ESTRENO DEL DVD DE LOS GARDELITOS
Deborah Valado – blogrock.com.ar
Los Gardelitos estrenaron su primer DVD en vivo, “Cine Teatro Los Gardelitos”, el pasado lunes en el Teatro de Flores. La grabación había sido en el mismo local, el 11 de diciembre de 2010. Además, el DVD contiene escenas filmadas en Pampas del leoncito (Provincia de San Juan).
“Korneta no se murió…”, voceaban los seguidores luego de que sonó “Volver”, de Gardel. De inmediato, se abrió el telón y la imagen de los actuales gardelitos – Eli Suarez (voz y guitarra), Fede Caravatti (guitarra y voz), Diego Rodríguez (bajo) y Paulo Bellagamba (batería)- ganó la escena.
Una función íntima, con fans jóvenes -y no tanto- que siguen apoyando este nuevo giro del grupo. Se puede escuchar por ahí que no hay canciones nuevas, que el repertorio es todo de Korneta, pero lo que no se tiene en cuenta es que Eli y los nuevos integrantes dieron un salto del rock más cuadrado a uno mucho más abierto y con distintos matices que dan una nueva vida musical a esas letras de Korneta. Y es eso lo que se ve reflejado en esta grabación, un rock con mucha distorsión y más experimentación, donde los músicos se destacan conjuntamente. Además, hay que enfatizar la prolijidad con la cual suenan.
“Cine Teatro Los Gardelitos” fue inspirado tanto en la fecha (el 120 aniversario del natalicio de Carlos Gardel) como en el lugar (antiguamente conocido como Cine Teatro Fénix, adonde se dice que alguna vez cantó El Zorzal); así como en el disco “Oxigeno” (2008), que simboliza un renacer para el conjunto. No obstante, a más de ya tres años de su edición, el disco no fue asimilado del todo por el público, a diferencia de los clásicos que están más que instalados.
A nivel de la estética visual, el DVD presenta una rica combinación de planos, efectos, escenas, giros y acercamientos con la cámara. El sonido es sólido y cada instrumento se puede apreciar con detalle, a la vez, que el conjunto mismo. Fue grabado y mezclado por Mario Breuer y filmado por Pasto Films.
Esta presentación tuvo el mismo espíritu cual otro recital de Los Gardelitos. Había una especie de simetría entre el público presente con los que habían presenciado la grabación, ambos cantaban y saltaban la mayoría de las canciones. Entre los clásicos están “Gardeliando”, “Mi moto no la puedo parar”, “Nadie cree en mi canción, “Anabel”, entre otros. Y de “Oxigeno”, los más potentes que sonaron fueron: “Los penitentes”,” Mezclas raras” y “Crimen del autocine”.
El rock sigue con vida. El próximo 15 de octubre Los Gardelitos estarán presentando este nuevo material en el mítico Estadio Obras, donde tocarán por segunda vez en su trayectoria.
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http://www.youtube.com/embed/3pQ16HsIeDQ
“METAMORFOSIS”, EL VUELO DE LA GRULLA
blog.rock.com.ar
Metamorfosis es el álbum debut del trío conformado por Roger Cardero en batería, Guillermo Cudmani en voz y guitarras y Fernando Cardero en bajo.
El álbum fue completamente compuesto y preproducido entre agosto y diciembre de 2010 en la sala de ensayo de la banda, y grabado en “Osa Mayor”, su propio estudio de grabación, entre febrero y abril de 2011. Producido por Pablo Romero (Arbol) y Claudio Romandini como ingeniero de grabación.
Metamorfosis tiene 10 temas en los que mantienen el espíritu característico del power trío y fue masterizado por Alvaro Villagra en Estudios del Abasto.
MÚSICA Y POLÍTICA
6,7,8 al ritmo del Rock
La revista Rolling Stone destacó el cambio que produjo el programa 6,7,8 en la entrada del rock a la política y el apoyo partidario. Repasamos los músicos que estuvieron por el programa de la TV Pública: Vicentico, Ciro Pertusi, Calle 13, Cristian Aldana y más.
http://www.rollingstone.com.ar/
Como uno de los pocos espacios en la televisión de aire en el que puede verse música en vivo (Roberto Pettinato no terminó de construirlo en Un mundo perfecto), el programa 6,7,8 provocó un cambio en el approach del rock a la política y el apoyo partidario. La tribuna orgullosamente oficialista de análisis de medios ("el programa más visto de la minoría politizada argentina", escribió Esteban Schmidt en RS 147), pone al frente las opiniones de los referentes latinoamericanos de la música popular en relación al kirchnerismo y sus causas bandera. Pero ¿están "todas las voces del mismo lado"?
CRISTIAN ALDANA
EMISIÓN: 31/03/11
TEMAS: Juicios de la Verdad, juventud y política
MODO: Kirchnerismo indie
QUÉ DIJO: "En la década del 90 nos pusieron una tapa en los ojos y nos hicieron creer que la política era algo sucio y que, si nos metíamos, íbamos a salir afectados. Hoy digo: no tengamos miedo".
GUSTAVO SANTAOLALLA
EMISIÓN: 24/03/11
TEMA: Aniversario del golpe del 76
MODO: El exiliado redimido
QUÉ DIJO: "Es inspirador para mí ver gente joven con esa esencia de lo que me pasaba [en los 70]. La diferencia es que este gobierno entiende y hace todo lo posible para que finalmente haya un cambio".
CIRO PERTUSI
EMISIÓN: 03/04/11
TEMAS: Nietos, kirchnerismo, crisis ambiental
MODO: Apoyo crítico
QUÉ DIJO: "La madre con más hijos desaparecidos en la historia es la madre naturaleza. Me gustaría que Cristina, siendo mujer y madre, tenga algo de empatía con la madre de todo".
VICENTICO
EMISIÓN: 17/05/11
TEMAS: Nietos, kirchnerismo
MODO: Lie to Me
QUÉ DIJO: "Creo que cuando uno no sabe qué hacer y qué pensar, hay que ver a las caras. Yo miro a Estela [de Carlotto] y no tengo dudas. Hay que mirar las caras de los que estamos de este lado".
RICARDO SOULÉ
EMISIÓN: 04/03/11
TEMA: Escándalo de Vargas Llosa en la Feria del Libro
MODO: Despistado
QUÉ DIJO: "Es difícil opinar. Para mí, Vargas Llosa es desconocido. Tiene que haber diferentes pensamientos, inclusive los que no nos gustan. Pero a nadie le gusta que hablen mal del país".
KEVIN JOHANSEN
EMISIÓN: 12/07/10
TEMA: Matrimonio igualitario
MODO: Confites Para Todos
QUÉ DIJO: "Tener la libertad de debatir sobre esto es muy importante. Es valioso tener estas cuestiones sobre el tapete y que la gente se saque las caretas. Es un momento para aprovechar".
RENE PEREZ (CALLE 13)
EMISIÓN: 24/11/10
TEMAS: América latina, depuración de la Federal
MODO: Rap bolivariano
QUÉ DIJO: "Nuestro problema es la autoestima. Nos quieren hacer creer que somos menos. Queremos conectar al Caribe con Latinoamérica. La nueva revolución es la educación".
LILIANA FELIPE
EMISIÓN: 08/12/10
TEMAS: Kirchnerismo, América latina
MODO: La fan exiliada
QUÉ DIJO: "Veo a una juventud re-energizada. Nos sentimos envidiosas de lo que pasa en la Argentina y en el Cono Sur en general. Muy diferente de lo que nos pasa en México".
TRAZO FINO
Paula Alberti Prensa
TRAZO FINO se formó en San Miguel a mediados de 2004, zapando como muchas otras bandas en un viejo galpón que hoy es su sala se ensayo.
Afianzan su sonido, producto de estas reuniones y en septiembre del mismo año ya se presentan a tocar en un festival benéfico haciendo covers de Sumo, Redondos, Divididos, algunas de sus bandas favoritas y de las que toman influencia.
De esta manera la banda despliega en la escena under y toca sin parar durante 2004, 2005 y 2006.
El grupo ha tenido la posibilidad de tocar con bandas populares y de culto frente a gran cantidad de gente. Esto les dio la posibilidad de dar a conocer su música en el circuito de bandas que crecen poco a poco, paso a paso. Ya en 2008 toman la decisión de grabar su primer disco con un sonido más afianzado.
TRAZO FINO saca de forma independiente : "DESPERTAR DE A POCO" editado en 2010.
El disco tiene un sonido excelente, una verdadera sorpresa tratándose de una banda que recién comienza, y es que con toda responsabilidad, se han dedicado de lleno a este proyecto.
La voz de Matías González tiene un color que atrapa; las letras acompañan con profundidad el vuelo- transmitiendo lo bueno y lo malo de las vivencias cotidianas- al que se le agregan arreglos vocales de gran porte."Colectivo" define líricamente el sentir.
Las instrumentaciones acompañan excelentemente la propuesta; sobre una base de rock apoyada en el bajo y la batería, guitarras sólidas y percusión, pasan del rock al reggae, la canción al ska, la banda se la re banca!
"DESPERTAR DE A POCO" es un disco fresco, volado, sensible, lleno de canciones notables. Un gran trabajo, para una banda que tiene mucho para dar!
INTEGRANTES: Facundo Grasso: bajo. Emiliano Rodríguez: batería. Matías González: voz/guitarra. Sergio Salas: guitarra. Daniel Pannunzio: percusión.
TRACK LIST
1. VUELTA DE LOCOS / 2. MENOS MAL/ 3. LOS PALOS/ 4. INVISIBLE / 5. EL COLOR DEL MAR/ 6. IDEAL / 7. ACUARELAS/ 8. COLECTIVO/ 9. BANDERAS DE LA PARANOIA/ 10. CAMBIO/ 11. CAER YA ES COSTUMBRE/
MALÓN PASA AL MALVINAS
Iban a tocar el 10 de diciembre en Obras, pero lo pasaron para el 18 en el Malvinas Argentinas. Aún no son claras las razones de este cambio de fecha y lugar.
En un breve comunicado de prensa Malón anunció el cambio de fecha y escenario para su regreso, en diciembre. Sin dar muchas explicaciones, el grupo confirmó que el recital se hará en el Malvinas Argentinas, el 18 de diciembre (iba a ser el 10 en Obras). Ese día el grupo grabará un DVD y promete mostrar una "escenografía impactante".
El cuarteto O´Connor-Romano-Strunz-Kuadrado vuelve a los escenarios luego de 12 años de silencio. Su baterista revela que habrán más shows, gira por el interior y grabarán un nuevo disco.
En medio del retorno de varias bandas a nivel internacional, el heavy local no se queda cruzado de brazos y anuncia la vuelta de una de las bandas más importantes del metal criollo: Malón, formado en 1995 de las cenizas de Hermética con excepción de Ricardio Iorio que le dio vida al exitoso Almafuerte.
El cantante Claudio O´Connor, el guitarrista Antonio "Tano" Romano, el baterista Claudio "Pato" Strunz y el bajista Carlos Kuadrado editaron Espíritu combativo (1995), Justicia o Resistencia (1996) y Resistencia Viva (1997) grabado en el Microestadio Ferrocarril Oeste. "Aparte de Almafuerte y Rata Blanca hay un vacío muy grande en la escena local y creo que Malón podría ocuparlo. Los reuní a los cuatro en el Asbury de Flores y les planteé volver a lo grande. Y como no hay ninguna aspereza entre ellos se concretó, conto Ariel Costa Vigo, promotor del show y representante de Volumen 4 Agency.
"Quiero aclarar que la banda no se reúne por un show sino que también haremos conciertos en marzo y abril por Capital, giraremos por el interior en 2012 y grabaremos un disco nuevo. Y quizás también toquemos en el exterior. Es un sueño cumplido porque desde hace mucho tiempo quiero volver a tocar con ellos. Reuní al Tano Romano y Claudio para que charlen, está todo bien. Y sin problemas se sumó mi amigo Carlitos Kuadrado. Es más, la banda O´Connor hoy ensaya en Asbury, lugar de mi propiedad", reveló el Pato Strunz, baterista del grupo.
Desde que el cantante Claudio O´Connor anunció en 1998 la creación de su proyecto solista (O´Connor), el cuarteto metalero no realizó más shows oficiales excepto un concierto en Cemento en 1999 a beneficio de uno de los ex manager del grupo. En 2001 el grupo se reunió pero sin su cantante quien, abocado a O´Connor, no se sumó a la banda. En su lugar lo hizo Eduardo Ezcurra, con un registro vocal similar al del anterior cantante, y con quien editaron en 2002 un EP con las canciones Razones conscientes, Deshumanizado, Pálidas noches, Tendencias y una nueva versión de Nido de almas.
ENTREVISTA A PEDRO AZNAR
Estoy sembrando un mundo, y a su vez desde ahí vivo
El próximo 23 de julio se presento nuevamente en el teatro Coliseo. Una figura artística con todas, todas las mayúsculas.
Por Jorge Belaunzarán - Revista Asterisco
Al escuchar su bajo en Serú Girán se descubría de inmediato estar frente algo muy importante. Al escuchar a Serú Girán todo, se descubría estar frente algo más importante aún. Con el tiempo, se descubrió que escuchar eso que se escuchó en esos años de formación resultó fundamental para formar un gusto musical que se agradece y que permite, por ejemplo, escribir de música. Con un tiempo más, y siguiendo sus caminos solistas o en compañía, se descubre que aquel gusto musical que ayudó a formar también fue importante a la hora de ver el mundo. Y más aún: de soñarlo. Entonces la entrevista, la que se fantaseó en forma de encuentro apenas al descubrirlo, reviste un nerviosismo especial: que la profesión no aplaque el placer.
-A solas con el mundo semeja la idea de estar en un momento de conexión entre el universo y la persona. ¿Esta posibilidad es una característica de la música?
-Es algo que la música te provoca como buceador de ella y que también le provoca a la gente cuando se sumerge en ella. Después está la percepción que vos tengas y ponerlo en palabras. Otros músicos lo pueden poner de otra manera. Yo lo nombro o lo cuento, lo relato de esta manera. Para mí es una suerte de ritual que se produce entre la música, la obra, el autor o el intérprete, el oyente; me parece que es un marco que los abarca, que abarca a las tres instancias. En este caso soy sólo intérprete de las canciones, son de otros autores. Y creo que de todas formas la magia que ocurre atraviesa las tres instancias: el autor, el intérprete y el oyente.
-Este es un show en vivo, pero cuando las graba por primera vez...
-Es toda música que no había grabado en estudio previamente, eso es lo que tiene el disco de particular.
-¿Fue grabado en una sola toma en un solo show, o se tomaron distintos shows?
-Fue tomado de cinco shows, pero lo que tiene el disco es 85 por ciento de un mismo un show.
-¿Y qué pasa si una de las tres instancias no funciona?
-Si no funciona el autor, no elijo la canción jaja. Punto uno, eliminado de la variable; si no funciono yo, la gente no viene a verme ¡jajaja! Y el público viene predispuesto porque quiere verme. No pueden fallar las variables.
-¿Y en el momento que se interpreta? Los músicos en general hablan como de un estado mágico, de comunión.
-Sí, hay dos variables incógnitas: lo que le pasa noche a noche al intérprete, y lo que le pasa al público, que no es siempre es lo mismo. Por eso se graban tomas distintas. Porque incluso en un estudio de grabación, en condiciones "controlables", nunca sabés exactamente qué va a pasar. Podés hacer cuatro tomas y decís: la que vale es la tercera; no, la primera. Momento a momento sos distinto como intérprete. Nunca tocás algo dos veces igual. Son esas cosas mágicas de la interpretación: hay noches que están encendidas y noches que no. Y las condiciones están dadas. Hay noches que el público no está tan encendido como otras, y eso modifica lo que pasa arriba del escenario también.
-¿Cómo lo modificaría?
-Es una energía. Si el público no es generoso en lo que te devuelve, le cambia la energía al espectáculo.
-¿Podría torcer esa energía con algo que haga arriba del escenario?
-Podés propiciar, pero si el público está amarrete, dificilmente lo puedas levantar.
-¿Y el público puede levantar a su músico?
-Podés estar muy cruzado, de muy mal humor por lo que fuera. Pero si la gente te recibe con una oleada de cariño, muy difícilmente no puedas subirte a esa oleada de amor. Después también depende del repertorio. Hay temas que se prestan más a las diferencias interpretativas y a la sorpresa de una noche a la otra. Particularmente cuando las canciones incluyen fragmentos de improvisación, pero hay otras instancias, como las canciones que están en este disco, las diferencias son más sutiles. En cuanto a la interpretación lo digo. Puede haber pequeñitas cosas, que vistas desde la lupa que uno tiene, que conoce el trabajo al dedillo, nota diferencias. Pero no sé si al público le resultarán aparentes o no. Sé que una noche me puedo decidir a enfocar determinada canción desde determinado ángulo. O a cargar de emoción a través de usar otra imagen mental que la que estoy usando. Porque no deja de ser un trabajo actoral. En el sentido de que para recrear la emoción de lo que hablan las canciones, utilizo imágenes y llamo o conecto con recuerdos emocionales propios. Y esa es la manera de que surja la energía emocional genuina, de estar yo comunicando la emoción que comunica la letra de la canción. Es mi manera de ponerle le cuerpo a las canciones. Entonces no todas las noches utilizo las mismas imágenes. En la mayoría de los casos son recuerdos de mi vida. El trabajo emocional es eso: trabajás con recuerdos propios.
-¿Eso lo trabajó especialmente?
-Fue creciendo espontáneamente y también el hecho de leer textos de dramaturgos, de técnica de gente de teatro, y ver cómo ellos encaran el trabajo actor y ver con qué cosas conecta el actor para que fuera genuina la expresión de una emoción. Y esto para un cantante es muy importante.
-¿Y puede suceder que en una canción elija imaginarse no desde el punto de vista del que cantó originalmente sino desde el lugar al que va dirigida la canción?
-No lo hago conscientemente. Por ejemplo Tan alta que está la luna, una baguala, es tan particular porque es un canto en el que tanto los hombres como las mujeres lo cantan prácticamente igual, y hacen las mismas quebrazones con la voz. Lo único que las bagualeras pueden llegar más alto. La baguala es una cosa como atemporal, no tiene género definido, es un canto cósmico, como lo llama Leda Valladares. No hay un ejercicio de mi parte respecto a eso. Estoy revisando: supongo que cuando canto baguala estoy muy imbuido de lo que aprendí de Leda y de que mucho de los vagualeros que más admiro son mujeres. Entonces es probable que eso en mí conecte con una energía femenina.
-En el disco parece escucharse a alguien que emprende un viaje en solitario pero no en soledad: anda solo, pero está conectado con todo lo que pasa alrededor.
-Puede ser. Creo que requiere de un gran coraje hacer una cosa tan despojada. No es para cualquiera. Pero si te sentís a gusto en ese viaje en solitario... Tiene algo de lo de Amelia, también (Amelia Earhart, la aviadora que quiso ser la primera mujer en dar la vuelta al mundo y su avión se cayó en el Pacífico y nunca se encontraron los restos): como navegante, me largo a dar la vuelta al mundo. Fijate lo que vinimos a descubrir: el tema que abre el disco es Amelia, el disco se llama A solas con el mundo y entabla un viaje en solitario.
-¿En cuánto la música puede deprenderse del ambiente en el que fue creada?
-En nada.
-¿Y cómo se entiende un disco tan amable en un estado que se siente como crispado?
-Yo no vivo crispado. Y no vivo desconectado de lo que pasa. Siempre va a haber gente que está crispada. Yo no estoy desprendido de mi contexto y ni mi música está desprendida del contexto. Simplemente es sintonizar con cómo a su vez yo estoy sintonizado con mi medio, mi momento. Todos elegimos con qué nos quedamos del momento. Cuando mirás televisión elegís un canal sobre los demás. De la misma manera sintonizás con algunas cosas y con otras no; y elegís de la realidad con qué te quedás. Y no significa por eso que no estás al tanto de lo que pasa, pero elegís dónde enfocar y con qué cosas quedarte. Yo también elijo con qué cosas me quedo. Y mi país, mi momento, mi realidad 2011 da como fruto este disco. Y no es un disco crispado.
-¿Siempre se puede elegir?
-Sí. Sino Serú Girán no podría haber hecho una música tan bella y tan libre en plena dictadura asesina. Parecería una contradicción brutal, y lo era. ¿Pero se puede? Claro. Es una de las grandes maravillas del arte: soñar mundos posibles, que no están del todo desconectados de la realidad, porque a su vez hacen mundo, crean la realidad. O re-crean la realidad, por lo menos la proponen.
-¿Es voluntario...
-Es voluntario, y necesario. Las dos cosas. Es una necesidad interior de plantear y plantar tu modo de ver el mundo, porque es tu manera de fundar un mundo en el cual ser. Yo vivo en A solas con el mundo, vivo en Quebrado (su anterior disco). Esa es mi realidad y es mi toma de posición. Ahí estoy sembrando un mundo, y a su vez desde ahí vivo.
-Pero decir quiero esto puede no alcanzar. ¿La voluntad es algo a lo que se llega o la propia condición emocional lo lleva a eso?
-Las dos cosas. Hay un peso de ser al qué llegás, hay una masa crítica en vos, de un trabajo de toda la vida que te va llevando a ser genuino con tu "tú mismo". Cuando ese sí mismo alcanza su masa crítica no para de expresar su autenticidad. Eso genera un mundo. Y tu obra lo refleja. Es voluntario y necesario. No podés hacer otra cosa que eso, sino estarías traicionando lo más verdadero en vos. Y esa traición no te deja vivir. Al menos a mí. Cada cual sabrá. Creo que si vivís traicionándote a ese nivel estás muy jodido.
-A solas… es un sueño ya transitado (lleva más de 50 funciones) y seguramente en algún momento será suplantado por otro. ¿Ya lo tiene?
-Sí. Pero no lo voy a contar jajaja. Pero ya se está gestando.
-Y si A solas... es un disco amable, ¿cómo sería el nuevo sueño?
-(Piensa, piensa; mucho piensa para los modos acostumbrados de una entrevista). No sé si encuentro una palabra sola para definirlo, pero por lo que intuyo por dónde va a ir, va a tener algo de amable también pero desde un lugar más desafiante, creo, más intenso. A modo de como lo fue Quebrado, que fue un disco desafiante e intenso. Creo que va a profundizar esa veta. Y no deja de ser un disco amable Quebrado, que tiene muchos lugares tiernos por donde podés entrar. Pero una vez que entraste te encontrás que tiene muchas sacudidas; momentos en que el viaje es ripioso.
-Bueno, A solas... además de amable, cobija.
-Es verdad. Es un lindo lugar donde habitar. Un lugar de paisajes queridos y acogedores. Y creo que el próximo también va a tener mucho de eso, porque tiene que ver con mi momento personal. Estoy más sintonizado con eso que con otra cosa. Y a la vez tengo ganas de hablar como autor, y el próximo disco lo va a ser; será toda música mía exclusivamente. Estoy con ganas de hablar de cosas intensas, fuertes y queridas.
-Es extraño la cantidad de paisajes que puede tener la música.
-Es un mundo maravilloso. Porque permite hacer, y los lugares del otro que permite alcanzar. Va tanto más allá de la palabra; es poesía líquida. La poesía también va a más lugares que la palabra desprovista de poesía. La palabra utilitaria se queda muy corta. Toda esta chorrera de sintaxis que usamos para tratar de comunicarnos se queda tan corta al lado de la poesía que con una palabra te pone en un lugar emocional. Y la música tiene eso en forma de sonido. Y por eso es tan poderosa la canción que conjuga la música con la poesía. La canción es un medio expresivo de un poder ilimitado. Es impresionante.
-¿Sirve para cambiar el mundo?
-¡Ufff! Las pruebas están a la vista. No seríamos lo que somos hoy de no haber sido por los John Lennon, los Atahualpa Yupanqui, los Bob Dylan, por las Joni Mitchell, por las Violeta Parra; por tanta gente. *
FITO PAEZ
Después de la polémica, el nuevo clip de Fito El cantante, luego de decir que "los porteños dan asco", estrenó London Town, un video en el que se lo ve paseando por la ciudad
Fito Páez estrenó un nuevo clip, London Town , canción que pertenece a su último trabajo "Confía", luego de la polémica originada por su columna publicada en Página/12, en la que dijo que "Da asco la mitad de Buenos Aires" "Veo una serpiente amarilla violenta, se muerde la cola. Tanta estupidez tanta vanidad y lo que fue hermoso nunca más ya lo será. Llueve y está gris, el sol ya vendrá. Casi siempre está nublado en London Town", canta en el video.
El clip fue filmado durante el mes de mayo en Londres y en Paris, durante la gira del músico por Europa, y se lo ve paseando por Londres escuchando con auriculares la canción que canta.
El video fue dirigido por Leandro Taub y participaron Guido Adler y Romina Ricci, pareja del músico.
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http://www.youtube.com/embed/FUbVZXTxte4
SERGIO ROTMAN, SIN ANESTESIA
“La raza humana merece desaparecer”
Para darle forma al disco de El Siempreterno, Rotman apeló a las amistades que dejó su paso por varias bandas: el resultado fue un disco visceral, “con ideas cortas, bien concretas”.
Por Mario Yannoulas y Lucas Superman – Pagina/12
Sergio Rotman revuelve los frondosos rulos de su cabeza como quien intenta hacer del caos algo ma
leable, estéticamente coherente. A eso apuesta como matriz productiva: al caos. Le atrae lo ágil, lo expeditivo, el vértigo, la aventura como experiencia acotada e intensa, recortable. Esa parece ser la esencia de El Siempreterno, nuevo proyecto que decanta de sus anteriores porque conserva algo de Los Sedantes (donde cantaba a dúo con Mimi Maura), Cienfuegos y hasta Los Fabulosos Cadillacs. De todos esos espacios recogió músicos para esta aventura que se plasmó en un disco de apenas 22 minutos de dura
ción que, así y todo, propone distintas gamas sonoras sin distraerse del “estilo Rotman”, a cargo del ciento por ciento de las composiciones. “La extensión del disco fue pensada así porque ése es el tiempo que tiene hoy por hoy la gente para escucharte: canciones de un minuto y medio, dos. Me pareció una forma interesante para mostrar un grupo nuevo”, asienta. “Trabajo ideas muy cortas, concretas, donde todo pasa muy rápidamente. Trato de no usar mucha figuración ni mucha metáfora, y sí acción y cosas que suceden en un período tan corto de ti
empo como la canción dura”.
Con la disolución de Cienfuegos a principios de 2007 y la impasse incierta de Los Sedantes –colectivo que incluía, además de Mimi, al guitarrista de Todos Tus Muertos Horacio “Gamexane” Villafañe–, el (¿ex?) saxofonista de LFC tenía en carpeta una serie de composiciones propias que, pensó, no iban a tener lugar en ninguna parte, ni siquiera en Mimi Maura. Convocó entonces a viejos y conocidos compañeros: el baterista Fernando Ricciardi (LFC, Cienfuegos, Mimi Maura), con quien supo compartir escenarios durante casi treinta años, y Alvaro “El Ruso” Sánc
hez (Los Sedantes), un bajista al que conoció en la cancha de San Lorenzo. “Grabamos una serie de bases en un formato muy simple, estuvimos un tiempo con eso. Después decidí ponerle diferentes guitarristas al proyecto, y empecé por Ariel Minimal, un amigo de hace años. Yo había grabado algunas cosas con Pez, me habían invitado a cantar en vivo, entonces le dije ‘Yo canto, pero vos vas a tocar la guitarra en un proyecto mío’”.
Un sábado a las 14 entraron a los estudios TNT sin que Rotman le mostrara a Minimal ni la punta de una canción. A las 18 el disco estaba terminado. “Yo no le dije lo que tenía que tocar, pero cuando tomó las canciones convirtió ese proyecto musical en una banda. Evidentemente escuchamos las mismas cosas cuando éramos chicos”, desnuda. A esta sinergia particular se sumó la temperatura de la voz de Mimi, que conoció las canciones desde la semilla, por convivir con Sergio en Puerto Rico. Así se armó El Siempreterno. “Con Ariel algo había quedado pendiente, y Mimi asegura que todo suene bien”, celebra Rotman, que en este proyecto pone voz y guitarra rítmica, además de la cuota de escepticismo que hace a su lírica inconfundible (suspicacia en “Más de lo mismo”, psicofármacos en “Rohypnol”, sacrilegio en “Contradios”).
–¿A qué se debe el aire sombrío del di
sco?
–Al odio a la humanidad, al desprecio hacia la gente. El gran mensaje que tiene el disco es que la raza humana merece desaparecer. Por todo, porque el mundo en el que nos toca vivir muestra que hemos hecho todo mal.
–¿Cuánto hay de chiste en ese desprecio?
–Nada, ningún chiste. No me pongo triste cuando dicen “Murieron cien mil niños en Afganistán”. No estoy orgulloso, pero la desgracia humana, a menos que sea personal o de un amigo, no me produce lástima. No hemos hecho un buen trabajo y hay mucha hipocresía.
–¿Cuál es la alternativa?
–La desaparición. No hay otra alternativa.
–Es una mirada trágica...
–Al contrario. Trágico es estar viviendo esta mentira, donde la gente dice “Uy, murió una persona, pero poné el otro canal que está Bob Esponja”. Es muy hipócrita la raza humana, demostrando cariño cuando en realidad todo es sufrimiento. También es una desgracia la época que nos tocó vivir, porque
estos últimos quince años han sido terribles, una caída sin fondo del mundo en general, del sistema capitalista, de la sociedad organizada. No es que no me importe el sufrimiento, es que no me da pena, y no es que no me dé pena ver a un niño llorando, soy una persona muy sensible que llora todo el tiempo. A veces parece que nos hemos dado cuenta, pero después nos volvemos a olvidar. El otro día estaban con las elecciones: “¿A quién votarías?”. A nadie. ¿Todavía te preguntan por las elecciones? Está bien que la gente todavía crea y vote, pero es una pérdida de tiempo. La democracia no tiene solución, es una mentira total. La solución sería que estuvieran las boletas, pero que no hubiera humanos.
–Entonces, ¿qué lo anima a seguir?
–No soy una persona depresiva. Que vea una realidad no significa que me apabulle. Contra la esperanza, la realidad; pero no es algo apocalíptico sino lo qu
e sencillamente es. Las cosas se hacen pensando en algo que no existe: el buen Ser Humano. El Ser Humano es malo, horrible, criminal, asesino, comevacas (sic), una cosa espantosa, y yo cumplo en contarlo de la misma forma en que un montón de escritores lo hacen, lo mío no es nada nuevo. Me parece que es bueno ser así, porque si empezamos a ver esto podemos mejorar las cosas. Pero a partir de una realidad falsa como la que vivimos, vamos a estar bien jodidos, hermano.
Pocos han sido los shows de El Siempreterno desde su origen hasta hoy. Después del debut en noviembre del año pasado ante un Buenos Aires Club (ex Arlequines) desbordado y una segunda vez en La Trastienda con el triple de público, el viernes se presentan en San Miguel. Ocurre que, desde hace dos años, Rotman vive en Puerto Rico junto a Midnerely “Mimi” Acevedo, su mujer. Por eso la estadía en la Argentina es la excepción y dependen del calendario académico de su hijo Leroy. “Me siento extrañamente querido en Puerto Rico, mucho más que acá. No como artista, como persona. Todo este cinismo que expresé se hace mucho más fuerte acá. Allá tampoco creo nada, pero por lo menos no lo ando diciendo. Tratamos de viajar dos veces al año y armar fechas. Económicamente no es la decisión más inteligente, pero yo no soy inteligente y no tengo crisis con eso.”
–¿Cambia la perspectiva de la escena local estando allá?
–Muchísimo. Esta es la mejor ciudad d
el mundo para tocar rocanrol. Excepto San Pablo y algún otro lugar de Brasil, no hay más. Sólo en la Argentina la gente está ávida de ver bandas, y todavía se cree en la música como una fuerza para modificar cosas, aunque sea estados de ánimo. Ni en Londres ni Nueva York vi ese feeling que hay acá. Es una ciudad híper rockera en la forma de decidir las cosas, donde todavía hay espacio para la discusión. En Puerto Rico no hay discusión: pasás de sonreír a tener un tiro en la cabeza. Hablamos de un lugar donde todo el mundo está armado. No sé por qué, pero veo a la discusión como algo rockero. Buenos Aires tiene una cultura de rock de demasiado tiempo, ya van para cincuenta años, es mucha raíz. En Madrid no es así y en el DF tampoco, que no me la vengan a contar: cuando fuimos con los Cadillacs en el ’89, el grupo anterior era Alejandra Guzmán y cantaba “Ahí viene la plaga / le gusta bailar / Y cuando está rocanroleando / es la reina del lugar”. Eso era el rock en español.
–¿A qué se debe ese desarrollo?
–Coincide con lo que hablábamos: los últimos quince años han sido tremendos. No desacredito a Internet ni le echo la culpa de nada, pero antes, con los Cadillacs, llegábamos a una ciudad y no sabíamos qué esperar. Era una época muy interesante. Hoy ya sabés quién te va a ver, quién no, cuántas entradas tenés vendidas. Algo le pasó a la esencia del rocanrol, que perdió cierta magia. Sin sonar a tanguero nostálgico: algo se perdió. Desde que las madres quieren que sus hijos sean rockeros en vez de abogados, hemos perdido mucho más de lo que hemos ganado. Ese fue un quiebre muy grande, sobre todo porque en otros lugares del mundo el rock como música no representa a la juventud.
–¿Incorporó la informática en algún punto del proceso creativo?
–No la veo como un arma que podés usar, aunque fue un gran cambio para el cine, el teatro, la música, la guerra, la cocina, todo. Hemos llegado a b
ordes totalmente ridículos, como pagar por los MP3. No voy contra el proceso, pero para volver a tener artistas intensos en la creación hay que empezar a apagar la computadora. Es fundamental tener un buen audio en un disco. En la Argentina nos vendieron una bolsa de mierda, acá no importa el audio, las bandas pegan por otro lado. Discos que suenan espantosos llegan a número uno, incluso discos míos.
–Teniendo en cuenta esa mirada escéptica, ¿qué reflexión le merece la muerte de Miguel Ramírez tras el recital de La Renga?
–No creo en la futbolización sino en la argentinización del rock. Cuando ponés muchos argentinos dentro de un lugar, pasa eso. ¿Querías rock argento? Tomá: 194 muertos porque ellos mismos se prendieron fuego. Si Chabán tenía la salida de emergencia abierta se le metía la gente. Después apareció la mediasombra y se fue todo a la mierda, pero la verdad todos la sabemos, porque los que hablan de la puerta de seguridad nunca fueron a un show. Si las salidas de emergencia no están cerradas con tres candados, se te meten ahí, te afanan los equipos, la batería, todo. La opción es no moverse, no tocar. Y
eso no es una opción.
GRAN MARTELL
El power trio integrado por por Jorge Araujo (batería y voz), Tito Fargo D`Aviero (Guitarra) y Gustavo Jamardo (bajo y voz) se prepara para volver a Niceto Club para repasar el material de sus tres trabajos discográficos y
presentar nuevo material que integrará el Lado B de su nuevo disco "Un Volcán".
La apertura del show estará a cargo de Walter "El Chino Laborde", la voz de la Orquesta Típica Fernández Fierro, quien ofrecerá un mini set con su estilo inconfundible.
Gran Martell se formó a mediados del 2004 en Buenos Aires. Con sólo tres discos editados, “GRAN MARTELL 2005” (Pirca Records/Universal music-2005); “DOS HUECOS” (Gentil Irreverencia/ Emi Music 2008) y "UN VOLCAN" (Gran Martell Record's 2010), han podido reflejar su particular estilo en el tratamiento sonoro y rítmico, sin perder el formato canción y el trabajo en las melodías, logrando una combinación inusual para la escena del rock local.
Gran Martell se ha presentado en los principales escenarios de Buenos Aires (Pepsi Music Festival, La Trastienda, Auditorio Parque Sarmiento, ND Ateneo, Festiv
al Parque Lezama, El Teatrito, Centro Cultural Rojas, Centro Cultural Borges, Ciudad Konex, Niceto Club, The Roxy Live, Estadio Parque Roca, etc.). Durante el 2009, 2010 y en lo que va del 2011, han realizado giras por Mendoza, San Luis, Córdoba, Tucumán, Rosario, La Plata, Mar del Plata y por varias provincias de la Patagonia.
CULTURA PROFETICA PRESENTA LA COMPLICIDAD
Cultura Profética presenta “La Complicidad”, el segundo video de su disco "La Dulzura"
Filmado en la esplendida isla de Puerto Rico en 2010, “La Complicidad” relata la historia de dos niños que empiezan a descubrir el camino del amor desde su inocencia, esa complicidad comienza a aventurarlos en los primeros pasos de las relaciones amorosas.
Así recorren y comparten diversas situaciones: lanzándose al mar mientras juegan con amigos, jugando con un gatito, remontando barriletes o esperando sentados en la parada de colectivo. Esos momentos se producen en diferentes locaciones, desde la hermosa costa de la playa, pasando por un cálido bosque y en diferen
tes puntos de la isla, pudiendo observar así la belleza natural de Puerto Rico en su máximo esplendor.
Esta imagen inocente de los dos niños se funde con la letra de la canción que expresa el sentir de dos personas adultas que se atraen y complementan mutuamente para finalmente amarse.
“MANOS SUCIAS”, EXODOBABYLON
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Luego de su debut con “Si
nergia” (2008) y reeditado en 2009, Exodobabylon (EXB) se dispone a lanzar “Manos sucias” (Barca Discos), su segundo y flamante trabajo discográfico.
EXB sacude los estereotipos del género fusionando el tango, el funk, soul y el rock en una amalgama genérica que sorprenderá a más de uno, sumado a una estética y una puesta diferente de la banda oriunda de Villa Devoto.
Manos Sucias consta de 15 tracks que invitan a transita
r historias con letras y sonidos que van desde la denuncia hasta el amor.
El disco producido y grabado por Fernando Taverna, cuenta con la participación de: Diego Litmanovich de Chaupekín voz en Arde, Javier “El Turco Mokdad en percusión, Federico Biraben en bandoneón, Alejandro “El Pollo Gomez Ferrero de Las Pelotas en vientos y brasses y Martino Gesualdi de Dancing Mood en trombón.
LAS MANOS DE FILIPPI
Amor circense
A la par del lanzamiento de "La calesita de Mamanis", las Manos De Filippi lanzó el clip de Mountain Bike. El grupo se presentará el 28 de julio en Groove.
Las Manos de Filippi tocarán el 28 de julio en Groove. La entrada es un alimento no perecedero. Ampliar
Las Manos de Filippi empieza con la difusión de La calesita de Mamanis, su nuevo CD/DVD. El álbum cuenta con invitados como Jorge Serrano (Los Auténticos), Mikel y "El Mono" de Kapanga y Alejandro Picone (de La Vela Puerca).
El primer corte de difusión es Mountain Bike, cuyo clip ya se puede ver online. El video fue dirigido por Diego Lescano y Tomás Veloso. El clip cuenta con la actuación de Brenda Asnicar, la ex actriz de Patito Feo. En sí es una historia de amor (entre el Cabra y Brenda) con la banda disfrazada de pesonajes circenses.
Además lanzar el clip, el grupo confirmó para el 28 de julio un show en Groove, a las 19. La entrada para el evento es un alimento no peredecero.
LAS MANOS DE FILIPPI: “LA CALESITA DE MAMANIS”
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Las Manos de Filippi, los creadores de “Sr. Cobranza” y el “Himno al Cucumelo” presentan su nuevo disco de estudio “La Calesita de Mamanis”. El mismo será lanzado en el mes de julio a través de Ediciones Clandestinas, el nuevo sello de Rock & Reggae Producciones.
Este último trabajo de “Las Manos” fue producido artísticamente por Gaspar Benegas (LMF//Indio Solari) y co producido por Martin “La Mosca” Lorenzo y Mariano Francescheli de Los Auténticos Decadentes y fue masterizado por Andrés Mayo.
El disco, que fusiona diferentes ritmos y estilos, como es costumbre en la banda, cuenta con las participaciones de Jorge Serrano (LAD), Mikel y “El Mono” (Kapanga) y Alejandro Picone (La Vela Puerca), entre otros.
El CD viene acompañado del DVD “La tele no alcanza”, testimonio de la actividad de la banda durante los últimos tres años. Entre lo más destacado del material se encuentran el Show de Plaza de Mayo X Mariano Ferreyra, el recital brindado en Honduras ante más de 100.000 personas en el marco del festival Voces contra el golpe, la presentación de “Los Métodos Piqueteros” en Bs.As, y las actividades realizadas en Argentina, junto a Zack de la Rocha -Rage Againstthe Machine- y –Rene “Residente” -Calle 13-.
MASSACRE: TANTO AMOR
El grupo dio a conocer el corte de difusión de su próximo disco, Ringo, a lanzarse en agosto. La banda estará inaugurando el nuevo ciclo de Peteco's, que vuelve a abrir.
Massacre lanzará el 5 de agosto Ringo, su octavo álbum de estudio. El disco cuenta con once temas producidos por Alejandro Vazquez, quien trabajó con bandas como Bersuit, Carajo e Intoxicados, entre otras. El primer corte de difusión es una canción con estilo glam rock que se llama Tanto amor y que ya se puede escuchar online.
LAS PELOTAS: VIVOS POR LA MÚSICA
Germán Daffunchio habla del presente y el futuro de Las Pelotas y de cómo el grupo se las arregló para subsistir. El sábado, en el Orfeo. Videos.
Por Andrés Fundunklian
A pesar de su trayectoria que acredita más de 20 años dentro del rock argentino, Las Pelotas sigue planteándose nuevos desafíos, que a su vez se convierten en potentes dosis de energía para sobrellevar las pérdidas que ha sufrido la banda en sus últimos años.
Promediando este 2011, en su horizonte se vislumbran por lo menos dos que los tendrá como debutantes: fecha propia en el Orfeo y una inminente gira por España. Razones más que suficientes para dialogar con Germán Daffunchio, la cara más visible de este grupo tan de Hurlingham como de Traslasierra.
“Estamos al mango, con muchas ganas de tocar”, son las primeras palabras de Daffunchio del otro lado del teléfono. Para arrancar, la primera consulta lógica por la elección Orfeo. “Ya habíamos estado allí en esos festivales (Zona Rock), ahora es la primera fecha nuestra. Es cierto que hubo algunas vueltas para ver cuál era el lugar más piola para tocar este año, pero al final quedó el Orfeo y está buenísimo, es un gran desafío hacerlo”, explica entusiasmado.
El show del sábado en el recinto de la calle Cardeñosa es la excusa para presentar su reciente material titulado Vivo, que consiste en el primer DVD de la banda y su tercer disco grabado en vivo. “Es medio loco presentar un disco en vivo, no?”, pregunta Daffunchio. Luego completa: “Por eso, para mí la noticia es que tocamos en Córdoba, donde no actuamos todos los fines de semana. No quiero sonar demagogo y no hace falta que diga que es un lugar muy especial para nosotros. Es como jugar de local, nos llena de adrenalina. Además, el show va tener sorpresas únicas, cosas que no hemos hecho nunca, temas viejos que les gustan mucho a los fans y algo de lo nuevo que estamos preparando. Y no puedo adelantar más”.
–¿Qué recordás del primer show de Las Pelotas en Córdoba?
–Me acuerdo que para llegar al lugar en el que tocamos tuvimos que cruzar con el agua por la cintura porque había llovido mucho. Y había como 200 personas, fue increíble. Después vinieron el festival de La Falda y el amor con Cosquín Rock (son la única banda con asistencia perfecta). Está todo dicho.
En 2010, con motivo de la elección de Será como canción de la década en una votación de la revista Rolling Stone, el cantante y guitarrista reconocía que componer ese tema fue “una lucha intelectual contra uno mismo” porque fue la primera vez que se propusieron con Alejandro Sokol “hacer una canción de amor seriamente”.
Tras ese gran éxito, el siguiente gran hit de la banda fue Personalmente, otro de corte “melanco” que logró reposicionar al DVD documentado en el Luna Park y, quién sabe, sumar un público nuevo, no tan sujeto al estigma “fan de la primera hora”. ¿Por qué ese tipo de canciones pegan más que otras? “La verdad que es difícil de explicar –dice Daffunchio–. Es como saber por qué Miguel Del Sel casi gana las elecciones en Santa Fe. En el disco que está Personalmente (Despierta) hay temas mucho más salados. El gusto mayoritario de la gente no es justo el de los temas baja línea; tampoco pensamos que Personalmente sería un hit”.
“Hay muchos grupos de rock pesado para los que sus grandes éxitos son baladas. Habría que preguntarle a la gente el porqué. Todos los temas históricos de Las Pelotas tienen algo emotivo, pero se ve que llegan los más introspectivos. Igual, tu carrera no puede estar basada en hits de vez en cuando. Salvo que seas una especie de jinglero o un pendejo rubiecito con musculosa que mueve la cadera todo el tiempo”, redondea el ex Sumo.
Luego agrega que, por suerte, siempre dijeron lo que sentían y nunca hicieron cosas de las que se podrían arrepentir. “¿Imaginate si nos ofrecían hacer el tema que cantó Diego Torres para la Copa América? Mufa total. Hacer cosas que después te den vergüenza no da”, completa un artista que alterna sus días entre la furia de las grandes urbes y la apacible vida al pie de la montaña, en el Valle de Traslasierra.
–¿Con qué temas creyeron que iban a explotar y no pasó nada?
–En los primeros discos hicimos algunos que creíamos que iban a ser un éxito y todos nos decían que estábamos locos. Por ejemplo Ella está muerta (de Amor seco, 1995), que es una cargada a todos los músicos románticos que tenían a las minas a sus pies. Nadie lo entendió, para nosotros era genial. Con ¿Para qué? hay una historia curiosa: cuando pensamos en el video íbamos a hacer Pará con la papa, que es un tema bien arriba. Pero yo dije “tenemos que hacer el de ¿Para qué?, si somos fieles a nuestro sentimiento. Y los convencí a todos. Hicimos ese y no lo pasaron nunca.
–Asumís esa derrota.
–Ideológicamente era fantástico, pero a nadie le importó un carajo la ideología. De ese disco también hicimos video de Cuando podrás amar. Pasó un tiempo largo y el tema tuvo un despertar tardío, porque hubo gente que le encantó y explotó después, aunque no era un canción tan emblemática para nosotros. Fue una sorpresa.
Protagonistas
–¿Cómo llevás la presión de asumir el protagonismo tras la partida de Sokol? Componer, cantar, hablar.
–Las canciones las hacemos entre todos, somos un grupo, no me canso de repetirlo. Lo de Ale es una historia tremenda, muy triste, pero más allá de eso los que quedamos tenemos que seguir y lo hacemos entre todos, poniendo el pecho. Nuestra frase de siempre es: ‘Mientras haya música, estamos vivos’. Nuestro caso no es como el de Vox Dei, que hace 30 años están tocando La Biblia. Afortunadamente hay mucha música. Ya queremos empezar a grabar otro disco, hay cosas muy interesantes que salieron en los últimos meses, un tema lo vamos a estrenar el sábado por amor a Córdoba. Hay mucha química entre nosotros, por eso seguimos y seguimos y seguimos. La mayoría de las letras las escribo yo, pero hay consulta permanente con mis compañeros. Es un laburo grupal, no soy Fito Páez o Germán y Los Turcos. No es “mi” grupo.
–El fallecimiento de “Tavo” (Kupinski) también les pegó duro.
–A medida que vivís, comprendés lo que es la vida. Lo de Tavo fue muy loco porque lo invitamos a tocar tres temas y él nos pedía seguir viniendo. Se incorporó por pasión. No necesitábamos otro guitarrista. Y cuando se fue, nos costó volver a tocar. Aunque estuvo poco tiempo, se convirtió en un pelotero más. Igual que con Ale, el pensamiento fue: ‘¿Qué hubiesen querido ellos?’ Que sigamos tocando. Es así. Los rayaría pensar que abandonamos porque nos caímos. Igual, algún día nos vamos a volver a encontrar todos.
Grupo de exportación
Luego del Orfeo, el periplo de Las Pelotas continuará en el estadio Malvinas Argentinas (Buenos Aires), para después emprender su primera gira por España. “Nos contrataron para tocar en dos festivales grosos, uno en Madrid y otro en Salamanca (el primero es el Getafe En Vivo en el que la cabeza de cartel son The Offspring, The Specials y Bad Manners acompañadas por la mejores bandas del país ibérico) donde seremos la única banda argentina, o sea que el público va ser en su mayoría español”, cuenta Daffunchio. ¿Con qué expectativa viajan? “Vamos con toda nuestra personalidad a romperles la cabeza. Porque lo loco es que nos contrataron, no es que fuimos a pedirles por favor. Después hacemos tres fechas más, Barcelona, Málaga y Mallorca. Aunque no es la típica gira de los grupos argentinos en Europa, con 50 fechas en 48 días. Es una oportunidad única, vamos agrandados en el buen sentido. Encima los carteles de los indignados dicen Basta!”, cierra.
En vivo
La Pelotas se presenta el sábado a las 21.30 en el Orfeo Superdomo (Cardeñosa 3450). Las entradas se consiguen en Tiendas Vesta de Dinosaurio Mall y en orfeosuperdomo.com. Precios: pista libre, $80; sector rojo, de $60 a $120.
NIRVANA REEDITA NEVERMIND Y TODAVÍA ES POLÉMICO
A dos décadas de su lanzamiento, la foto de tapa del icónico disco casi fue censurada por Facebook. Enterate qué traen las reediciones de lujo.
Por Redacción VOS
Parece mentira, pero a dos décadas de haberse publicado, a Nevermind de Nirvana le queda resto para generar polémica. El perfil oficial de la banda en Facebook casi se econtró con problema cuando la red social casi borra, justamente, la carátula del disco, uno de los más emblemáticos e influyentes del rock de fin de milenio.
"Facebook no permite fotografías que atacan a un individuo o a un grupo, o que contienen desnudos, uso de drogas, violencia y otras violaciones de los términos de uso", fue la explicación que se dio desde las oficinas de Marck Zuckerberg a los medios de prensa estadounidenses. El conflicto apareció cuando se subió la foto de tapa, que es un bebé desnudo, flotando en una piscina y persiguiendo un billete de un dólar.
Finalmente, y como se puede ver, la foto permanece y de paso agrega publicidad a la publicación de la promocionadísima reedición que Geffen Records ya anunció para el 19 de septiembre y que tendrá varias versiones (habrá que ver si llegan todas a la Argentina, de la más extendida se imprimirán solamente 40 mil ejemplares, 10 mil para Estados Unidos y 30 mil para el resto del mundo). A saber:
La opción deluxe: 2 CD con las tomas remasterizadas el álbum original, lados B (Curmudgeon y D-7 entre ellos) y sesiones de grabación inéditas.
La súper deluxe: agrega a los dos CD el mismo material pero en en vinilo, más uno extra con las mezclas de Nevermind del estudio de Devonshire y otro titulado Live At The Paramount Theatre, con el registro del show en vivo en Seattle para el Hallooween de 1991. También habrá DVD de ese recital.
Para ir palpitando todo eso, la revista Spin puso a disposición un álbum tributo a Nirvana que se puede descargar gratis desde aquí e incluye versiones por Meat Puppets, Midnight Juggernauts y The Vaselines entre otros.
FITO PÁEZ ES PARTE DEL AIRE
Guillermo Di Pietro editó “Ríos que dan al mar”, obra de variaciones pianísticas sobre la obra del rosarino. Guillermo Di Pietro dice que la obra de Páez es parte de su vida.
Por Germán Arrascaeta – Suplemento VOS
El pianista cordobés Guillermo Di Pietro sigue poniendo su piano al servicio de los grandes compositores del rock argentino. Comenzó releyendo la obra de Luis Alberto Spinetta (Variaciones sobre Spinetta, 2007), continuó con la de Charly García (Desarma y sangra, 2009) y ahora se enfoca en la de Fito Páez (Ríos que dan al mar), acaso como involuntario gesto redentor tras el desafortunado “me da asco la mitad de Buenos Aires” por parte del rosarino, una vez puesto el resultado de las recientes elecciones porteñas.
–¿Eras fan de Páez?
–Sí. Junto a las de Charly son músicas que tengo incorporadas. Pertenezco a la generación que tiene a El amor después del amor como música de fondo. Ahora lo sigo escuchando, estoy al tanto de toda su música. Pero lo que uno escucha en la adolescencia es la que te marca. Después uno crece y amplía el abanico, digamos que, parafraseando una de sus letras, el tiempo te pone en muchos lados.
–La voz de Fito es un rango singular de su música. ¿Cómo abstraerse de ella y enfocarse sólo en su piano?
–Ahí está un punto fuerte. Spinetta, Charly, Fito son grandes intérpretes. No es tan fácil meterse con este repertorio porque tenés versiones originales muy potentes. Y una pregunta de fondo que me hago como eje es ¿hay algo más en estas músicas que la voz y el carisma de estos compositores? Y, en los tres casos, la respuesta fue contundente: son músicas geniales, con una riqueza melódica y armónica fuera de lo común.
–¿Sabés si Fito escuchó el disco?
–Tuvo el hermoso gesto de interesarse por los tres discos y pedirme si, por favor, se los podía acercar. Para mí eso ya es suficiente.
–¿Tus relecturas pueden desdibujar el original para un oído medio?
–Si bien yo no hago jazz, la música la pienso desde ahí. Y el jazz, se sabe, es el género que lleva la idea de versión hasta sus últimas consecuencias. Yo hago la música que me gusta escuchar y que, por supuesto, me gustaría que a otros también les guste. Pero eso no depende de mí. Entiendo que se desilusione con mi disco si va a escuchar un cover de Fito.
–¿Qué viene después de García, Spinetta y Páez?
–No sé. Con este trabajo cierro una etapa. No sólo desde los autores; en este disco vislumbro elementos que no están en los otros y que me interesan profundizar. Aquí la mitad de las melodías no están tocadas literalmente y, en algunos casos, apenas esbozadas. Eso no sucede en los anteriores. Para hablar en términos que planteo en los textos (figura y fondo), con Spinetta y García reelaboro los fondos mientras que con Páez trabajo más con las figuras. No obstante, puede que haga algo con el Cuchi Leguizamón.
ALEJANDRO MEDINA: “EL ROCK ES MUY GENEROSO”
Alejandro Medina revisa su impresionante trayectoria y muestra “Yo soy” en Córdoba el próximo viernes. Diálogo con un artista indispensable del rock nacional. Alejandro Medina dice que no tiene problemas en reunirse con sus ex compañeros de Manal.
Por Pablo Leites
Hay que ser Alejandro Medina para resumir en un solo cuerpo físico a uno de los capítulos más importantes y progresivos del rock y del blues en español. Hay que haber formado parte de Manal, La Pesada del Rock & Roll y Aeroblús; y hay que haberse cruzado en La Cueva con Tanguito, Pájaro Zagurí, Nebbia o Sandro; y hay que haber llegado hasta hoy íntegro y todavía con música para ofrecer. Y, sobre todo, hay que ser grande para asumir todo eso con naturalidad y actuar sabiendo que el mainstream, las luces, son para otros.
Porque la esencia de Medina es no es creérsela sino sabérsela. Así puede tomarse dos años para editar Alejandro Medina -Yo soy - Alejandro Medina, y llamar a quien se le ocurra como invitado. “Soy el más viejo de todos, por eso los llamo y no tengo problema –dirá como minimizando la cuestión–. Además de la Medinight están Federico Terranova de la Fernández Fierro; Spinetta en guitarra; Oscar Giunta en batería; Charly García, Carlos Cutaia, Patán Vidal, Ciro Fogliatta, Juan Hermida de la Mississippi, Pettinato haciendo un solo... Pero te aviso que no lo vas a conseguir en disquerías, se vende en los shows o por correo”.
–Una venta casi artesanal, se diría.
–En el año 2000 fui a cobrar regalías por 60 mil discos vendidos. ¿Sabés cuánta plata era? 600 pesos. Divididos por tres, 200 pesos cada uno. Está claro que hay contratos y contratos, pero es una buena medida para saber que las compañías discográficas siempre fueron igual: nunca pagaron nada. ¿Qué hacer ante eso? El artista tiene que grabar su propio disco, mostrarlo y venderlo como pueda, a menos que tenga un superacuerdo como Calamaro, y tengas una agencia que te difunda.
–De cualquier manera, parece que nunca te hizo falta un contrato fuerte para hacer lo tuyo.
–Es una forma de vida, porque empecé a trabajar muy chico, a los 14 con Carlos Mellino y de ahí al Di Tella a hacer música de teatro y free jazz, después Manal, La pesada del Rock, Aeroblús... Lo que realmente siento a esta altura es que la única forma de respetar mi trayectoria es tocando bien, producir mi música de la mejor manera posible, con mi voz, con mis arreglos, con mi forma de tocar. Yo siento que es una parte muy grande de mí, todo eso.
Sin revisión
–¿Sentís que el rock actual no revisa suficientemente lo que hicieron entonces?
–Sí, y no sé a qué se debe. Posiblemente por nuestro mensaje, por la posición que teníamos frente a la sociedad, cosas que no encuentran el mismo eco hoy. Pero mi mundo, mi reino, es el musical, lo mío es estar acá en mi casa, con mis árboles, grabando mi disco con mi banda. Este sábado voy a tocar con mi orquesta en La Perla del Once, y me voy a divertir como un cochino, eso es lo importante para mí. Es muy copado, viste. Lo importante es que haya una oreja, y que alguien te recuerde bien, que tu música le haya hecho bien a alguien. Ese sería un buen epitafio.
–El epitafio de un rockero...
–El rock es muy grande, loco. Es muy generoso, el más generoso, permitió fusiones con el tango, con el jazz, con el folklore. No es solamente tocar Popotitos, el rock es un mensajero social que puede limpiar las mentes. Por ahí hay letras terribles que tiran para cualquier lado y también hay pibes que graban cualquier boludez pero lo hacen ver como que están “en contra” de algo, y después los pendejos les creen a esos boludos. Esa parte también existe, existía en nuestra época con bandas como Trocha Angosta, Industria Nacional o La Joven Guardia. La cagada hoy es cuando están los productores al medio, y los directores de arte de las compañías, y las marcas más pesadas del imperio sponsoreando a cualquier gallego que viene de afuera.
La cabecita de Javier
–¿La relación con Javier Martínez y Claudio Gabis permitiría una reunión de Manal o es impensable?
–La cabeza de Javier funciona de un modo extraño. Yo creo que sería importante que los tres viejos de Manal se volvieran a juntar. No tengo ningún problema con ellos, ni ellos conmigo, la cosa es entre Javier y Claudio Gabis. Tocamos para unas cuantas generaciones, la gente de Manal se merece que estemos bien. De otra forma, no tiene sentido.
–¿Entonces?
–Qué sé yo, es un delirio de Javier. Aunque yo le diga que Manal somos los tres, él dice que Gabis no es Manal... y yo no puedo cambiar eso, por ahora. Hoy estoy con mi disco, y toco temas míos, de Manal, de La Pesada y de Aeroblús. Y soy feliz.
Palabra de Alejandro Medina. Es palabra del rock.
Sólo en la Web
El nuevo disco de Alejandro Medina cuesta $ 50 más envío si es al interior y se consigue en www.wix.com/alejandromedinarock/alejandromedina o comunicándose por e-mail a amedinaproducciones@yahoo.com o telefónicamente al (011) 155-4825406. Medina se presentará el viernes 29 de este mes, desde las 23, en Refugio Guernica (Tillard 115), junto a Pino Callejas en guitarra y Luis Ocampo en batería. Anticipadas en Edén y Locuras a $ 27. Invitados: Profundo Carmesí, Blackmudd y Motor 70.
PEDDRO AZNAR
NO TAN A SOLAS CON EL MUNDO
Lucas Seoane - blog.rock.com.ar
Después de llenar el Teatro Coliseo el 11 de junio, Pedro Aznar agregó una nueva función en la misma sala porteña para el sábado 23, justo el día de su cumpleaños 52, para seguir dando a conocer “A solas con el mundo” y esta vez contar con algunos invitados de lujo.
Tal como lo indica el título de su última placa, Aznar comenzó el concierto en total soledad con algunos clásicos (“Fugu”, “Amor de juventud”, “Muñequitos de papel”), uno del flamante disco a presentar (“Tema del angel” de Juan Carlos Pérez), un cover de Los Gatos (“El rey lloró”) y un estreno (“Panteras de polvo”) hasta la aparición de la primera invitada de la noche: Roxana Amed –a quién le produjo su álbum debut- para entonar “Amelia” (la adaptación en castellano del tema de Joni Mitchell) y “La volvedora”.
La noche transcurrió calma, como suelen ser los shows del ex Serú Girán, y siempre bajo luces tenues sobre el escenario. Así pasaron “Quiero decirte que sí”, “Romance de la Luna tucumana”, “Soledad, Jujuy 1941” y “Si llega a ser tucumana” del Cuchi Leguizamón. Lito Vitale se sumó al piano para acompañar en “Zamba a Juan panadero” y “A cada hombre, a cada mujer”.
La lista no permitía quitar la vista del escenario pero también invitaba a cerrar los ojos y viajar por cada uno de los paisajes y sensaciones que Aznar describe desde su prolija voz.
“Media Verónica” de Andrés Calamaro y “A primera vista” dieron paso a que los dos primeros invitados de la noche entraran en escena con una torta para cantarle el feliz cumpleaños al protagonista principal. No podía faltar el payaso para animar la fiesta y junto a Piñón Fijo, Aznar se animó al “Chu chu ua” y a “Nene, dejá el chupete”.
“Quebrado” logró volvió a ubicar a todos en su lugar y la aparición de Charly García en “Confesiones de invierno” y “Tu amor” fue la frutilla del postre que enloqueció a los presentes en el Coliseo.
“Y arriba quemando el Sol” (Violeta Parra) y “Tan alta que está la Luna” marcaron el falso final. Aznar volvió a salir a escena con “While my guitar gently weeps” (George Harrison) y “Todo amor que exista en esta vida” (Cazuza-Frejat). Cuando todo parecía haber terminado, con las luces de la sala prendidas y la gente yéndose, el cantante volvió a aparecer para ahora sí cerrar la jornada con una versión completamente acústica, y como si fuera un fogón, sentado al pie del escenario con toda su audiencia alrededor, cantando suavemente “Love” de Lennon y una vez más lograr emocionar mágicamente a todos como toda la noche.
MIRA EL VIDEL HACE CLIC EN EL LINK
http://www.youtube.com/embed/uy0tC69aI3U
GUASONES PRESENTÓ SU PARQUE DEPRESIVO EN ROSARIO
Pablo Díaz D'angelo (desde Rosario) blogrock.com.ar
Guasones pasó por Rosario, en plena veda electoral, para presentar “Parque de depresiones” en Willie Dixon. Un disco repleto de melancolía lisérgica-sentimental en formato de baladas y riff híper rockeros.
La banda encabezada por la sílfide Facundo Soto subió al escenario de Pichincha con la ya conocida propuesta de un sonido prolijo y rockero en vivo. Con guitarras de todo tipo: slide y acústica y otras pinceladas propias del reconocido híbrido argento: “rock stone”.
Los platenses cargan con ser la herencia de Pappo. Con muchos fanáticos, en su mayoría jóvenes que coreaban todas las canciones, Guasones acomodó los temas de la lista para armar la noche y para conformar a todos. “Heaven or hell”, “Como un lobo” y “Farmacia” impusieron lo más duro del rock guasón que despuntó el vicio blusero con “Desiree” y “Fui silbando” y subió la apuesta con el funk “Estupendo día”, una utópica jornada en que la marihuana se ha legalizado.
Con Pancho Chévez invitado en armónica en “Me estás tratando mal” (del último álbum) hubo espacios para las baladas radiables “Perdón”, “My love” y “Reyes de la noche” y una version más up de “Días” un clásico del mundo depresivo en que merodea Facundo Soto.
En el onanismo de “Eso estaba bien” se instaló el primer bis, ya que por cuestiones electorales el show terminó puntual pero de todas formas, Guasones tocó a razón de dos horas y agregó varios temas a la lista como “Amaneciendo” y “A mi lado”. Canción de “Toro rojo” en la que Soto terminó en cueros en una especie de Iggy Pop de la Plata para despedirse del público que acompañó pese a tener que ir a votar al otro día.
MARÍA ROSA YORIO, EN LA PERLA DE ONCE
Yamila Cazabet - blog.rock.com.ar
Pueyrredón y Rivadavia. La Perla de Once. El lugar donde todo comenzó. Allí donde el rock nació. Algunas mesas, platos rebalsando de comida. Un pequeño escenario. En él, tan sólo una mujer y un piano que la acompaña. Los aplausos anuncian que María Rosa Yorio comenzará con su repertorio.
Ya desde el principio, los temas escritos por los históricos del rock sobresalen. “Donde no se lee”, de Spinetta, “Amo lo extraño” de Charly García y “Puertos para mi amor” de Fito Paéz abren un show íntimo y emocionante. Antes de “Confesión”, admite “yo también tuve mi temporada en el infierno”.
Un pequeño corte sirve para que los más fanáticos se acerquen a María Rosa. Muchos saludos, algunas cámaras que inmortalizan el recuerdo. Algunos regresan a sus lugares y las luces vuelven a apagarse.
Siguen tres de un viejo amor, nada más y nada menos que Charly García: “Entra, seas bienvenida a casa”, “En las arenas del circo” y “Te daré algunas cosas”. “Seminare” marca uno de los momentos más emocionantes de la noche.
Para el cierre quedan reservadas “Chipi Chipi”, “Quiero ver, quiero ser, quiero entrar” y “Viernes 3 AM”, el tema elegido por el público para el final.
LA METRÓPOLIS DE CATUPECU
blog.rock.com.ar
Así suena la nueva formación de Catupecu: la banda de Fernando Ruiz Díaz lanzó el videoclip de “Metrópolis nueva”, un adelanto de lo que será el séptimo disco, “El mezcal y la cobra”.
El clip fue realizado sobre una idea del director Javier Vazquez (con quien la banda ya rodó dos clips) y la filmación se desarrolló durante dos jornadas en la Provincia de Buenos Aires.
De todas formas, no será rápida la presentación del resto del material, ya que todavía están trabajando en en Club Audio, el propio estudio de grabación del grupo, junto a Mariano Bilinkis. Luego, los once temas serán masterizados por Tom Coyne en los estudios Sterling Sound de Nueva York. Se calcula que llegará a las bateas hacia fines de septiembre. La presentación oficial será el 4 de diciembre en el Luna Park.
Vale recordar que esta es la primera grabación con Agustín Rocino, el nuevo baterista, tras el alejamiento de Herrlein. A modo de diario de grabación, Catupecu subió también tres videos a Youtube, con diferentes momentos del proceso.
Hace CLIC en el Link y mira el video
http://www.youtube.com/embed/mCMhyhZdpXs
BAILA COMO UN POSESO CON BABASÓNICOS
Josefina Schmipp para www.blogrock.com.ar
Babasónicos lanzó el vinilo de “Muñeco de Haití”, una edición especial Maxi LP pensada no sólo como un juego de retro-innovación que venían haciendo algunas bandas, si no también con la intención de poder ser remixada por un número de DJs que fueron invitados y recibieron gratis una copia del mismo.
“A Propósito” es el último álbum de la banda de Dárgelos, Muñeco de Haití es el tema más bailable del disco: “hicimos un acuerdo con la gente de la compañía, queríamos que fuera verdaderamente para las pistas de baile. Lo decidimos y lo hicimos. El disco tiene el tema, un a capella y un tema inédito, que no tiene mucho que ver con el disco en sí, pero lo hicimos. Esperamos que los DJs lo remixen, que hagan lo que quieran con la canción”, nos contaba Diego Tuñón.
No es la primera vez que la banda sale editada en vinilo “El primer simple nuestro sale en un vinilo chiquitito que tiene Margaritas – D-Generación, pero esta es la primera vez que sacamos un vinilo cerrado que es Maxi y que no es exclusivo de distribución. Respecto a la sospecha de que haya un Maxi de Pasto, no, no lo sé, nunca lo vi y no conozco a nadie que coleccione lo nuestro que lo tenga”, nos contaba Diego Uma.
La estética del vinilo no es para la banda solo una anécdota. “El vinilo es hermoso: es fidelidad. Nosotros crecimos escuchando vinilos, creo que nunca va a terminar muriendo. Algunos de los DJs que están acá son solo DJs de vinilos, no es lo mismo secuenciar música que tocarla, como con el vinilo. Nosotros simplemente nos propusimos ir por todo”, afirmaba Tuñón, a lo que Diego agregaba: “Muñeco de Haiti es hermoso, tiene muy buena fidelidad, no está hecho así nomás. Se lo entregamos a los DJs que más música pasan en la Argentina. La idea es que les sirva a todos, no queremos ser elitistas, porque consideramos que la música no tiene elite. Queremos que la canción la escuchen todos. Ahora después, el que la escucha, la escucha, y el que la entiende, la entiende. Nunca fuimos una banda muy separatista, creo que es lo mejor que tenemos”.
Mientras hablábamos, en las pantallas del boliche pasaban el video del corte, dónde gente de un banco enloquecía en baile por la suelta de abejas que realizaba la banda, vestida de apicultores. “El video ya sabemos que va a tener su secuela, porque Muñeco de Haití es un tema de 8 minutos. Va a ser un video en tres partes. Al final vamos a tener un corto de ocho minutos con las otras dos partes Sultán y Jaula, probablemente antes del Luna Park”, anticipaba Diego Uma.
La banda recibió esa misma noche el disco de oro por “A Propósito”, que presentará el sábado 27 de agosto en el Luna Park.
