vittorino.
Los 22 artistas que participarán del catálogo, a su vez, intentarán dar cuenta del panorama de lo que está ocurriendo en el rock en la provincia de Buenos Aires, al tiempo que se consolidan como una atractiva oferta para el consumo local pero también para su exportación.
El catálogo será entregado a los principales referentes de la música presentes en el Mercado de Industrias Culturales Argentinas (MICA) y se distribuirá de manera masiva a los medios de comunicación a nivel nacional.
Entre los sellos que formarán parte de ese catálogo se destacan Cala, Serial Music, Tsunami Discos, Pirca Records, Noseso Records, Concepto Cero, Casa del Puente Discos, Triple RRR, AK Promotion y Pistilo Records.
FABIANA CANTILO
La inconciente del rock
Fabiana Cantilo, la que hizo de su vida un rocanrol y de sus canciones la dulce esperanza de ser reconocida sin importar si se trata de varón o mujer.
Por Jorge Belaunzarán – Revista Asterisco
Cierto que no se puede hablar por lo que no se es, pero siempre es posible una composición de lugar. Se sabe, porque la información desbarata prejuicios, que no es fácil ser mujer en el mundo occidental y cristiano. Si a ese hecho se le suma ser adolescente durante un gobierno retrógrado, cursillista y casi troglodita, las cosas se complican algo bastante más. Si a la adición se le agrega la elección de una profesión dominada por los varones y mal vista para cualquiera o sea que para una mujer es casi como decirle puta (en su expresión más insultante, para que no haya dudas), entonces se está ante una situación para el espanto. La autodenominada hija del rigor, al momento de haberse declarado así parece haber soportado todos los rigores. Encontró la forma de salir ilesa. Y así hacer camino. Pero más supo cómo estar sin desfallecer, esa alquimia de conservar el deseo aunque en él se pueda ir la vida.
Desde objeto decorativo a la novia de (en cuyos términos la expresión la corista le resultó casi un elogio), Fabiana Cantilo nunca ocupó el centro de la escena. Tampoco lo buscó desperada ni decididamente. Pero Fabi, como se le dice, siempre fue una chica inteligente. Más de lo que la media quiere acreditarle. Y así como nunca le faltó arrojo para intentar ese lugar, tampoco le faltó destreza para saber dónde estaba el placer: el centro de la escena es un lugar muy pero muy iluminado, lleno de monitores, al decir de su amigo Charly García, y ser observada al detalle nunca fue de su preferencia. Esa lateralidad que escénicamente tienen los coros en un show fueron su sitio de disfrute (a veces sin límite, como comúnmente se dice). Una ubicación asignada y que supo explotar, pero en la que no se quiso quedar a vivir.
Su primer intento abierto de salir de allí fue Golpes al vacío (1994), único disco en el que no contó ni con temas de García ni de Fito Páez. Quería demostrar que valía por sí misma, sin sus papás, como dijo. No le fue bien. La falta de reconocimiento suele ser la madre de muchos males. Una invitación a los llamados excesos.
Cantilo se reconoce cabeza dura. Así que lo siguió intentando. De alguna manera, para demostrar que no bajaba los brazos. Sin embargo el problema era otro. Ella venía de un rock divertido (Los Twist) y de canciones. Y el rock argento estaba entrando de lleno en su característica chabón. Las canciones pasaron a ser cosa de minas (Páez lo sufrió en carne propia). Charly, el gran hacedor de canciones, había empezado la década con Filosofía barata y zapatos de goma (1990), y la terminaría con El aguante (termino predilecto del rock chabón). Lo que pretendía Cantilo ni un salmón lo podía hacer (de hecho el gran disco de Andrés Calamaro, Honestidad brutal, fue más bien éxito para pocos). Y menos si era mujer.
Como la mayoría de los rockeros (y de los argentinos) cuando los noventa terminaron en el 2001, Fabi había derrapado. El 2002 la encontró en San Martín de Los Andes, buscando algo de paz. Un nuevo disco, Información celeste, puso en actos a unos cuantos que esa chica tenía algo, algo bastante más que una voz. Pero no alcanzaba para el éxito, más allá de la crisis económica.
Entonces Fabi agarró una docena de hits del rock argento y los transformó en apetecibles para extremos generacionales, enseñándoles a grandes lo de chicos; y viceversa. Inconciente colectivo (2005) fue un acto de justicia consagratoria: hizo falta su voz para sellar el clasicismo de esos temas. Y casi nunca un título de disco encerró mejor metáfora: si alguien había nacido para mirar lo que pocos querían ver, ella había nacido para ponerle el cuerpo a lo que pocos estaban dispuestos a vivir.
Fabi fue por todo, y concibió Hija del rigor (2007). Una maravilla de 14 canciones. Si el anterior había sido un acto de justicia consagratoria, éste debería haber sido uno de justicia poética: su reconocimiento como autora. Pero es mujer, qué más se puede decir para entender por qué al menos un par de esos 14 no se convirtieron en hits.
En el 2008, oficialmente, Cantilo se internó en una clínica por propia voluntad. La chica no estaba bien. Pisaba los 50 y ni siquiera era llamada al Olimpo luego de hacer uno de los discos de la década. Al año siguiente editó En la vereda del sol, una segunda parte de clásicos del rock argentino, acaso por eso de te vas a ir, vas a salir, pero te quedas, ¿dónde más vas a ir? *
Fabiana Cantilo relató su visita a Cerati
"Es muy fuerte porque mueve los ojos y parece que los va a abrir", dijo la cantante
Fabiana pasó por la Clínica Alcla que en una entrevista con una señal de noticias relató cómo fue su experiencia.
"Fui a ver a Cerati y le canté. Parece que está dormido, no te causa impresión, nada (...) Fuimos con Cahe y Gutiérrez, mi músico y productor y canté 'Zona de promesas', una zamba con la madre y era piel de gallina todo el tiempo", contó Cantilo.
Cantilo, que tuvo la colaboración de Cerati en su disco Inconsciente Colectivo, contó que estar junto a él "es muy fuerte" y que quiere volver a visitarlo: "Mueve los ojos y parece que los va a abrir en cualquier momento".
EL DÚO BAGLIETTO-VITALE
“Sentimos que no está agotado lo que hacemos”
Después de una década, Juan Carlos Baglietto y Lito Vitale vuelven a reunirse para presentar el disco Más de lo mismo
Fue "bueno" volver al ruedo, fue algo "natural". Porque, como bien dice la letra (un tanto modificada) de la canción que escribió Fito Páez pero que se asocia de inmediato a Juan Carlos Baglietto: "sólo se trata de cantar (“vivir” en la original)/ esa es la historia". Y la historia demuestra que las ganas de juntarse para tocar pudieron más, entonces la dupla Baglietto - Vitale entró en acción otra vez.
Después de una década, los músicos se reunieron y bautizaron a su nuevo proyecto musical "un poco en joda y un poco en serio", según Baglietto, Más de lo mismo. Y esta noche, desde las 21.30, el dúo subirá al escenario del Coliseo Podestá (10 entre 46 y 47) para "darle una vuelta de tuerca a lo que ya hicimos o continuar lo que dejamos".
¿Cómo fue el regreso? "El año pasado nos convocaron para la semana internacional del tango y nos gustó, y como nos gustó dijimos ‘si después de 10 años no nos peleamos ni nos separamos porque los dos teníamos ganas de hacer otras cosas, si sentimos que no está agotado lo que hacemos, que respira, que vive, vamos a darle para adelante’. Y así surgió", contó el cantautor, que agregó que "volvimos a juntarnos después de 10 años porque somos gente que se quiere y está todo bien, fue lógico que cada uno se tome su tiempo, que haya tenido y tenga la libertad de hacer lo que necesite y eso fue lo que pasó, cada uno tuvo sus proyectos. Fue bueno tomarse ese respiro y hoy lo vivimos con mucha felicidad este retorno".
–¿Cómo viven dos músicos experimentados y que ya han trabajado juntos el armado de un nuevo concierto?
–Siempre tuvimos divididos los intereses y nuestras necesidades con respecto al show, siempre estuvieron bien definidos. Lito es una personaa la que le obsesiona lo que suena y yo soy una persona a la cual le obsesiona lo que se ve, entonces están repartidas las obsesiones. Si bien cada uno tiene diferencias sobre el área que más le obsesiona al otro, es como que están definidos los roles, el toca, yo canto, a pesar de que él canta y yo toco también. Ambos tenemos injerencia en lo que se ve y se oye. Ahora Vitale está en esta etapa, porque lo he ido convenciendo, de darle importancia a lo que sucede en lo estético visual, no sólo a lo estético sonoro. Es una sociedad al 50 por ciento, ambos opinamos, lo bancamos y eso nos da la libertad de ahora que estamos a un par de semanas de sacar el disco, de llevarlo, mostrarlo y saber si le interesa a alguien, de poder decidir artísticamente todo. Y está bueno tener la oportunidad de llegar hasta acá y ser dueño de las decisiones de nosotros mismos.
El material. El CD y DVD Más de lo mismo saldrá al mercado en poco tiempo, y esta noche el dúo mostrará parte de ese trabajo en un espectáculo de música popular que estará dividido en dos partes "bien definidas": "al principio habrá tangos y en la segunda etapa folclore, en formato cuarteto, junto a los músicos Guido Martínez (bajo) y Julián, que es mi hijo mayor, en batería", explicó Baglietto, que además precisó que "en el disco hay de todo un poco, algo nuestro pero en general música popular argentina, hay de los más diversos y de los más maravillosos autores, antiguos y contemporáneos".
–¿Considera que hay diferencia cuando interpreta sus canciones y las escritas por otros autores?
–Las diferencias existen, pero uno no le escatima energía, pasión o cariño a las que interpreta de otro en comparación a las que hizo uno. Para el dúo escribimos en conjunto y también recreamos canciones del cancionero popular argentino, y a todas le ponemos el corazón.
–Y para cantar tango, ¿cree que se necesita algo particular o especial?
–Hay que creérsela. Si bien hay un estilo, que es una forma de interpretar, yo creo que lo que tiene que pasar es que te la creas y lo hagas desde las tripas. No creo que sea sinónimo de tango cantar fuerte, engolar la voz o tener mucho caudal. Me parece que cuando te enroscás con eso hasta se pierde de vista lo que decís.
Lo que dijo y dice Baglietto está totalmente alejado de lo enroscado, y su invitación al concierto de esta noche lo reafirma: "nosotros hacemos una música emocionante y nos comprometemos a que se conmuevan. Si están dispuestos a participar activamente, sintiendo lo que proponemos, les digo que vengan, porque nosotros nos emocionamos y creo que un par más también".
JAURIA
“No somos atletas del rock ni súper virtuosos”
Cuatro viejos lobos rockeros forman, Jauría
Revista Diagonales
Cuatro tipos tocando guitarras acústicas y criollas. Si bien el tenor del grupo está más ligado al power con bajo, batería y eléctricas, y la afición por bandas como Tool o Queens Of The Stones Age, la imagen se repitió en los últimos días en algunos ciclos televisivos y radiales. De algún modo, la postal retrata el espíritu de Jauría, ese nuevo grupo de viejos lobos conformado por Ciro Pertusi (ex Attaque 77), Ray Fajardo (ex El otro yo), Pichu Serniotti (ex Cabezones) y Mauro Ambesi (ex De Romanticistas Shaolin's). "Tal cual –adhiere Pertusi en diálogo con Diagonales–. Estamos cayendo de esto en estos dos días. Es materia de charla entre nosotros. Yo compongo en criolla y todos hacemos eso desde un lugar íntimo.Y dijimos ¿por qué no? Si de hecho nació de una mesa y cuatro tipos con criolla.” Y amplía: "Suena a cliché, pero es eso: volver a las fuentes. Y esto de las guitarras es un ejemplo: empezar de a poquito a poder darnos lugar a esto, a la sangre, a lo criollo y de hecho estábamos hablando de hacerlo más argento."
Por supuesto que tal idea es sólo una extensión de una idea original que conjuga canciones poderosas, distorsión, letras de alto contenido político e ideológico y mucha experiencia plasmada en el disco homónimo del grupo. Porque más allá de que el ex Attaque es el más reconocible por el gran público, se trata de un conjunto donde todos aportan por igual. "Pesan muchos todos y cada uno. ¡Y no sabés cómo! Ray y Pichu son productores artísticos, y eso es un laburo que implica mucha territorialidad y defender tus conceptos. Para buscar simples ejecutores traía sesionistas. Pero me impuse meterme en camisa de once varas, pero finalmente estoy más cómodo."
Esta noche, Jauría se presentará en Sala Ópera (58 e/10 y 11) y Peretusi opina sobre el show: "Estarán las 15 canciones del disco sumadas a una decena de viejos temas míos, que se acercan mucho a lo que hacemos ahora. Algún clásico siempre está ahí." Y agrega: "En términos generales está la cuestión de color que le va a dar el reencuentro de los componentes con La Plata como escenario rockero, más que nada por ser integrantes de bandas importantes de la escena nacional. Y por otro lado, porque la gente ya está asumiendo e identificando estos nombres con la palabra "jauría", con el logotipo, con la propuesta. En fin, todo ronda en la palabra reencuentro."
Y en se reencuentro, el grupo también encontró lo mejor: que algunos los buscaban. "La identidad de Agustín Tosco y la cuestión de los Indios Kilme, nos está llevando y devolviendo a otros caminos –dice en vocalista en referencia a canciones propias que abordan dichas temáticas–. La hicimos para saldar deudas, primero con los pueblos originarios y con Tosco como reivindicador de virtudes humanas. Como si le hubiésemos prendido una vela a un santo porque de repente la gente quiere escuchar eso, esas historias cantada por nosotros. Con memoria, conciencia y compromiso, pero sin dejar la alegría de tocar, de vivir de la música, de ser frescos."
Esta semana se reinauguró una escuela técnica con el nombre de Agustín Tosco y los Jauría actuaron para la los alumnos, docentes y familiares del sindicalista. Desde sus tiempos de Attaque, Pertusi se ha mostrado comprometido con causas sociales. Por eso es pertinente pedirle una visión del presente político nacional. "Es un momento en el cual se está dando mucho cuestionamiento y eso es buenísimo. A mí no me gusta mucho el K goloso, esa tendencia de que todo es hermoso y es la primavera. Perotampoco me gustan los opositores con intereses raros. Cada gestión tiene su cosa positiva… y no que venga el próximo y destruya todo lo positivo… eso nos llevo al fracaso. Por ejemplo, acá hablas de medio ambiente y se te ríen de la cara… Pretendo que una mujer presidenta, que tiene empatía con las Madres y con las madres en general, la tenga con la madre más castigada que es la madre naturaleza. Quizá es mucho pretender. De nuestro lado preferimos apoyar a las comunidades autóctonas que son los primeros protectores de la madre naturaleza.
Para cerrar, Pertusi se ríe –con razón– del calificativo de "supergrupo" que parte de la prensa supo atribuirles: "Esta lejos de eso. Es más fácil. No somos atletas del rock ni súper virtuosos: somos tipos de sentimiento. Lo súper está en cómo se adelantaron los procesos y cómo se maduró esa cosa de grupo, no sólo en lo artístico sino en lo afectivo."
EL ETERNAUTA SE HACE ROCK
Un grupo de bandas hermanadas por el fanatismo hacia el personaje de Oesterheld prepara Los Ellos, un compilado de canciones e imágenes que rendirá tributo a Juan Salvo.
Por Maby Sosa – Tiempo Argentino
Una vez más, a Juan Salvo le tocar ser el protagonista, y esta vez no será el personaje de una historieta, sino de la inspiración para un grupo de músicos, artistas plásticos, diseñadores y documentalistas que, unidos por este personaje que transita la eternidad, realizaron un disco compilado en homenaje a la obra de Héctor Oesterheld y Francisco Solano López.
El Eternauta es una historieta de ciencia ficción que se publicó por primera vez el 4 de septiembre de 1957 en la revista Hora Cero Semanal, de la Editorial Frontera. La historia se centra en Juan Salvo, quien regresa de la eternidad y se aparece frente a Germán, un dibujante. La historieta cuenta la vida de un hombre cuyo entorno es aniquilado por una invasión extraterrestre, cuyos integrantes aparecen en la historia como “Los Ellos”.
Ese es el nombre que el Concepto Cero tomó para denominar su disco. Se trata de un compilado de canciones e ilustraciones inéditas y originales en homenaje a El Eternauta. Comenzó a idearse en 2009 y se concretó este año. Los Ellos tiene fecha de salida a fines de septiembre y se lo presentará en octubre en La Plata y en Buenos Aires.
“El nombre surgió justamente por el afán de no caer en El Eternatura puramente, en la eternidad, y en cambio lo planteamos desde el punto de vista de la antagonía. Son como una raza superior, los malos salen de ahí; en un momento Oesterheld habla de que alguien los controla y habla de ‘los ellos’”.
El disco estará conformado por 16 canciones de bandas diferentes y diez ilustraciones de distintos artistas. La lista de convocados tiene bandas platenses y porteñas: Norma, Mostruo, La Patrulla Espacial, Brahmán Cero, Supersivo, Fútbol, El Perrodiablo, Casimiro Roble, Pommez Internacional y La Perla Irregular son algunos de los protagonistas de este compilado.
El proceso creativo de cada uno de los artistas y productores, fue documentado y será presentado al público una vez que el disco salga a la calle acompañado de un documental. Sin embargo, los curiosos pueden seguir en tiempo real cómo va la etapa de producción en la web de Los Ellos:
El proyecto está dirigido por dos fanáticos de El Eternauta, Nicolás Madoery y el músico de la banda Casimiro Robles, Matías Olmedo. “El disco comenzó a expandirse hacia otros horizontes. Pensamos en su momento en la posibilidad de que se sumen otras opciones, para que sea algo mucho más integral, más interdisciplinario y terminó siendo un proyecto más grande de lo que esperábamos”, cuenta el músico.
La historia de El Eternauta fue el punto de unión entre Matías y Nicolás, quienes comenzaron a mostrar su entusiasmo y así se sumaron más artistas. “Quisimos revalorizar esta obra de Oesterheld, éramos fans de El Eternauta, y el único objetivo que tuvimos fue mostrar de otra manera esta obra. Por eso es que surgió la idea del compilado, después se sumaron otros formatos y ahí se convirtió en un idea mucho más ambiciosa que no pensábamos inicialmente.”
Los contenidos audiovisuales constarán de registros de los ensayos, grabaciones, entrevistas y backstage de los distintos artistas. Lo mismo se realizará con el trabajo de los artistas visuales Acampante, Pacheco, Tormenta, Marina Fages, Los amigos de la imagen, Emmanuel Orezzo, Corina Arrieta, Freshcore, Valentino Tettamanti, Marcos Moreno.
Todos fueron convocados a través de Concepto Cero, un sello que tiene dos años de vida. “Planteamos un trabajo integral con distintos artistas que se conectan mediante shows, ciclos, en los que participa gente de distintos lugares. La idea es plantear un punto de vista multidisciplinario, es un sello discográfico independiente que además de hacer discos hace un soporte de otro tipo”, explica Olmedo.
“Desde Concepto Cero trabajamos como ideólogos del proyecto. Con el sello, lo que hicimos fue marcar la línea del compilado, tomamos cosas que no sean tan gráficas, tan literales, porque precisamente queríamos salir de lo que está establecido en temática e imagen cuando se habla de El Eternauta”, explica el músico y diseñador.
“Si hubiéramos tomado la imagen tradicional, tal vez no hubiera sido posible trabajar tan libremente con los artistas y las bandas que participaron. Necesitábamos desprejuiciarlo y para eso apuntamos a captar el concepto de la historieta”, cuenta Olmedo. Una de las bandas abordó la historia de amor entre Juan Salvo y Elena, mientras que la que lidera Olmedo optó por una mirada más apocalíptica.
El proceso del armado de este trabajo comenzó hace dos años. “Hicimos una convocatoria que al principio parecía ser caótica porque necesitábamos decidir quiénes iban a formar parte. Elegimos 16 bandas, y ahí se sumaron los artistas visuales del sello. Llegamos a este número después de mucho trabajar. Se puede decir que el criterio fue arbitrario, considerando quiénes podían llegar a tener onda con la historieta. Muchas bandas reconocían que no había leído la historieta y por eso ya no podían participar”, expresa el músico.
En estos últimos años se propagó el uso de la figura de El Eternauta. “La verdad es que no me molestó. Tengo una postura positiva con el oficialismo, pero no es por eso que no me molestó. Me pareció un poco arriesgado, un poco fuerte: es complejo usar una imagen, me pareció un poco arriesgado, no se puede analizar superficialmente. Cuando lo vimos nos dijimos, ‘Uh, lo venimos planteando hace bastante’”.
CARNAVAL TODA LA VIDA!
TRIBUTO A LOS FABULOSOS CADILLACS VOL. 2
Después del gran éxito del primer disco "Vos sabes como te esperaba! Tributo a Los Fabulosos Cadillacs" varias de las bandas y solistas más prestigiosos de Argentina, Brasil, Chile, México, Colombia, Estados Unidos y España se reúnen para versionar sus mejores temas.
Esta vez, con nuevas canciones, nuevos artistas y nuevas interpretaciones imperdibles de Catupecu Machu, Carlinhos Brown, Estelares, Pablo Lescano/Damas gratis, Bomba Estereo, Toy Hernandez, Riddim, Mimi Maura, Los Tres, Gondwana, Panteón Rococo, Alamedadosoulna, entre otros.
El mastering del álbum está a cargo de David Santos, en Digisound, California, Estados Unidos.
1 manuel santillan el leon
CATUPECU MACHU
2 saco azul
LOS TRES
3 siguiendo la luna
CARLINHOS BROWN
4 el aguijon
ESTELARES
5 calaveras y diablitos
PABLO LESCANO Y DAMAS GRATIS
6 carmela
REVIRADO
7 el matador
BOMBA ESTEREO
8 es tan lejos de aqui
EMMANUEL HORVILLEUR
9 el muerto
TOY HERNANDEZ
10 conversacion nocturna
GONDWANA
11 la vida
RIDDIM
12 cj
MIMI MAURA
13 carnaval toda la vida
MANCHA DE ROLANDO
14 yo quiero morirme aca
ALAMEDADOSOULNA
15 gallo rojo
PANTEON ROCOCO
16 el satanico dr. cadillac
GALANES
EXODOBABYLON
La Banda se dispone a lanzar “Manos Sucias” (Barca Discos), su segundo y flamante trabajo discográfico que consta de 15 tracks que invitan a transitar historias con letras y sonidos que van desde la denuncia hasta el amor. 1. “Manos sucias” (intro), 2- “Basta”, 3- “Hablar”, 4- “Luna de día”, 5- “Modales, morales, normales”, 6- “Armonías”, 7. “Interludio I”, 8- “Cruces y mentiras”, 9- “Angel de barrio”, 10- “Sos”, 11- “Iterludio II”, 12- “Arde”, 13- “Sirena”, 14- “Obedientes y vencidos” y 15- “Manos sucias” (outro). El disco producido y grabado por Fernando Taverna, cuenta con la participación de: Diego Litmanovich de Chaupekín voz en Arde, Javier “El Turco” Mokdad en percusión, Federico Biraben en bandoneón, Alejandro “El Pollo” Gomez Ferrero de Las Pelotas en vientos y brasses y Martino Gesualdi de Dancing Mood en trombón. EXODOBABYLON son: Nicolás Saganías en batería y coros, Gonzalo Gamez en guitarra, Guido Turtula en la voz líder y guitarra, Ignacio Álvarez y Fabrizio Gamba en pianos y teclados, Pablo Giordano en bajo, Stefan Ditzend en saxo, “Lalo” Ruffini en trompeta, Nicolás Cooper en trombón, Luis “LC” Seccia MC, Sol Pillado en percusión y Jacqueline Boghossian en coros.
TRIBUTO A BOB MARLEY VOL. 2
Después del éxito que generó el volumen 1 (2004), en homenaje al ídolo jamaiquino, Bob Marley, quien sin duda es ya uno de los hitos históricos del reggae, que con su guitarra y sus ideales dio la vuelta al mundo entregando un mensaje de amor, libertad y defensa de sus derechos, Subterrannia Discos editará en el mes de Mayo el volumen 2. Este álbum sintetiza la armonía que genera el reggae y la pura mística que dejó marcada en cada una de sus canciones.
En este caso, artistas como Gondwana, Riddim, Ska Beat City, Dancing Mood, Pablo Molina, Chelo Zimbabwe & The Groove Factory, Sig Ragga y La Muza se unieron para realizar las mejores versiones en un tributo que está a la altura del mejor cantante de reggae de la historia.
Este disco fue masterizado por Alvaro Villagra en Estudios del Abasto Monsterland, Argentina.
El CD contiene 14 canciones:
01 – Could You Be Loved (Gondwana)
02 – Kinky Reggae / Slave Driver (La Muza)
03 – Stiff Necked Fools (Riddim)
04 – Do You Remember (Dancing Mood)
05 – Hypocrites (Pablo Molina y La Jah Pablo Reggae Lover Band)
06 – No More Trouble (Chelo Zimbabwe & The Groove Factory)
07 – Natty Dread (Sig Ragga)
08 – Concrete Jungle (Gondwana)
09 – Bad Card (Riddim)
10 – Love and Affection (Dancing Mood)
11 – Buffalo Soldier (Pablo Molina y La Jah Pablo Reggae Lover Band)
12 – Rastaman Vibration (Chelo Zimbabwe & The Groove Factory)
13 – Rock It Baby (Sig Ragga)
14 – One Cup of Coffee (Ska Beat City)
LA PERRA QUE LOS PARIÓ
La Perra que los Parió presenta ‘Como evitar que sangremos’ y lo mejor de su trayectoria.
La Perra que los parió presenta su flamante cuarto disco y repasa lo mejor de su trayectoria este domingo 12 de junio a las 20:00 hs en La Trastienda Club, Balcarce 460, Capital Federal. Apto para todo público.
‘Cómo evitar que sangremos’, es el nuevo trabajo de La Perra que los Parió. Incluye 13 canciones y una propuesta artística aggiornada tanto desde lo sonoro como desde lo visual.
El sucesor de ‘La Suerte…’ encuentra a La Perra como una banda con mayor madurez y personalidad, acompañada de letras profundas y ocurrentes, e intensos climas musicales.
Está integrado por los siguientes temas. 1- “Como evitar que sangremos” (primer corte con video clip), 2- “Depredador”, 3- “El zar”, 4- “Despierta”, 5- “Reino”, 6- “Lo que nunca te dije”, 7- “Prontuario”, 8- “Un tipo como vos”, 9- “Tristombe”, 10- “Esa gente”, 11- Voy”, 12- “La viaba” y 13- “Todos lo sabemos”.
La Perra nació a fines del año 2000 en el barrio de La Boca. Desde sus inicios, esta banda mixturó candombe, reggae, ska, pero siempre con el rock como cimiento y base fundamental.
En 2004 comenzaron a trazar su historia al editar su primer disco, el cual fue muy bien difundido y recibió las mejores críticas de los medios.
‘Por las calles’ se editó en el 2006 y se agotó en las primeras dos ediciones.
El 2007 arrancó con una increíble gira de verano y culminó con la grabación de su tercer disco ‘La suerte la fabricas vos’.
Hoy La Perra son “El Viejo “(Nahuel Amarilla) en voz y guitarra, “Juanchi” (Juan Espada) en guitarras, Mati (Matías Ramos) en bajo y coros, “El Vos” (Jorge Bekmezian) en percusión y “Maxi” (Maximiliano Di Monte) en batería.
La cita para la presentación de ‘Como evitar que sangremos’ y el repaso por lo mejor de sus anteriores discos será el próximo domingo 12 de junio a las 20:00 hs en en La Trastienda Club, Balcarce 460, Capital Federal.
BABASÓNICOS Y LAS PASTILLAS, EN CORODOBA
Ambos actuarán en septiembre en el Orfeo Superdomo y desde este lunes se pueden comprar las entradas.
Redacción VOS
Según se anuncia en la página web del Orfeo, ya se pueden comprar las entradas para ver a Babasónicos y Las Pastillas del Abuelo en el domo de Cardeñosa y Rodríguez del Busto. La banda de Adrián Dárgelos presentará su nuevo disco A propósito el 3 de septiembre. Los tickets cuestan $ 80 (pista estandar parados o sector rojo), $ 100 (pista sentados) y $ 200 (pista VIP parados).
Por su parte, Las Pastillas harán su debut en el Orfeo el 30 de septiembre. Tras actuar en un lugar central en el último Cosquín Rock y un doblete en el Captain Blue XL el año pasado, el grupo liderado por "Piti" Fernández va por una nueva prueba de popularidad. ¿Precios? Pista libre, $ 60 y sector rojo, de $ 50 a $ 70. Las anticipadas en ambos casos se consiguen en Tiendas Vesta de Dinosaurio Mall y orfeosuperdomo.com.
DESTINO ROCK
YPF Y UN CONCURSO PARA BANDAS DE ROCK
La petrolera lanzó "Destino Rock", un certamen para bandas y solistas sin contrato con multinacionales, con Santaolalla como uno de los jurados.
Agencia Télam
La petrolera YPF lanzó un certamen, a nivel nacional, para bandas y solistas de rock que deberán enviar una canción que será evaluada para la grabación y edición de disco y video clips.
Un jurado encabezado por Gustavo Santaolalla y los periodistas Alfredo Rosso, Marcelo Fernández Bitar y Claudio Kleinman evaluará las canciones que los artistas deberán subir a una plataforma web.
El concurso comenzó este jueves y ya se pueden subir -en formato mp3- las canciones a la web ypfdestinorock.com y sin distinción de edad ni sexo, hasta el 4 de julio.
El jurado aclaró que no podrán participar aquellos artistas que tenga editado disco con compañías discográficas multinacionales pero si quienes han trabajado en forma independiente o sellos chicos.
El premio será la grabación del disco y la de un video clip -a máximo nivel profesional- además de que las cuatro bandas finalistas tocarán en el programa Cuál es? que conduce Mario Pergolini por FM Rock and Pop.
La convocatoria abarca al rock, al pop, heavy metal, punk, reggae, blues, ska, funk, soul, hip hop y fusión.
Los jurados primero elegirán una tanda de 100 finalistas, luego de 25 hasta llegar a 4, y a partir de allí será la gente la que con su voto nomine al ganador.
El ganador será nominado en una votación online en la web ypfdestinorock.com, y desde que sean nominadas las 100 finalistas, la gente podrá escuchar las canciones en ese sitio.
El Director de Relaciones Institucionales de YPF, Sergio Resumil, explicó -en una conferencia de prensa- que la "finalidad del concurso es darle una oportunidad a los miles de talentos que existen en el interior del país, en virtud de que YPF esta presente en cada pueblo y ciudad de la Argentina".
Santaolalla consideró que "esta es una gran oportunidad para todos los artistas del país" porque "la industria musical está en crisis y en pleno proceso de cambio".
Para el ex Arco Iris, "en esta etapa las compañías se han vuelto más conservadoras, apuestan a lo seguro, a lo que saben que rinde y no le dan una oportunidad a un artista que todavía nunca grabó un primer disco".
Para el conductor de La casa del Rock naciente Alfredo Rosso es hora de salir a "rebatir ese argumento de que en el rock argentino no pasa nada, porque pasan miles de cosas, hay miles de bandas con sonidos muy diferentes".
"Tenemos que asumir el rol de oyente militante, hay que volver a escuchar música, ir a ver a las bandas, porque en la escena actual están pasando miles de cosas en silencio en forma under o independiente", añadió.
Sobre la crisis que atraviesa el rock argentino a nivel mainstreem con la homogenización del sonido, Pergolini consideró que "las discográficas se apuraron en grabar a muchas bandas que no daban ni para dos buenas canciones".
"Durante 10 años hubo una generación de bandas que buscó una identidad y nunca la encontró, y eso produjo una caída en el nivel porque se estandarizó el sonido y solo se buscaban clones de los artistas vendedores", dijo el conductor radial.
Pergolini recordó que los cuatro finalistas se darán cita en Buenos Aires donde recibirán la devolución del Jurado, realizarán producción de fotos y serán invitados a Cuál Es? (Rock&Pop) para tocar dos temas en vivo.
Sobre lo contradictorio de sumarse a un concurso auspiciado por una petrolera, Santaolalla reconoció que "fue difícil decidir, por todo lo que implica pero también porque quería que el concurso fuera claro y que la definición quedara en manos de la gente y no en un cenáculo de supuesta gente sabia".
"No puedo ser necio y no darme cuenta que el petróleo se va a seguir usando como energía durante mucho tiempo más para cosas que el hombre necesita, aunque sigo apoyando la utilización de energías alternativas como la solar y la eolica", agregó.
CIELO RAZZO
Rock orgánico y natural
Cielo Razzo presenta "Compost" y su cantante Pablo Pino habla de las motivaciones detrás de un disco marcado por la vida de gente común.
Pablo Leites
“La sala de ensayo, la casa en barrio República de Rosario, el fútbol, la familia y los chicos creciendo”. Pablo Pino, voz de Cielo Razzo, resume en pocos trazos el origen de Compost , sexto disco de la agrupación. Si hay que remitirse al significado wikipedista del término que titula al álbum, se puede ir más profundo. Literalmente. Compost : “También llamado abono orgánico, es el producto que se obtiene de un grado medio de descomposición de la materia orgánica, que ya es en sí un buen abono”.
De tierra somos, pero de tierra fértil. La vida cotidiana hizo crecer las canciones de ese disco editado a fines de 2010, fiel producto de un trabajo que lleva años de “compostaje”. Las cosas decantan, hasta que llegan a las letras de gente que se reconoce como laburante del rock.
“Somos trabajadores de la música, antes que estrellas de rock. La familia, los amigos, la banda... casi todo queda cerca y está relacionado. Si querés una analogía futbolera, hicimos ligas inferiores, jugamos en clubes de barrio, hicimos todo el circuito de pubs, salas y concursos de Rosario. Pero la cosa se empezó a mover cuando sacamos el primer disco, hace 10 años”, apunta Pino días antes del show de mañana en Captain Blue XL y en un rato que le queda después de llevar a dos de sus tres hijos al colegio.
“Nuestros discos siempre van a enlazar con la vida que llevamos, que es mucho más de rutinas y de marcadas cotidianeidades que lo que se podría pensar. Compost nació de eso y de algunos cambios: sala nueva, nueva gente y nuevas inquietudes respecto de nuestra vida social y familiar”.
–¿Pero reconocés que es el disco más distinto, si se quiere, de Cielo Razzo?
–Es cierto que cada disco tiene su espíritu. Somos nosotros, y al mismo tiempo no hay en Compost tanto power como en los anteriores y eso lo convierte en el más pop y oscuro de todos los que hemos hecho. Inconscientemente fue para ese lado.
–“Conexión”, el primer corte, tiene clip dirigido por vos ¿Es tu hobby?
–Salió porque había conseguido una maquina y un par de cámaras, y empecé a experimentar con programas de edición. Me entusiasmé como cuando empecé a tocar la guitarra, me gustó muchísimo. Igual, ese clip fue experimentar intuitivamente y sin darle bola a luz, maquillaje o producción... pero fue por no saber. Igual queda estéticamente acorde a cómo soy yo, medio noventoso, under y en blanco y negro. Eso sí, el próximo lo dirije Nano (Fernando Aime, guitarrista). Él estudió cine y va a quedar de puta madre, no tan a la bartola.
–Volviendo al fútbol ¿es un tema en la banda?
–Entre nosotros sí, porque somos todos de Central. Alguna vez nos trajo problemas eso, porque había gente de la barra que iba a los shows y bardeaba con los de Newell’s que estaban entre el público. Entonces, los “canallas” nos criticaban por no ser ultras y los “leprosos” por ser de Central. Al final, la rivalidad empieza y termina en la cancha, y la música está sobre todo.
GUSTAVO CERATI
El video con la última prueba de sonido de Gustavo Cerati
Anita Álvarez de Toledo subió el video con el sound check del show del 15 de mayo de 2010 en Caracas, el último antes del ACV del músico.
Pablo Leites
Anita Álvarez de Toledo, corista y amiga de Gustavo Cerati, subió a su cuenta de Vimeo un video con la prueba de sonido de un show del ex Soda que no fue uno más: la fecha es el 15 de mayo de 2010 en Venezuela, Caracas.
Efectivamente, el sound check corresponde al concierto tras el cual Cerati sufrió el ACV que todavía lo mantiene en coma, y en los casi tres minutos que dura el clip, puede verse a la misma Álvarez Toledo, a Richard Coleman y al resto de los integrantes de la banda que giraba con Fuerza Natural, además, por supuesto, a Cerati.
Ni las imágenes del entorno, correspondiente al campo de fútbol de la Universidad Simón Bolívar de la capital venezolana, ni la actitud tranquila del músico dando indicaciones y armando la lista de temas para más tarde hacían presagiar que se trataba de la última (hasta ahora), prueba de sonido.
RESCATE ESTRENA VIDEO DE "SOY JOSÉ", CON VICO C
El grupo argentino de rock cristiano y el rapero boricua lanzaron el clip de "Soy José", grabado a en conjunto en San Juan de Puerto Rico.
Agencia EFE
El rapero puertorriqueño Vico C y el cantante argentino de música cristiana Ulises Eyherabide, del grupo Rescate, firman juntos la nueva versión del tema Soy José, en el que el primero expone su pasado con las drogas.
Luis Armando Lozada, Vico C, dijo que el propósito de la canción era hacer un paralelismo con la historia bíblica de José, de Egipto, quien fue vendido y abandonado por sus hermanos y que años después, pudiéndose vengar de su familia y pueblo, elige el perdón y la reconciliación.
El artista, también conocido como El filósofo del rap, indicó que en su parte de la canción reconoce "el hombre común, de barrio y esquina" que fue adicto a la heroína, pero que no necesariamente haya estado "muerto de espíritu".
El cantante enfatizó que aunque haya personas que han experimentado cambios y recaídas por su adicción a las drogas, también hay otras que han logrado superase.
"Uno de los mensajes de la historia en la canción es que los sueños dados por Dios se cumplen independientemente lo que pase en el camino", abundó.
"La gente tiene que entender que una vida que ha llevado escándalos con drogas, lo que más se ha notado no es necesariamente lo que define" a una persona o situación, sostuvo.
Dijo que la historia de José lo llevó a entender la diferencia entre quién es, lo que hace, cómo siente y lo que le ha pasado, y responder a la pregunta más importante, quién es.
Eyherabide, por su parte, explicó que decidieron escoger a Vico C para la nueva versión de Soy José, porque el rapero boricua "está más allá de las modas o de las tendencias que ese tipo de música va ajustándose".
Además porque el corte "representa el espíritu de ambos artistas".
Reconoció que Vico C "es una persona auténtica" en lo referente a su carrera porque "no tiene nada que esconder sin utilizar una careta", sin temer a expresar sus debilidades y batallas perdidas.
La nueva versión de Soy José, incluida en el disco ¡Arriba! de Rescate, se grabó en Playbach Studios, donde han grabado otros artistas como Calle 13, Gilberto Santa Rosa, Cultura Profética, Tego Calderón y Los Cafres.
El vídeo musical de Soy José se grabó en Puerta de Tierra, sector de San Juan, y fue dirigido por el argentino Santiago Ruiz y su compañía Nacho Films.
NAGUAL: UN PACTO DE ROCK
Vanesa Spaccavento Blogrock.com.ar
Nagual es una de las bandas independientes que mantiene su ascenso sin cambiar de rumbo. Crece año a año pero se mantiene firmes a sus ideales. Ciriaco es su cantante y en esta entrevista nos cuenta un poco sobre el grupo y sobre lo que se viene para el resto del año.
¿Qué implica ser “una banda independiente”?
La independencia para nosotros siempre fue como el alma de la banda, nuestra rebelión, y como tal, lleva un excesivo cuidado y responsabilidad en elegir lugares, diseñar la gráfica, etc. Todo lo que hacemos y decimos es un reflejo de nosotros como personas y banda.
¿Si miran hacia atrás, en estos diez años, qué cosas sienten que cambiaron notoriamente?
Creo que a los largo de estos 10 años lo que más hemos adquirido es experiencia y éso es lo más importante. En cuanto a las grabaciones, ahora realizamos pre-producción en estudio de cada tema, cosa que antes no hacíamos, y en baterías trabajamos con El Bolsa como drums doctor. Ahora grabamos los discos por partes: es más caro, pero es más productivo artísticamente.
¿Cómo se describirían ante alguien que nunca los escuchó?
“Pacto de sangre” fue un disco grabado en tres partes y, por lo tanto, expresa diferentes estados de ánimo. La grafica fue toda dibujada por el Chelo (el percusionista y charanguista) y fue muy importante darle ese arte conceptual. En lo musical, es un disco que contiene diferentes estilos de música, algo que siempre nos gustó hacer, pero creo que en ese disco quedo más marcada esa visión.
Si tuvieran que elegir una canción de su discografía, ¿cuál sería?
Hoy es “Hacia la montaña”, nuestro último tema grabado. Pero de los editados, “Felicidad”.
¿Tienen ya nuevas canciones?
Sí. Nuevitas y gorditas canciones ya grabadas.
¿Está dentro de los planes grabar en breve?
Sí, en unas dos semanas entraremos a hacer la pre-producción de nuevos temas.
¿Cuándo será el próximo encuentro con el público?
Este sábado 4 vamos a estar presentándonos en el Galpón de Hurlingham y el 18, en Summmun de Lanús.
¿Cuáles son los planes para el resto del año?
Tocar, grabar, tocar, filmar y vacaciones en familia.
EMMANUEL HORVILLEUR
“La música argentina no tiene voces de la juventud”
A días de la re-presentación de “Amor en polvo” nos juntamos con el cantante que se quiere levantar a tu hermana para charlar sobre el show, la música argentina, los cantantes y la juventud.
¿Cómo se está preparando el show de este sábado 4 en La Trastienda?
Va a ser un show donde vamos a tocar temas de todos los discos. La idea es sacar 5 canciones de cada disco y después sumarle algunas sorpresas.
Siendo que ya lo conocés un poco más en vivo, ¿cómo estás viviendo la interpretación de “Amor en Polvo”?
Bueno, este disco tiene una buena incidencia de los músicos que participaron en él y las versiones han ido mejorando por la química que generamos. Tenemos ya una forma armada, como cuando hicimos el tema para el disco tributo de Los Cadillacs, donde les mandé la canción a los chicos y cada uno lo trabajó y nos juntamos y salió re bien. Eso denota que hay ya una química armada, y eso se ve en vivo también.
¿Te gustan Los Cadillacs?
Sí. No es una de mis bandas preferidas, pero me gusta. Es una banda importante en el rock nacional, desde ya, pero no se si son parte de mi influencia. Vicentico me gusta, ponele, porque tiene una voz muy notoria y personal, eso me gusta.
¿Qué buscás en los cantantes que te gustan?
Me gustan los que cantan la música que me gusta, básicamente. Lo aclaro porque ponele Pedro Aznar es un buen cantante con mucha técnica, pero no lo nombro porque no es la música que escucho. Me gustan Lucas Marti, Adrián Dárgelos, Ale Sergi, Claudio O’connor…
¿O’connor, el de Hermética?
Sí, me gusta, tiene mucha garra. Mollo o Cerati también me gustan. O Iorio… son tipos que me transmiten lo que me quieren transmitir y eso está bueno. Acá en Argentina se suple un poco la técnica, porque este no es un país de cantantes… ni de ascendencia africana… es mas argento todo. Y Mollo o Iorio tienen esa cosa más power, casi desgarrada. O el Indio, que tiene como una sierra eléctrica. Está bueno, porque imprimen su personalidad.
¿Y de la música argenta nueva que cosas te gustan o no te gustan?
Injusticias hay en todos lados y la música no es la excepción. Hay ciertas cosas que logran una trascendencia o una importancia que no tiene tanto que ver con la calidad de música, sino más bien con el trabajo o con el aguante que le pongan al proyecto. Creo que en Argentina pasa algo, que no se si es bueno, que es que a las bandas les va bien después de mucho tiempo de romperse el lomo. Estaría mejor que pudieran ganar reconocimiento desde el momento en que son buenos.
¿Y los que tienen reconocimiento ahora no son buenos?
Seguramente. Pero terminan quedando solamente los que tienen tesón… y en el arte eso no es lo principal, creo. Cuando les llega el reconocimiento a los artistas, ya tienen 30 años de carrera y ya pasaron sus mejores años musicales. Además no hay voces de la juventud tampoco. No hay pendejos. Y es re lindo ver cómo los artistas crecen, además. Mirá a The Cure, que eran horribles cuando empezaron y fueron creciendo y se fueron iluminando…
¿Y esto por qué pensás que pasa?
Es como que tal vez no hay dinero para apostar a unos pibes que, obvio, porque son pibes, no son re buenos todavía. Entonces nadie se quiere arriesgar… se arriesgan por los que ya son buenos… que tienen 30 años, fácil. Pero toda esa fuerza de inconsciencia de juventud ya se perdió ahí.
¿Tendrá que ver con que la música se absorvió por el mercado y se volvió fría y masiva?
No sé. El arte cuando es consumido por muchos, genera múltiples percepciones. Hay modas igual… pienso en las críticas musicales de hace 10 años, ponele, que te hablaban de los efectos o los amplificadores que se usaban en un disco… hoy te hablan de quién estaba en el V.I.P. La frivolización está en otros lados también.
TODO LO QUE BAJA VUELVE A SUBIR
Las grandes empresas de Internet apuestan a que la gente depositará en línea sus discotecas digitales, y cualquier fiesta se podrá organizar con apenas una buena conexión wi-fi. Colgados de la nube.
Por Federico Lisica
Los “4 Fantásticos” compiten por un codiciadísimo superpoder: la música en la “nube” de Internet. Amazon lo hizo en marzo con el anuncio de dos nuevas plataformas. El 10 de mayo se sumó Google Music. Todo indica que en junio lo haría Apple con ¿iCloud? Y Facebook estaría por saltar del muro para aprender a volar. Para explicarlo sin revolotear demasiado: se trata de escuchar música “desde” Internet –vía streaming– junto a la posibilidad de subir las canciones guardadas en el disco duro personal. Algo que ya vienen demostrando con éxito opciones distintas como Spotify o Grooveshark, y emprendimientos “argentinos” como Musicuo y Sonora. De este modo se podría disfrutar de cualquier canción –o casi– desde donde y cuando se quiera, y no se necesitaría (el potencial en estos casos es fundamental) de gigas propios en la PC, laptops, celulares de última generación y demás dispositivos móviles. Y adiós a las memorias pesadas por la discografía de un salmonero Andrés Calamaro, cada rapeo de 2Pac, el bootleg de un show ofrecido por Radiohead en Taipei y las melodías de ukulele con que Eddie Vedder hizo su nuevo disco solista. Y esto último no es chiste.
Lo llamativo es que el estandarte del cambio de paradigma en Internet (de la navegación al espacio aéreo) vuelve a ser la música. Más allá de cualquier interpretación sobre pros y contras de lo que permite “la nube” (ver nota aparte), que Amazon, Google, Apple y Facebook muestren su interés en ella –ciertamente no son avionetas– es una clara señal de que el chubasco viene cargado. A ver: empresas que en principio fueron una tienda virtual de libros, un buscador de sitios, un productor de equipamiento tecnológico y software, y... bueno, sea lo que sea Facebook, se juegan el todo por el todo en la música.
SE LA LLEVO EL TIBURON, EL TIBURON
“Si vas a una fiesta y se pincha, abrís tu portátil y vas cargando lo que querés y lo que te van pidiendo”, cuenta Esteban Lo Sasso, conductor de radio en Mega y DJ ocasional. Desde que descubrió Grooveshark, la única necesidad real para darle rienda suelta a su expertise digital y musical es que donde vaya tengan una buena conexión wi-fi. “Si bien no es ideal para un DJ, te abrís dos páginas y listo: lo que tiene de divertido es que no llevás nada encima y tenés tu playlist al que le podés ir sumando cosas”, apunta sobre este servicio al que llegó bastante temprano. Algo al margen y que le llama bastante la atención: al igual que con Goear y Spotify, no se enteró de la plataforma desde un blog especializado sino por la recomendación de residentes extranjeros en el país.
Grooveshark fue ideado en 2006, y hoy es el ejemplo cabal de todo lo que habilita la música en la nube. ¿Qué es lo fantástico? Muy simple: permite escuchar y compartir canciones, en su mayoría, subidas por los propios usuarios. Tal cual suena. No hay necesidad de suscribirse, ni de instalar un programa, y se puede utilizar con cualquier navegador. Su servicio freemium (gratuito) funciona en forma y calidad. Aunque registrándose (empleando incluso las cuentas de otras redes sociales) permite guardar listas, marcar los temas favoritos, viajar por las recomendaciones y ver los gustos del resto de la comunidad. La misma que en la actualidad cuenta con cerca de 10 millones de usuarios que les dan 60 millones de streamings al mes.
El suceso de la web con el logo del tiburón (¡ay de los programas de intercambio musical y los animalitos!) llevó a que el año pasado sea elegido como uno de los mejores cincuenta sitios según la revista Time y (ejem) lo mismo sucedió en la última edición de la encuesta del NO. Fue votada, entre otros, por integrantes de Autocine, Poseidótica, por el Mono de Kapanga y Ariel Minimal de Pez. “Grooveshark es el más inclusivo de todos los servicios de música bajo demanda en la web”, explican en el propio portal de la plataforma concebida por Sam Tarantino y Josh Greenberg.
Ambos cursaban en la Universidad de Florida cuando lanzaron su primera versión circa 2008. “Con la tecnología existente se puede facilitar el uso amigable y legal de la música”, dicen, y aseguran que Grooveshark se sostiene por publicidad y servicios premium (pagar por downloads, ringtones, etcétera). “Es una radio en la que vos elegís un canal, un grupillo, no es que está todo –marca Lo Sasso–. Hay mucho y de muy buena calidad, pero estás bastante supeditado a lo que subieron los otros. A ver: no está todo lo de The Boo Radleys, por ejemplo, y además como la gente sube todo su disco duro, a veces te encontrás con cosas repetidas o mal descriptas.” Y es cierto. Si uno quiere escuchar Pink Floyd, no se hallará ni un gemido lunar de Roger Waters. La cuestión es simple: en 2010, la banda demandó a EMI por el dinero que recibían en concepto de regalías digitales. Ganaron y casi instantáneamente todos sus temas fueron levantados de varios sitios, entre ellos, Grooveshark. La delgada línea de la legalidad que las nuevas herramientas tecnológicas se encargan una y otra vez de borronear.
Quién sabe cuándo fue que decidieron incluir en su gacetilla de prensa el comentario de @vikkambli (“Grooveshark transformó rápidamente mi iPod en un pisapapeles”). Sea como fuere, hace unos pocos meses Apple quitó la aplicación de Grooveshark de su tienda para móviles-apps. Y el pasado 6 de abril, Google emuló a la empresa de la manzanita, borrándolo de las apps para Android (su sistema operativo que funciona con código abierto). Apple no explicó las razones de su decisión, pero desde Google alegaron la violación de los términos de servicio. “Somos legales y somos el futuro”, se defendieron con una carta. Y aunque reconocieron que no cuentan con todas las licencias provistas por los sellos discográficos en la web (en total unos 13 millones de tracks) alegan que la cuestión no pasa por borrar una aplicación. Lo que se busca, insinúan, es eliminarlos como competencia.
VOLARE, OH OH...
Tal vez Grooveshark, en su flexibilidad y facilidad de uso, en su amplia ¿discoteca?, en su generosa mezcla de modelo gratuito y pago, haya dado en la tecla para el negocio de la música. Es que mientras las discográficas siguen maldiciendo por lo bajo a lo digital, salen al voleo de lo que queda. Según datos del Digital Music Report 2011, en el período 2004-2010, el volumen del mercado descendió globalmente en un 31 por ciento, mientras que la porción digital aumentó en un 1000 por ciento. Sólo en 2010, la venta de música en este formato creció un 6 por ciento y llegó a la friolera de 4600 millones de dólares. En fin, la torta se ha achicado, pero mantiene una porción más que apetecible. Hacia ella van los que están más cerca de la mesa y con los mejores cubiertos: Amazon, Google, Apple y Facebook. Y es ahí, en ese codeo por el postre, donde los 4 Fantásticos comienzan a parecerse al Big Four: la gira en conjunto de Anthrax, Slayer, Megadeth y Metallica que no deja nada tras su paso. Y eso incluye a las discográficas.
Amazon fue el que picó en punta con Cloud Drive (para música, videos, fotos) y Cloud Player (reproductor musical sólo para Estados Unidos). En parte sigue la lógica de servicios de almacenamiento como Dropbox, aunque claramente está orientado a lo musical. Lo que se publicita como gran cosa nueva es tener acceso al contenido propio de forma segura y en cualquier instancia. Para que quede claro: al estar subido a la nube ya no se necesitaría siquiera de la computadora personal. El sistema funcionaría como un depósito de lo que se bajó sin culpa alguna. El servicio es pago, aunque permite cinco gigas de almacenamiento gratuito para los que estén registrados a Amazon.
“Por ahora no estamos comentando sobre ese producto”, fue la respuesta que obtuvo el NO de los responsables de Google Argentina al preguntar sobre Google Music Beta. Y en un punto es entendible. Su propia plataforma para música en la nube funciona sólo para el mercado de Estados Unidos y se accede a ella a través de una invitación. Al igual que en el servicio de Amazon, la plataforma de Google permite subir y guardar los contenidos propios en Internet y escucharlos “desde cualquier lugar” vía streaming. “Queremos hacer la experiencia musical mucho mejor y libre de cables”, dice el correcto y anodino Chris en el video explicativo subido a YouTube (“Introducing Music Beta by Google”). El servicio habilita varias funciones: on y off line, arma listas a piacere, y claramente está orientada a las aplicaciones móviles y a la futura venta de canciones.
Pero, más allá de toda la gama de tareas, lo que resalta es la apuesta de Google de competir por la música digital. Un ámbito que Apple tenía cercado con iTunes y sus reproductores (vale apuntar que iTunes aún brilla por su ausencia en estos pagos). Mientras esta empresa ha dibujado su trayectoria con un hardware y software propios, los desarrolladores de Google apelan a la “libertad” de formatos accesibles con una simple cuenta.
El modo en el que Apple se montará a la nube todavía guarda varias incógnitas y algunas certezas. No está muy despejado que digamos. No se sabe si al emblema de la compañía le dibujarán unos bordes blancos y esponjosos, pero sí que a fines de abril desembolsaron 4 millones y medio de dólares por el nombre de iCloud. Su servicio de streaming sería presentado oficialmente en la Conferencia de Desarrolladores de Apple que se llevará a cabo del 6 al 10 de junio en San Francisco. Se descarta que será pago. Todo indica que iCloud rastreará al usuario, permitiéndole el acceso a su librería sin necesidad de transferir sus canciones.
La “gran” diferencia de Apple serían los acuerdos firmados con EMI, Warner y Sony (sólo le faltaría poner el gancho a Universal), algo que no han hecho Google, ni Amazon. Sin ir más lejos, desde Sony pusieron el grito en “la nube” porque los estrenos de Amazon no contemplan las licencias establecidas para la reproducción. Desde la compañía de Seattle respondieron que Cloud Player hace lo mismo que un gran número de aplicaciones multimedia existentes y que no necesitan hacer nuevos tratos. Según esta línea, los sellos quieren cobrar por el mueble donde uno guarda los discos y tiene el reproductor. El problema es que eso también está en vías de extinción. Todo el modelo está cambiando. Lo cierto es que Apple tendría la nube atada. Con reconocer qué canciones ha comprado, el usuario podrá permitir su ejecución vía streaming. O sea, “la nube” sería una simple metáfora de una transacción comercial. Quien ya bajó el tema estaría pagando nuevamente por su reproducción más que por colgarla o guardarla en un espacio.
El que menos pistas dio sobre cómo y cuándo se haría vapor es Facebook. Como recordó The Social Network, Facebook era “The” Facebook hasta que Sean Parker de Napster conoció a Mark Zuckerberg. Paradójicamente, ahora esta red social busca poner la música en la nube para no quedarse por detrás de la competencia. En este caso se trataría de un acuerdo con Spotify (servicio al que no se puede acceder desde nuestro país salvo que se cuente con un parche, un código y un amigo desde los países en los que está habilitado) y en una primera fase. Sí: sólo estaría disponible para aquellos países donde Spotify tiene presencia. Se habla de un icono en la parte superior izquierda de la página y que priorizaría la escucha de los amigos en una comarca que cuenta con 600 millones de usuarios. Entre tantas incompatibilidades de zona, Grooveshark sigue siendo la mejor opción para subirse a la nube musical.
Sonamos pese a todo...
“Nosotros te inyectamos música”, dice Aldana Ghioldi, responsable comercial de Sonora. Esta plataforma fue lanzada en 2009 y brinda un servicio bastante similar al que proveerá iCloud. O sea, no se sube música a la nube sino que se la ofrece desde el sitio o para el download. Otra similitud es que el espacio vinculado con Speedy y Terra tiene contratos con las cuatro discográficas ya mencionadas. “Además tenemos deals locales con Leader, Pelo y Magenta; de esta forma todo el catálogo está ordenado y nos aseguramos de su buena calidad”, aclara Ghioldi. En cuanto a sus armas, Sonora hace propio cierto lema actual: serás freemium y/o premium o no serás nada. Al modelo pago recientemente le sumaron una plataforma a la que se puede acceder sin ser socio de Speedy. La respuesta fue inmediata: 300 mil usuarios mensuales únicos. Por otro lado, pero en la misma línea, tuvieron un pico de demanda con el estreno del disco de Lady Gaga (Born this way), la transmisión en directo del show de Paul McCartney en Río de Janeiro y un aumento exponencial de conectados gracias a un concurso con Paramore. Sobre si el streaming matará al “downloadstar”, no tienen muchas dudas: “El streaming está sumando mucho, todo va todo para ese lado”.
En el medio de este furor por la música en la nube, bien vale hacerse algunas preguntas antes de que comience a llover. Realmente, ¿para qué volver a subir todo lo que ha demandado muchísimas horas en bajar y demandará nuevamente bastante tiempo? ¿Por qué habría de pagar por un locker digital cuando aparecen bibliotecas –pagas o gratuitas– mucho más amplias en contenido? ¿Se va a adecuar lo subido a las distintas plataformas físicas que uno posea? Y si viajo, ¿por cuáles filtros pasará mi nube? Y una última: a todo esto, ¿Windows no hace nada? No exactamente. Ya existía un programa de Windows Phone con la posibilidad de subir los bytes musicales a la nube. Es que, aunque no lo veamos, Bill Gates siempre está.
VICENTICO
“Me gusta aceptar los límites que me ponen las canciones”
El cantante presentará hoy en el Luna Park su cuarto disco solista, Sólo un momento, al que describe como “bastante pop”. “Puedo agarrar dos paredes y dentro de ellas buscar el infinito, la hondura; entonces me sirve, lo disfruto”, explica.
Por Roque Casciero – Pagina/12
“¿Viste Man on the Moon?”, pregunta Vicentico, ahora aliviado porque encontró el ejemplo perfecto para explicar que le parece interesante llevar a sus seguidores “a un punto en que no se sepa cuál es la verdad y cuál es la mentira”. Y vaya si Andy Kaufman, el comediante cuya historia cuenta la película que menciona el cantante, conocía eso de borrar los límites entre la performance y la vida real. “Nunca se sabía si hacía las cosas en serio o no”, retoma Vicentico. “A lo mejor lo invitaban a una entrevista por televisión y siempre era una incomodidad horrible y a la vez era muy gracioso, la gente que lo seguía se moría de risa. En una entrevista con (David) Letterman, en un momento se puso a llorar, dijo que estaba en el momento más patético de su vida, que no entendía qué estaba haciendo ahí... Y estaba actuando, pero era tan border que nunca se sabía si era en joda o en serio.” En la película se muestra cómo, tras la muerte de Kaufman, sus seguidores continuaban esperando que reapareciera para desenmascarar una broma más. “Pongo ese ejemplo porque me cuesta desarrollar sobre el tema de la verdad o la mentira”, sigue Vicentico. “A mí me sirve mucho porque de ese modo no expongo lo mío, lo que siento que es mi mundo de verdad, que es mi casa, donde estoy guardado.” Ese “engaño” mezclado con autopreservación aparece sobre todo cuando el cantante se sienta frente a un periodista, y él es el primero en admitirlo. Por ejemplo, cuando dijo que quería convertirse en cantante melódico... “A veces intelectualizo demasiado sobre cosas que son tan simples como que me gusta cantar unas canciones y no puedo evitar hacerlo”, suelta.
Si alguien cree que a este hombre le gusta alimentar la dualidad entre la persona y el personaje, pues está en lo cierto. El personaje, Vicentico, es el que esta noche se parará al frente del escenario del Luna Park para presentar su cuarto disco, Sólo un momento. Es el mismo tipo que acaba de contestar montones de preguntas de periodistas y conductores variopintos, el que viene de hacer una serie de shows en el Samsung Studio en los que desató su veta stand up, el que un poco antes disfrutó desde adentro. La persona, Gabriel Fernández Capello, es la que dice que su mundo privado le gusta mucho: “Disfruto de ser un amo de casa (risas), una señora que cuida su casa, y por otro lado tengo un trabajo, donde hago mis cositas de ama de casa, pero afuera son como mis canitas al aire. No estoy siendo muy explícito con lo que digo, pero tampoco es que lo tengo demasiado claro”.
–Da la sensación de que no sólo los demás no tienen que entender del todo los límites entre la verdad y la mentira: mientras usted tampoco lo tenga del todo claro, seguirá funcionando.
–Tal cual. Me doy cuenta de que me guío por fobias y contrafobias, que son más chifladuras mías que otra cosa, pero que las uso. El otro día fui al programa de Pettinato, en la tele, y es muy incómodo... Yo podría haber puesto cara de orto y después desde afuera se podría haber visto como “¿qué le pasa, está nervioso, se siente mal, no quiere hablar?”. Entonces uso un poco eso que me pasa, como pasó en la presentación del disco en La Trastienda (cuando se sorprendió por la presencia de Luis Majul y le preguntó si tenía miedo, entre otras bromas). Notaba que los músicos estaban recagados: era la primera vez que tocábamos en público, en un lugar con periodistas, iba a haber silencio... Entonces los miraba y pensaba: “Hagamos un happening de esto. Si hay silencio, que se extienda, que dure. Si no pasa nada, al contrario...”. Prefiero usar esa situación para un regocijo personal de algún chiste que suceda, como esa noche, o lo que sea: en un punto eso me transforma mínimamente, me hace sentir algo.
–Está muy bien lo de usar las fobias de la persona para alimentar al personaje.
–Claro, es como lo haría un actor. Aparte, para mí, el escenario musical tiene mucho de teatral.
–Su primer disco solista era más “Cadillac”, en un punto, justo cuando la banda venía poniéndose más intrincada y “progresiva”. Pero Sólo un momento es más rockero y más directo. ¿Eso tiene que ver con que haya existido la reunión de Los Fabulosos Cadillacs? ¿Reacciona contra lo que creó?
–No especialmente. Creo que, como decía hace un rato, tiene más que ver con el capricho del momento, con lo que me gusta. Este disco, por ejemplo, está muy marcado porque me junté con Cachorro (López) para hacerlo. Sé hasta dónde puedo llegar con él y me gusta aceptar ese límite. Incluso me gusta el límite que tienen las canciones al decidir hacer un disco de pop rock. Para mí es un disco medio pop...
–Pero hay temas con ritmos bien rockeros, incluso del rock de los ’50.
–Sí. Básicamente, los temas en los que yo toco la batería son rockeros, porque no puedo hacer más. Pero ese límite que tiene la canción pop, de estrofa-estribillo-estrofa-estribillo, y tres o cuatro acordes, y el límite que puede poner un tipo como Cachorro... Si yo hubiera querido ir más allá, ponerme medio hardcore o lo que fuera, él no iba a poder hacerlo. Y no porque no sepa, sino porque no está dentro de su... Bueno, ese límite me encanta, lo disfruto. Puedo agarrar esas dos paredes y dentro de ellas buscar el infinito, la hondura; entonces me sirve, me gusta.
–Glorioso límite, entonces.
–Sí, es buenísimo. También pienso en que puedo hacer un disco sin límites, y creo que en algún momento me va a gustar hacerlo. Sin un productor, sin nadie que vaya a ofenderse, aburrirse o molestarse. Cuando hago un show también pienso que no quiero aburrir: quiero tocarte un poquito, no tocarte todos los temas nuevos o hacer solos. Esas cosas no me gustan... en este momento. Entonces, todos esos límites, incluso pensar en el otro, me dan como una buena piscina cerradita, que no es un océano, pero que tampoco tiene fondo.
–En el disco, ya desde el título, hay un tema subyacente que es el del paso del tiempo. ¿En qué lo nota? ¿Pretende combatirlo?
–Me parece que es bastante más que una referencia en el disco, porque es un tema que me interesa. Me interesa como “no tema”, en realidad, como “no cuestión”. No sé si ponerme muy filosófico...
–¿Por qué no?
–Bueno, tampoco es una filosofía de alto vuelo. El tiempo, en verdad, no existe como cosa: a veces es rápido, a veces es lento, a veces ni siquiera es. Y la música, sobre todo, es algo que detiene el reloj, por momentos. Sobre todo grabando discos: uno se da cuenta de que pasa el tiempo. Cualquier músico va a decirte que entra al estudio y de repente se da cuenta de que se hizo de noche. Pasan las horas y uno está clavado en una especie de limbo eterno, que es no pensar, usar un lenguaje en el que no está tan involucrada la mente. Entonces, el tiempo sí da vueltas alrededor de mis canciones... Vuelvo a pensar en la idea de los límites, que parecería todo lo contrario a lo que estamos hablando; pero dentro de esos límites hay como un tiempo ilimitado: puede ir rápido o lento, te sobra el tiempo...
–Su amigo Andrés Calamaro siempre habla de componer canciones que detengan el tiempo. ¿Es un objetivo de todos los músicos?
–Creo que sí. Cualquier lenguaje que no sea el hablado trata de eso, de sacarte del mundo y, por ende, del tiempo.
–¿Con cuál cree que lo logró o estuvo más cerca?
–No sé... Por ejemplo, “CJ”, que está en La marcha del golazo solitario, está bastante cerca... Porque una canción no es sólo la melodía que se te ocurrió y la letra que escribiste, sino cómo está llevada por los músicos, el ambiente, el clima... Son muchas cosas que tienen que darse para que la canción dé en el clavo. Y siento que ésa está bastante cercana a dar en el clavo. Y en este último disco hay un par que tienen clima...
–“El rey del rocanrol”, por ejemplo.
–Claro, claro.
–¿Se ve a usted mismo en la situación de ese rey del rocanrol al que se le termina su acto y se va a descansar para siempre?
–¡Obvio! No me vi así, pero veo que es el futuro, mío o de cualquiera. La canción también habla de personas que no son reyes del rocanrol... O tal vez todos seamos reyes del rocanrol, en algún sentido. Igual, si tuviera que poner uno... Salió por ahí que había sido por lo que le pasó a Gustavo (Cerati), pero yo había escrito antes la canción. Justo cuando estábamos grabándola pasó lo de Gustavo, increíble... Y quedó como que fue escrita para Gustavo, hay muchos videos en YouTube con imágenes de Gustavo y la canción... En realidad, cuando hice la canción, en el que pensaba era en Keith Moon (baterista de The Who), que es...
–¿La encarnación del rey del rocanrol?
–Sí, y de la diversión, del paso por la vida con alegría y todo a la vez. Y que en un momento decide apagar el velador y se termina. La otra imagen que se me viene a la cabeza con esa canción es que cuando yo era chico, como mis viejos son artistas, me pasé toda mi infancia en teatros, a la noche, esperando que se terminara la función. Mi diversión era salir después a revisar el piso, a levantar lo que se le caía a la gente. Encontraba de todo: guita, caramelos... Siempre me quedó esa imagen del teatro vacío, después de la función. La imagen es recursi, pero es fuerte porque es un lugar donde hubo una magia tremenda y después sólo quedan unos restos, caramelos o lo que fuere, que son como fosforitos encendidos de esa luz.
–La canción tiene una conexión con “Cuando ya me empiece a quedar solo”, de Charly García, ¿no?
–Sí, ¡tal cual! Es ese estilo de idea.
–Usted dijo que este disco era como un nuevo comienzo. ¿Eso es lo que renueva las ganas?
–En algún sentido, siempre es como arrancar de nuevo. Los Cadillacs cerraron algo, en el sentido de lo espectacular que fue para todos emocionalmente. Entonces, hacer un disco yo solo es como muy chiquitito al lado de eso. Es lo contrario en todo sentido: en lo musical y en lo emocional, porque fue un reencuentro tan espectacular que empezar solito de nuevo es como dejar todo eso y de vuelta ponerse el overol, a trabajar...
–¿Extrañaba algo de ser solista? ¿La toma de decisiones?
–No, para nada. Sólo para admitir que me pasó en algún momento, diré que me sucedió la primera vez que paramos de tocar, porque al principio tenía la fantasía de “ahora estoy solo, decido yo, voy adonde yo quiero, hago las canciones que yo quiero”. Y después me di cuenta de que tampoco era para tanto: con el tiempo se transformó en un trabajo normal, de hacer las cosas solo, me acostumbré. Pero cuando volvieron los Cadillacs fue una alegría total, porque no tenía que escribir todas las canciones, podía regocijarme con las canciones de otro...
–¿Y por qué no seguir con eso, entonces?
–Bueno, porque encontramos un modo muy grosso, familiar e intergrupal, de vivir la magia, de vivir la vida como gente a la que no le importa nada: acá paramos, acá seguimos... Todo alrededor de un capricho que es vivir muy bien, de no ser enfermos de seguir dos años más dando vueltas por el mundo. Porque es muy divertido, lo pasamos muy bien. A veces nos encontrábamos, no sé, en Nueva York, tocando, y encima llenando un lugar, y era tan divertido... Nos dábamos vuelta y veíamos a toda la familia, a nuestros hijos jugando entre ellos, los camarines llenos de amigos. Es una vida muy hermosa. Pero también nos dimos cuenta de que lo que nos pasó antes fue que exageramos con eso y que llega un punto en que te empieza a limar la cabeza, a ser una vida demasiado pop como para aguantarla mucho tiempo. Entonces está bueno frenar, darse cuenta de que también es lindo bajar, tocar en lugares como el Samsung, hacer nuestros discos y encontrarnos sólo a hablar boludeces y a pensar cuándo será que volveremos. A lo mejor pueden pasar cinco o seis años... Pero nunca tuvimos una relación tan franca como la que tuvimos esta vez y eso es lo más importante para todos. Hay una relación de franqueza y de cariño verdaderos que no está mezclada con la vida pop.
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