TREN LOCO EN CORDOBA
VIERNES 4 DE NOVIEMBRE - 22:30 HS - REFUGIO GUERNICA
BANDAS INVITADAS: VALHIRIO – MAZA – FIERRO - JURAMENTO
TREN LOCO alcanza su madurez musical presentando su primer DVD en vivo titulado "Hoy es Mejor que Ayer". El material fue grabado el 6 de noviembre de 2010 enteramente en el Teatro Colegiales celebrando 20 años de ininterrumpida carrera incluyendo todos los clásicos de la banda con excelente calidad de imagen y sonido.
TREN LOCO inició su carrera en 1990. En 21 años de carrera ininterrumpida se han presentado en el mega festival Vive Latino (México DF) y tocado en conciertos como Cosquín Rock en Córdoba y Pepsi Music en Buenos Aires. Además de tocar por todas las provincias argentinas realizaron giras por Venezuela, Ecuador, Uruguay, Bolivia y Colombia entre otros.
Llevan editados 11 discos más el libro autobiográfico "Pogo en el Andén". En septiembre de este año compartieron escenario junto a las legendarias bandas inglesas Judas Priest y Whitesnake en el Estadio Racing Club. A fines de este año ingresarán para grabar su nuevo álbum "Vieja Escuela", a editarse en el 2012.
El concepto general de la banda se basa en recuperar el espíritu del metal de los `80 con un sonido poderoso y actual. TREN LOCO se expresa con las guitarras aplanadoras y a todo volúmen de "Zombie" Gauna y Facundo "El Chévere" Coral, desgarrando el oxígeno la increíble voz de Carlos Cabral, las letras inspiradas de Gustavo Zabala en bajo y el motor a todo vapor en la métrica del baterista Dany Wolter.
En noviembre EL TREN arrasa Córdoba en una fecha inolvidable para la presentación nacional de "Hoy es Mejor que Ayer"... las huestes del metal están convocadas...
PAMPA YAKUZA EN CORDOBA
PRESENTACION OFICIAL EN CORDOBA DE SU NUEVO DISCO "SINGULARMENTE" VIERNES 11 DE NOVIEMBRE - 22:30 HS
REFUGIO GUERNICA
PAMPA YAKUZA vuelve a Córdoba para presentar su último trabajo de estudio titulado "Singularmente".
"Singularmente" fue grabado en los estudios Del Cielito con la producción artística de Pepe Céspedes y Osky Righi (Bersuit Vergarabat) entre diciembre de 2010 y enero de 2011 siendo posteriormente masterizado en Los Ángeles, EE.UU. por Tom Baker.Cuenta con once canciones que recorren el espectro musical al que ya nos tienen acostumbrados, donde la mixtura de géneros sigue siendo la propuesta.
Transitan por el rock, chacarera, canción, reggae, todo ello apoyado en un mensaje que sigue siendo franco y directo. Buscando la empatía con el oyente y transportándolo a diversas situaciones a través de la energía que emanan los temas y utilizando una diversidad de instrumentos que la convierten en una propuesta única.
PAMPA YAKUZA cuenta con casi diez años de trayectoria, tres discos de estudio y un cd-dvd en vivo editados de manera independiente y autogestionada. El público sigue sumándose fecha tras fecha, haciendo de esta banda una realidad tangible que ya dejó de ser promesa en la escena local.
PAMPA YAKUZA:
Nació en el barrio porteño de Liniers, en diciembre de 1997, con el reggae como principal bandera, pero también incorporando otros ritmos como la samba, el candombe, el carnavalito, la chacarera y rock. Esa fusión fue dándole personalidad propia. Sus letras se caracterizan por el contenido social, lo cotidiano, lo real.
PAMPA YAKUZA mantuvo silencio durante casi todo el 2001, debido a diferencias musicales y personales entre los integrantes. Pero a finales de ese año se impuso el viejo sueño y algunos de ellos se reencontraron para seguir adelante. Así, a los cuatro miembros originales (Hernán Saravia, Ricardo Jahni, Ariel Viale y Salvador Rodofili) se sumaron Luciano Katz, Sebastián Castillo, Adrián Pablo Brunetto y Gustavo Vitale.
"Carnaval para tu desconsuelo" (2003) es el CD que les da la posibilidad de darse a conocer a un público que ya estaba al tanto del recorrido musical de PAMPA y lo seguía. La banda tiene editados además, dos trabajos previos: "Divina comedia" (1999) y "Más allá" (2000), coproducido con Lolo Miccuci. En el 2005 editaron "Orilla", su segundo CD. También producido artísticamente por Miccuci, contiene 13 canciones que fueron grabadas en los estudios Digi Art y Mis estudios. El actor Diego Capusotto participó del tema "Tirando" y Wálter Piancioli (de Los Tipitos) en "Contra las cuerdas". La tercera placa, "únicoysentido", fue presentada en noviembre de 2007 y producida artísticamente por Esteban "Pichu" Serniotti. En 2009 sacaron un impresionante DVD “Naturaleza Revivir” con imágenes exclusivas del show realizado en el Teatro Colegiales, y algunas que dan cuenta de la intimidad del grupo.
Este 2011 los encuentra lanzando su nuevo trabajo de estudio: “Singularmente”.
INTEGRANTES:
Hernán Saravia: voz líder
Federico "Yaku" Quiroga: voces
Adrián Brunetto: guitarra
Ariel Viale: batería y percusión
Gustavo Vitale: percusión
Luciano Katz: guitarra, charango, banjo y coros
Ricardo Jahni: bajo
Salvador Rodolfili: saxo alto, trompeta, acordeón
Darío Varela: trombón
VITICUS EN CORDOBA
PRESENTA SU NUEVO DISCO "ROCK LOCAL"
EN DOS FECHAS IMPERDIBLES!!!
VIERNES 9 Y SABADO 10 DE DICIEMBRE - 22:30 HS
REFUGIO GUERNICA
VITICUS vuelve a Córdoba para presentar su nuevo disco "Rock Local" en dos noches que serán memorables. El verdadero rock golpea por partida doble y estrena el nuevo trabajo discográfico frente a los fanáticos locales.
En diciembre VITICUS demostrará con hechos sobre el escenario de Refugio Guernica por qué es el única banda de genuíno rock que queda en la Argentina.
Con una trayectoria como banda que ya los llevó al cuarto disco de estudio, VITICUS ha consolidado su propuesta en el plano nacional obteniendo reconocimiento en los más diversos escenarios y ante el público más variado. Desde su primer trabajo discográfico, autodenominado “Viticus” (2003), el grupo mostró su impronta y dejó claro cual es el sonido identificatorio de la banda de los Bereciartua.
El segundo trabajo lleva por título “Super” (2006) y los liderados por Vitico se muestran mucho más afianzados, presentando un disco de gran variedad cuyo primer corte fue “Esta Noche hay Rock and roll”.
“Viticus III” presentó diez nuevas canciones que lograron definir en forma certera la propuesta de la banda, con su sonido e influencias del rock sureño, blues, hard rock y rock clásico.
Durante el 2010 editaron un DVD grabado en vivo en la Trastienda de Buenos Aires que lleva por título "Voy a Pasar a Buscarte" y cuenta entre sus invitados con Chizzo (guitarrista de La Renga) y Luciano Napolitano (hijo del inolvidable Pappo).
VITICUS es la única banda en la actualidad que hace culto a una forma particular de sentir y vivir el rock, lejos de todas las modas la banda liderada por Vitico se mantiene fiel a un estilo crudo y contundente que ya suma tres generaciones de seguidores. Cada show de VITICUS es una comunión donde se mezcla la aplanadora nostalgia de Riff con la sangre nueva de composiciones recientes que rápidamente se han convertido en clásicos.
Cualquiera que diga que el rock está muerto... necesita ver un show de VITICUS. En diciembre “El Legendario” vuelve a Córdoba y el legado de Riff tronará por partida doble en Refugio Guernica.
Discografía:"Viticus" (2003) / "Super" (2006) / "Viticus III " (2008) / "Voy a Pasar a Buscarte" DVD (2010). / "Rock Local" (2011).
SHAILA EN CORDOBA
DOBLE SHOW IMPERDIBLE DE LA BANDA MAS EMBLEMATICA DEL HARDCORE MELODICO ARGENTINO!!!
SABADO 26 y DOMINGO 27 DE NOVIEMBRE - 22:30 HS REFUGIO GUERNICA
Oriundos de la ciudad de Buenos Aires, Argentina, SHAILA en este 2011 cumple 17 años de existencia con total vigencia dentro de la escena hc-punk argentina.
Joaquin Guillen (voz), Pablo Coniglio (bajo), Yasser Eid (guitarra), Santiago Tortora (guitarra) y Guido X (batería) construyen SHAILA.
Con seis discos de estudio (el último doble “Nuestras Guerras” de 2010) y con un registro en vivo (“Dame tu voz”) grabado en El Teatro Colegiales sold-out para 1800 personas en 2008, que tuvo su edición en cd y dvd, SHAILA demuestra que se trata de una banda en constante trabajo y que desde su formación en 1994 y de forma independiente supo meterse en las grandes ligas del rock argentino, donde ha compartido escenario con bandas como: Attaque 77, El otro yo, Boom Boom Kid, Massacre, Todos tus Muertos y 2 Minutos entre otros.
Su temas y discos supieron trascender Argentina, lo que llevó a la banda a poder hacer extensas giras por Chile, donde se presentan anualmente desde 2001 cuando fueron invitados por BBS Paranoicos; así como también han visitado Uruguay, Perú y Brasil donde llegaron invitados por la banda más importante del género en ese país Dead Fish en 2010.
Al ser una punta de lanza en la escena hc-punk de Argentina siempre son número puesto para telonear las bandas internacionales del estilo, ya han participado de show con: Lagwagon (2000), ALL (2002), MxPx (2004), The Ataris (2006), NOFX (2006 y 2010), Millencolin (2008) y Pennywise (2010).
Tras un parate obligado durante la primera mitad del 2011, la vuelta a los shows fue para los festejos de los 17 años de banda, tanto en Chile como en Buenos Aires, donde en dos noches en el local Groove recibieron a más de 3000 fanáticos a los que se les había hecho muy larga la espera sin shows de SHAILA. Fanáticos que les expresan constantemente su cariño a través de las redes sociales como Facebook donde cuentan con más de 35.000 fans de toda Latinoamérica.
Discografìa
"Progresar" (2000) - "El Engaño" (2002) - "Congelando el tiempo" (2003) – "Mañanas" (2004) – "Los Caminantes" (EP) (2006) - "Camino a Idilia" (2006) – "Dame tu voz" (2008), "Dame tu voz" DVD (2008) – "Nuestras Guerras" (2010)
LOS GARDELITOS
PRESENTAN EN CORDOBA SU NUEVO DVD
"CINE TEATRO LOS GARDELITOS"
Sábado 12 de Noviembre 20:00 hs Quality Espacio
Luego de presentarse nuevamente en el Estadio Obras el pasado 15 de Octubre, LOS GARDELITOS vuelven a Córdoba para actuar por primera vez en Quality Espacio el próximo 12 de Noviembre y dar conmienzo de esta manera a su "Gira Cine Teatro 2011".
Acerca de “Cine Teatro Los Gardelitos”:
El 25 de Mayo de 2010 en El Teatro de Flores y ante más de 2000 personas, la banda debuta con nueva formación: Eli Suarez (voz y guitarra), Fede Caravatti (guitarra y voz), Diego Rodríguez (bajo) y Paulo Bellagamba (batería); iniciando de esta manera una nueva etapa en la historia de LOS GARDELITOS. A partir de este momento el grupo empieza a girar por distintas provincias, sin abandonar su Buenos Aires querido.
El 11 de Diciembre de 2010 la banda realiza un show nuevamente en El Teatro de Flores, donde se toman imágenes para su primer DVD en vivo. El espectáculo lleva el nombre de “Cine Teatro Los Gardelitos” y dispone de una puesta en escena teatral, con sus respectivos cambios de escenografía. El material fue grabado y mezclado por Mario Breuer y filmado por Pasto Films. Además el DVD contiene escenas adicionales tomadas en el barreal de Pampas Del Leoncito (Pcia. de San Juan – Argentina).
El título del trabajo está Inspirado tanto en la fecha (natalicio de Carlos Gardel, a 120 años de su nacimiento) como en el lugar (antiguamente conocido como Cine Teatro Fénix, adonde se dice que alguna vez cantó El Zorzal). Este trabajo se presenta como sucesor del disco "Oxigeno"(2008), que simbolizó un renacer para el conjunto que se extiende hasta la actualidad de la mano de la nueva formación.
¿EL ROCK DE FESTEJO?
Cristina Fernández ganó las elecciones presidenciales y, así, el kirchnerismo comienza su tercer mandato consecutivo. Indio Solari, Cristian Aldana, Gustavo Santaolalla, Ciro Martínez, Andrés Calamaro, Wallas, Manuel Moretti, Iván Noble, Mancha de Rolando y muchos más artistas del rock han expresado su adhesión al gobierno nacional, marcando un notable cambio en comparación con otros tiempos.
Augusto Do Santos Redacción de El Acople
Diez días después que Néstor Kirchner asumió la presidencia del país, el 25 de mayo de 2003, José Pablo Feinmann publicó un texto en Página 12 titulado “Un flaco como cualquier otro”; en él, el filósofo expresaba su “agrado por el modo en que el nuevo presidente había asumido”. Su simpatía obedecía a dos respuestas que dio Kirchner por aquel entonces: “Sólo ese rostro nos faltaba conocerle: el de la cobardía” y “Señora, por esa frase murieron treinta mil personas en este país”. La primera fue una contestación a la decisión de bajarse del ballotage de Carlos Menem; la segunda, para Mirtha Legrand y su ya célebre expresión de temor ante la llegada del “zurdaje”. También, la empatía del escritor respondía a los invitados a la asunción: Fidel Castro, Hugo Chávez, Lula. Y la declaración de proveniencia de “una generación diezmada”. En suma, según resumió el propio autor, a que estaba ante “un flaco de la izquierda peronista”.
La nota emocionó a Kirchner y pidió un encuentro con Feinmann; posteriormente, entre ambos surgió una relación tan estrecha que hizo que, con el correr del tiempo, al segundo se lo llamara “el filósofo del kirchnerismo”. Sin embargo, el vínculo terminó en 2006, porque el político no le perdonó al escritor lo que entendía como falta de compromiso con el proyecto colectivo. En su libro “El Flaco”, donde Feinmann pormenoriza su relación con el difundo presidente, cuenta el primer desencuentro que tuvieron: fue en diciembre de 2003, después que Kirchner y Cristina Fernández, por entonces senadora, aceptaran salir en la revista Gente como personajes del año. Una acción, según el filósofo, propia del menemismo: “Los personajes no están ahí para aplaudir, sino para ser aplaudidos. Para ostentar su triunfo sobre el anonimato. Su pertenencia al mundo brillante de los famosos, y no al oscuro de los ignotos. En suma, ser personaje del año es ser la esencia de la estética y la ética del menemismo: el éxito. Lo que brilla. El poder, el dinero, la obscena exhibición del triunfo. En 1976, Gente ya había consagrado a su personaje del año: Martínez de Hoz”.
Feinmann expuso todas sus opiniones sobre el hecho en Página 12, en el texto “Gente es el medio y el mensaje”; en él, además de condenar el suceso por la afinidad con el menemismo, atacó a la revista en sí y a sus habituales personajes del año. A una y otros por ser amigos del poder, del peor poder; del de Videla y del de Menem. Y anotó, entre otros amigos, a dos que nunca faltan: Susana Giménez y Legrand. Feinmann, también, podría haber marcado una paradoja de aquella tapa que tanto lo perturbó: nunca, Gente, Giménez, Legrand, Kirchner y Cristian Fernández pueden brindar y festejar juntos. Hoy, ocho años después, está claro que el triunfo del kirchnerismo no es precisamente el triunfo de esta tríada amiga del poder, pero de otro poder.
***
Una de las características del kirchnerismo es que supo conseguir la adhesión, el apoyo, la simpatía, la amistad de un importante número de artistas; cabe aclarar que se escribe amistad como sinónimo de empatía y no como lo marca su significado más puro y, por cierto, bello. De la misma manera, lo mismo se señala sobre el empleo del término anteriormente, cuando se hablaba de Gente, Legrand y Videla; aunque, en uno u otro caso, hubiese amistad en su significado más puro. Actores como Federico Luppi, Nacha Guevara, Esteban Prol, Florencia Peña, Arturo Bonín, Luis Luque, Lola Berthet, Rita Cortese, Roly Serrano, Daniel Aráoz y Andrea Del Boca; escritores como Gustavo Nielsen y Alejandro Dolina; poetas como Juan Gelman; artistas plásticos como León Ferrari; pintores como Sergio Tosoratti; dibujantes como Miguel Rep; músicos como Víctor Heredia, Teresa Parodi, Ignacio Copani y Peteco Carabajal. Todos han expresado su apoyo al kirchnerismo. Y además, dentro del grupo de los músicos -que se unieron en la organización Músicos con Cristina-, hay una buena lista de los que son del rock.
Probablemente, el pionero en demostrar apoyo al kirchnerismo fue Cristian Aldana, cantante de El Otro Yo y presidente de la Unión de Músicos Independientes. Por caso, en julio de 2010, en una entrevista con la revista Sueños Compartidos, declaró sobre Kirchner: “Su mandato, en síntesis, me hizo ver que no hay que tenerle miedo a la política. Esa es una idea muy de los 90´ que logró que los jóvenes no participemos pensando que no votar era lo más contracultural. Hoy prefiero ser un virus político como militante de la música comprometido con la realidad que nos tocó vivir. Y siempre voy a recordar al ex presidente por dar su apoyo a las normas que contemplaran los derechos de las minorías, como la nueva Ley de Medios o la Ley del Matrimonio Igualitario. Por eso, todos los jóvenes que llevan en sus mochilas la esvástica tachada, en un signo de repudio a la discriminación y al odio, deberían sentirse identificados con esas medidas que implican un cambio de mentalidad. Ése es uno de los legados más importantes que nos dejó Néstor Kirchner: como político tuvo actitudes rockeras animándose a desafiar a los más poderosos como los multimedios, los represores de la última dictadura militar y las potencias extranjeras, por dar algunos ejemplos. Y todo eso es un modelo distinto a la política convencional a la que nos habíamos acostumbrado. Un auténtico virus del sistema”.
Por otra parte, y por lo que su figura representa en tanto uno de los músicos más importantes de la historia del rock local, las palabras de adhesión que más resonaron fueron las que hizo Carlos Solari, el Indio. El año pasado, luego de enviarle sus condolencias a Cristina Fernández tras la muerte de Kirchner, explicó en un reportaje con Mario Pergonlini su empatía: “Me gusta ver una presidenta que hable de la manera que lo hace en la ONU, y por fin tenemos un gobierno con los cojones para enfrentar a todas las corporaciones al mismo tiempo”. Antes del recital que hizo en Junín, en septiembre del corriente, La Nación le consultó por esas declaraciones y amplió: “Yo creo que las cosas están bien. Cada vez que me acercan una pregunta referida a la situación político-económica siempre trato de avisar desde donde hablo yo. Creo que el artista es uno de los pocos que no tiene que formar parte del sentido común. Todo el resto de las actividades y profesiones tienen que estar referidas al sentido común de la sociedad, pero el artista tiene que cruzar la frontera, tiene que ir más allá del sentido común, atreverse a hacer experiencias no ordinarias, volver y ser absorbidas por el superorganismo en su experiencia. Entonces, difícilmente crea que hay dogmas o planteos políticos que resuelvan los problemas políticos para siempre. Uno no es partidario de una ideología en especial, sino que en cada momento tiene una mirada de ciudadano que le indica ese momento. Este es uno de los mejores gobiernos que he visto, por distintos motivos. Por supuesto que la administración siempre hace cagadas, pero yo tengo una mirada bastante cómoda con este gobierno de Kirchner”.
El 27 de octubre de 2010, cuando falleció Kirchner, Andrés Calamaro lo despidió con una poesía que, entre otras cosas, decía: “Tengo suficiente argentinidad y memoria, capacidad de análisis y corazón, estoy seguro que la historia va a confirmar que Néstor fue el mejor presidente argentino de los ultimo cincuenta años”, “El único que atendió a madres y abuelas y el único que madres y abuelas respetaron y quisieron, quien anuló los indultos que perdonaron el horror de la dictadura y sus crímenes”, “Néstor que devolvió la ilusión a un pueblo herido, inestable y crítico, el único que enfrentó al empresariado y a los poderes que históricamente habían pactado con dictaduras criminales y con expolio imperial, el de la argentina que enamora a los visitantes que llegan y quieren quedarse”, “Heredó una crisis violenta; la catástrofe social de 2001, y devolvió la esperanza y Argentina volvió a caminar”.
También, Mancha de Rolando acompañó infinidad de actos de campaña del Frente para la Victoria, escoltando con su música; hasta llegaron a ir a Sábado Bus, para tocar junto a Amado Boudou en la noche en que el Ministro de Economía fue invitado al programa de Nicolás Repetto.
Además, Wallas, la voz de Massacre, dedicó el recital de la banda post deceso de Kirchner a su memoria: “Este show de hoy quiero dedicárselo a quien fue nuestro mejor presidente de los últimos cincuenta años, que no es otro que Néstor Kirchner. Y hoy más que nunca hay que apoyar a su compañera, la presidenta; pueden compartir o no compartir pero quería decir esas palabras, y este tema va dedicado para ella”. Y le ofreció “Maggie May”.
Asimismo, Fito Páez supo sumar su apoyo al kirchnerismo en diferentes ocasiones: después de su gran concierto en el marco de los festejos por el Bicentenario, dijo en conversación con Ernesto Tenembaum que el movimiento lo entusiasmaba. Ahora, en la previa a las elecciones presidenciales, agregó: “Hablar de lo social me parece difuso, sí puedo hablar de lo necesario que me parece que continúe esta administración, un período más para establecer nuevas reglas de juego en una Argentina que venía repitiendo errores y fracasos. Me parece altamente positivo que Cristina Kirchner repita su mandato, para que esto cobre cuerpo”; “Es bueno que Cristina se establezca para encarnar una apuesta inevitable que implica el fin de una época. Es algo que me encanta porque veo a estos dinosaurios asustados y acorralados por las circunstancias de la libertad. Es muy importante que Cristina sea reelegida para establecer el cambio que pide la Argentina”.
Incluso, Ciro Martínez hizo pública su simpatía con el kirchnerismo, a través de una entrevista con Sebastián Wainraich; cuando le preguntaron por quién votaría en las elecciones primarias presidenciales que pasaron, contestó que a Cristina Fernández y amplió: “Desde los diez años vivo cerca de la Villa Carlos Gardel, siempre estuvo igual eso, y ahora hay casas, hay algo hecho, hay un cambio. Pero además escuchar hablar a la presidenta de Rosas, de Jauretche, de cuestiones históricas nacionales, eso habla bien también”. Tiempo atrás, en un concierto, había introducido “Dientes de cordero” de la siguiente manera: “Este tema se lo vamos a dedicar a todos los que volvieron a creer. Y volvieron a creer que vale la pena salir a la calle para cambiar las cosas”.
Hacia abril del corriente, se llevó a cabo un festival en el que se lanzó la programación del canal infantil Paka Paka y se reclamó por su inclusión dentro de la grilla de Cablevisión; en el evento, entre otros, estuvieron presentes con su música Karamelo Santo y Leo García. Este último, por cierto, integra la mencionada agrupación Músicos con Cristina junto a, por ejemplo, Gustavo Santaolalla, Fabiana Cantilo, Marcelo Moura, Hilda Lizarazu, Manuel Moretti, Isabel de Sebastián, Federico Gil Solá y Mavi Díaz. Por 678, bastión televisivo del kirchnerismo, pasaron por caso Vicentico, Goy Ogalde, Aztecas Tupro, Kevin Johansen y Pampa Yakuza. Después del primer lugar en las elecciones presidenciales primarias, Iván Noble le cantó “Avanti morocha” a Cristina Fernández.
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Antes que algún otro, Matías Castañeda advirtió un cambio entre el rock y el poder, a partir del kirchnerismo. Antes, explicó en Duro de Domar, el rock instaba a rebelarse contra el gobierno de turno y lo tenía como su enemigo y lo insultaba; tomó como paradigma la canción “Señor Cobranza”, de Las Manos de Filippi, y marcó que ya no hay más temas como ese, y de haberlos es evidente que no lograron la adhesión de aquel otro. Al parecer, para el rock, ya no hay más “hijos de puta en la Rosada y en todos los ministerios”.
Desde siempre, se dice que el rock es rebeldía. Uno se rebela, opone resistencia a la autoridad. ¿Y cuál es la máxima autoridad sino el Jefe de Estado? ¿Y por qué el rock, como se ha visto, no sólo no se rebela al poder sino que lo apoya? Tal vez, porque el poder sea rebelde ante otros poderes que le disputan el mando. ¿Ser rebelde es adherir al gobierno? Los amigos del poder cambiaron; ya no son Gente, Legrand y Susana Giménez. Ahora son los artistas y, entre ellos, los del rock. ¿Cambiaron los artistas o el poder? Acaso lo hicieron los primeros, pero porque el poder dio el primer pasó. De una u otra forma, el hecho es que el kirchnerismo volvió a quedarse con las elecciones presidenciales de Argentina. Y, parece, eso el rock lo festeja, bebiendo de las copas más lindas que tiene. Y cantando ¡avanti, morocha!
OPINION
LA PALABRA DE LA JUSTICIA
Por Augusto Do Santos - Redacción de El Acople
La causa que se abrió contra Fito Páez por sus palabras tras la contundente victoria de Mauricio Macri en las elecciones de Jefe de Gobierno fue archivada. Según explicó el fiscal, no había intención discriminadora sino meras opiniones. El cantante había dicho que la mitad de Buenos Aires daba asco.
La palabra de la justicia
No resulta complicado volver con el recuerdo hacia el domingo 10 de julio de este año, en la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, de noche. E imaginarse a Fito Páez mirando por televisión los resultados de la primera vuelta de las elecciones de Jefe de Gobierno; no parece difícil verlo atragantándose con el vermú y los manises mientras las letras gigantes de la pantalla gritaban un 47% de votos para Mauricio Macri.
Enfurecido, el cantante descargó sus sensaciones escribiéndolas, porque a los artistas como él las pasiones les ejercen una presión tal en los órganos que no les queda más remedio que soltarlas, apresurada y libremente. Es eso o la explosión del cuerpo, es eso o negarse sí mismos. Y escribió algo contundente: “Da asco la mitad de Buenos Aires”, la síntesis de su afiebrada cavilación.
Posteriormente, se sabe, el músico recibió acusaciones de todo tipo por sus dichos, la mayoría de ellas tildándolo de fascista. Dicho sea de paso, cabe señalar que en función de la cantidad de acusaciones de fascismo que hay en nuestra sociedad debemos ser la población más fascista que jamás haya existido. Asimismo, hay algo que entonces no se mencionó entre lo mucho que se habló: Fito levantó la bandera de la izquierda. Sus pensamientos fueron argumentados por la repulsión ante el egoísmo, es decir la derecha. Resumió a la derecha con la simpleza de un maestro: “Gente con ideas para pocos”. Y es que, aunque se pretenda instalar como algo que pasó de moda, la diferencia entre izquierda y derecha es algo tan patente como el 47% de los votos que supo obtener Macri: de un lado, gente con ideas para todos; de otro, gente con ideas para pocos.
Sin dudas, los que fueron más allá contra el cantante fueron dos abogados porteños que lo denunciaron por discriminación y por sentirse agraviados como ciudadanos. Uno de ellos, Javier Miglino, dijo: “En su artículo 3 la ley pena a quienes realizaren propaganda basados en ideas o teorías de superioridad, que es lo que, entendemos, realizó Páez. Queremos que realice una disculpa pública con una declaración amplia y transparente en todos los medios de comunicación”. De lo contrario, agregó, solicitaría que la causa siguiera su curso penal.
Sin embargo, Fito no se presentó a la mediación con los denunciantes y, entonces, el fiscal responsable de la causa, Martín Lapadú, decidió archivar todo. Según explicó, no había intención discriminadora: “Si bien los dichos de Páez pueden ser injuriantes, no generan la certeza suficiente de encontrarse frente a un hecho discriminatorio que pueda dar impulso a una acusación sustentada en derecho. Más bien, podrían interpretarse como meras opiniones vertidas en el ejercicio del derecho constitucional a la libre expresión de las ideas, las cuales, acertadas o desacertadas, no revisten el carácter de una acción típica antijurídica y culpable que amerite una sanción de índole contravencional. La falta de certeza descripta da lugar a una duda insalvable que debe ser considerada a favor del imputado conforme los preceptos legales que rigen en la materia, clausurando definitivamente la instrucción del presente sumario”, amplió.
Así las cosas, el asco del músico es cosa olvidada para la justicia. Justicia que, además, aprovechó su determinación para recordarnos que estamos en una sociedad con diversos derechos constitucionales, entre ellos el de la libre expresión de ideas. Claro que las opiniones pueden traer problemas, generalmente en forma de acciones que busquen silenciar, asustar; vemos que podemos preguntarle de ello a Fito Páez. O a Claudio Minguetti.
SEMILLA BUCCIARELLI Y SERGIO DAWI: IMAGEN Y SONIDO
Mientras el Indio Solari los tantea para su próximo disco, los ex Redondos cortan camino con una sociedad audiovisual que propone música y proyecciones en vivo
Por Juan Ignacio Provéndola
Dicen que uno valora objetos y sujetos recién cuando los pierde. Que la distancia nos acerca y que, a veces, necesitamos del aprecio de un tercero para ponderar a un colega. Una ristra de frases hechas y sin sentido, por cierto, si se pretende insinuar con esto que Sergio Dawi y Semilla Bucciarelli recompusieron su sociedad artística tras Los Redondos tan sólo porque el Indio Solari declaró recientemente que quería contar con el talento de ambos en su próximo disco. La posta es que ellos ya habían cruzado sus destrezas en cauce común hace exactos diez años, cuando Los Redondos aún era un proyecto sonante que ocupaba sus agendas y Dawi aprovechaba los huecos para mostrarse en vivo junto a Damián Nisenson en DosSaxos2: "Semilla venía con su pizarra digital y su imaginaria, y cada noche vivíamos la sorpresa sin red de esas nuevas imágenes que sonorizábamos. Luego, cada uno transitó por su cuenta caminos similares, pero sucedió algo muy rico en ese entonces y dejamos la tierra fértil para lo que hacemos actualmente, que sería música escénica, cuadros sonoros, o como se le quiera llamar", recuerda el viento.
Músicos de profesión, ambos también se identifican por sus amplias virtudes artísticas que incluyen la pintura, la escultura, el dibujo o la escritura. La integración de muchos de esos lenguajes volvió a ponerlos cara a cara una y otra vez, la última de estas hace un mes, cuando Semilla inauguró su propia muestra de pinturas en La Plata garabateando con su tableta digital sobre una pantalla y el propio mameluco blanco de Dawi, quien acompañaba la traza con motivos pregrabados y tramas de saxo en vivo. "Lo interesante es poder mostrarlo en el momento, porque te engancha mucho. Vas siguiendo la línea del dibujo porque el ojo va al puntito del lápiz digital. Los colores, la música y el músico mismo en movimiento generan todo un mambo muy hipnótico", explica el bajista, antes de presentarse con su colega, bajo el nombre de Semidawi, el viernes en El Emergente Bar (Gallo 333) y el domingo en Tecnópolis.
¿Hay una estructura ensayada o todo transcurre en la improvisación?
Dawi: Tenemos una cuota importante de improvisación, pero le dimos una forma que nos permite rescatar, de la experiencia y la observación, lugares conocidos o predeterminados que constituyen la columna vertebral del espectáculo: yo tengo temas compuestos que libero con samplers y looperas para recrearlos, mientras que Semilla le da vida a cuadros pintados con antelación que esconde en su paleta.
Esta expresión está a medio camino entre la soledad de la pintura o el dibujo y la exposición de tocar en público. ¿Cuál de esas formas propone mayor comodidad?
Semilla: Yo me siento más cómodo en mi casa, no hay duda, pero el vivo tiene eso que es el comienzo y el final, de que ocurre en el momento y no hay vuelta atrás. También es cierto que tengo ganas de volver a tocar en vivo, de hacer un poco de ruido distorsionado. Grabé muchas cosas en guitarra y estoy armando un proyecto junto a dos chicos de Córdoba, que es donde vivo actualmente.
¿Es una calentura del momento o pretenden darle continuidad a Semidawi?
Semilla: La idea es continuar trabajando el formato e ir probando cosas, porque es muy interesante.
Dawi: Queremos seguir jugando con esta química que tenemos, disfrutar del vértigo que nos provoca y lograr que cada noche sea diferente.
El Indio los quiere en su próximo disco y ustedes se mostraron accesibles. ¿Se imaginan haciendo esto en un show de él?
Semilla: Para trabajar sobre los músicos tendría que ser un ámbito más íntimo, aunque no tendría problemas en hacerlo en las pantallas.
Dawi: Semidawi es una propuesta más experimental, no me lo imagino en un estadio. Con el Indio es otro lenguaje. Lo veo más en un teatro, una fábrica, un centro cultural, o en una noche de playa proyectando imágenes en los médanos mientras mi saxo canta historias que van pintando otras historias.
QUEEN REVIVE LA VOZ DE FREDDIE MERCURY
La banda prepara un nuevo álbum con grabaciones que el cantante realizó antes de morir en 1991
Revista RS
Este año habría cumplido 65 años; en noviembre se cumplirán 20 de su muerte. A dos décadas de la terrible pérdida de Freddie Mercury, Brian May dio lugar a la aparición de las hasta ahora inimaginables esperanzas de volver a escuchar su inigualable voz. Según contó al Daily Star, Queen utilizará antiguas grabaciones realizadas por el cantante antes de morir para conformar un nuevo disco. Este material habría sido encontrado mientras los músicos "revisaban algunos cajones viejos".
"Las canciones están ahí, es sólo cuestión de encontrar el tiempo para realizar la producción adecuada", agregó May. El disco, se transformaría en el sucesor de Innuendo, el último editado mientras Freddie seguía con vida y el póstumo Made In Heaven. Además, el guitarrista se encargó de deslizar que también habrá segunda parte de We Will Rock You, el musical de Ben Elton basado en canciones de Queen con el que colaboró.
Mientras tanto, todos los miembros sobrevivientes de la banda se preparan para participar de un especial de televisión en el que varios artistas se sumarán a la formación para interpretar sus grandes éxitos. Lady Gaga, incluida en ese listado, estaría siendo considerada para girar junto a ellos en reemplazo de Paul Rodgers... ¿Será?
EL FESTEJO MUSICAL DE CHARLY GARCÍA
A días de haber cumplido 60 años, el músico tocó en el teatro Gran Rex
Aunque esta vez no pudo ser el mismo día de su cumpleaños -el 23 de octubre-, Charly García festejó sus 6 décadas de vida arriba del escenario.
Acompañado por su banda The Prostitution, Charly abrió la serie de shows en el teatro Gran Rex -que seguirá el sábado 29 y martes 1 de noviembre-. Este primer capítulo de presentaciones fue titulado "La Vanguardia es así".
Después de las 21 horas, el músico inició la fecha con "Revolución", Rock and Roll Yo", "Los Dinosaurios", "No Toquen" y "Confesiones de invierno".
El festejo incluyó a todo el Gran Rex cantándole el "Feliz Cumpleaños" y un invitado especial: Juanse, el ex líder de Ratones Paranoicos, acompañó a Charly en "La sal no sala".
Además, Charly agradeció el llamado que recibió de la presidente Cristina Fernández de Kirchner. "La Presi me llamó por teléfono y me tiró buena onda. Es copada", dijo el músico que también pidió un largo aplauso para Gustavo Cerati: "Bien fuerte, que lo escuche."
El cierre fue con los clásicos "No voy en tren", "Desarma y sangra", "Eiti Leda" y "Funky", que cerraron la primera noche de la gran celebración de Charly en el Teatro Gran Rex.
DANCING MOOD EN CÓRDOBA: LOBO DESATADO
Antes de su show en Córdoba, el líder de Dancing Mood nos cuenta el “viaje” que significó su nuevo disco y reivindica por igual, el ska, el jazz y la cumbia. Mirá videos y ganá entradas.
Por Andrés Fundunklian – Suplemento VOS
Lobo Orozco. Todo loco. Tocó trompo con todos. Tosco no, coloso. Solo no, con otros. Poco no, montón. Groso. Non Stop! Este podría ser un anexo del recordado tema Ojo con los Orozco, de León Gieco, dedicado a Hugo Lobo, el hombre detrás de uno de los fenómenos más singulares de la música argentina.
Dancing Mood acaba de editar un disco triple titulado precisamente Non stop, una hermosa locura para los tiempos que corren, donde las descargas le ganan por goleada al CD. Tres discos editados de manera independiente en los que participaron numerosos invitados, muchos de ellos figuras míticas del ska que Lobo reclutó viajando a Inglaterra e hipnotizándolos con las imágenes del DVD de la banda. Un laburazo.
“Hacé la cuenta de la cantidad de solos que hay en los discos, multiplicados por la cantidad de tomas y de temas (47)”, arranca Lobo. Más de 1600 solos de trompeta tocó el músico para la grabación de Non stop, un trabajo que conjuga como pocos la cantidad con la calidad. “Fue muy cansador, porque a esa me la fumé yo solo; el resto graban una toma y se van (risas). No es lo mismo cantar que hacer un solo. El solo no se estudia, se improvisa. Y como va quedar registrado, uno busca el mejor resultado posible”, completa.
Lobo se explaya sobre los solos y cómo marcaron el estilo del grupo con su particular combinación de ska, jazz y cánticos futboleros. “Los instrumentos de viento son muy personales y dependen de tu estado físico y de ánimo. Si no tenés buena onda en un show se va a notar. La duración del solo también depende de lo que esté pasando, porque en el vivo se contagia mucho. De ahí los cantitos”, dice. Luego rememora: “En los primeros shows de Dancing la gente se quedaba mirando y era un poco chocante. No es tan fácil que se copen con una banda que te toca 17 temas instrumentales. Se la pasaban cogoteando para ver cuándo entraba el cantante. Nos gritaban: ‘que venga Mimi Maura’, por ejemplo, que estuvo de invitada en el primer disco. Yo pensaba: ‘¡Estamos soplando como unos hijos de p… y vos querés que venga Mimi Maura!’. Ahora pasa todo lo contario: con los temas cantados el público aprovecha para ir a escabiar algo o bajar un cambio. Muy loco”.
–El público entendió la película. Ahora viene el saxofonista, después el trompetista…
–De una. Rara vez vas a ver un show cualquiera y la gente aplaude un solo. Con esta música se logró eso. Y está bueno para que se escuche más atentamente y además para motivar a los músicos. Hay un aplausómetro. Si está bueno el solo, aplaudo mucho, si está más o menos, no tanto. Es un desafío.
–Teniendo en cuenta todo esto, ¿cómo se piensa un show de Dancing Mood?
–Para empezar, no hacemos lista. Les digo a los pibes con qué vamos a arrancar y después voy tirando los temas. Los 47 nuevos están tocados, así que podríamos hacer cualquiera. Pero está bueno ir mechando de acuerdo a cómo viene la noche. La ventaja es que todos los miembros de la banda saben música, así que muchos llevan la carpeta y ya está. Si entra un músico nuevo, ¡a leer! Saber música no es complicado, todo el mundo se asusta porque son unos vagos de mier… Las notas son siete y los valores rítmicos son cinco. Si no podés conjugar eso, dedicate a otra cosa. Hay que estudiar. Tenemos temas de Coltrane, Monk. De oído, olvidate.
Flash internacional
Una anécdota obligada es cómo fue su visita a Inglaterra, buscando a los padres del ritmo para que participaran en su ambicioso proyecto. Y no se le ocurrió mejor idea que llevar para mostrarles el DVD que gradó Dancing Mood junto a una enorme orquesta. “Para ellos fue muy flashero. Ver su música reproducida por una banda de Argentina, país que muchos ni sabían donde quedaba. Lo de la orquesta es algo que se hizo muy pocas veces en el género. Y al ver lo que pasa con el público, no entendían nada. Muchos me pidieron venir. Y a la presentación en Buenos Aires pudimos traer a tres: Winston Francis, Dennis Bovell y Gazz Mayall, uno de cada generación del ska. Francis no se conoce mucho acá, pero es muy groso. Pensá que en su primer disco, los coristas eran Dennis Brown, Ken Boothe y un Bob Marley de 15 años...”, relata entusiasmado.
–Además, es la primera vez que incluís temas de Marley y de tu autoría.
–Lo de Marley no lo había hecho para no caer en lo obvio. Además, son temas bien tapaditos. En cuanto a los míos, ahora me pareció que encajaban perfectamente. Arrancar el primer disco con un tema propio es todo un símbolo ¿no? En general, todas las canciones que elegí me pegaron en algún momento y algunos que los cantantes elegidos jamás habían interpretado en su vida. Pauline Black canta uno que no hacía desde los 19 años. La letra se la tuve que llevar yo. Fue todo un viaje.
Cumbia, nenes
La relación de Hugo Lobo con la cumbia no es nueva. Desde sus primeros discos, Dancing Mood incluyó fragmentos de clásicos del folklore colombiano pegados al final de algunas canciones como una verdadera declaración de principios. Además, es pública su amistad con Pablo Lescano, uno de los nombres clave de la escena nacional. En Non stop, Dancing Mood plasmó por primera vez este vínculo con una (re)versión del clásico de Dave Brubeck, Take five, titulado Toma 5. Lobo: “Le dieron más bola al tema en las bailantas. Todavía hay mucho prejuicio y la gente que despotrica contra la cumbia termina siendo mucho más ignorante. ¿Qué más querés que coreen un tema de jazz en una bailanta? Es un flash. La cumbia es un género que merece más respeto. Para los que se hacen los jazzeros, tal vez no saben que Charles Mingus tiene un disco de cumbia. Pero andá a hacerles escuchar uno de Los Corraleros del Majagual…”
“Además, la cumbia es una fuente de laburo enorme y es uno de los pocos géneros que sigue respetando que en las discotecas toquen bandas en vivo. Que tengan que hacer seis shows por noche está bueno también, porque así los músicos juntan unos mangos. Pensá que algunos ganan 80 pesos por toque. No es como Calamaro o el Indio Solari que pueden tocar una vez por mes. ¿Eso está bien y lo otro está mal? No creo. Para los que dicen que el pogo más grande es el de Jijiji les recomiendo que vayan a ver a Los Jedes en una bailanta de Moreno o González Catán. Parece una película de Tarantino. Abrís una puerta y explota todo”, cierra.
BONO HABLÓ DE LA SEPARACIÓN DE U2
Bono deslizó en una entrevista que le gustaría tomarse "algún tiempo" y dedicarse a su familia. "Quiero desaparecer con mi iPod", agregó.
Por Agencia EFE y Redacción VOS
El líder del grupo irlandés U2, el carismático Bono, sugirió en una entrevista reciente que la banda podría disolverse el próximo año. Hace unos meses, el discurso del músico fue el de tomarse un año sabático, pero ahora fue más allá.
El cantante expresó sus dudas sobre la continuidad de la popular formación, que lleva 35 años cosechando éxitos desde su fundación en 1976: "No estoy tan seguro de que el futuro no se haya secado", declaró el músico, de 51 años, en una nota concedida a la revista Rolling Stone.
"Es bastante probable que se nos escuche el año que viene, pero es igualmente posible que no", señaló Bono, quien también develó a la revista que la banda tiene "muchísimas canciones (nuevas)", generando más ambiguedad sobre su futuro.
Bono expresó su intención de tomarse "algún tiempo" y dedicarse a su familia: "Quiero estar con mis hijos y mi mujer y desaparecer con mi iPod Nano, algunos libros y una guitarra acústica".
También admitió que sus comentarios sobre el futuro de la formación, que lleva más de 100 millones de discos vendidos, no habían sido del todo bien recibidos por los otros integrantes de U2: Larry Mullen, The Edge y Adam Clayton, que le habían pedido que "se callara".
El grupo festejará próximamente el vigésimo aniversario del lanzamiento de su álbum Achtung Baby (1991) con una edición especial, disponible a partir del próximo 31 de octubre.
Inmediatemente, distintos medios británicos como The Mirror e irlandeses como InsideIreland y RTE se hicieron eco de la información y también sembraron la duda sobre la continuidad de la megabanda, que se presentó este año en nuestro país. ¿Habrá desmentida? ¿O fue un ataque de honestidad brutal de Bono?
CALLE 13: IMPACTO PROFUNDO
Calle 13 vive un presente intenso e intuye un futuro en idénticos términos aunque con algunos golpes de timón. A esa conclusión se llega charlando con Eduardo Cabra Martínez “Visitante”.
Por Germán Arrascaeta – Suplemento VOS
Vuelve Calle 13. Este sábado ofrecerá su tercer concierto del año en territorio cordobés, lo que habla a las claras que se trata de un combo en la cresta de la ola y con voluntad de hacerse escuchar. Los boricuas capitaneados por René Pérez Joglar “Residente” (el sex symbol de las voces y el torso desnudo) y Eduardo Cabra Martínez “Visitante” (el de las músicas, siempre debajo de un sombrero de paja) son, ante todo, versátiles. Porque si bien han posicionado su faceta antiimperialista, también pueden resultar divertidos, incorrectos, contradictorios y, claro está, fascinantes. Pocos han dado en la tecla a la hora de retratar el pulso social, político y cultural de esta porción del mundo como ellos lo hicieron en el tema Latinoamérica, de su último disco, Entren los que quieran.
Para hablar de todo lo que nos venga en gana sobre Calle 13 está dispuesto “Visitante”, el arquitecto sonoro que vive algo opacado por el fulgor de su hermano. Primero da un diagnóstico de su actividad: “Estamos en plena gira, a fuego. Mañana (por el martes pasado) partimos para Los Ángeles y desde allí, inmediatamente tomamos el avión para Argentina. Nos domina el entusiasmo”.
–“Entren los que quieran” lleva un año de publicado. ¿Ya tomaron distancia de él y se pusieron a trabajar en otras cosas?
-Soy de la idea de que cuando acaba una gira de apoyo a un disco, se cierra también el ciclo de ese disco. Por ahora seguimos concentrado en ese repertorio. Y será así hasta el año que viene, cuando empecemos a trabajar uno nuevo. Vamos sobre el momento de la creación, así que veremos qué ideas surgen. Por lo pronto, adelanto que mi hermano sugirió hacer un disco en inglés. Es probable que hagamos uno en español y otro en inglés.
–Hacer un disco en inglés suena a estrategia. ¿O se trata todo de un capricho?
–La idea tomó cuerpo después de la gira europea. El (idioma) inglés no representa un país, es sólo un medio de comunicación. La idea de Calle 13 siempre fue comunicar ideas, retransmitir otras que nos parecen interesantes. Es en función de eso que vamos por el disco en inglés.
Desarmante
Otro de los temas interesantes de Entren los que quieran es La bala, que alude al armamentismo doméstico, al espiral de violencia, a la relación inversamente proporcional entre el aumento de plomo y disminución de alimentos. En relación a esa composición hubo novedades. Semanas atrás, “Residente” dijo en una conferencia de prensa realizada en México que le gustaría un clip interpretativo, por parte de alguien que conozca de qué va la guerra del narco. Una misión que, si no es imposible, pega en el palo. Como sea, la inquietud está. “La invitación está en el aire y puede tomarla cualquier persona, no tiene que ser mejicana”, agrega “Visitante”. Luego precisa: “Lo que está pasando en México es terrible, y lo de mi país también. Días atrás se publicaron reportes sobre la cantidad de asesinatos en Puerto Rico, y está entre los primeros puestos. Hay problemas. Puerto Rico, según leí, ocupa el número uno de porcentaje de muertes con arma de fuego. Y salió número 19 en un ranking de decir: lo de México es terrible, pero no es privativo deMéxico”.
-¿Cómo era la vida en tu barrio? ¿Pintaban armas entre tu grupo de amigos? ¿Vivían en estado de tensión urbana?
–Había de todo, mano (sic). Y sí, había violencia. Un montón de amigos de nosotros estaban en malos pasos. Jugaba pelota con ellos y eligieron desviarse por... Creo que no tuvieron una buena educación. Es súper importante eso. Nosotros no teníamos una casa bien chévere, pero nuestros papás nos dieron una buena educación y lograron que no nos falte nada. Se enfocaron. Hicieron una buena elección de prioridades.
–Pasando a la música, ¿cómo creás las bases, las texturas? ¿Los ritmos y timbres los generás en función del flow de tu hermano o sale primero la música?
–Salen ideas de la interacción con los músicos de la banda, de charlas con mi hermano. Él me advierte “voy a escribir sobre esto, sobre lo otro”. Puedo trabajar más o menos como si de una película se tratara, mi hermano escribe una letra primero y de ahí va fluyendo. En Latinoamérica surgió de esa manera. En fin, es como una bola de música que tienes en la cabeza, es agarrar un poquito de cada cosa que has escuchado. Medio como un chef. Eso sí, siempre tratamos de que lo nuevo no se parezca a lo viejo. Si ponés nuestras canciones, es muy raro que una se parezca con otra. Pero también puede pasar al revés. Vamos a portarnos mal estaba primero la música. Supongo que semejante ritmo lo llevó a mi hermano a crear algo así.
Fan de Cadillacs
–¿Qué hay un tu discoteca? Intuyo mucho hip hop.
–Lo hay, pero no escucho hip hop, particularmente. Como escucha ocioso tengo ese problema, me enfoco más en la música que en la letra, y el hip hop no es una música con matices. No me emociona escuchar un loop. Antes que el hip hop, reivindico la música de fusión, la de los Cadillacs, quienes trazaron un mapa de la música contemporánea y estamos usándolo aún hoy. Mucho folklore, mucha fusión. Cuando era chiquitito los escuchaba mucho a los Cadlillacs. Fueron muy importantes. Fabulosos Calavera es el mejor disco de música alternativa. Por lejos. Illya Kuryaki, por supuesto. Me gusta mucho el unplugged que ellos hicieron en su momento.
–Wall street se ha llenado de indignados. ¿Asistimos a la caída de un imperio?
–Es una época de un montón de cambios. Hace tres años, un chamán me dijo que en el 2012 no se acababa el mundo sino que cambiaba radicalmente. Y están pasando cosas en ese sentido, todo está cuadrando. Es un momento importante el que estamos viviendo. No sé qué pasará finalmente, pero la mentalidad de la gente se está transformando. Hay un evidente cambio de prioridades.
–En la intro del disco se plantan contra de Sony y hablan del término de un contrato. ¿Qué se viene en ese sentido?
–Estamos evaluándolo. Fue el último que hicimos con Sony, es cierto. Y además, ha habido un montón de cambios en varios aspectos. Tenemos que ver qué es lo mejor para nosotros. No sé si las disqueras tienen el mismo poder que tenían antes, pero hemos notado que ahora se meten en el negocio de los shows en vivo, que es donde el asunto es más rentable ahorita. Tenemos que analizar en qué medida nos afecta esa situación. Es un momento importante. Hay cosas muchas cosas pendientes. En 2012 vamos a seguir tocando, no vamos a parar. Pero nos tenemos que sentar a pensar qué vamos a hacer.
NTVG
Cierra su gira Argentina en el estadio GEBA - 9 de diciembre - 19Hs
Después de haber recorrido prácticamente todo el país con localidades agotadas y agregando funciones en varias plazas , No Te Va Gustar anuncia la última presentación del año en Capital Federal, cerrando su exitosa gira por Argentina.
Las nominaciones al Grammy Latino y las presentaciones sold out en todo el país, no hacen más que confirmar el gran momento artístico por el que atraviesa No Te Va Gustar.
El año comenzó con una exitosa visita a México para participar de los Festivales Vive Latino y Revolution Fest, siguió con un megaconcierto para más de 70 mil personas en Montevideo por los festejos del Bicentenario Uruguayo; continuó con 4 presentaciones SOLD OUT en el Estadio Luna Park de Buenos Aires; una gira por más de 30 ciudades de Europa; shows en Chile, Estados Unidos y Canadá; y sigue actualmente con el tour por Argentina que lo llevó a recorrer de Ushuaia a la Quiaca. De aquí a fin de año la banda seguirá girando por la región, llevando nuevamente su música por México, Venezuela y su Uruguay natal. Para finalizar el año con un gran show despidiendo el 2011, en el Club
GEBA de Buenos Aires.
Por lo menos hoy fue editado en Latinoamérica, Estados Unidos y España. Y va camino al status de Platino en Argentina y Uruguay. El single Chau lidera los ránkings de radio y televisión y va llegando a los 2.6 millones de vistas en YouTube, mientras que el número de seguidores de la banda en Redes Sociales se multiplica día a día: más de 600 mil en Facebook y por encima de los 25 mil en Twitter.
No Te Va Gustar es sin dudas una de las bandas de rock más importantes de Sudamérica.
Heredera de las finas tradiciones musicales uruguayas e influenciados por la mejor sangre del rock argentino transita un camino singular dentro del panorama rioplatense. Con letras sentidas e inteligentes y una musicalidad que los libera de cualquier etiqueta, construyen un sonido que viaja entre lo autóctono y lo cosmopolita.
LA VELA PUERCA
El sábado 29 de octubre, comienza la gira “Piel y Hueso”, un nuevo tour puerco que llevará a la
banda a recorrer todo el país con las canciones de su nuevo disco.
Luego de 4 años sin grabar, La Vela Puerca ya tiene terminado su quinto álbum de estudio llamado “Piel y Hueso”.
Este CD que será editado en forma independiente a través de Mi Semilla y 300 producciones, es doble, por un lado doce canciones y por el otro seis temas, diferenciando la fase más roquera de la parte más tranquila, mostrando importantes cambios, para luego poder reflejarlos en los energéticos shows en vivo a los que el grupo nos tiene acostumbrados.
El disco, producido por Rodrigo Gómez y grabado por Julio Berta , se espera para fines de Octubre.
MIMI MAURA
Presenta "Dias de sol special dub version" en el ND Ateneo
Como tal vez usted sepa (o no) una de las características de los ingenieros de sonido en Jamaica es proveer al artista de diferentes "dub mixes" de una misma canción. Esto no es un trabajo ni arbitrario, ni simple, ni de relleno sino una búsqueda artistica a las posibilidades de audio de una cancion. La misma se logra "balanceando" los ecualizadores y tratando de llevar al extremo el uso de efectos, sobretodo delays y reverbs, para lograr un resultado "ganjeano" a la hora del placer de la escucha.
Steven Stanley no solo es un maestro en esta tarea sino que tiene en su curriculum alguno de los clásicos del genero como "Positive Dub" y Brutal Dub" de Black Uhuru.
"DIAS DE SOL SPECIAL DUB VERSION" no es el primer disco "in dub" en español ya que ese galardón lo llevan nuestros amigos de los Cafres con su "Instinto Dub", pero si es el primero en ser mixeado 100% en Jamaica y que tendrá además una edición en vinilo.
Además hemos agregado a esta edición especial, un poderoso remix del tema "Hacia la eternidad" por el maravilloso combo PONCHO liderados por los amigos Zucker, Leandro Lopatin y Picciano
Los invitamos, entonces, a encender su pipa, relajarse y viajar a través de los tiempos con "DIAS DE SOL SPECIAL DUB VERSION"!
Esta edición contiene el album completo original mas 5 mixes dub y el "poncho remix" de "Hacia la eternidad"
BALTASAR, EN VIVO Y BLINDADO
Baltasar Comotto, el guitarrista estable del Indio Solari y de Luis Alberto Spinetta, presentó su nuevo disco “Blindado” en la Trastienda, en un show de potencia y solidez tanto musical y compositiva.
Marcelo De la Cruz - blogrock.com.ar
No sé porque este miércoles que paso en San Telmo el viento era más fuerte que las noches pasadas. Tal vez el eolo quería ser parte del estreno de un disco que seguramente caerá dentro del cuadro de honor de lo mejor de este 2011. De eso estoy casi seguro.
Si bien fueron citados a las 21 horas, el evento comenzó a las 21:30 – no te vas a enojar por monedas chabón!- cuando el tramoyista de la Trastienda deslizó a mano la cortina que separaba a la atracción de un respetable marco de público.
Baltasar comenzó prolijo con el tema que abre su disco, “Mundo cabeza”, sólido como una nave rumbo a las Indias y emocionado como le enseñaron sus maestros. Luego se remitió a su hogar con “Buenos Aires” con un juego de luces que lo encendía a ratos y lo quemaba con un rojo profundo en momentos de placer.
Si bien el objetivo era presentar la nueva obra, el gran guitarrista saco de “Rojo”, su anterior trabajo, algunas joyas que se hacen actuales siempre. Su homenaje a Miles Davis se encarnó e la sublime “Milestones” que repaso sin descanso como un helicóptero por el techo ladrilloso de la Trastienda.
Mandó saludo a todos y agradeció por lo que estaba viviendo. Sobretodo, mandó un beso con sueños de encuentro a Luis Alberto Spinetta, que se recupera favorablemente. La canción fue “Hipnotic”, donde el Flaco lo colabora.
Cuando le tocó hablar del Indio Solari, dijo: “Gracias a él por compartir su música” y arranco a puro rabiar con “A lo mejor”. Alguno desde atrás levanto la cerveza y confirmó que no había desperdiciado su dinero viniendo a ver a Comotto.
Parecía que tendría “bis” y todo fue de corrido. Terminó con “Sacude tu mente” y se sacó la camisa dejando ver una remera de los Sex Pistols que abiertamente dijo que era producto de un canje. Solo dijo chau y no apareció más, como si nos fuéramos a ver hoy en el bar con todos los que estuvimos ahí.
Sólido y contundente. Así es Comotto, tiene muchas poses Skay-dianas en el escenario, su influencia compositiva parece estar cerca de Belgrano y su poesía es parte del aire y cerca de las avenidas bonaerenses. Está más completo, más aún cuando lo vimos debutar en 1995 en el Viejo Imaginario cuando apenas era un novel guitarrista de secundaria.
LO NUEVO DE LEÓN GIECO
Diario La Nación
Para la numerosa audiencia radial y sus seguidores, León Gieco ofreció con un show acústico en La Mega un adelanto de como serán las canciones de su nuevo disco El desembarco, que saldrá a la venta el próximo martes 1° de noviembre.
Transmitido en directo desde La Trastienda, el show del cantautor se transformó en un muy buen anticipo de uno de sus mejores discos de los últimos años, y que cuenta con invitados como Luis Alberto Spinetta, los integrantes de PorSuiGieco (Charly García, María Rosa Yorio, Nito Mestre, Rubén Porchetto), Oveja Negra, Rubén Rada, Roxana Amed y Gustavo Santaolalla.
El acústico fue para León como un ensayo abierto con su banda local y un testeo en directo de cómo sonarán en el futuro esas doce canciones que grabó en los estudios Ocean Way de Los Angeles (originalmente United Western Recorders, donde grabaron sus discos Frank Sinatra, Beach Boys y The Mamas & The Papas, entre otros) junto a una banda de los sueños compuesta por Jim Keltner (batería), Jimmy Johnson (bajo), Dean Parks y Mark Goldenberg (guitarras).
A punto de cumplir 60 años, León Gieco encuentra en su nueva producción la forma de reinventarse en sus canciones sin eludir la belleza y la tragedia. Acompañado en la composición por su ladero musical Luis Gurevich, el cantautor de Cañada Rosquín vuelve a ser el relator en primera persona de los tiempos frágiles de estos días.
León encuentra argumentos poéticos y estéticos en el eco sonoro de su origen en los inicios del rock nacional haciendo citas explícitas a PorSuiGieco, en su vida en los caminos como un beatnik, en las contemplaciones introspectivas sobre el amor y en las respuestas que están soplando en el viento, que lo definen como un sobreviviente. “Soy como fui siempre, solitario, como las liebres escondiéndose de los perros, que huelen a sangre y muestran sus dientes”, canta en “Fachos”, uno de los temas que presenta como adelanto.
De las otras canciones nuevas que el santafecino eligió mostrar al público con su banda aparecen temas como “8 de octubre” (compuesta y cantada con Spinetta en homenaje a los estudiantes de la tragedia de Ecos); la canción rutera “Latidos del corazón”; la cruda y rocanrolera “El argentinito” (una suerte de continuadora de “El imbécil”); la contagiosa “Hoy bailaré”, y el relato autorreferencial de “Las canciones”: “Están las que sin palabras lo dicen todo. Las siempre presentes y las inadvertidas, las que son como armas y están prohibidas”, canta con un leve peso de densidad Gieco. Más vulnerable, intimista y poéticamente desnudo se ofrece en la balada “Ella”, dedicado a su madre tras su muerte. “Viendo fotos viejas me dio por llorar, fue niña un día y yo no lo sabía, tanto elemento para un solo viaje, un minuto en sus brazos cuánto daría. Ya no lloro, ella es parte del camino…”
En el final regala dos clásicos: “En el país de la libertad” y “La mamá de Jimmy”, y quedan fuera del listado piezas de potente belleza que completan su nueva obra: “Las cruces de Belén” (con arreglos de cuerdas de Jacques Morelenbaum), “Bicentenario” (donde reúne simbólicamente a la superbanda PorSuiGieco), “Mi estrella” y “A los mineros de Bolivia” (sobre un texto del Che Guevara).
Pero quizá la canción que mejor sintetiza el espíritu de su nuevo álbum sea “El desembarco”, que estrena con público. Montado sobre un riff acústico, in crescendo y épico, está escondido uno de esos grandes himnos a lo Gieco, que lo definen por completo. “Somos los menos, nunca fuimos los primeros, no matamos ni morimos por ganar, más bien estamos vivos por andar, esperando una piel nueva de este sol. No pretendemos ver el cambio, sólo haber dejado algo sobre el camino andado que pasó.”
SMITTEN
“Teníamos ganas de hacer un disco conceptual”
Marcelo Basaure – Blogrock.com.ar
La banda está de regreso con “Puentes”, un álbum potente y conceptual que plantea la idea de lograr una mejor comunicación en todos los niveles de la vida.
Después del éxitoso disco “En Algún Lugar” el cuál logró posicionarlos como una de las bandas más importantes del nuevo rock argentino, vienen a reivindicar lo hecho anteriormente ¿cómo han vivido éste proceso de creación musical que ha llevado un par de años?
Patrick (Voz y Guitarra): Bueno, fué muchísimo trabajo, creo que nunca producimos tanto, hicimos unas 30 canciones, ya hace 2 años arrancamos a armar este disco partiendo desde la idea de que sea una obra conceptual y me parece que se logró, cuando lo escuchen se van a dar cuenta, fué un proceso duro, grabamos varias pre—demos después nos juntamos con el productor Willy Piancioli y Pablo Tevez (Los Tipitos) y si bien teníamos bastante claro el tema de producción y los temas bien armados, con los chicos terminamos de pulir a full y seleccionar los sonidos a la hora de grabar. Estamos muy contentos, laburamos mucho pero va a dar sus frutos como todo lo que te lleva trabajo.
Escuchá “Piano”, el primer corte del nuevo disco
¿Qué tal resultó la experiencia de trabajar con Willy Piancioli y Pablo Tevez de Los Tipitos? ¿Qué sentís que aportaron de diferente a la obra?
Siempre tener una oreja externa ayuda a la hora de definir cosas, nosotros somos todos productores ya hace años pero siempre alguien ajeno a la banda viene bien y la verdad que si, le aportaron una definición más clara en cuanto a sonido en el disco anterior ya lo habiamos logrado pero en este lo superamos ampliamente. ademas formamos una gran amistad con los chicos, nos hicimos amigos y eso es lo mejor de todo, que laburamos re comodos y con la mejor onda, cero momentos tensos.
¿Cómo fue que decidieron pensar en ellos para ésta producción?
Nos lo propuso el amigo Oscar Galván, de EMI Melograf y nos pareció más que interesante ya que siempre nos parecieron grandes musicos, tenemos el buen gusto por las melodias y las buenas canciones, no podia fallar, así que le dimos para adelante y fué un golazo.
El nuevo disco se titula “Puentes” ¿por qué llamarlo así?
Como te decía antes, es nuestra obra conceptual, un puente es una conexión, el disco esta todo conectado entre si, las canciones hablan de buscar la conexión con uno mismo, de eso trata puentes, es un gran viaje la verdad, que te va a hacer conectar con la música que estamos haciendo, tomá Puentes como la conexión que hay entre cables, todo en el disco tiene un sentido, es el primero donde hacemos esto, pensar todo desde cero por eso, la obra es conceptual.
¿Entonces de alguna manera el concepto central del disco gira entorno a lograr una comunicación, tender puentes de conexión?
Totalmente, es el disco donde mas nos comunicamos, sobre la vida en general.
¿Por qué encararon ésta grabación como una obra conceptual?
Porque queríamos dar otro paso, hacer algo distinto, dentro de nuestro estilo hicimos todo, ya demostramos que sabemos hacer canciones, que pueden sonar en todas las radios, en este disco, nos enfocamos mucho a la lírica, a los arreglos de guitarras y teclados y las estructuras de los temas que no sean las típicas, estabamos un poco hartos de lo que suena en la radio,todo suena igual, hablan de lo mismo y nos aburrió, estamos convencidos que aportamos algo nuevo al rock nacional, que quizas en el momento no se entienda, el que lo entienda mejor porque lo va a disfrutar pero si, es algo nuevo, un aporte nuevo al rock, además nunca hicimos una obra así, era el momento, esto no quita que tenga sus hits pero tiene muchas sorpresas.
Sos uno de los principales compositores del grupo ¿A nivel letras qué fué lo que más los influenció al momento de escribirlas?
En este disco trabajamos de otra manera, hicimos todo entre todos hasta en las letras opinamos todos y las arreglamos y correjimos hasta lograr lo que queríamos, es un disco 100% hecho en banda por toda la banda, cada uno aporto lo suyo y también eso lo hace mas que interesante, las letras son de primer nivel, hablan de la vida y la sociedad en general, hay mucha critica, hay una o dos canciones de amor la verdad, pero la gran mayoría son muy autoreflexibas y criticas, en este disco cante Chuck o yo,la canción fue hecha por toda la banda cada uno aporto lo justo para que la obra sea lo que sea.
¿Qué canciones sentís que son las que más representan el concepto de puentes?
Creo que Piano es un gran tema es el corte difusión, en la letra ya te das cuenta de la madurez de la banda y de los temas interesantes que se vienen, pero hay muchos, es un disco enganchado.
Después de tantos años en la música y evolucionando disco a disco ¿en qué etapa dirías que está Smitten hoy por hoy?
Estamos en una nueva etapa, te diría en una madurez donde ya se hace difícil bajar la calidad,por uno lado te mete un poco de presión, pero de eso se trata de hacer buenos discos que se suenen todo, por lo menos mantener un trabajo parejo, dentro de nuestra etapa punk rock,creo que en Smitten, el álbum “Smitten” de 2006 cerró esa etapa, hicimos todo dentro del estilo, desde “En Algún Lugar” (2008) creamos un nuevo sonido y seguimos esa linea, esto no quita que tenga sus temas súper poderosos pero la banda suena rock, suena más a Foo Fighters que a Green Day en Dookie, ¿entendés? es por ponerte un ejemplo, a su vez recuperamos el espíritu del rock nacional, podés ver claras influencias de Charly Garcia o Spinetta, hicimos un disco de rock nacional que nadie había hecho antes y brindo por ello.
Hablando del rock argentino ¿Qué opinión te merece la realidad de nuestro rock?
Hay buenas bandas que sacan discos y cosas interesantes, como Massacre por ejemplo, hay cosas muy feas también, pero bue.. cada uno con su negocio (risas) en general el rock nacional siempre tuvo cosas muy buenas, lo que más me gusta es lo viejo, lo que dejó Manal, lo que dejó Pappo, Charly , Spinetta, eso es lo que mas nos influenció, nosotros hicimos un disco de rock para gente con la cabeza abierta, lo que se denomina pop punk hoy en día me da asco ya lo hicimos hace 10 años y estaba bien, pero ya esta.
Decís que años atrás esa propuesta era un poco más sincera de la que se ofrece hoy, digo por el pop punk.
Sí, totalmente, era una novedad Punk Melódico o Pop Punk como quieras llamarlo, pero escucho cada cosa que me da vergüenza y lo peor que se denominan punks, sumamente ridículo, antes me gustaba poner la distorsión al palo, ahora me gusta disfrutar del sonido de las cuerdas y a su vez hay que tocar mejor, con la guitarra llena de ruido toca cualquiera.
¿Qué te hace pensar que algunas personas no van a lograr entender el nuevo disco de Smitten?
Porque es un disco loco, roza el rock progresivo, es una mezcla del Smitten cancionero pero con cosas de los años 70´s rock progresivo, por ejemplo, las letras están increíbles y las canciones también pero como te decía no es la tipica cancioncita, tiene partes que no esperas. Igualmente nuestro público cambió, tenemos nuevo y más público abierto, sabes que Smitten puede tocar una balada, como un tema a los chapazos como una locura pero es Smitten y nos bancan porque ya somos una banda de casi 18 años de trayectoria, la verdad que ya nos podemos dar el gusto y el lujo de hacer lo que queremos.
¿Crees que éste nuevo disco cambie la manera de sonar de Smitten en el show en vivo?
Creo que el anterior (En Algún Lugar-2008) marcó la nueva etapa de Smitten y este la reafirma
en 18 años de carrera nunca sonamos mejor la verdad (risas) el presente es lo mejor, es nuestro mejor momento, con Piano sonando a full en las radios y llevando nuestra música a todo el país, a Chile y esperamos ir a México, Perú, Paraguay Uruguay y otros, hay propuestas, si vamos a sonido, Puentes sigue la linea de En Algún Lugar pero mejor, más detallista.
¿Qué expectativas tienen con éste disco? ¿qué impacto les gustaría dejar?
La satisfaccion es que grabamos algo zarpado que va a quedar en el rock nacional y ojalá latinoamericano, es una muy buena obra la verdad, a mi me gustan todos nuestros discos pero , lo que suena este no tiene nombre, lo mejor es dejar algo distinto, no más de lo mismo. llenar el Luna Park y eso ya es segundo plano, si nos pasa joya, sino, seguiremos, nosotros la pasamos bien y hacemos lo que nos gusta.
Hace años que están juntos ¿cómo se mantienen unidos a pesar de los tipicos desacuerdos que se pueden producir en una banda?
Lo principial es que somos amigos y nos juntamos a hablar, a comer, hubo momentos tensos como en toda banda, pasa siempre, lo bueno es saberlos pasar, hoy por hoy nos llevamos mejor que nunca, el secreto es hablar las cosas razonablemente y pelear por lo mismo, por nuestro objetivo, omitir celos y esas boludeses, porque todo eso es ridículo, todos somos uno: Smitten.
¿Cómo va a ser el show que tienen pensado dar el Viernes 19 de diciembre en La Trastienda en el marco de la presentación de Puentes, ¿habrá invitados?
Sí seguro vamos a invitar a musicos amigos, vamos a tratar de tocar gran parte del disco, para también darle lugar a los clásicos de siempre, yo creo que unas 2 horas de show por lo menos, sino no nos va a alcanzar (risas), pero estamos preparando algo muy copado, los esperamos el 9 de diciembre que además es el cumple de Chuk, así que festejamos ahí.
