“BRILLA OSCURO”, DE CHARLIE3
Charlie 3, banda de raíces punk skaters formada en 2002 (siguiendo su primer proyecto Charlie Brown desde 1997) por Pablo Florio -batería-, Martín Dócimo -guitarras- y Esteban Zunzunegui -voz y bajo-. En Marzo de 2010 editarán su tercer dis
co de estudio “Brilla Oscuro”.
Grabado y coproducido artísticamente con el reconocido Alvaro Villagra durante 2009 en estudios Del Abasto al Pasto. Es un disco de sonido contundente y gran variedad de estilos, donde experimentan composiciones más rockeras y de sonidos pesados, punks rabiosos y hasta baladas con instrumentos acústicos.
El concepto del disco es el del crecimiento interior y los profundos cambios que se producen durante el pasaje de niño a hombre en cada persona. Esta mezcla de sentimientos se refleja en letras auto reflexivas y criticas del mundo y la sociedad como se acostumbra encontrar en los demás discos de Charlie3. La grabación del disco contó con la participación musical de María Fernanda Aldana (El otro yo), una experiencia musical y personal impresionante en cuanto a lo humano y profesional.
También colaboraron el Bolsa González (Pappo) como productor de baterías y Miyo Miglioranza (La renga) como productor de guitarras. Además de la producción artística realizada desde meses antes de entrar a estudios, Alvaro Villagra colaboró musicalmente con pianos y otros instrumentos en varias de las canciones del disco.
Actualmente la banda prepara el arranque de gira con un show en el Roxy Live el 24 de Abril mientras rota en los principales canales de música el primer corte en video clip del disco: “El vidrio”, realizado por el estudio Ronda. Concepto del disco Cada disco de la banda describe un poco las sensaciones que nos van pasando como personas y como artistas en los años que pasan entre un disco y otro.
Cada trabajo tiene una bajada literaria profunda y real. Esta vez contamos las diferentes sensaciones que vivimos en una etapa de la vida donde se crece, se comienza a ser hombre y se deja de ser niño. La transición natural de la vida de un hombre que deja de ser niño para que nazca en su interior el ser adulto se encuentra con la felicidad de madurar y las inseguridades de abandonar el lugar conocido y por ende cómodo en el que se encontraba.
El fin y el comienzo de las etapas y el secreto de los sentimientos encontrados durante esta etapa de la vida se ven metaforizados en visiones críticas de uno mismo y del mundo y la sociedad en general. El concepto del disco trata al ser único como desdoblado en niño y en hombre, donde uno habla con el otro como si fueran personas diferentes. Donde cada uno aporta al otro lo que sirve para seguir caminando juntos el sendero de la vida adulta.
JORGE SERRANO PRESENTA “ALAMUT”
Jorge Serrano integrante de Los Auténticos Decadentes saco el año pasado su primer disco solista llamado ALAMUT y cuenta con gran simpatía sobre este material.
El disco contiene 10 canciones que nos hacen tomar conciencia y bailar alegremente al mismo tiempo. Este maravilloso compositor grabo casi todos los instrumentos entre ellos; guitarras, violín, flauta traversa, sintetizador, y theremin. La idea del álbum es que tuviera ese espíritu amateur de los principiantes. Según cuenta Jorge, son canciones que nunca lograron salir en algún disco de Los Auténticos Decadentes, pero que siempre le gustaron mucho.
El arte de este disco fue hecho por el mismo Serrano, contiene fotografías muy interesantes de objetos que tiene en su casa.
El primer corte de este disco es “Fósforo”, canción donde habla de una analogía de una persona que un día dio todo lo que tenia sin recibir nadie a cambio y fue olvidada.
El segundo sencillo será “Emociones Negativas”, la cual habla de la gente voluble que necesita controlar emociones negativas.
“Celular”, habla de lo inoportuno que puede ser un celular cuando se esta con esa persona especial a compás de una linda guitarra y un suave violín.
“Lóbulo Frontal”, habla de cómo hay que pensar las cosas antes de actuar y que el futuro es responsabilidad de cada quien.
“Dame La Mano”, es una canción romántica del disco.
“Todo Lo Están Filmando”, trata de cómo el tomarse una foto implica posar y ser alguien distinto a uno y que cualquiera te suba a su computadora para verte a cada rato.
“Abismo”, es sobre cuando uno se siente apunto de estallar pero no se nos nota, aunque por dentro nos devore un abismo.
“Hay Que Cantar y Bailar y Reir”, habla de que la vida se pasa mejor siendo feliz y no amargarse por nada
“Tímido”, es sobre alguien que no se une a los grupos de gente, qué prefiere ver y que no lo vean.
¿Que piensan los Decadentes de tu faceta de solista?
La verdad me apoyan mucho siempre me habían dicho que por que no hacia un disco solista, de hecho el disco se presentara dentro del show de Los Auténticos Decadentes, no les abriré el show, si no que estaré justo en el show de los Decadentes presentando Alamut.
¿Qué significa Alamut?
Es el nido de águila, es donde nacen mis canciones.
¿Qué es este disco para ti?
Es un placer y no una expectativa, la única expectativa creo que sería que guste.- Finalizo Jorge.
“PANTANO PICANTE”, INCLANFUNK
Nuevo CD de Inclanfunk
Al circuito funk de Buenos Aires van a saltarle los tapones. Alguna vez tenía que pasar. Alguien tenía que preguntarse si el funk latino podía ser otra cosa que algo parecido a James Brown o Jamiroquai interpretado en castellano. Pantano Picante, de InclanFunk, es esa pregunta hecha disco.
inclafunkAunque sus shows son la clásica fiesta de baile donde escenario y pista parecen lo mismo, InclanFunk sacó al género de sus límites. En esta banda el funk no es el fin, ni siquiera es el medio, es el comienzo. Se apropiaron de él, lo hicieron carne y lograron convertirlo en la plataforma de despegue para expresarse desde su propio lugar.
Pantano Picante tiene una tapa con la que vuelve a valer la pena tener un disco entre las manos. No es un dato superficial, lo real del objeto en sí, expresa también lo real de la banda: el hallazgo de un sonido que no busca la protección de las fórmulas ya comprobadas por los matemáticos de la música.
Pantano Picante será presentado el sábado 3 de julio en Niceto Club.
Luego de 8 años de trayectoria, InclanFunk continúa en su camino en el que fusiona el rock, el groove del funk y el hip hop, con lo que crea una poderosa mixtura con fuerte proyección nacional e internacional (la banda ya ha girado por Inglaterra, Francia y España).
Pantano Picante cuenta con la producción artística de Lito Castro (Hilda Lizarazu), que refuerza la calidad y la potencia musical de la banda. El diseño artístico de la tapa fue realizado por Estudio Cinco.
InclanFunk está integrado por Luciano Campodónico en voz y bajo, Diego Bergesio en guitarra y voz, Erico Shick en bajo y voz, Lito Castro en teclados, Amílcar Vázquez en guitarra y Andrés Conte-Grand en batería.
Más información en: www.myspace.com/inclanfunkmusic
PEZ: EL CAMPEÓN MORAL DEL ROCK
Ariel Minimal dice que su grupo Pez es como el Huracán de Cappa: “Casi campeonamos, pero también coqueteamos con el descenso”.
Ariel Minimal, líder del grupo Pez, no tiene agente de prensa y, ante el reciente lanzamiento de un disco, él mismo llama a
En el primer contacto hubo una puesta al día que llevó al club de sus amores, Huracán, y al campeonato perdido a manos de Vélez. Y en el último, una analogía entre ese club y Pez, sugerida por el periodista. ¿Acaso no se trata de los campeones morales del fútbol y el rock, respectivamente? ¿Acaso Pez no es la versión rockera del tiki tiki de Don Ángel? “Comparto el punto de vista y al mismo tiempo lo considero un auténtico delirio –confiesa Minimal–. Pero lo admito, yo hago analogías futboleras también, y ésta es válida. Tenemos buenas intenciones, y eso nos lleva a estar en los cielos o a descender en el campeonato posterior. Tal como le pasó al Globo con Cappa”.
La obra que encendió este intercambio se llama Pez y es más directa, se saca el lastre “progresivo” y encierra un manifiesto involuntario. Se encuentra en el tema Vamos, donde el personal se rebela contra un “manual de instrucciones”. “Es una letra de rock, no se la puede interpretar literal. De todos modos, sugiere que no hay una fórmula fija para nada, que el rock no es una receta de Doña Petrona. Cualquier cosa que sea preestablecida, debemos cuestionarla”, despacha Ariel.
–Pero concedeme que Pez es una banda asociada a lo progresivo, a lo sinfónico.
–Nos han llegado a decir cosas horribles al respecto. Lo veo así, desde el disco pasado, El porvenir (2009), que tenemos un acercamiento a algo más simple. Cualquier preconcepto nos molesta. No queremos ser abanderados de nada. Mucho menos, del algo que llamaron el neoprogresivo nacional. Siempre hicimos lo que se nos cantó. Porvenir y éste, están más cerca del punk rock que del progresivo. El rock está lleno de cajoncitos en los que no cabemos. Somos una banda de rock & roll que toma elementos de millones de sus subgéneros. Apenas eso.
Minimal exalta la costumbre de tener berretines, de perderle el miedo a ser diletante: “Es que esto no es fútbol, donde está mal visto cambiar de equipo a mitad de temporada. La música te lo permite todo”.
Otra canción de (el disco) Pez se llama Cassete. Viniendo de un cuarentón consagrado a la cultura rock y amante de los formatos tangibles, puede apreciarse como una reivindicación. Minimal desalienta: “No hay una nostalgia tanguera. El tema habla de encontrar en un casete una carta grabada que dispara sensaciones de 1986. Con respecto a los formatos, no importa qué piense cada uno. Es inevitable que la gente baje música de Internet”.
–¿Te ganó la resignación?
–Hay un nuevo escenario y hay que analizar qué tiene de bueno. Lo bueno es que hay un montón de gente que, quizá, no entraría a una disquería a pedir un disco de Pez. Googleando o Taringueando llega al disco de una. En mi caso pega así, ayer me bajé dos discos de Cheap Trick, los escuché cinco minutos e inmediatamente salí a comprarlos.
–Volvió Flopa, Manza, Minimal. ¿Son responsables del rebrote de canción de autor?
–Eso dicen los analistas. Lo hicimos primero y después surgieron cantautores de abajo de las piedras, sí. Pero no sé, no creo que hayamos inspirado nada. Cromañón generó las condiciones.
MARIO IAN: "ESTA ES MI MEJOR ETAPA"
Entrevista con Mario Ian, uno de los verdaderos históricos del heavy metal argentino, líder de la banda que lleva su apellido.
Mario Ian es uno de los pocos sobrevivientes de los años dorados del heavy metal argentino (léase década del ochenta) que aún siguen dando batalla. Hellion, Alakrán y un intenso paso por Rata Blanca a mediados de los noventas (grabó el disco Entre el cielo y el infierno) son sus pergaminos, para terminar con el proyecto solista que lleva como nombre su apellido, IAN. Lo acompañan otros notables del género, como Gustavo Rowek (baterista de V8 y de Rata Blanca en la época mas gloriosa) y Sergio Berdichevski (otro ex roedor).
“El primer disco de IAN (“En tiempos de redención”) lo compuse todo yo, en el segundo va a haber una apertura, componen todos. Va a ser una continuación del primer disco pero con la colaboración de todos. Va a tener otro color.”
Los músicos, sobre todo los dos ex Rata Blanca, al principio estaban en calidad de sesionistas y hoy son parte activa del proyecto. "Ellos estaban con Nativo, era su banda y le ponían toda la energía a ese proyecto, cosa que siguen haciendo. Pero les fué pegando cada vez mas lo que pasba con IAN, asi que de forma espontanea se fueron involucrando y componiendo, más con un concepto de banda que mi grupo solista”
Entre los planes a corto plazo que tiene el cantante se encuentra el regreso de Alakran, banda de culto que integró la segunda generación del metal argentino, junto a Rata Blanca, Kamikaze y Lethal.
“Estamos preparando un show para el 24 de julio en el Teatro de Colegiales, haciendo las cacniones de los dos discos que grabamos con Alakrán, y vamos a grabar un DVD en vivo, para que quede un testimonio de lo que era Alakran en vivo, ya que nunca pudimos editar algo digno. Es un gusto que nos queríamos dar. Vamos a hacer ese show y casi seguro que una girita por Rosario y Córdoba. La formación va a ser con Walter Curry en guitarra, El Griego (baterista que grabó el primer disco) Hernán Cotello en bajo y El chino Retamozo en teclado (ex Rata Blanca)”.
El ausente notable de esta vuelta será Yulie Ruth (bajista original e integrante de la banda de Pappo en los últimos años) “Yulie se subió a su pony y no se quiere bajar” ironiza el cantante. Repasando el legado artístico que tiene sobre su espalda, aparece la imágen de Hellion, banda con quien compartío escenario con los mismísimos Barón Rojo en el estadio Obras. “Hellion fué una de las primeras bandas de heavy metal de
- ¿Que balance hacés hasta el día de hoy? ¿Te considerás un tipo exitoso?
- Quizás comercialmente no estoy conforme con lo que hice en mi carrera, me refiero a ventas de discos o masividad. Pero para mi es un éxito tener gente que todavía me sigue después de 20 años, y que entiende perfectamente lo que hago, en eso me siento exitoso, en poder permanecer y perseverar. He tenido muchas frustraciones, fracasos, y tambien éxitos, y las crisis sirven para levantarte, confirmar ti identidad y mejorar tu arte. Por eso me siento exitoso, sigo después de 25 años haciendo heavy metal, una música que no es para nada condescendiente ni oportunista. Yo me siento mejor que nunca, esta es mi mejor etapa, cantando y componiendo mejor que nunca en mi vida.
SKAY PRESENTA EN VIVO SU NUEVO DISCO
Acompañado de su banda Los Seguidores de 
El músico lanzó hace poco tiempo "Dónde vas", un álbum conceptual que tiene más de un punto de contacto con Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, gracias a un lujoso y personal packaging realizado por artista plástico Rocambole.
Tal como señala el nombre del conjunto que lo acompaña, en este cuarto álbum se pueden palpar ecos espirituales y mágicos, aunque sin abandonar los riff rockeros que lo hicieron un figura única en la escena local.
Estas canciones, junto con lo más destacado de sus producciones anteriores y algunos temas de su anterior banda, sonarán el sábado 5 de junio a las 19 en Estadio Cubierto Malvinas Argentinas, en Gutemberg 350.
El afianzamiento del camino solista del músico, y el anuncio de la inminente salida del tercer disco de Carlos "El Indio" Solari, aleja de este modo mucho más el sueño de muchos fanáticos que quieren que Redonditos vuelvan a tocar.
LOS VIDEOS INÉDITOS, BORRADOS
Una quincena de canciones registradas en el show de Racing, en 1998, habían aparecido “de la nada” la semana pasada y fueron ampliamente difundidos a través de las redes sociales. Por la calidad del material, por la cantidad y por la ubicación de las cámaras se descarta que sean registros particulares, sino más bien una producción “oficial” de la banda.
Lógicamente, otros usuarios volvieron a subir partes del show, que probablemente correrán la misma suerte que los anteriores. Vale aclarar que ediciones pirata de estos shows están hace años en manos de coleccionistas y fanáticos.
Este material fue el centro de un inédito cruce público entre Indio y Skay, allá por agosto del 2009. En una entrevista concedida a
LOS REYES DE
El regreso de Aeroblus con Chizzo en lugar de Pappo (¿Chizzoblus?) y los nuevos discos del Tano Marciello y El Bordo llevan la lupa del Sí! a los caminos del rock duro.
CLAUDIO “TANO” MARCIELLO
"Mis viajes son como documentales". Que me perdonen los chicos de El Bordo pero sólo los conozco de ver la publicidad de ellos. Nunca los vi en vivo ni escuché nada del grupo... Me parece impresionante que Alejandro Medina vuelva a los escenarios. Aeroblus fue una banda de avanzada. Hasta nos invitaron a tocar en el tributo al grupo.
En San Justo, los rayos matinales iluminan esa guitarra con la cual Claudio Marciello da vida a cada acorde que nutre las páginas del libro del metal argento.
Sus padres, de origen italiano, traían la música con esas valijas cargadas de sueños que llegaban al Puerto de Buenos Aires. "Estaban las canzonettas donde contaban la historia y costumbres de su pueblo y a mí eso me despertaba interés por las voces armónicas que hacían", dice un Tano familiero, que acaba de editar su tercer disco solista: Identificado. En el álbum participan su hija Melina (es baterista), David Valencia -el hijo de Bin, batero de Almafuerte- y Adrián Espósito (hijo de Juan Espósito, el mítico batero de El Reloj). "La tapa del disco rescata el espíritu artesanal de los '70. Estoy dibujado adentro de un árbol: mis raíces son acá".
Pero volvamos a su génesis musical... Un tío de él (Franco) acompañaba esas viejas canzonettas con su guitarra y un día le dijo a un pequeño Claudio que le alcance el instrumento: ahí nació la pasión. "La saqué de un estuche, con pana roja en su interior, tenía clavijero de madera. Y sentí que algo se despertó en mí", recuerda el guitarrista.
Con 8 años, mientras miraba el mítico programa Sábados Circulares, quedó fascinado por el prodigio jazzero del chaqueño Oscar Aleman. "Usaba la guitarra como un yo-yo y despertó en mí las ganas de jugar a lo más maravilloso del planeta: tocar la viola", se sincera este guitarrista de 47 años.
Empezó a sacarle sonidos al instrumento mientras imitaba a su hermano Pablo, que allá por 1970 ya tocaba canciones de Credence Clearwater Revival y The Beatles, un flash para Marciello. "Los mejores momentos de mi vida fueron junto al instrumento. Siento que no invertí tiempo en esto. Es mi vida, un viaje mágico", dice tan apasionado como cuando se compró su primera viola eléctrica a los 14 años, mientras aprendía el oficio de carpintero y alternaba como peón de albañil. Y de noche estudiaba.
Autodidacta, Claudio desarrolló el oído y aprendió escuchando a violeros como Eddie Van Halen, Gary Moore, Steve Morse, Jimi Hendrix, Jeff Beck, Paco de Lucía, entre otros nombres que se apilan en su mente para construir al guitarrista que pasó por Tronador, El Reloj y así amasó de a poco el sentimiento por cada riff.
A un tal Ricardo Iorio lo conocería en 1983, en la casa de Norberto "El Loco" Boogie mientras V8 ensayaba para hacer de soporte de Barón Rojo. Y años después se aliaría a muerte con el histórico bajista que formó V8, Hermética, para terminar tocando en los once discos de Almafuerte. "Valoro la sinceridad de Ricardo. Con él no me guardo nada y él tampoco conmigo. Hemos discutido, pero si algo no me cabió se lo digo personalmente, de frente. Eso sí, nunca tuve un contrato con él, sólo hacer música juntos", explica.
Marciello hurgó nuevos rumbos musicales, quizá "más rockero que metalero" (así se define él) y también buscó un gesto ideal para con los músicos que lo ayudaron. Y grabó Puesto en Marcha (2001), su primer disco solista con un equipo de lujo: El Carpo, León Gieco, Chizzo, Ricardo Iorio, Flavio Cianciarullo, Omar Mollo y Rubén Patagonia, entre otros.
El Tano primero construye la canción y en base a la melodía, la tararea y así surgen las palabras. "Muchos me insistían para que cante, así que para el segundo en solitario (De pie, 2004) entré al estudio y me pintó cantar. No se me complicó tocar la guitarra y cantar al mismo tiempo", agrega.
-La mayoría de los guitarristas grossos del rock y el metal tienen más de 40 años. ¿Hay escasez de guitar-heroes locales?
-Porque no tienen creatividad, es todo un marketing. Lo mío fue ser un guitarrista y hacer mi música, escuchar a otros violeros para disfrutarlos no para copiarlos.
-¿Qué te inspiró para empezar a escribir las letras?
-Viajando. Mis viajes son como documentales. Caer un día en la estancia de El Pino y aprender sobre la batalla de los querandíes y conocer así el comienzo de la historia del partido de
-Tres discos solistas, una carrera de casi 25 años, ¿qué falta?
-Se está armando lo nuevo de Almafuerte (NdeR: saldría a fin de año) y tengo pensado grabar un disco con bandas de todo el país. Es un proyecto donde yo hago sus canciones, como invitado,
-¿Con qué te identificás?
-Con los que habitan un pueblo y se levantan un día y no pueden ir al río porque está alambrado.
AEROBLUES
Por: Nicolás Igarzábal Especial para el Suplemento Sí!
"Tocamos a una velocidad espérmica". De El Bordo escuché su versión de 'Una casa con diez pinos', muy linda. Suenan bárbaro (Medina) Son una muy buena banda (Chizzo).. Sin dudas, el Tano es un guitarrista espectacular, con la virtud de haber creado un estilo (Medina). Es un verdadero maestro (Chizzo).
Me preguntas por 
ké / en el cielo sólo nubes ves". La letra de Nada estoy sabiendo cuelga en una de las paredes de la sala de ensayo, en la casa de Alejandro Medina, en Morón. Están los 10 temas de Aeroblus escritos a mano con letra bien grande. "¿Vamos con ésa?", se entusiasma el bajista cuando le tocan la intro de guitarra de Completamente nervioso. Chizzo la canta relojeando las cartulinas y su timbre de voz calza perfecto con la canción (podría pasar como una de Truenotierra). Después Medina entona Tema solísimo y también se luce. A sus espaldas está pegada una tapa del Sí! con la cara impresa de Pappo, un homenaje de
El 28 de mayo, en el Teatro de Flores, Medina, Nápoli y el baterista Rolando Castello Jr. van a recrear el primer y único disco de Aeroblus, grabado allá por 1977, cuando Pappo volvía de Inglaterra más heavy que nunca (¡venía de zapar con Motörhead!). "Era una época muy pesada, ya estaba Videla. Había mucha música tranquila, estaba de moda PorSuiGieco y nosotros no encajábamos", recuerda Medina. Pero este año, tres décadas después, apareció una suerte de revancha: "Una noche me llamó Rolando y me dijo que iba a venir unos días a Buenos Aires y yo le respondí que teníamos que armar algo acá". Y enseguida pensó en el cantante de
-¿Ya habían compartido algún escenario?
-Sí, una vuelta que hice un homenaje a mis grupos en Hangar. Vino Pappo,
-¿Qué lugar ocupa Aeroblus en tu vida?
-Siempre toqué temas de Aeroblus con mi banda (Medinight Band). Lo mantuve vivo porque lo amo. Es una música maravillosa, un disco increíble. Con Pappo nos conocíamos desde chicos, siempre andábamos juntos y vivimos muchas aventuras. Fue como un maestro para mí.
-¿Qué expectativas tenés?
-Todas. Sonamos muy bien, tocamos a una velocidad espérmica (sic). ¿Viste la velocidad que tienen los espermatozoides? Aparte tocando Aeroblus, el Carpo está ahí, siento su magia. Después vamos a incluir temas de Manal y de
El que toma la posta ahora es Chizzo. O sea, donde antes había un Napolitano, ahora hay un Nápoli. Empieza devolviendo gentilezas: "Medina es todo un prócer del rock nacional y es un bajista excelente. Siempre me copó Manal y Pappo's Blues, los escuchaba de pibe". Y agrega: "Está buenísima la movida de Ale porque va a ser un encuentro de generaciones. Aeroblus es una masa, ese álbum siempre me gustó. Es un disco de cátedra de rock, una obra maestra. Se merece este tributo".
-¿Cómo tomaste la invitación al proyecto?
-
Fue un shock total, una locura. Ale vino un día a buscarme a nuestra sala de Ezeiza y me contó que iba a venir el baterista de Brasil, que estaba la oportunidad de hacer Aeroblus. Me sedujo la idea, meterme dentro de otro mambo que me sacude. Me embarqué y fue un flash.
-¿Vas a cantar los temas vos o Alejandro?
-Algunos él y algunos yo.
-¿Cómo te sentís en ese rol?
-Bien, bárbaro, qué sé yo. Con
-¿En qué etapa están? ¿Se puede adelantar algo?
-Estamos trabajando los temas, algunos ya están grabados y otros están saliendo. Estamos en plena cocina. Ojalá salga este año.
Chizzo se escabulle en la sala, cuelga la campera de cuero y se pone a afinar la guitarra. Claudio Rodríguez (invitado) lo ayuda con los arreglos de viola. Javier Boleda está reemplazando a Castello Jr. hasta que llegue de Brasil. Son cuatro en la habitación. Se prenden los amplificadores, Medina hace una seña a los músicos y, otra vez, como hace 33 años, vuelve a tronar ese grito de batalla: "Aerobluuus/ ¡Vamos a buscar la luuuz!".
EL BORDO
Por: Silvina Marino para Suplemento SI de Clarín
"Como banda somos coherentes". El Tano tiene una versatilidad increíble. Un músico de su categoría en Argentina es un lujo para los que intentamos seguir los pasos de los maestros. . Medina es el Maradona de los bajistas, uno de los mejores de la historia. Que el Chizzo se prenda habla de la afinidad que tenía con Pappo. Es algo imperdible.
El Bordo es el anfitrión en Almagro. La casa de Ale Kurz a pasos de la avenida Rivadavia tiene un clima de reunión familiar tana de domingo: picada, vino, fideos de fábrica de pasta y salsa casera que prepara el cantante.
La casa de Ale tiene ambientes pro-sonido: los vinilos que jerarquizan el living, la bandeja y el home-theater en un dormitorio, los instrumentos musicales en otro. Ahora, la banda de sonido es lo último de Pearl Jam ("somos fanáticos"). La situación festiva gira en torno a Historias Perdidas, Capítulo 5, el nuevo disco del grupo después de tres años.
La historia de Historias... dice así: una pareja fue desaparecida por la dictadura. Se separaron. Y se unieron, veinte años después. Es real, aunque sólo funciona como fuente de inspiración del disco. "No sé si es una ópera rock, porque a los temas los teníamos de antes. No es como Tommy o The Wall".
-¿Quiénes son los personajes?
Ale: -La protagonista es la mamá de una amiga cordobesa.
Diego: -Son Cristina y Federico. Lo que contamos es el desencuentro entre dos personas.
-"Yacanto" era un disco más urgente, batería al palo, hard rock. ¿Qué los llevó a buscar estos nuevos sonidos y texturas?
Pablo: -Se dio por el tiempo que tuvimos para trabajarlo. Entonces, queríamos algo rápido, que te pegue una piña en la cara. Ahora es algo más relajado.
Migue: -Acá, en un mismo tema tenés distintos climas. Además, fuimos a propósito al estudio con temas para armar ahí. Así surgieron la acústica y el banjo en Río o el cello en Desaparecer.
-Tienen un track oculto símil "Her Majesty" en Abbey Road. ¿Es para quitarle dramatismo?
Todos: -Sí, totalmente. Había mucha letra, mucho contenido. Y lo último es para distender.
Si los temas narran con densidad y algo de abstracción la historia setentosa, la estética está a tono: una caja de disco con forma de cinta abierta Geloso que desestructura la pila de cedés con su forma rectangular. Aunque también hay una versión económica común y una posible edición en vinilo. La novedad es la producción de la banda compartida con Alvaro Villagra y los músicos invitados, como Andrea Prodan, que había tocado con El Bordo en los shows de los diez años de la banda. "Andrea nos conoció en la sala de ensayo. Estábamos tocando temas de The Who y entró. Se quedó a un costadito y se puso a cantar los temas con nosotros". -La forma de proceder de
Migue: -Nosotros tocamos donde nos sentimos cómodos. Y uno de los grandes aprendizajes es que cada cual tiene que hacer su camino. Aunque nosotros empezamos cuando ellos estaban ahí arriba. Obviamente, en su momento, ejercieron su influencia como en cualquiera del público. Ale: -Tratamos de ser coherentes con lo que pensamos. Pero eso no quiere decir que no nos contradigamos, porque día a día vas evolucionando. O cambiando. Aunque, como grupo, sí tenemos siempre una coherencia.
-¿Les parecería terrible tocar en un Quilmes Rock?
Migue: -Para nada.
-¿Y en fiestas privadas?
Migue: -Tuvimos un montón de propuestas, hasta de fiestas de quince. Y muchos amigos nuestros y re-músicos lo hacen. Pero nosotros no. Porque no nos sentimos cómodos ahí.
Pablo: -¡Lo vamos a hacer cuando alguno de nosotros tenga una hija y nos lo pida!
-¿Qué priorizan como grupo? Ale: -Seguimos siendo una banda de amigos. Mirá: no cambió ningún integrante.
Migue: -Lo más importante es entrar en la sala y darle un abrazo al otro. Nosotros hacemos música que se transpira. Por eso, tenés que saber que está todo bien.
ENTREVISTA A FERNANDO RUIZ DIAZ, DE CATUPECU MACHU
“No entiendo por qué somos una banda popular”
Verborrágico imparable, mezcla de predicador y loco de plaza, Fernando Ruiz Díaz es capaz de convencer con una mirada y una ronda de copas. En esta empinada charla cuenta, entonces, la psicología interna de una banda que viene, curiosamente, a condensar sus sueños de ingeniero eléctrico y arquitecto frustrado. El 22 de mayo, en el Luna Park, Catupecu presenta Simetría de Moebius, su último, denso, desesperado y oscuro trabajo.
Por Daniel Jimenez para Suplemento NO Pagina/12
“Me gustan los bares de Buenos Aires, y éste es un bar de Buenos Aires”, dice apenas se sienta Fernando Ruiz Díaz. El bar, a pocas cuadras del Cementerio de
Quedan pocos días para que Catupecu Machu se presente en el Luna Park. Esta vez la excusa será Simetría de Moebius, el último, denso, experimental, desesperado, oscuro y personal disco del cuarteto que completan Martín Macabre, Javier Herrlein y Sebastián Cáceres. Simetría..., al igual que Laberintos entre aristas y dialectos, El número imperfecto y cualquiera de sus discos, ofrece una postal de la banda distinta, pero atravesada por el mismo instinto de búsqueda que crea piezaas sin tiempo, ni espacio. Un viaje en sepia por lugares nunca antes frecuentados por el rock nacional: desde Dialectos hasta En los sueños; si quieren ir más atrás, de La polca a Perfectos cromosomas. Cuando todos iban tras el chiche sonoro, Catupecu revalorizó a la guitarra criolla (y hasta la hizo un hit con Viaje del miedo), que llega como resultado de... seis computadoras conectadas en un brutal empacho tecnológico que son una muestra de la importancia del audio para el grupo, y especialmente para Fernando, que entre otras cosas está pensando en comprarse una batería cuando no terminó de estrenar su nueva adquisición: un teclado Moog.
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Como frontman, la presencia y la voz desnuda, sincera y desgarrada de Ruiz Díaz es un rasgo definitivo en la personalidad de Catupecu: puede ser un loco y un predicador en la misma canción, y los dos te convencerían de lo mismo. Todo eso sobre un sauna de lava eléctrico que mañana se puede volver barroco. Eso es Catupecu Machu. Y es llamativo que en tiempos de devaluada creatividad hasta ahora no haya salido ninguna banda que se anime a copiar su estilo, porque quizá... no existe. “Es muy loco que pase eso con nosotros”, acepta Fernando. “A mí en los ‘90 me gustaba Pearl Jam, pero después me cansé de escuchar a los clones de Pearl Jam, hasta que en un momento dije: ‘No quiero escuchar más a los clones’. Mirá, a mí me encanta Calamaro, y escuchás la radio y decís ‘che, boludo, salió un tema nuevo de Calamaro’, y no es Calamaro. Cuando algo a la gente le gusta y crece, después ya es de la gente. A mí me extraña que eso no pase con nosotros. ¿Qué es Catupecu Machu? Cualquier cosa. Es decir, es Catupecu, pero siempre andamos por acá, por allá... Catupecu es más inspirador que copiable.”
–Hay características de los últimos años de la banda que ayudaron a que, por ejemplo, Catupecu tuviera un hit en las radios como Viaje del miedo, basado en una guitarra criolla sobre una estructura de canción retorcida, y aun así ser populares. ¿Se sienten cómodos en ese lugar?
–Es que en Catupecu no hay nada que ocultar. Mirá, la voz en este disco no tiene nada de cámaras, porque descubrí un método para grabar de esa manera. Nosotros siempre estamos en la búsqueda del audio. Es como un juego de niños, inconsciente, pero de adultos, el hacer música. Nosotros somos fieles representantes de la época de la electricidad; el rock nace con la electricidad. ¿Qué hace la electricidad? Te pone adrenalina, o una adrenalina extra, porque si escuchás Wagner o Beethoven hay una adrenalina heavy metal. Nosotros lo vivimos como algo normal, pero no es normal: si se corta la electricidad, no existe más el rock; sería el blues con una acústica, en todo caso. Cuando hicimos Laberintos..., por más que nos sometimos a la criolla, al piano, al bajo y a la batería, si veías el estudio era una locura. En un momento estaba grabando el bajo de Viaje del miedo y me había puesto en la compu la película Metrópolis. Cuando levanto la vista había seis laptops trabajando y dije: “Claro, es un disco de guitarras criollas, pero tiene estas máquinas”. Estamos en constante mutación. Y Simetría de Moebius es eso. Ahora se viene el Luna Park, entonces dijimos: “¿Qué hacemos?”. Y cambiamos todos los equipos.
–Existe en Catupecu Machu una forma de componer canciones casi arquitectónica, donde cada sonido, aunque sea mínimo, ocupa un rol fundamental, y por momentos los elementos que se combinan solamente son dos o tres, como sucede en Abstracto. ¿Cuánto importa el audio?
–Bueno, en Abstracto se ve justamente lo que vos decís. Es el último tema del disco y sólo tiene batería, un bajo y es el primer tema donde grabo un teclado, que ahora lo hago en vivo. En Víbora vientre pasa lo mismo: el tema suena tremendo, pero no tiene guitarras. Lo que vos decías va ligado al audio, porque a veces logramos crear como un haiku en la poesía: la mariposa, sobre la hoja en el lago, está en calma. Es decir, sintetizar a través de una poesía algo que leés y te estremece. A mí me gusta mucho la arquitectura y leo libros de arquitectura porque me enloquece. Yo hice cuatro años de ingeniería eléctrica y soy un arquitecto frustrado, y todo lo matemático que ves por ahí en Catupecu tiene una relación. También me gusta mucho el art déco, que es muy simétrico.
–¿Las canciones de Catupecu son incómodas?
–Sí, son incómodas. Una vez me dijeron: “Ustedes terminaron de entender lo que es la deconstrucción de una canción”. Las canciones de Catupecu son... despegadizas, no pegadizas, es una cosa rara. No entiendo por qué somos una banda popular (risas). Entiendo que hacemos un show que está bueno y todo eso, pero... qué sé yo... las condiciones estaban dadas en los medios y la televisión para que no pase nada con nosotros; pero pasó (risas).
–Después de haber conseguido tener tu banda, hacer tus propias canciones y sonar dignamente, como primer objetivo del músico, ¿cuál es la “próxima gran cosa”?
–Y... hay distintos momentos. En la secundaria no te importa un porongo estudiar porque estás en otra y la cosa se pone más seria cuando entrás en la universidad y te das cuenta de cómo son las cosas en realidad. En un grupo de rock pasa algo parecido. Primero sentís ese grito primal de pintar las paredes y hacer locuras como algo muy excitante minuto a minuto. Después empezás a descubrir más cosas, aunque yo toco desde muy chico. Las nuevas etapas siempre son alucinantes. Con los chicos, hasta cuando estaba Aprile, compartimos una premisa: todo nos chupa todo un huevo. Pero nos chupa todo un huevo en serio, ¿entendés?, en el buen sentido. Pasó lo de Gaby y todos esperaban que hagamos un nuevo Y lo que quiero es que pises. Y nosotros salimos con una criolla y Viaje del miedo.
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Fernando se refiere cariñosamente a Abril Sosa, cantante de Cuentos Borgeanos y ex baterista de Catupecu, como “Aprile”. Desde que se fue del grupo tienen una muy buena relación y Ruiz Díaz además admira el trabajo artístico del actual cantante de Cuentos. En su despedida detrás de los parches con Cuentos decapitados, en 2000, el álbum generaría un pequeño sismo en las bases del rock argentino. De allí en adelante la lírica se volvería más críptica y compleja, la búsqueda de la perfección del sonido una obsesión y la potencia del trío se manifestaba en la sofisticación de canciones como Entero o a pedazos o Y lo que quiero es que pises sin el suelo. Casualmente, una canción donde Fernando se detiene unos segundos.
–¿Y lo que quiero... les abrió más puertas de lo que esperaban?
–¡¡¡Noooo!!! Fue un tema que no tuvo éxito, muy loco eso. El video ganó todo, pero con la canción no pasó nada. Como el video era tan lento nos puteaban todos y no lo pasaba nadie, salvo MTV y
–Pero el público de Catupecu se acomoda a los cambios.
–Sí, todo bien, pero el gran problema de Catupecu, para los que quieren el crecimiento de la banda, es que nos podamos convertir en un grupo tipo U2, y yo no quiero ser como U2. Los grupos se separan porque es difícil manejar el “no cambies nunca”, la exigencia y la presión de afuera. La mayor presión de Catupecu es nuestra; nosotros tenemos cerrada la olla a presión. Primero el tema nos tiene que volver locos a nosotros, lo demás es menos que eso, no ínfimo, sino menos. Y como grupo es lo que debería pasarte. Eso puede ser lo más inspirador de Catupecu, y no se puede copiar. Vos podés tener una energía inspiradora y te la puedo copiar, pero no me puedo copiar de tus ojos o de tu nariz. Nosotros somos una banda popular, nos pasan en todos lados y está todo bien, pero del disco anterior cortamos Dialectos como tema, que es alucinante, con imágenes del show del Opera, todo muy lindo, todo muy cuidado, pero Dialecto fue impasable; no llegamos a poner el video con la edición del Opera porque era impasable. Duró dos semanas en la radio y, en ese punto, te digo que me chupa un huevo y que me puse hasta contento, pero la gente no sabe que tuvimos un tema que duró nada en la radio porque era impasable (risas). Al seguidor de Catupecu le encanta Dialectos y en la radio no se puede pasar. Somos como una banda under grande (risas). ¿Entendés lo que te digo? ¡Dialectos no lo pasaron! Lo sé, es áspero, pero fue un corte, hicimos un disquito especial... bueno, qué va a hacer.
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Fernando asegura que no hay canciones en el repertorio en vivo de Catupecu Machu que ya no lo representen desde la lírica. Cuando no se encuentra en las letras, la metodología es muy simple: no la tocan más. “La polca estuvo buena en su momento, no era un tema convencional y era rarísimo en vivo. Fue una de las grandes cosas que la gente esperaba cuando venía a los shows. Decían: ‘Hay un tema que tiene onomatopeyas y es muy raro’, y era La polca. Fue algo grande, pero ahora ya no”, dice. “Cuando lo hicimos no existía la pachanga en el rock. Nosotros hicimos algo que era raro y ya está, no lo tocamos más. A mí me gusta Apiere’ mapare piarolo’, por ejemplo, que fue un tema tremendo, pero después ya está, ya pasó.”
–¿Cómo se modificó la composición desde el accidente de Gaby?
–Te voy a contar una cosa: Gaby me preparó a mí como compositor y antes del accidente era un tipo que siempre me impulsaba mucho. Yo ahora estoy tocando mucho el bajo y se cree que lo hago como un homenaje por el accidente de Gaby. Bueno... no es así, muchachos. Gaby había ido a Londres a estudiar como enfermo que es, y cuando vuelve le digo: “Che, quiero tocar el bajo”. Y me dijo: “Listo, te voy a ayudar a encontrar un bajo bueno”. Y me compré un demonio. Yo ya venía con eso de ahí, porque él era un gran propulsor de mis cosas. Una vez leí una nota donde Spinetta decía que el mejor invento que hicieron para los músicos es la portaestudio. Gaby compró un día una máquina en Miami y cuando la vi, me volví loco. Y ahí salió Batalla. Si escuchás el tema Cuadros dentro de cuadros, son todas violas destrozadas. Después grabé Grandes esperanzas, porque vi la película y me emocionó. Y la frase “voy sin dormir adonde sea” es por Gaby, porque era el hombre que nunca dormía. Me decían: “Che, ese pibe no duerme... debe tomar merca”. Y Gaby no toma nada, es así. Recuerdo que nos armamos una quinta en el campo y nos fuimos cuatro meses. Estábamos rodeados por
–¿Y cómo te llevás con el escenario?
–El escenario... es el lugar donde menos lo extraño a Gaby. Y vos me dirás: “¿Cómo puede ser eso?”. No sé como explicártelo, y pareciera que no me importa que él no esté. Gaby nos preparó a todos. Después del accidente, todavía ninguno de nosotros entiende como él podía hacer todo lo que hacía y encima tocar, porque no se puede hacer todo lo que Gaby hacía.
“ROCKUMENTAL”, LO MEJOR DEL ROCK HECHO PELÍCULA
Dentro de las numerosas actividades relacionadas con el cine se presentaran en las Salas de Cine Espacio INCAA de todo el país, el ciclo de cine y música “El Rockdocumental”, lo mejor del rock hecho película.
El ciclo Cine y Música tiene como objetivo acercar al espacio común de una sala cinematográfica la razón de sostener el imaginario musical como vínculo colectivo.
Uno de los objetivos es poner en diálogo a directores y fans de este tipo de representación, con la audiencia para compartir los orígenes del género “rockumental”. Pensar en las formas en que abordan a sus personajes, las herramientas cinematográficas que utilizan para crear una alternativa al hegemónico lenguaje televisivo.
A las proyecciones asistirán realizadores y especialistas para echar luz sobre esas manifestaciones musicales que encuentran en la sustancia fílmica una forma de extender y repensar sus obras.
Las películas que forman parte de este ciclo son: “Luca”, de Rodrigo Espina, “Ellos Son, Los Violadores” de Juan Riggirozzi, “Kapanga Todoterreno”, de FARSA Producciones, “Samoa”, de Ernesto Baca, “Rock hasta que se ponga el sol”, de Aníbal Uset, "Las Pelotas: Despierta" de Ricardo Paciaroni, entre otras.
Trama de las películas
“Luca” es la historia de Luca Prodan, un joven italiano educado en los 
mejores colegios de Gran Bretaña, poseído por el frenesí del punk rock londinense de finales de los ‘70 y atrapado por la adicción a la heroína, es también la historia del “salto al vacío” que lo llevó a huir al “fin del mundo”, a
“Ellos Son, Los Violadores” refiere a “Los Violadores”, la banda precursora del Punk latinoamericano, la primera en español de la historia. Rebeldes, marginales, contestatarios e innovadores, supieron hacerse de un espacio y un lugar en años oscuros de represión y censura. Con letras de alto contenido y crítica social, con melodías rabiosas, con una estética impactante que ha ido mutando con los años, con cambios de integrantes y con diferentes turbulencias en su historia, “Los violadores” logran seguir vigentes en los escenarios luego de mas de 25 años. Una banda única e imprescindible en la historia del rock.
“Kap
anga Todoterreno”: el Mono, Maikel, Balde, Maffia, Mariano y Memo son seis albañiles que deciden presentarse en un concurso de bandas beat para cumplir su sueño: dedicarse a la música y el asado. Camino al concurso, se verán atrapados en las más desopilantes aventuras: luchando junto a Conan contra un dragón gigante; enfrentando al Demonio Asadero en un absurdo exorcismo; salvando a Araceli de las manos de terroristas en una aventura al mejor estilo James Bond; y hasta se verán atrapados en el laberinto de las alcantarillas, del que sólo podrán salir contestando los acertijos del fabuloso Chorizo Cantor.
Con el poder de la amistad y la convicción de seguir sus sueños, enfrentarán todos los escollos y llegarán al concurso en el que deberán demostrar, frente al Dios del Asado, que son los mejores músicos y asadores del mundo.
“Samoa”, este documental experimental se inició a partir de la siguiente premisa: “Samoa” no propone una situación concreta, personajes ni diálogos. “Samoa” puede verse como una sucesión de imágenes autónomas impregnadas por un vapor sonoro, en una serie a veces vertiginosa, a veces reflexiva, pero siempre absorbentes, hipnóticas y poéticas.
“Hasta que se ponga el sol”, en 1973 Uset filmó a los artistas más destacados de la joven escena rockera del país, congregados en el festival Buenos Aires Rock. Film pionero y documento histórico-cultural ineludible que muestra el desembarco de la segunda camada de músicos (tras Los Gatos y la generación beat) que fueron atravesados por el ocaso del hippismo, el zenit del primer heavy metal –psicodélico y polvoriento-, y los primeros esbozos del progresivo. Con
"Las Pelotas: Despierta" muestra el trabajo de grabación de su última placa con sets en Buenos Aires y Traslasierras, hasta la grabación final en los Estudios Panda de Capital Federal. Una oportunidad única para conocer cómo se gestó "Despierta" desde su origen, contado por sus protagonistas.
CHARLY GARCÍA: MISIÓN ISRAEL
El miércoles tocó ante 5.000 personas, que lloraron con su versión del Himno Nacional. También visitó el Mu-ro de los Lamentos y se emocionó profundamente.
Por: Marcelo Kisilevski.Especial
SIEMPRE LOCAL. Charly canta para el delirio de sus fanáticos. En la platea pudieron verse banderas celestes y blancas y camisetas de
A punto de subir otra vez a escena, esta vez en un pub de Tel Aviv, el Barbie, donde también tocan las estrellas locales, Charly García hace con Clarín su balance de esta visita que, confiesa, lo conmovió más de lo que esperaba. "Fue el lugar más alejado al que llegué en toda mi carrera para tocar, y la verdad es que me partió la cabeza, la onda de la gente, la emoción de los argentinos que viven acá, los lugares". ¿Te lo esperabas? "Me lo venían diciendo, y lo empecé a presentir cuando llegamos, pero una cosa es cómo te lo imaginás, y otra es cómo lo vivís. No te das cuenta hasta que no ves a tanta gente junta llorando en Israel cuando tocás el Himno, o Canción para mi muerte. Eso me conmovió muchísimo".
Asegura que el miedo por venir a un lugar de conflicto no jugó papel alguno en su decisión. "No, no tuve miedo en absoluto. Por televisión, en
En general, los judíos suelen mamar desde chiquitos lo que simboliza el Muro de los Lamentos, y al verlo por primera vez se emocionan hasta las lágrimas. A Charly, sin ser judío, le pasó algo parecido, al punto de sorprender a la gente de su propio equipo. "Fue algo muy raro", intenta explicar ahora el cantante. "Sentí una emoción muy grande, es como que te das cuenta de un montón de cosas, la historia, la sabiduría, me movilizó la energía que tiene ese Muro, es algo que la gente que no lo vive no lo puede entender porque a cada persona le pega de modo único, y a mí me pasó algo que no me había ocurrido jamás en mi vida".
Desde afuera no pareció que lo hubiera conmovido tanto el premio honorífico que recibió, cuando el Centro Shimón Peres por
A nivel operativo, el cargo que acaba de asumir Charly lo va a llevar al intercambio de información sobre las actividades y proyectos del Centro Peres por
Viniste a Israel transformado y eso se notó en el escenario. ¿Te vas más transformado todavía?
No, bueno, la transformación es un proceso, uno va tratando todos los días un poquito más, de ir mejorando, aportando creatividad y conocimiento, creciendo. Me voy habiendo vivido una experiencia increíble y con muchas ganas de volver a Israel en el futuro.
CHARLY, EN EL MURO DE LOS LAMENTOS
Fue tras un emotivo recital ante 5.000 personas. Hubo lágrimas con su versión del Himno.
Por: Marcelo Kisilevski.Especial
A punto de subir otra vez a escena, esta vez en un pub de Tel Aviv, el Barbie, donde también tocan las estrellas locales, Charly García hace con Clarín su balance de esta visita que, confiesa, lo conmovió más de lo que esperaba. "Fue el lugar más alejado al que llegué en toda mi carrera para tocar, y la verdad es que me partió la cabeza, la onda de la gente, la emoción de los argentinos que viven acá, los lugares". ¿Te lo esperabas? "Me lo venían diciendo, y lo empecé a presentir cuando llegamos, pero una cosa es cómo te lo imaginás, y otra es cómo lo vivís. No te das cuenta hasta que no ves a tanta gente junta llorando en Israel cuando tocás el Himno, o Canción para mi muerte. Eso me conmovió muchísimo".
Asegura que el miedo por venir a un lugar de conflicto no jugó papel alguno en su decisión. "No, no tuve miedo en absoluto. Por televisión, en
En general, los judíos suelen mamar desde chiquitos lo que simboliza el Muro de los Lamentos, y al verlo por primera vez se emocionan hasta las lágrimas. A Charly, sin ser judío, le pasó algo parecido, al punto de sorprender a la gente de su propio equipo. "Fue algo muy raro", intenta explicar ahora el cantante. "Sentí una emoción muy grande, es como que te das cuenta de un montón de cosas, la historia, la sabiduría, me movilizó la energía que tiene ese Muro, es algo que la gente que no lo vive no lo puede entender porque a cada persona le pega de modo único, y a mí me pasó algo que no me había ocurrido jamás en mi vida".
Desde afuera no pareció que lo hubiera conmovido tanto el premio honorífico que recibió, cuando el Centro Shimón Peres por
A nivel operativo, el cargo que acaba de asumir Charly lo va a llevar al intercambio de información sobre las actividades y proyectos del Centro Peres por
Viniste a Israel transformado y eso se notó en el escenario. ¿Te vas más transformado todavía?
No, bueno, la transformación es un proceso, uno va tratando todos los días un poquito más, de ir mejorando, aportando creatividad y conocimiento, creciendo. Me voy habiendo vivido una experiencia increíble y con muchas ganas de volver a Israel en el futuro.
FLEMA NOT DEAD, PERO AGOTADO
El nuevo material discográfico de Flema se agotó a pocas horas de su lanzamiento en Buenos Aires. Las 1.500 copias de “Flema not dead Volumen 1″ volaron rápidamente y anunciaron su reposición para la semana próxima.
Este lanzamiento consta de dos CDs y un DVD con el registro en vivo de noviembre de 2007, cuando los Flema se reunieron para festejar los 20 años de su formación.
“Flema not dead” fue grabado con el Estudio Móvil “Del Abasto al Pasto” por Alejandro Russo con la asistencia de Sebastián Aller Atucha y fue mezclado y editado por Alejandro Russo en los Estudios El Abastito y El Ave Records.
En lo que resta del año, la nueva formación de Flema girará en el “Mierda Tour 2010″ y que tendrá como presentación oficial en Capital los días 10 y 11 de junio en el Salón Pueyrredón.
A casi 8 años de la muerte de Ricky, actualmente la formación de Flema es Fernando Rossi en voz, Luichy Gribaldo en guitarra, Pepe Carballo en batería, Gonzalo Díaz Colodrero en guitarra y Maximiliano Martin en bajo.
NARIGÓN DEL SIGLO: EL MEJOR DISCO DE
Fuente: Revista RS
El álbum de Divididos fue el elegido por los usuarios de Rolling Stone entre lo mejor de los 00. Conocé el Top 10 de los mejores discos de la década para los visitantes de esta página
En este caso, hay diferencias entre nuestros usuarios y nuestros críticos. Para los segundos, Jessico de Babasónicos fue el disco más importante de la primera década de este Siglo XXI. Y para nuestros usuarios, Narigón del siglo, yo te dejo perfumado en la esquina para siempre de Divididos fue el mejor álbum de los años
2- Ahí vamos - Gustavo Cerati
3- El salmón - Andrés Calamaro
4- Jessico - Babasónicos
5- Cuentos decapitados - Catupecu Machu
6- Porco Rex - Indio Solari
7- Buscando un amor - Pappo
8- Bandidos rurales - León Gieco
9- Hijos del culo - Bersuit
10- Influencia - Charly García
ANDRÉS CALAMARO TOCÓ EN CUÁL ES?
El Salmón se presentó en vivo en el programa de Mario Pergolini, y tocó junto a su banda en el estudio Norberto Napolitano.
2 - Te quiero igual
3 - Comida china / Todos se van
4 - Nunca es igual / Get Up
5 - Los divinos
6 - All You Need Is Pop
7 - Me envenenaste
8 - Out Put In Put
The Wall 2010
Roger Waters retorna a los escenarios en el marco de una gira en la que planea reproducir “The Wall”, el disco más trascendental de su antigua banda.
Por Ezequiel Acosta - Redacción de El Acople.com
Roger Waters, el mítico bajista de Pink Floyd, retorna a los escenarios a los 66 años, en el marco de una gira en la que planea reproducir el disco más trascendental de su antigua banda.
La gira, anunciada a través de su sitio web luego de varios rumores y especulaciones, comenzará el 13 de septiembre del corriente año en Toronto, Canadá, y se prolongará hasta 2011, cuando el músico visite otros puntos del planeta aún por confirmar.
La excusa de la cita será el disco “The Wall”, de 1979, pilar de la discografía de Pink Floyd y de la colección de todo aquel que se precie como melómano. No será la primera vez que suceda esto, ya que su última gira también estuvo basada en “The Dark Side of the Moon”, otro de los discos esenciales de la banda de la que fue fundador. Dicha gira lo trajo por segunda vez a nuestro país (la primera fue en Vélez, en el 2002), en marzo del 2007, con dos recordadas fechas el estadio de River Plate.
Este nuevo espectáculo promete ser un verdadero deleite para todos los sentidos, ya que contará con proyecciones de alta calidad en pantallas gigantes, entre las que se destacarán las del artista Gerald Scarfe, y una puesta en escena que rozará lo teatral; además, harán aparición una pared de varios metros de largo que se irá construyendo a medida que transcurra el recital, así como marionetas de gigantescas proporciones, similares a las que estuvieron presentes en las presentaciones originales del disco. Todo esto, claro, estará resguardado por el sistema de sonido cuadrafónico del que ya hizo gala en su excursión anterior. Así, el reconocido músico reanudará las escasas y, por entonces, costosas presentaciones oficiales que tuvo esta obra entre 1980 y 1981, amén del memorable recital de 1990, en el que el bajista, ya en solitario, ejecutó el disco completo junto a otras estrellas invitadas en Berlín.
Hasta ahora, según el portal Neptune Pink Floyd, Waters ya tiene reservadas más de cincuenta fechas en Europa para el año que viene; asimismo, el cantante manifestó sus deseos de volver a tocar suelo latinoamericano con este show. Aún así, la pregunta se mantiene latente: ¿regresará a nuestro país? Nosotros, desde el otro lado de la pared del subdesarrollo, esperamos expectantes por otro de los días más felices de nuestras vidas. Si viene, prometemos llevarlo de pesca.
IMPERIO
Imperio, luego de casi 10 años de espera, Imperio presenta "Latidoamérica", su nuevo disco de estudio, que presento exclusivamente en una fiesta lanzamiento en THE ROXY LIVE (Niceto Vega 5542, Palermo) el pasado domingo 2 de Mayo. La fiesta incluyo un set en vivo que con 5 canciones nuevas entre otras, firma de autógrafos PARA TODOS, proyección de videos y venta de merchandising. El día del show, Imperio estreno también el video correspondiente al tema VOLVERE, que en sus líricas trata la temática de los caídos en Malvinas.
JUANSE
"Si no queres que te pase nada malo,tampoco hagas nada bueno"
Considerado liviano y para el mero entretenimiento, su desprejuicio finalmente se impuso: todos lo subieron a su escenario. Es que sus canciones permiten entender que es de una belleza supina tomarse una birra en la esquina.
Por Jorge Belaunzarán para Elargentino.com
- Hace poco hizo una entrevista para Alemania...
-Para Alemania y Austria.
-Ah. Se definía como hegeliano. ¿Por qué?
-Estudié Antropología y Política, y dentro de eso filosofía política.
-Sorprende también que recupere un nombre que no se tiene muy en cuenta...
-¿Como quién?
-Carl Schmitt.
-Un maestro.
Y entonces Juanse precisa por tercera vez en apenas un minuto, cuando el periodista dice Ciencias política, en vez de Ciencia política. "No existen las ciencias políticas".
-¿Cuando estudió?
-No me acuerdo. No había terminado la dictadura. Antropología estudié del 79 al 81, y Ciencia política de... después hice Económicas, y Política la hice del 86 al 90, te diría. Lo que pasa es que se me empezó a complicar muchísimo. Tuve que tomar una decisión, di un final oral con Atilio Borón, de Filosofía política, y me fue muy bien: 9,50, creo. Ese examen lo di bajando del micro, el micro me dejó en la puerta de la facultad. Estaba sin dormir, totalmente desmadrado, y bajé y caminé por Riobamba, creo que era, a la vuelta de lo que es el edificio de Aysa. Y ahí tomé la decisión de seguir tocando. Lo que nunca quería era ningún tipo de título. Me hubiera condicionado a ser eso. Está tan tergiversado el concepto de la función que cumple la ciencia política, que la gente se mete ahí para estudiar diplomacia. Una cosa aberrante. Muchas chicas bonitas se ponen a estudiar para ponerlo en su Curriculum Vitae. Por ahí algunas materias entienden, pero no la función que cumple. El título es un mero pasaporte hacia la auto satisfacción de decir: estudié algo y no fue por nada. Lamentablemente la carrera adopta una dirección que no tiene nada que ver con el objetivo que tuvo el pensamiento que estudia. Andá a decirle a Gramsci que le van a llevar el título de licenciado político de la cárcel. No necesita. O a De Felice, ¿no?
-¿De dónde surge su interés por esas carreras? En esos años estaban muy mal vistas.
-Horriblemente vistas. Era una época muy extraña. Éramos muy pocos. Es más, éramos muchos los que nos pasábamos de carrera, porque nos marcaban.
-Cuando se empezó a hacer famoso.y tenía...
-No, no, me borré justamente cuando empecé a tener mucha repercusión: llegaba un momento que distraía. Aparte era muy complejo. Tenía una muy buena relación con mis profesores, porque éramos los únicos que podíamos conversar. Era difícil llevar adelante ese zoológico de eunucos derrochones. Porque la gente se metía por prejuicio, muy bien tampoco sabía lo que quería. Era peligroso. Hice Antropología en la dictadura para generar algo de irritación, cosa que no logré porque nadie sabía ni siquiera dónde quedaba la cátedra. Y cuando aparecía la democracia y vi que mis compañeros comenzaban a dejarse la barba, y recién hacía pocos meses que habían ingresado, dije: está todo mal. Fue ahí cuando me dispuse luchar contra la democracia. Ja. Entonces me metí en el Ciclo Básico, y Ciencias Políticas sí, casi la termino, me faltaba muy poco. Pero la dejé porque no necesitaba más de ella; ella creo que tampoco de mí. Porque por ejemplo, la monografía más importante que hice fue un 10 que me saqué con De Felice, sobre el fascismo. Así que imaginate la indignación que había entre mis compañeros. Es como cuando el pueblo descubre el laboratorio de Frankestein: lo tuvieron ahí toda la vida y cuando entra en las malas le agradecen incendiándolo, a él y a su monstruo. Es todo horrible. Hay que extraer lo bueno de todos los procesos de los que uno tuvo la suerte o la desventura de vivir. No creo que toda la época de la dictadura haya sido mala por la dictadura. De hecho mucha gente vivió los mejores años de su vida. Lo que no quiere decir que el plan que se haya establecido para el ejercicio de la privación del pensamiento, de las libertades y todo eso, no sea aberrante. Pero fue aberrante el menemato también. Mucho más aberrante en costo humano y en destrucción de lo que forma el pensamiento. O lo que lo deforma. Bah, para mí.
(N de al R: para De Felice, militante comunista, el fascismo fue un movimiento y no un régimen. En ese sentido considera la emergencia de una ideología de clase media que tenía profundas raíces en
-Siempre fue díscolo y rebelde...
-No soy rebelde. Nunca fui rebelde.
-Se desmarca.
-Porque n me gusta condicionarme ni lamerle el culo a nadie. Es decir, sí, le lamo el culo a los grandes, pero son para mí. A mi viejo, mi vieja, Spinetta. No hay muchos más.
-Cuando se tiene 18, 20 años se complica más el hecho de desmarcarse, cuando se es grande se tiene más personalidad...
-No, es la revés. Cuando sos chico no tenés ningún tipo de temor ni de responsabilidad. Eso a veces se confunde con rebeldía. Cuando sos más grande tenés responsabilidades, decís: no quiero que mis entornos sufran mi forma de pensar; aunque se la recontra bancan. No siempre tiene que funcionar todo. No podés pensar que todos te aman.
-Es una aspiración de joven.
-Síii!!! Queremos saber qué carajo quieren hacer.
Luego del enfático sí, Juanse se refiere a las peripecias del fotógrafo para preparar el fondo de lo que será la foto. La supuesta dispersión, como quedó demostrado hasta ese momento, es sólo eso, una suposición: Juanse presta atención a todo lo que sucede a su alrededor.
"Por ejemplo -continúa casi con la misma decisión que interrumpió-, mi hija va a un doble turno, y tiene que comer ahí. Hace no sé cuánto se corrió la bola de que es mi hija. Entonces recibe una enorme cantidad de favores y de cosas (tampoco me gustaría que recibiera agresión, lo cual pudo haber ocurrido). En ese aspecto, si no querés que te pase nada malo, tampoco hagas nada bueno. No disfruto de lo que se supone social u occidentalmente bueno. Si puedo llegar antes a un baño obviamente se lo voy a agradecer a la persona que me lo permita. Pero lo demás es medio tedioso. No me gusta tampoco discriminar entre personas que sean o no sean más o menos talentosas, conocidas, mediáticas. Aparte hablar de talento en este medio es un absurdo. Esto es un juego. El rocanrol y todo lo que envuelve es un juego.
-¿Lo supo antes de dedicarse a la música?
-Es que yo nunca no me dediqué a la música. Nunca pude no haberlo comprendido. Toco la guitarra desde los cuatro años, aunque en mi imaginación: la guitarra era de madera.
-¿Fue una clave para hacer Los Ratones?
-Podría haber hecho cosas mucho más materialmente redituables. Lo que pasa es que comprendí a muy temprana edad que eso hubiera sido una especie de picadora de carne que realmente a mí nunca me interesó. No me interesaría estar la s 24 horas del día encerrado en un living, me volvería loco; o tener que ponerme una máscara de Superman para poder ir a comprar cigarrillos o estar todo el tiempo en el exterior porque acá no puedo salir. Eso lo comprendí con mucha anticipación. Lo cual no me molesta tampoco sufrirlo cuando corresponde, ¿no? Pero el extremo de tener miedo...
-¿Hoy sería más fácil hacer Los Ratones?
-La destrucción acá comenzó en el 95. Son diez años de destrucción total. No creo que hoy nadie entienda por qué se mete en Filosofía y Letras. Tampoco hay que darle una categoría kantiana, hay que darle la axiología que tiene: no es más que un estudio. Una cosa a la cual te podés volcar por la lectura simplemente. No estoy tan a favor del título universitario. Sí del secundario: te ayuda a justamente cagarte literalmente en un título universitario. El tipo que continúa la universidad lo hace por prestigio, por ego; hay muy pocos que lo hacen para el bien común o para enseñar. Hay, existen. Pero en general ellos sueñan con esa mistificación de la pelotudez de estar hablando en un documental para el extranjero. Es patético. El universitario post Menem es patético. Salvo que lo haya hecho con conciencia. Ahí ya no. Yo iba a dar exámenes con mi vieja, que me llevaba a mí para que no la secuestraran. ¡Mirá la inocencia! Aparte yo no tenía dónde quedarme, porque me viejo laburaba.
-¿Su madre militaba?
-No, estudiaba Sociología. Andaba por los 30. Ahora un tipo de 30 en la facultad es recomún. Que es la edad para estudiar. Si estudiás Sociología a los
-¿Como universitario se sentía un rara avis?
-Siempre. Mis condiciones siempre fueron esas. Es lo que valoro y llevo dentro mío como un recuerdo inexpugnable. Porque no tener teléfono en el año 80, 81 era como ahora no tener auto. Hasta la rata más oscura de la canaleta más negra del borde del río más putrefacto tiene un auto. En esa época era el teléfono. Vivíamos al costado de la vía de Devoto, que tenía un poder adquisitivo más o menos. Veníamos de Villa Celina, y como toda nuestra familia vivía en Devoto, nos metimos en Devoto. Once veces nos mudamos.
-¿Por qué?
-Alquilábamos. Y siempre te sentías diferente. La rebeldía y todo eso pasaba por otro lado. Veías otros aspectos. Yo compraba la entrada para ver Invisible y estaba una semana sin dormir. Era así. Yo era muy popular en el barrio. Teníamos bandas, nos gustaba pelearnos. Nos juntábamos en Belgrano en Ruby, que no existe más. Nos creíamos los grandes malevos modernos. Gente que se peleaba y se cortaba la cara; prendíamos fuego autos si no nos gustaba alguien. Había peleas entre los chetos y los pardos, y nosotros éramos los stones, que éramos repocos. Y nadie te entendía. Era un problema muy serio. Nos hemos salvado de varios linchamientos, por ejemplo. Porque entrábamos en un bar, éramos tan raros (año ‘77, ‘78), que las pendejas se querían meter en cualquier baño ¡ya! No era joda. Eran grupos de 50, 70 tipos; si te agarraban... Yo era así de flaco, mirá (y muestra una cuchara de postre), pero portaba cuchillo así en el bolsillo (su manos se separan por una distancia equivalente a la de una botella chica de agua mineral). Me acuerdo que un día me corté: en una rosca que hubo me agarró un rugbier en un estacionamiento y me tiró como de tres metros arriba del capó de un auto, y me corté porque tenía el cuchillo en el bolsillo. Siempre diferente. Cuando me calmé, era peor. Quise jugar al rugby, y jugué. Pero no me quería cortar el pelo. Aparte no tenía bolso. Me llevaba todo adentro de una bolsa de plástico. Después me compré un bolso Adidas y después mi tía me trajo un Dunlop. Pero claro, no me quería nadie: usaba botines de fútbol; tenía un par de Fulvence, que eran la grasada más grande que se te pueda ocurrir; tenía el pelo por acá (se toca la mitad de la espalda). Pero jugaba muy bien, entonces no me podían echar del club (San Martín). Y después me cansé y me fui. Seguí jugando al fútbol, bueno, hice de todo; boxear. Pero siempre extraño. En el único lugar donde más o menos tuve así buena recepción fue en la cancha. Porque en la cancha somos un montón de esos. Entonces nadie me jodía. Al contrario, fui a La 12 ocho años, en la época de El Abuelo. Y en la facultada hay que reconocer que también, me querían bastante. El profesor mío de sociología que se llamaba René, hace un montón que no lo veo, pero muchos años después venía conmigo a los shows. Era como una especie de asesor sociológico, al cual nunca le hice caso. Pero era un tipo muy piola. En esa gama de cosas, me puse a trabajar en una estación de servicio, y era raro verme. No cuadraba. La gente me miraba y se sonreía cuando le cargaba nafta. Mi situación social era para que trabajar en una estación de servicio, pero no entraba. Igual lo hacía. Fui sodero también. Sodero era más copado. Les decíamos a las viejas que era el día del sodero, yo tenía 12, 13 años, y las viejas te daban un poco más de monedas. Es rarísimo.
-¿En qué sentido se calmó?
-Estuve una semana sin dormir y toqué con Pappo en diciembre del 92. Teníamos una banda que se llamaba Juanse Pappo Roll Band, y tocábamos en el Condom Club, que era
-¿Qué sería el tercero desconocido?
-Enfrentarse a lo que surge. No escribís tu destino. Yo veía mucho a mi viejo cuando componía; mi casa era todo como esto y un cuarto más (habla de un living de cuatro por seis, aproximadamente). Yo al otro día iba al colegio y mi viejo estaba componiendo a tres metros mío, a oscuras, con una lámpara, y yo dos de la mañana escuchaba: taannnn. Pero llegó un momento en que si no tenía eso me preocupaba tremendamente. No era feliz. Lo que pasa es que desde las comunicaciones están desmantelando al ser humano, quitando la perspectiva de imaginar, de querer viajar a un lugar porque te gustaría ver si realmente es así, o de extrañar a alguien. Eso es lo que se está destruyendo, y la gente está entrando. Eso es lo que impuso el menemato, que fue lo que quiso que se impusiera desde la central, que no es capitalismo, es otra cosas mucho más perversa que no tiene nombre. Y bueno, ahí está, la gente jugando el juego que quieren todos. La reducción del espacio en pos de la necesidad de estar masturbándote permanentemente con cosas que no tienen ningún tipo de sentido.
-En los
-El otro día en una nota me preguntaron cómo veía a Los Ratones, y dije: como un bife de chorizo. Porque es eso. El bife de chorizo se vende o no se vende, pero siempre se come. En algún momento de tu vida es esencial. Y creo que nosotros somos eso, una gran banda que siempre se preocupó por tener más o menos nos corresponde para poder vivir de lo que nos gusta. No tiene sentido lo otro. Lo otro mata, porque yo también lo ejerzo. Cuando estuve con Charly, o con Luis, o con los Stones, lo ejercemos, porque cuando hacemos algo nosotros cambia todo, porque si no, no iríamos. Es como un tipo que viene y te dice te voy a pintar la casa, te voy a hacer esto y lo otro, pero se va y la casa siempre está igual. Se tiene que notar que hay un cambio, que se produce, que es un momento. Y los momentos se prolongan, y nunca terminás de decir todo lo que pensás porque hay tantas cosas que se van acumulando, se va dejando de lado lo importante todo el tiempo, que por acumulación de dejar cosas importantes todo se transforma en una pesadilla, porque estás detrás de algo que es horrible. La acumulación de los bienes es lo que perturba a todos. A casi todo, yo no me incluyo. A mí me encanta. ¿Por qué? Porque lo gasto inmediatamente en cosas absurdas. Es lo lindo que tiene la abstracción y el surrealismo: poder hacer lo que no corresponde, todo el tiempo. *
¿LAS CINTAS DE
DIFUNDEN VIDEO INÉDITO DE LOS REDONDOS EN YOU TUBE
Se trata de la filmación profesional del recital que la banda ofreció en el estadio de Racing en 1998. Las imágenes que se filtraron en la web generaron conmoción en el ambiente "ricotero", ya que la grabación es una de las que el Indio Solari le reclama a Skay Beilinson y a su mujer,
Aún no están claros los motivos de la ruptuta de la banda.
Un video inédito con imágenes del show que Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota ofrecieron en la cancha de Racing en 1998 se filtró en el portal de videos You Tube y generó conmoción en el ambiente "ricotero". Se trata de las filmaciones profesionales que realizó la banda y que actualmente el Indio Solari reclama al guitarrista Skay Beilinson. Es más, el cantante señala al tema como uno de los motivos de la ruptura del legendario grupo.
Justamente Solari había hecho público poco tiempo atrás que la pelea con el guitarrista Skay y
El Indio exigía tener copias de esos videos, que según Poli estaban guardados en la caja de seguridad de un banco, y el hecho de no haber conseguido respuestas a sus reiteradas demandas significó la separación de "Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota".
Ahora, y de manera completamente inesperada, imágenes de la mítica presentación de los Redondos en el Cilindro de Avellaneda a fines de 1998 (tocaron el 18 y el 19 de diciembre) aparecieron en internet, en el sitio YouTube, por ejemplo, para dejar boquiabierto a más de un "ricotero".
La filtración de los videos en la web provocó sorpresa, una pizca de nostalgia y también conmoción en el ambiente del rock nacional, sobre todo después de que Carlos "Indio" Solari afirmara que esos registros habían sido el motivo de su pelea con Eduardo "Skay" Beilinson porque temía que fueran comercializados sin su consentimiento.
LO NUEVO DE 2 MINUTOS
“Vamos a la granja / Directo al infierno”, 2 minutos
Fuente: blog.rock.com.ar
Después de 22 años y 3 años sin entrar a estudio, vuelve 2 minutos, la banda más peligrosa de latinoamérica. El disco fue grabado entre los meses de julio y octubre de 2009, en estudio del Parral Chacarita Bs. As. 2minutos edita su 8vo disco de estudio, el numero 14to de su carrera, Vamos A La Granja/Directo Al Infierno, el cual cuenta con 21 canciones, dividas en dos conceptos diferentes.
4 de las 21 son covers: The clash, Sandro, Melero y Joaquin Sabina. La producción artística estuvo a cargo de Ariel “Dr.House” Feder junto a 2minutos.
Contaron con la participación de músicos invitados como Gabriel Carambula, El indio (Prisioneros Verdes), Beto Marina (Etilikors y Triambulitos); Pelado Bavaso (Latigos); Martin (Un Kuartito); Agustina Mancinnelli (Kim); Huguito Lobo (Dancing Mood) ;Marianito Borboton y más……
Son la banda más representativa del género de Latinoamerica, y cuenta con innumerables giras por el continente, además de compartir escenario con los más grandes referentes del Punk Rock (The Ramones; Misfits; the Dead kennedys; Toy Dolls; Total Chaos; Sex Pistols; The Lurkers; Motorhead; 999; Iggy Pop; Die Toten Hosen; Skatalies; y el sepulkro Punk…). Pasando también momentos de emoción, como ser la primera banda de punk rock Argentina de punkear en el mítico CBGB de NEW YORK o como así también recibir una invitacion firmada por el Sub Marcos (EZLN), invitándonos a cerrar un festival, en el DF mexicano con motivo de el 10mo Aniversario del ejército, cuales fondos fueron destinados a construir Hospitales y escuelas en el Insurrecto Estado de Chiapas.
ROCK POR LOS WICHIS
Fuente: blog.rock.com.ar
Kapanga, Árbol y 2 Minutos encabezan un festival a beneficio de las comunidades de indios wichis actuarán en un festival que se llevará a cabo a beneficio de los indios wichi.
wichisEl show será este miércoles 12 de mayo a las 18 en Groove, Santa Fe 4389 (Capital), y las entradas se canjearán por alimentos no perecederos y útiles escolares, en la puerta del lugar.
Además, participarán también O’Connor, La Franela, D-Mente, Bestiario y Volador G.
Todo lo recaudado será destinado a los seis centros de la comunidad Wichi que reciben ayuda permanente de la agrupación Integración: Comunidad La Esperanza, la escuela Nº 4300 de Fortín Belgrano Salta y escuela El Destierro, tres centros emplazados en el Impenetrable Salteño; y Escuela Fortín Belgrano Chaco, Dispensario de Fortín Belgrano y el Hospital de Sauzalito, ubicados en el Impenetrable Chaqueño.
EMILIO DEL GUERCIO:
“La canción es como un bien de uso”
Diario La Capital (Rosario)
Tocó en Almendra con Luis Alberto Spinetta, creó Aquelarre junto a Héctor Starc y compuso “Violencia en el parque”, uno de los temas emblemáticos del rock nacional. Claro, su nombre no aparece en la grilla de los grandes festivales del género ni tiene una canción gancho para que suene en los ringtones.
Emilio Del GuercioEmilio Del Guercio conduce “Cómo hice” por Canal 7, un archivo audiovisual de la canción popular. El fin de semana pasó por Rosario, donde se presentó en el ciclo “Contemporáneo del Mundo 2010″. Allí dialogó sobre las canciones que son hoy parte de su biografía. “El pueblo elige lo que entra en sintonía con su sentimiento”, dijo Del Guercio a Escenario al explicar por qué la gente se emociona con canciones de distintos géneros, algo que muestra a menudo en su ciclo televisivo.
—El programa “Cómo hice” impacta por el formato y el contenido. ¿Cómo se te ocurrió participar de este proyecto siendo compositor?
—La idea del programa la tengo hace varios años, y después de mucho tiempo se convirtió en un programa de televisión. Surge porque después de muchos años uno ve, con respecto a la música de Almendra, por ejemplo, que la gente te trae historias ligadas a su vida, y uno toma conciencia que la canción es una especie de postal evocativa para la gente.
—¿No te llega a condicionar cuando los géneros son tan distintos al rock, que es el de tu formación?
—No, a esta altura de mi vida me tiene sin cuidado. A mí lo que más me interesa es la calidad de la canción y qué ha pasado con la canción en la vida de la gente. Eso lo respeto muchísimo. La gente primero le da interpretaciones diferentes y por otra parte la canción, como digo en la apertura del programa, es usada como bien de uso espiritual, así como usás una silla o un cubierto o una radio.
—¿El mito que la gente edifica a partir de una canción supera lo previsible?
—En el programa lo que hacemos es hacer una especie de relevamiento o un mapeo para entender sobre qué está constituida la emocionalidad del pueblo argentino. Yo no inventé el listado de las canciones, está en la mente de casi todos, si nos sentamos en una mesa de café, seguro que van a salir las mismas.
—¿Qué experiencia personal podés contar de tu paso por Almendra y Aquelarre, grupos emblemáticos del rock nacional?
—Bueno, con el tema “Violencia en el parque”, de Aquelarre, mucha gente piensa que la compuse pensando en los hechos de Ezeiza, cuando volvió Perón, y no la hice en ese momento, fue un año y medio antes. Porque a veces a los artistas nos pasa que sintonizamos situaciones, climas sociales o en la cultura de la gente y no sé por qué lo volcamos. Yo cuando hice este tema veía una cosa de violencia en la sociedad.
—¿Cuál es el común denominador que encontraste entre los compositores que entrevistaste, desde Horacio Guarany a Ricardo Soulé, por ejemplo?
—Es distinto, pero hay un común denominador y es que casi siempre el autor piensa que la canción que la gente eligió como la más emblemática no es la mejor canción que él tiene para ofrecer. Pero eso tiene que ver, por un lado, con el espíritu creativo de superarse del artista, y por otro lado, es cuando uno se saca seis fotos y elige una y otros eligen otras, o yo me quiero ver de una manera y otros te ven distinto.
—De todos modos, en la gente generalmente hay coincidencias artísticas.
— El pueblo elige lo que entra en sintonía con su sentimiento, cuando digo el pueblo me refiero a una emocionalidad colectiva, no es una cosa abstracta sino real y concreta. Queremos también mostrar que hay muchas cosas que el imaginario colectivo nos une mucho más de lo que parece. En el plano de lo político la gente tiene una sensación que todo es confrontación, pero en el plano simbólico en el que vivimos como cultura hay muchísimas cosas que nos unen, y una de ellas son las canciones, no importa por quién votaste vos y yo, escapa a todos, nos abarca a todos.
LOS DECADENTES ENCABEZAN EL FESTIVAL "ARGENTINA ABRAZA A ARGENTINA"
Organizado por el mismo equipo que llevó adelante el simbólico "abrazo" argentino a Chile, se realizará el 16 de mayo un festival solidario encabezado por Los Auténticos Decadentes.
La propuesta, impulsada por Juan Carr de Red Solidaria, se realizará en Parque San Benito (Avenida Figueroa Alcorta y La Pampa) y estará denominada "Argentina abraza a Argentina".
Árbol, Fidel, Estelares y D-Mente completan la nómina de artistas confirmados hasta el momento, aunque se anunció que también participarán del encuentro "importantes artistas sorpresa".
El objetivo del festival es construir la "Torre del hambre cero", un proyecto que busca juntar alimentos y ladrillos para ser entregados a los que más lo necesitan.
En una misiva a la prensa, Carr pidió la colaboración de docentes y formadores que movilicen a niños y jóvenes para que colaboren con esta cruzada benéfica.
Según se informó habrá una torre "virtual", en la que por cada mensaje de texto o email enviado, una empresa agregará un ladrillo a la estructura; y una "federal" que se construirá con polenta arroz y fideos que se distribuirán entre 50 comedores y escuelas de todo el país.
También habrá una tercera torre que se construirá con los aportes de los que asistan al recital "Argentina abraza a Argentina" y que será levantada junto al escenario el día del espectáculo.
ANDRES CALAMARO
Roca y camino
Después de semanas de ensayo, Andrés Calamaro y una versión más compacta de la banda con que cerró gloriosamente el año pasado en el Ciudad de Buenos Aires viajaron a Junín para dar comienzo a una gira durante la que presentarán On the rock, el nuevo disco de estudio que sale el 1º de junio. Radar viajó con ellos y trajo de vuelta postales de los camarines, entrevistas con los protagonistas y cruces con la realidad. Además, Calamaro habla del disco que saca y de los discos por venir.
Por Martín Pérez para Pagina/12
L
as primeras diez filas para ver los dos shows de Andrés Calamaro en el cine San Carlos son localidades denominadas Vip Gold. Pero tienen también un nombre de fantasía, que –seguramente de manera involuntaria por parte del productor local– recuerda aquella ironía de Lennon al frente de los Beatles, que en una gala real les aclaró a los nobles de las primeras filas que en vez de aplaudir podían hacer sonar sus joyas: las del show de Calamaro son entradas “Alta suciedad”. Así, con las comillas que luce la denominación en el volante que se puede encontrar en todos los negocios céntricos de Junín. El juego de las canciones bautizando las filas del cine se continúa, y el ingenio vuelve a relucir, en las últimas de la planta baja, bautizadas “Te quiero igual”. Las primeras del pullman muy obviamente se llaman “La parte de adelante” y las últimas entradas de ese primer piso, las mas baratas (95 pesos), tienen el apropiado nombre (aunque algo macabro, a juzgar por la letra de la canción, cuyo primer verso reza: “Si te toca ir arriba antes que yo...”) de “Los chicos”. Pensándolo bien, tal vez no sean tan involuntarias las ironías bautismales del anónimo productor.
Un productor que aún se debe estar refregando las manos por haber disfrutado del lujo de que Calamaro y su banda, a casi medio año de cantar en diciembre ante una multitud en el Club Ciudad (y no hubo un segundo show sólo porque no lo permitió la Municipalidad), hayan regresado a los escenarios en un humilde cine como el San Carlos. Sucedió durante el fin de semana pasado, con entradas agotadas el sábado y a sala casi igual de llena el domingo. José “Niño” Bruno, baterista de Andrés desde la última época de Honestidad Brutal y entregado fotógrafo blogger (josebruno.com/blog) cuando el grupo está en gira, lo bautiza apropiadamente como Cinema Paradiso. Debajo del escenario, donde han armado dos camarines –uno más grande para la banda, y otro más pequeño pero más cuidado para el cantante– separando el amplio espacio con telas y cortinas, y adornándolos con luces apropiadas, se pueden ver viejos afiches, tanto de películas como de otros espectáculos que pasaron por aquí. Cuando Andrés baja por primera vez para la prueba de sonido del sábado, recorre con admirada curiosidad y algo de ironía los enormes carteles –convenientemente autografiados– de Reina Reech, Los Fabulosos Cadillacs de la época Matador y Caballos Salvajes, donde aparece como autor de la música (es más, “Algún lugar encontraré” aparece en la lista de temas de estos shows, y será estrenado el domingo). Alguien le propone que lo firme, aunque jamás se lo tomará en serio. Pero el más revisado es el de Ricky Martin, ubicado justo sobre la mesa de dulces del catering, lleno de firmas pero ninguna de ellas parece ser del buen Ricky.
“Todos me dicen que toqué alguna vez con los Abuelos en Junín, pero yo no me acuerdo de nada”, asegura. Víctor Bertamoni, guitarrista de Estelares y oriundo del lugar –que estuvo presente en las dos fechas, e hizo llegar al camarín un buen champán para el brindis de despedida–, recuerda que en esa visita de los Abuelos, su líder tuvo una pelea en la puerta de su hotel con algunos fans en la que fue asistido a puño limpio por Willy Crook. La leyenda cuenta que en esa reyerta Miguel Abuelo perdió su legendaria cruz con silbato, que aún está en Junín. El relato de Víctor permite explicar por qué Andrés no recuerda su supuesto paso por allí: si Crook formaba parte de los Abuelos, hace tiempo que ya no integraba la banda cuando tocaron en Junín. “Habrá sido así”, se encoge de hombros Calamaro, que trae de su camarín una placa que le fueron a entregar al hotel los fanáticos locales del club Independiente. “En la época de los Abuelos nos peleábamos entre todos para ver quién se llevaba esta clase de cosas”, dice con una sonrisa. Y recuerda también las viejas épocas de convivencia con Crook, despertándose por la mañana al escucharlo rasgar algún reggae en la guitarra. Enseguida se acerca con una sonrisa cómplice Olga Castreno, a la que Andrés alguna vez presentó como su hermanager y que –allá lejos y hace tiempo– supo darse a conocer como Olga del Rock, para recordar que no hay que hacer hablar tanto al artista justo antes del show. Igual, no hay tiempo para más recuerdos. Falta tan poco para finalmente volver a los escenarios después de seis semanas de ensayos en Madrid –y una más acompañando la gira local de Cigala–, que para los músicos llega el turno de pasar por el baño antes de subir a escena.
La consagración de los reventados
Antes de la última tanda de shows porteños del año pasado, a la altura de su paso por Chile, Bruno anunció en su blog que si alguien estaba pensando en ir a ver a Calamaro en vivo, ese era el momento. A juzgar por lo visto en el Club Ciudad y en el Luna Park, el baterista tenía razón. Aquel personaje casi escondido detrás del piano en su regreso en Cosquín, y que un par de años después corría por el escenario del Ciudad durante un multitudinario show del Pepsi luciendo una remera de Kiss, parecía ahora haber encontrado su punto exacto sobre las tablas. Acompañado, además, por un grupo y un repertorio ajustado, creativo y entusiasta. Queda claro, apenas el grupo arranca en el San Carlos –como en los shows del 2009– con un “Jumpin’ Jack Flash” que deja al público azorado, y empalma con “El Salmón”, donde la energía acumulada durante el tema de los Stones finalmente estalla en el canto colectivo, que aquel momento óptimo se continúa y profundiza con la banda actual, un tanto más pequeña y concisa. “No sé a quién se le ocurrió abrir el show con el tema de los Stones, son cosas de sala de ensayo y prueba de sonido”, explica Andrés, que confiesa no tener memoria para las letras. “Pero si la tengo, puedo cantar lo que haga falta”, asegura, y el recuerdo viaja hacia aquellos cancioneros siempre a mano en Deep Camboya, para poder seguir grabando y grabando. “Creo que es fundamental cantar canciones contrastadas. Es placentero y se aprende”, asegura. “Aun así es curioso comprobar que la gente conoce mejor ‘El Salmón’ que ‘Jumpin’ Jack Flash’. O nos estamos poniendo viejos o ‘El Salmón’ tenía destino de gloria. Lo más probable es que el público no haya escuchado suficiente rock ‘de toda la vida’, o que aprecien la música en este idioma por encima del rock grande y ajeno.”
Además de una cierta sutileza en la elección del repertorio –que recupera la antiquísima “Ni hablar” y también la delicada “Comida China”, y propone nuevos arreglos para “Todo lo demás” y “Te quiero”, por ejemplo– una de las curiosidades del show son las sucesivas versiones, que aparecen tanto como coda de ciertas canciones, así como por derecho propio, como sucede con “I’ll be there”, en homenaje a Michael Jackson. O una siempre entusiasta versión de “Puente sobre aguas turbulentas”, donde el entusiasmo hace aparecer algo que se podría llamar el Preacher Andy. Y que Andrés prefiere presentar como el espíritu de Wilson Pickett. “¡También ensayamos ‘Karma Camaleón’! Siempre estamos probando cosas en los ensayos”, advierte. “Pero es probable que nos moderemos un poco porque el público no entiende muy bien qué hacemos cantando en inglés”.
Sin los coros y con una guitarra menos, el grupo suena más compacto, pero también se permite dejar espacios en las canciones para que los aproveche el cantante. Sin embargo, ese toque sutil termina sosegando peligrosamente al auditorio. “Si no cantan, pero escuchan en silencio y luego aplauden, también vale. Nadie pretende corear las canciones en los shows del Cigala”, decía Andrés en los camarines. Aunque el arrebatador final del show en Rosario el martes –ante un auditorio que triplicaba al de Junín–, con el público coreando los bises de “Estadio Azteca”, “Crímenes perfectos” y “Flaca”, hizo reflexionar al personal. “Creo que podríamos ofrecer fragmentos más sólidos para el éxtasis colectivo”, escribió Calamaro antes de los shows en Mendoza. “Porque fue muy emocionante ver a tanta gente cantando ‘Crímenes’ o ‘Azteca’, es la consagración de la primavera de los reventados.”
Los siete mares del rock
Apenas se ingresa al site oficial de Calamaro (calamaro.com), un curioso samurai con el rostro del cantante luciendo anteojos negros recibe al visitante mientras suena “Los divinos”. Ahí se anuncia el título del disco (Calamaro on the rock) y su fecha de salida a la venta: 1º de junio. “Es una broma de estudio con César Sogbe”, explica Andrés, refiriéndose al ingeniero de mezcla del álbum. “Cuando la convivencia necesita la chispa adecuada, empezamos a brindar con caballitos de tequila y a reírnos con el fotoshop. Nos gustó el contraste de los Ray Ban con el heroico samurai, con un bebé superdotado, con Michael Jackson, con Bin Laden. Tenemos una galería de fotomontajes que nos alegraron las jornadas”. Pero, advierte Calamaro, el samurai siempre será una broma. Para la tapa del disco recurrió a sus compinches de Zona de Obras, que pensaron una estética para prolongar la broma soviética de las Obras Incompletas. “El concepto son los diseños estatales argentinos. El subtexto sería: ¡Devuelvan nuestras riquezas, Imperio! La tapa debería recordar el logo de Gas del Estado. La pensamos en gris cemento, y a último momento la coloreamos con diferentes colores, uno diferente para las distintas regiones donde se edite el disco”, explica, haciendo babear por anticipación a los coleccionistas.
Aunque en los papeles es el sucesor de estudio del exitoso La lengua popular (2007), On the rock funciona más como una suerte de continuidad de Obras Incompletas (2009), y no sólo por la gráfica o la simple sucesión cronológica. “Cuando elegimos canciones para Obras Incompletas, separamos algunas en una carpeta titulada 2REC, o sea: para grabar. Se trataba de canciones sólidas o interesantes que podían, o merecían, grabarse ‘en condiciones’. Así reunimos 77, que les mandé a mis compañeros y a Guido Nisenson. Cada uno eligió sus preferidas. Finalmente nos encontramos todos en Madrid en febrero, y trabajamos sobre catorce tracks para dejarlos en condiciones”.
¿Cuáles fueron tus elegidas?
–No hice mi ranking, esperé las listas de mis compañeros y luego sumé mis peticiones democráticamente. Creo que “Gomontonera” es una de las que sumé a las grabaciones: rock político y acelerado.
Cuando se le recuerda que “Los barcos” había formado parte originalmente de Honestidad brutal, o que “Las tres marías” fue uno de los temas que compuso en Rosario antes de La lengua popular, Calamaro se hastía de tanta exigencia de precisiones. “Son canciones mías y contemporáneas, no hay diferencia entre una canción escrita hace cinco años, hace diez o hace dos meses. Salvo de la diferencia normal que ofrece la variedad”, apunta. “Pero hay una minoría de personas que parece obsesionada con el morbo de adivinar si voy a grabar canciones ‘nuevas’ o ‘viejas’. Una curiosa clase de incondicionales con mecanismos parecidos a los de Chapman asesinando a Lennon después de pedirle un autógrafo, y no es paranoia mía porque me consta que la enorme mayoría del público es sensible, tolerante, generoso y culto. La lengua popular también empezó así: conmigo mostrándole a Cachorro muchas canciones. Pero me pidió seis canciones más, a sabiendas de los colores y el carácter que necesitaba el disco para estar completo. Entonces nos sentamos a hacer canciones, y escribimos una por día. Las primeras tres fueron nominadas para los Grammy.”
Los titulares de la tapa del diario juninense Democracia, del domingo 2 de mayo.
Bueno, esta vez no estaba Cachorro para insistirte en componer una canción por día...
–Pero estaba El Langui de la Excepción, un artista social de rap y hip hop, muy querido y respetado en España. Tiene un programa de radio, filmó una película y ganó un Goya al mejor actor revelación y a la mejor canción. Nos conocimos en invierno pasado comiendo en De María, que es mi segundo hogar. Cuando terminamos nos quedamos esperando que nos vengan a buscar en coche, porque Langui tiene parálisis y se mueve con dificultad. Entonces nos paró la policía, mientras grupos de jóvenes no dejaban de sacarse fotos con mi amigo. Incluso los propios maderos se llevaron fotos y firmas de Langui porque a mí ni me veían. Al día siguiente llegó al estudio solo, y escribió y grabó, mientras yo escribía, poseído por la epifanía de Montilla, rimas y rimas. En los días siguientes escribí cerca de treinta textos. Las misteriosas formas de invocar la inspiración.
¿Por qué llamarlo On the rock, si no es lo que se podría llamar literalmente tu disco de rock, sino más bien con todo lo que esté vinculado a eso?
–Me aburre pensar que voy a tener que estar sujeto al juicio frívolo que dicte opinando si este álbum es culpable o inocente de usar el sagrado rock en vano. Es un álbum de rock y no hay discusión y no hace falta que explique por qué. Estoy en paz con el rock, le di mi vida y me la devolvió. Así que los talibanes del rock subdesarrollado se pueden meter su discurso internauta en medio del orto.
Bueno, no quería ponerte a la defensiva, me refería más al hecho de que el rock siempre es más de lo que llaman rock, más que la pose... Pero al ponerlo tan adelante en el título, creía que había alguna toma de posición al respecto...
–No estoy a la defensiva porque el rock, justamente, es más que el cliché o la pose rocker. Pensamos que este título no estaba ‘por delante’ del disco y su repertorio, no es un título ‘cervantino’ como La lengua popular, ni promete honestidad en dosis brutales. Es una broma, porque no es ‘en las rocas’, como el whisky de Isidoro Cañones. Ni ‘on the road’, en el camino de Kerouac. De hecho, la mayoría de las veces no me molesto en dar explicaciones y cuento que On the rock es el nombre de un velero que tengo anclado en el puerto de Marbella. Hasta te podría dar el nombre de mis otros dos barcos, que también estaban ternados como probables títulos del disco. Ahora empiezo a entender por qué Peter Gabriel editaba discos sin nombre...
¿Cuáles eran esos otros dos barcos?
–Podría haberse llamado Flor de samurai, que es un buen nombre para un segundo barco. Pero puestos a elegir entre Flor y Rock, elegimos este último a pesar de la sonoridad dignísima del guerrero. El tercer barco se llama Siete mares, igual que el barco de Iggy Pop, que tiene guardado en San Fernando, cerca de la última lancha de Pappo. Y el de Keith Richards se llama Mandrax, y creéme que llegué a considerar este nombre para el disco.
77 y 125
Como se trata de la primera noche, y hay una segunda al día siguiente, el grupo decide que no habrá salida después del show. Así que las trasnoche se pasa en la habitación del Niño Bruno, gran anfitrión con la música de su I-Pod –Candy Caramelo y Diego García entran en éxtasis escuchando un disco en vivo de Keith Richards–, las cervezas del frigobar, y las fotos del grupo que llenan su laptop. Una sucesión de tomas durante la grabación del disco, mientras Calamaro le explica a Bunbury lo que tiene que hacer en la grabación de “Te solté la rienda”, son las preferidas.
El volante anunciando los shows y los curiosos nombres de las plateas.
“¡Ah, qué vida tan relajada la del que vive en un hotel!”, escribió Julián Hernández, el cantante de Siniestro Total, en su libro titulado ¿Hay vida inteligente en el rock?, donde revela que la fantasía de los rockeros destrozando cuartos de hotel eso sólo eso, una fantasía. Principalmente porque después se recibe escrupulosamente la cuenta. Y enumera las cosas terribles que sí se pueden hacer durante el paso por un hotel: llenar la bañadera y tirar las toallas dentro. Prender todas las luces y los electrodomésticos y salir sin apagarlos. Encargar el alimento más caro para el cuarto de al lado. Y, agrega Hernández: “Se puede, incluso, en casos de extrema perversión, leer algún libro”. En ese sentido, sin dudas, Bruno debe ser el más perverso de la banda de Calamaro. En su cuarto hay libros de Borges, Vila-Matas y Kink, la biografía de Dave Davies. Y en su blog anuncia que, como para entender más la Argentina le han recomendado Santa Evita, casi no puede esperar a poner el pie en una librería. “Resulta algo inverosímil que un baterista sea el intelectual de un grupo”, se ríe Nisenson, con su libro de Geoff Emerick –el ingeniero de los últimos discos de Los Beatles– bajo el brazo.
Cuenta la leyenda que Guido conoció a Andrés en Le Chavalet, aquel antro de Barrio Norte donde solían tocar los punks del barrio a fines de los ‘70. Ahí tocaba Calamaro con la Elmer’s Band –junto a Gringui Herrera– y también Nisenson con su grupo. Sus caminos se volvieron a cruzar más profesionalmente cuando vino a presentar Alta Suciedad al Gran Rex. Nuevamente la leyenda: le ponen a Andrés una lista de técnicos de sonido para que elija, y el flamante ex Rodríguez escoge a alguien que no está en la lista: “Llamemos a Guido”, dice. Por eso es que Nisenson estuvo en aquella mítica grabación inicial con la que arrancó lo que luego terminaría siendo Honestidad Brutal. “Me acuerdo de Andrés grabando ‘Paloma’ y diciendo: escucho las voces de las multitudes cantándola. Y yo pensaba, incrédulo: ¿quién se va a acordar semejante letra? Cada vez que la gente la corea de punta a punta en los bises me saco el sombrero.”
Además de coproducir On the rock –junto a Calamaro, Candy Caramelo y Rafa Arcaute–, Guido se encarga del monitoreo de escenario desde que Calamaro se fue de gira junto a la Bersuit por España. Cuando se le pregunta si On the rock, por el hecho de que Calamaro al fin vuelva a producirse en un estudio de grabación, no es el final de ese arco de regreso de las selvas camboyanas que comenzó con El cantante, Nisenson aventura que tal vez haya algo de eso. “Porque el regreso es tan largo como ir. Y yo viví ese proceso. Nadie se vuelve loco de la noche a la mañana, y también toma tiempo volver. El retorno es mental, emocional y físico. Algo que empezó discográficamente en ese trabajo, poco a poco, cantando y rebuscando en el material que dejó ese viaje. Y que vino haciendo disco a disco desde entonces, porque aquellos fueron años sumamente prolíficos. Pero se puede ir notando que, paso a paso, vuelve a ser él”. Tanto comentario sobre regresos parece haber cansado a Calamaro, que cuando se le comenta lo mismo sólo señala que no llegó a tanto como comandar en el estudio porque en el momento de arreglos, ensayos y grabaciones estaba “prolijamente” ausente. “Digamos que soy el ideólogo de esta grabación que produce un póker de productores”, señala. Y agrega: “Somos una banda sólida porque nos exigimos, nos gusta ensayar y mejorar. Pero todavía tenemos que seguir ‘regresando’, y es posible que quiera, y tenga, que cantar mientras el cuerpo aguante”.
En un intercambio previo de mails, me contaste que tenés hambre de experimentos, y que por eso On the rock tal vez marque un límite de cierto modelo de canción... ¿En qué estás pensando?
–Ultimamente vengo pensando eso, sí. Pero también es cierto que no sabemos para qué estamos grabando discos. Y es un cuadro de situación que merece un análisis diario, casi. No descarto volver a escribir canciones de rock con melodía pero me gustaría hacer un disco como ejercicio de estilo, algo que me inspiró mi colaboración en los proyectos de Fabián Jolivet, el hermano del Conejo, de los Dulces 16, que recaló en España a fines de los ‘70 y terminó en Londres, Nueva York y Los Angeles. Es también un buen momento para desprenderme de la melodía y la letra, para embarcarme en discos conceptuales. Además, tal como están las cosas, podría seguir tocando sin editar discos, y sobrevivir dignamente. Sin contratos, como Don Draper en Mad Men. Dicho esto, no descarto embarcarme en una próxima aventura discográfica que reúna feeling, amistad y ambiciones. Pero pienso mucho en los cambios que sufrió nuestra profesión en los últimos años. Y no entiendo el desopilante debate sobre la importancia del derecho humano autoral que en España es un debate de alcance nacional.
¿Qué es lo que no entendés?
–Todo el mundo opina sobre el asunto, y las estrategias de la sociedad de autores para cuidar la integridad del derecho siempre fueron muy mal vistas. Allá se vive en permanente debate electoralista y el affaire download llegó al territorio de la política. Lo desopilante para mí es que se opine masivamente sobre cuestiones tan técnicas, como ocurrió acá con la cuestión tributaria de la 125. Porque para formarse una opinión sobre determinadas cosas tenés que ser un especialista o estudiar un poco el asunto, sino sos un reaccionario vomitando estupideces a los cuatro vientos.
Siempre supimos que eran asi
El diario se llama Democracia, y es de Junín. Su edición del domingo pasado llevaba ese show de Calamaro en tapa, y lo acercaron a los camarines cuando la banda apenas había terminado de tocar. Recién hecho. Por eso la curiosidad de los presentes, rodeando a un Andrés que recorría en voz alta lo que se suele llamar la primera plana. Pero el asombro por la rapidez dejó paso enseguida al estupor ante la desfachatez de dos titulares, uno debajo del otro. Arriba: “Calamaro conquistó a pura canción” (con foto y todo). Y debajo: “Aumenta el consumo de cocaína en Junín”. Las carcajadas resonaron en los camarines bajo el escenario del San Carlos, y el ejemplar fue disputado como un trofeo.
Pero la humorada –digna de la revista Barcelona o de Capusotto– lleva rápidamente a otras cuestiones más serias, discutidas al lado del afiche de Ricky Martin y la mesa de los dulces del catering. El comentario son las opiniones contundentes que cada vez más se escuchan aquí y allá, y Andrés recuerda el horror de su madre en un almuerzo familiar, repitiendo alguna barrabasada que le había sorprendido escuchar al hacer las compras. Y también rememora el encogimiento de hombros de su padre, asegurando: “Siempre supimos que eran así”. Una noche se sucede a la otra, la banda se despide de Junín con un brindis en el que Calamaro anuncia que la gira que acaba de empezar allí los llevará, en septiembre, a Londres. Y lo que sigue es Rosario, el martes, y luego Mendoza, este fin de semana. Pero por mail, unos días mas tarde, Andrés accede a explayarse un poco mas sobre el asunto. “Cualquiera que lea los periódicos online, o publicaciones virtuales, se habrá encontrado con los repugnantes cometarios de los lectores. Clarín no necesita de comentarios porque están envenenando la opinión desde las tapas del diario, pero los comentarios ‘espontáneos’ de Crítica son tan reaccionarios como los de La Nación. Y no puede considerarse una minoría microscópica al grueso de los internados online, con sus reacciones contra Maradona, León Gieco o Hebe de Bonafini. Son un lamentable cuadro de situación protofascista en el encefalograma diestro del pueblo opinador, que tiene muy poca memoria y una capacidad de análisis que no podría competir con la de un chimpancé.”
¿Qué pensás que se puede hacer mientras el mundo parece torcerse hacia la derecha? Además de tocar en una banda de rock, como decían los Stones, claro...
–Ultimamente siento que perdimos la cuarta guerra mundial. Hace diez años estabamos hablando de una tercera vía de pensamiento para cuestiones profundas y complejas. Pero el asunto vasco, el ultracapitalismo, los poderosos cambiando figuritas que son los medios de comunicación y empresas múltiples perfectamente metidas en nuestros hogares con furia, la transformación de la cultura, la solidaridad brillando por su ausencia mientras mueren humanos como moscas, la debacle ecológica, etc... El enemigo es muy grande y estamos con la mierda hasta el cuello. Nosotros tenemos que aferrarnos a nuestros valores y a la verdad, darse cuenta un poco todos los días y discutirlo. No pensar que nuestra opinión no sirve para nada, ni reducir la progresía a debates infantiles que discutan la importancia de suspender las corridas de toros. La última trampa de la progresía es no ser progresista, difrazarse con algun cliche “anti-algo” y participar en el coro ultraconservador... ¡a veces sin darse cuenta!
FITO PAEZ PRESENTO SU NUEVO DISCO ANTE UN LUNA PARK FERVOROSO Y ENTREGADO
Noche para renovar los votos de confianza
La excusa era presentar Confiá, su nuevo disco, pero Fito también supo revisitar varias páginas inspiradas de su pasado.
Por Luis Paz para Pagina/12
Así como los filósofos clásicos han entendido que la virtud necesaria para el desarrollo de la polis estaba o bien en la Bondad o bien en el Saber, Fito Páez defiende hoy a la Confianza como valor fundamental en la vida social. Su reciente disco, Confiá, planteó la hipótesis. El corte difusión del álbum, “Tiempo al tiempo”, presentó su Método del Relax. Y el viernes por la noche, el escenario del Luna Park fue el estrado para defender el plan, dominado con gran facilidad por un Fito optimista, bien cordial y bastante cariñoso con sus compañeros y el público, lo que seguramente haya sucedido también anoche, para cerrar el doblete del señorial músico rosarino en el Palacio de los Deportes.
Con una puesta sobria pero entretenida, Páez hizo así su “regreso a Buenos Aires” para unas cinco mil personas, con un concierto de dos horas, 27 canciones y una decena de coros populares con eje en sus temas más clásicos y extendidos: de las agradables “Giros”, “Dar es dar” y “Mariposa technicolor” a las más rabiosas “Ciudad de pobres corazones”, “El chico de la tapa” o “El diablo de tu corazón”, y sus crónicas de amantes desangelados “11 y 6” y “Un vestido y un amor”.
La urbanidad y los viajes, contados y criticados siempre, poesía mediante, siguen presentes en su nueva obra, que bien podría ser un tratado de una filosofía personal, biográfica y autorreferencial, pero también tribunera, dicharachera y coyuntural. Algo como una relectura ATP de la motivación provocada por The Beatles, o como el programa de un partido político de militantes puteadores pero plenos de propuestas para el buen vivir, con un líder muy carismático y más diplomático.
Sobre el show y la banda que acompaña al músico, por supuesto que hay qué destacar: la guía en teclados de Diego Olivero es fundamental, el groove funk de Dizzy Espeche (guitarrista de Emmanuel Horvilleur) les pone un poco de baile a temas que nunca lo fueron y el agregado de la voz extrema de Claudia Puyó ensalza “Circo beat”, “El amor después del amor” y “A rodar mi vida” (con revoleo de indumentaria incluido).
Hoy, Fito Páez parece un contador de historias, un relator musical ya doctorado que, aun así, no deja de producir teoría sobre el rock, incluso siendo una parte indiscutible de la cultura pop argentina, de la canción como ensayo y del álbum como soporte enciclopédico. Pero en ese camino lo que el recital del viernes mostró fue una foto precisa del Páez entertainer, del Fito maestro de una ceremonia vocal social. Allí justamente su diplomacia: pese a estar mostrando un paquete de nuevas canciones, no renegó de la bibliografía obligatoria para la materia Conciertos en el Luna Park y repasó “Al lado del camino”, “La rueda mágica” o “Polaroid de locura ordinaria” lo mismo que “Folies Verghet” (del Lalala facturado con Spinetta) o los recientes “La nave espacial” (otra de sus habituales road songs) y “London Town”.
“Cable a tierra” fue vox populi en el escenario, las tribunas y el campo, pero con “Dar es dar”, sobre el cierre de los bises, fue que toda aquella teoría, ese optimismo constante y esta confianza nueva (o renovada) se volvieron una práctica colectiva: Páez dejó el tablado y recorrió los pasillos cantando, entre pelos grasos y camperas de cuero, batidos y botas de piel de reptil, niños, nonos y sus nenas, distintas de las de Sandro en edad, origen y bultos en las billeteras. Así, como evangelizador de humores, hizo tomar la comunión a cinco mil personas con sus cables internos de amor, desamor y confianza en el retorno del sentimiento, en su propio regreso al sentir del show hecho en Buenos Aires: multitudinario, cordial y demagógico, siempre y desde ambas partes. Una celebración al “genio” y al “maestro”, ambos gritos descendidos desde las plateas en cada ocasión que se puso al teclado, o en aquella “Ciudad de pobres corazones” en que tomó, como pocas veces, la guitarra para acompañar el solo furibundo de Dizzy.
Sin ningún descontento, y es más, con alguna risa provocada por el cambio de letra por “no te asustes Cecilia Roth” en “El diablo de tu corazón”, o la aparición de la actriz y ex pareja del rosarino en las pantallas para “11 y 6”, el público dejó el Templo del Box animado y, como no podía ser de otro modo, confiado en el arte de Fito Páez. Verdaderos puntos altos del encuentro fueron “Tumbas de la gloria”, a la que el tecladista y cantante presentó como una de sus “favoritas porque incluye los acordes de Piazzolla, la poesía de Cadícamo, los tonos menores de McCartney y la influencia de la mente prodigiosa de Charly García”. Y también “Circo beat”, que ya a mediados de la lista de temas confirmó que lo de Fito, además de arte, es entretenimiento.
Es inevitable intentar desentrañar hasta qué punto Confiá puede ser superador de su anterior obra. Y parece ser que la respuesta, por estos días, debe ser buscada en la confianza de un autor optimista.
RECIBIO EL TITULO DE “AMIGO DE LAS BIBLIOTECAS POPULARES”
León Gieco, aliado de las letras
La distinción que decidió Conabip y entregó Osvaldo Bayer provocó una profunda emoción en el músico. Todo terminó con clima de fiesta.
Por Facundo García para Pagina/12
“Hijo del pueblo”: así definió Osvaldo Bayer a León Gieco, el artista que más de dos mil centros de promoción de la lectura de Argentina decidieron homenajear con el humilde y significativo título de “amigo”. De esta manera, el premio que otorga anualmente la Comisión Nacional Protectora de Bibliotecas Populares (Conabip) sumó al cantautor a una lista de notables que la institución considera claves para el fomento de su actividad. La entrega se realizó el viernes en la sala José Hernández de la Rural y con la Feria del Libro a pleno, a través de un acto en el que faltó lugar para tantos bibliotecarios de todas las regiones del país, tantos fans, tanta alegría y tanta música.
De hecho, cientos de delegados quedaron afuera, aunque su algarabía se hacía escuchar desde los pasillos. Algunos habían viajado tres días en colectivo para estar ahí y realizar, por quinto año consecutivo, las compras con descuento que ofrecen a sus organizaciones los stands (cuyos precios –hay que decirlo– no siempre son convenientes). Sin embargo el ambiente general era de euforia. y el hecho de que los oradores se largaran a ponderar los méritos de Gieco no hizo más que potenciar ese clima. María del Carmen Bianchi, presidenta de la Conabip, calificó al galardonado como un hombre que “atraviesa y une a las generaciones” y como “un profesor de historia que cuenta lo que los libros no siempre cuentan”. La titular del organismo que desde 1870 estimula el desarrollo de bibliotecas recalcó que “parece que éste fuera sólo un reconocimiento a León, pero es también un reconocimiento al trabajo que cotidianamente realizan miles de voluntarios y trabajadores”.
Por su parte, el secretario de Cultura de la Nación, Jorge Coscia, festejó la designación de un músico como aliado de las letras. El funcionario no ahorró críticas para Beatriz Sarlo, quien hace unos días cuestionó que la Feria del Libro se inaugurara con actuaciones de Víctor Heredia y Teresa Parodi. “No es necesario justificar a Heredia ni a Parodi ni a Gieco, porque, como cualquiera que tenga memoria sabe, lo que ustedes están haciendo ahora mismo tiene que ver con uno de los puntos fundacionales de la literatura argentina. ¿Cómo puede criticarse que la feria comience con el canto si casi desde el inicio de nuestra literatura están los versos ‘aquí me pongo a cantar/al compás de la vigüela’?” A su turno, Tristán Bauer, presidente de Radio y Televisión Argentina, subrayó que “Cinco siglos igual”, “La memoria” y otros temas de León ya eran “himnos que quedarán para nuestros hijos y nuestros nietos”. Pantalla gigante de por medio, hubo también elogios de Patricio Contreras, Carlos Ulanovsky, Antonio Pujía, Gastón Pauls, Víctor Heredia, Ciro Pertusi y Nora Cortiñas. Contreras y Carlotto estaban entre el público, pero fue Bayer el encargado de adjudicar oficialmente la mención. “Este ángel de la guitarra ha entrado en el alma de nuestros barrios y en los pueblitos de las extensas pampas. Los obreros del siglo pasado le hubieran dado su título máximo. Lo hubieran llamado ‘hijo del pueblo’”, afirmó el historiador.
Más tarde, un Gieco emocionado como pocas veces repasó las escenas surrealistas que vivió de chico en la biblioteca de su Cañada Rosquín natal. “Recibo esta distinción con enorme alegría, porque las bibliotecas populares contribuyen a la comunión y el desarrollo del pensamiento individual y también colectivo, y porque leer un libro es profundizar la imaginación. La imaginación es creación, y la creación es libertad”, reflexionó. El cierre fue una fiesta donde se escucharon, entre otros temas, “Como la cigarra”, “La colina de la vida” –con la participación del Mundo Alas Alejandro Davio–, y hasta una curiosa versión de “Sólo le pido a Dios” interpretada por una fanfarria militar.
La distinción “Amigo de las Bibliotecas Populares” está destinada a personalidades que “realizan un aporte” al desarrollo de la lectura. Y la elección de Gieco responde –según la propia Conabip– a “su inestimable trabajo en pos de la inclusión de personas con capacidades diferentes, sus permanentes muestras de solidaridad y sensibilidad y fundamentalmente a su compromiso social”. En 2006 el honor había sido para Roberto Fontanarrosa, a quien le siguieron Osvaldo Bayer (2007), Mercedes Sosa (2008) y Adrián Paenza (2009).
RATA BLANCA SE PREPARA PARA UN INÉDITO SHOW
Por Fernanda Jara
La banda se presentará con la particularidad de tener en l
a voz a Doogie White, cantante con el que grabó esta versión en inglés de "El Reino Olvidado". Walter Giardino contó los detalles a Infobae.com
"En el nuevo show de Rata Blanca van a ver algo diferente y que no tiene que ver con la realidad diaria de la banda. Así que no se lo pierdan porque va a estar bueno, nosotros la pensamos pasar barbaro", invita Giardino.
Los días 18, 19 y 21 de mayo Rata Blanca se presentará en La Trastienda en un show que promete conmover a los fieles seguidores de la banda de rock pesado más impotante de América Latina. La particularidad será escuchar en inglés y de la voz del escocés Doogie White los temas de "The Forgotten Kingdom" acompañados por los exquisitos acordes de la guitarra de Giardino.
La banda iniciada en 1986 y que al llegar a escena un año después ya había roto y superado las expectativas de quienes no creían en ellos, se presentará en un escenario chico. Walter Giardino confesó a Infobae.com en la sala de ensayo de Rata Blanca que "uno sueña con tocar en grandes escenarios pero después se extrañan los que no son tan grandes".
El reconocido compositor argentino contó que esta presentación con White es un "divertimento" y en el cual la piensan pasar "barbaro". Dueños de una complicidad escenica impactante los Rata invitan a un concierto prometedor para todo aquel que guste de Rainbow, Deep Purple y Temple ya que se darán el gusto de interpretar algunos de sus temas.
Giardino aclara que esta nueva presentación de la banda con White "no separa ni deferencia absolutamente nada, la formación de Rata sigue siendo la misma. Esto es algo que tiene que ver con lo que no puede hacer Rata dentro del territorio latino y es lo que Europa demanda", y agregó que "es algo que yo quería hacer y se hizo, se dio la oportunidad, Doogie estaba libre y Adrián no estaba interesado en hacer ese trabajo en inglés".
Para quienes tienen los oídos acostumbrados a la formación oficial de la banda, el compositor cuenta que la idea de este trabajo "es salir un poco de lo que es Rata, es un gusto personal. Los que me conocen desde chico saben lo importante que es para mí tocar algo de Rainbow o Deep Purple. La idea es que se disfrute algo diferente, acá no hay comparativas, no se trata de eso", aseguró el mentor de Rata Blanca.
Los musos de "cuando hoy es ayer"
Los fans de Rata Blanca son el orgullo de la banda. "Estamos muy felices por la calidad de nuestros fans- dice satisfecho Giardino- pueden ser de todos los estratos sociales pero van a escuchar a la banda. No van a buscar una excusa para meterse cosas adentro o robar o lastimar a alguien, les gusta el rock".
Lo cierto es que Rata tiene un mensaje concreto "respecto a la conciencia, al espíritu, al Planeta", manifiesta Giardino y cuenta que "recibo cartas emotivas en las que los chicos me dicen que aprenden a soltar lo que tienen adentro, a luchar por ellos mismos, que aprenden a ser" y sostiene que los jóvenes "son los que van a cambiar el mundo a través de sus acciones que a veces pueden parecer desubicadas pero que dicen que están contra el mundo".
"Haz tu jugada"
Lo característico de esta banda es la búsquedqa continua de razón que le otorga a sus seguidores. Canciones como "haz tu jugada" (del disco La leyenda del hada y el mago) invita a vencer obstáculos, a lograr la libertad promoviendo la bondad de los ideales. Invita a soñar y a jamás bajar los brazos ante las adversidades. Canción que fue un himno de la generación de los 90 y que hoy hace temblar cada teatro donde Rata se presenta. Y es justamente como lo define Giardino en sus letras "se mezcla el espíritu del rock rebelde pero con un sentido positivo e inteligente".
Con el estandarte de positivismo explica que "hay dos formas de ver las cosas: podés quedarte con lo malo o podés tratar de generar lo bueno", reflexiona el guitarrista, "el heavy metal es una crítica constante a lo que está mal pero la gente necesita salidas, no que les recuerde todo el tiempo lo que ya sabe. Sabemos que están mal las cosas pero ¿cuando paramos? Vamos a cambiar la película de una vez por toda y Rata quiere incentivar eso", se compromete Giardino.
Componer música en los años de la dictadura y en los inicios de la democracia
Siendo adolescente Giardino vivió los gobiernos militares en Argentina y con el inicio de la democracia la banda tuvo un poco más de aire aunque el metal no era lo mejor visto. "Yo toqué para las Madres de Plaza de Mayo en el 82 con una banda underground que se llamaba Punto Rojo y en la que realmente nos jugamos la vida pero por la libertad. Peleamos por el derecho a ser libres", recueda y señala que "cuando vino la democracia, apareció la posibilidad de tener un poco más de aire, las cosas no estaban fáciles, nadie creía en el metal ni en el rock pesado. Nadie pensaba que se podían hacer las cosas bien y contra todo pronostico Rata demostró que si se podían hacer las cosas bien que si existía el metal, que se podía hacer un concierto sin heridos ni destrozos, fue todo un proceso y un aprendizaje", destaca.
Un regalo de Reyes y un sueño cumplido
Será por la ley de causalidad que un 6 de enero un niño del Bajo Flores desenvolvió su regalo y allí encontró una guitarra, plasmado en el cielo estaría que sus instintos de músico nazcan ese día para nunca más parar.
Años más tarde, ese niño ya adolescente de 15 años tocaba canciones de Deep Purple: "cuando tenia esos discos en mis manos, los veía, entre ellos a Glenn Hughes ( ex bajista de Deep Purple y vocalista de Black Sabbath) en la tapa y después terminé tocando con él en Buenos Aires y en diferentes ciudades. Estaba tocando con él y alucinaba, hablaba conmigo y me decía “¿vos te acordás de eso?”, rememora en un instante en que el tiempo se detuvo y volvieron esos momentos en que el presente era algo "inimaginado". "A doce mil kilómetros había un tipo que era el amo del mundo y si venia alguien y me decía `vos vas a tocar con este en Buenos Aires´ yo le decía `vos estás loco´”.
Consejos a los adolescentes: "su ley no es ya tu verdad"
"Lo que le queremos decir a los chicos es que vayan al frente, que sueñen y que esa visión que tienen de ellos mismos arriba de un escenario, arriba de un auto de carreras, arriba de lo que quieran, que crean en ellos. Es verdad que se puede", alienta Giardino.
"Hay chicos que no tienen en claro el sacrificio y si te molesta tanto el sacrificio es porque no queres tanto lo que hacés. Sigue siendo duro el sacrifico de estar en esta banda. Es como cuando amas a alguien como a un hijo al que le bancás cualquier cosa porque lo querés. Cuando amás tanto lo que hacés, das más", asegura el dueño de un talento indiscutido.
"Cuando la inspiración baja hay que saber percibir"
PIOJOS SEPARADOS
Tavo Kupinski habló de la separación de Los Piojos. Sin casette ni presiones, el guitarrista hace un repaso de sus últimos años en Los Piojos y le pone el pecho a su presente en Las Pelotas y Revelados.
Ciudad Jardín alguna vez se llamó Clearview. Emilio Vieyra filmó Extraña invasión (1965), una película sci-fi clase (muuuuy) B, usando el barrio como escenografía natural, simulando ser un pueblito del sur de los Estados Unidos. Fantasía y/o realidad, esta zona de tradición alemana, tiene calles circulares bautizadas con nombres de plantas (Margaritas, Gladiolos, Claveles) y aviadores (de Saint-Exupéry a Jorge Newbery).
"Es muy complicado entrar y salir sin perderse, sos siempre un visitante acá", avisa Tavo Kupinski, vecino desde los 19 años (hoy 36) y baqueano por un rato. "Parece una ciudad de otro país", se enorgullece mientras camina por la calle De Los Aromos hasta De Los Geranios. Todavía se pueden rastrear algunos vestigios de Los Piojos, su banda insignia, como la famosa esquina Libertad (¡Che, che!) o nuevos mocosos merodeando las calles. El guitarrista agrega el dato de una escasez que le recuerda a la de aquel verano del 92, donde buscaban hierba hasta debajo de los sillones. Desde Chactuchac hasta Civilización, estas tierras del oeste bonaerense estuvieron en el imaginario piojoso durante veinte años. Buenos días, Palomar, último track de la discografía, queda como testamento barrial.
Tavo saca los trapitos al sol y arranca dando su versión sobre el fin del grupo, hace un año, cuando se hizo oficial el anuncio a través de un comunicado y posterior show despedida en River. Habla de una "traición" por parte de sus ex compañeros: "Yo no fui parte de la decisión de que el grupo terminara. Desde que se fue Piti (Fernández) hasta que nos separamos, pasó un año en el cual hubo tres personas que se reunieron a espaldas mías, sin huevos y sin códigos, hasta que un día llegué y me dijeron que se separaban Los Piojos". Apunta siempre los cañones contra Andrés Ciro Martínez, Micky Rodríguez y Pocho Rocca (manager). "Lo del parate indefinido es una mentira, fue una carta escrita sólo por Andrés. Todo un verso, demagogia total. Después me llamó Pocho para que la leyera, y le dije que era mejor no decir nada, parar el tiempo que queramos, sin hacer todo un invento. Habíamos tenido dos parates antes, pero sin ánimos de separación".
-¿La salida de Piti fue lo que más te dolió?
-Lo de Piti fue como un boxes de Fórmula 1: vinieron los mecánicos expertos, lo cambiaron y seguimos andando. Fue una situación horrible, donde se estaba yendo el padrino de mi hija y yo estaba "educando" al otro guitarrista. Era el único que podía pasarle los temas a Juanchi (Bisio), eso era un problema para el resto. Musicalmente, siempre fui el que llevó la batuta, el apuntador del grupo. Ahí se ve el trabajo de cada uno: los arreglos de los temas los tengo tatuados, los tengo metidos adentro del cuerpo. Nunca me los voy a olvidar. Es una cuestión de cariño y de entrega absoluta.
-Después de que se fue Piti, había rumores de que seguías vos.
-Sí, pero no me iba a ir así nomás, me tenían que sacar con los pies para adelante. Los Piojos son míos. No soy "el ex guitarrista de Los Piojos": soy Los Piojos. Es mi banda, porque legalmente el nombre está registrado por cinco personas y una soy yo. No voy a regalar nada porque no me banque a uno. Así como Andrés nos veía como sus guitarristas, yo también puedo decir que él era el cantante de mi banda.
-¿Cerrás las puertas para cualquier regreso?
-No hay posibilidad de volver de mi parte. La única chance sería que venga un tipo y me diera un palo verde. Yo voy y toco, nada más. Hoy en día, para compartir un escenario con Andrés, y que Pocho esté en la movida, me tendrían que dar mi parte. Iría a disfrutar con mis amigos: no podemos volver sin Piti.
-¿Y una vuelta sin vos?
-Ellos la deben estar imaginando. En el mundo empresarial existe de todo. Pero no soy boludo, yo sé lo que es mío. Si van a volver sin mí alguna vez, va a tener que pasar mucho más tiempo.
-¿Cómo viviste la despedida?
-Con bronca. El River anterior, que fue el Quilmes Rock, le dediqué Sudestada a Piti y cuando volvimos a la sala, me lo recriminaron todos. Entonces, en el último recital, primero que no me presentaron, pero dije que la cantaba igual, y después remarqué "Para Piti", mirándolo a Micky a la cara. Me salió de adentro, ¿te pensás que me vinieron a decir algo después? Nada, porque yo te salto con una patada voladora en la cabeza. No tengo términos medios, no hay calles para mí: es una vereda o la otra.
Tavo hace carne la metáfora en una esquina de su barrio, sentado sobre el cordón: más literal, imposible. Pasan camiones con un smog insoportable. "¿Tenés fuego?", pregunta y uno llega a confundir la literalidad con lo abrasivas de sus declaraciones. "Desde fines de 2004, el grupo se convirtió en una empresa que facturaba espectáculos grandes. Hace rato que no éramos una banda: mucho antes de que dejáramos de tocar". Pero aclara: "No somos cinco islas, no somos cinco personas distanciadas y en desacuerdo. O sea: en una gira estábamos todos en una habitación, menos Andrés. Siempre fue así, marcando la diferencia. El problema no es de Los Piojos. Hay dos personas que tomaron otro camino. El resto la chuparemos y la remaremos toda la vida por no ser la cara visible del grupo".
-¿Creés que Andrés como solista va a tener más éxito que los proyectos de ustedes?
-¿La verdad? Si le va bien por su lado, me voy a sentir bien porque fue gracias a mí también. Si no hubiera existido Los Piojos, Andrés no sería nadie. Yo, con tocar la música que quiero, con que me gusten los temas, estoy hecho. Si me va bien, mejor. Pero si no, siempre voy a tocar la guitarra, no me veo haciendo otra cosa.
-¿Cómo te sentís tocando en Las Pelotas ahora?
-No puedo creer estar ahí, siempre fui muy fana de ellos. Los iba a ver desde antes de que grabáramos Chactuchac. Germán (Daffunchio) es un ángel y los pibes son increíbles. Recibí un reconocimiento que jamás hubiera esperado. Ahí me di cuenta: "¿Por qué nunca me pasó esto con mis compañeros?". Nunca me reconocieron nada: Andrés me ponía a prueba todo el tiempo. Ahora me voy de gira con Las Pelotas y la paso cien veces mejor, no tengo presiones. Los Piojos es mi pasado y tuvo cosas hermosas, pero hoy, si me preguntás, me quedo con Las Pelotas.
