FITO PÁEZ: "NO SOY UN MILITANTE DE NADIE"
Pasado medio año de su polémica columna en el diario Página 12, el músico dejó en claro las diferencias que entiende entre la tarea artística y la posición del militante político. Y explicó que “necesita una absoluta libertad” para llevar adelante su tarea.
Por: INFOnews
Tras medio año de su polémica columna en el diario Página 12, Fito Páez volvió a referirse al tema en una entrevista. El rosarino aclaró que su postura "es muy clara" y que está lejos de ser la de un militante.
El músico, que en julio pasado había escrito que los porteños le daban "asco" por votar a Mauricio Macri como jefe de Gobierno, sostuvo que "un militante milita, o sea que lleva una vida de militancia y su trabajo o su tarea está dentro de un marco ideológico y político. Yo soy un artista".
Páez aseguró que para ejercer su profesión de músico necesita una "absoluta libertad para no tener que responder a ningún interés" más que a su "punto de vista" y aclaró que "cualquier persona del mundo puede estar más o menos de acuerdo con la administración política", aunque eso no lo transforma "en un miembro de un partido político".
"Estoy en contra de cualquier opinión de hombres de medios que hablen sobre la posibilidad de que yo esté metido en algún partido, no estoy de acuerdo con eso", afirmó el artista, al tiempo que agregó: "Yo no soy K".
"Muchas veces te quieren llevar para un rancho o para el otro", sostuvo Páez, pero remarcó que en su caso "no tendrán esa suerte".
LOS FANS DE LUIS ALBERTO SPINETTA SALUDARON AL CANTANTE POR SU CUMPLEAÑOS
El músico cumple 62 años. El intérprete de "Muchacha ojos de papel" se encuentra internado desde el 5 de enero en CEMIC, donde se recupera de una cirugía abdominal.
El creador de bandas pioneras del rock argentino como Almendra, Pescado Rabioso e Invisible, y uno de los músicos más importantes de la historia de la música nacional, Luis Alberto Spinetta, cumple hoy 62 años.
Artistas, periodistas y seguidores del autor de “Muchacha ojos de papel" o "Ana no duerme" convirtieron su nombre en la red social Twitter tema del día para expresarle su cariño y fuerzas para una pronta recuperación.
Spinetta se encuentra internado en el Hospital Universitario Cemic Saavedra, donde se recupera de una intervención quirúrgica abdominal que se le practicara el jueves 5 de enero.
Según el último parte médico publicado el pasado viernes, Spinetta "evoluciona en forma estable" de la cirugía abdominal a la que fue sometido y presenta una recuperación paulatina de su "función digestiva"
“Hoy cumple años el Flaco Spinetta, uno de los más grandes de nuestra música, Felicidades , fuerza y gracias flaco!”, “A Su Majestad Don Luis Alberto Spinetta salú en su cumpleaños!!”, “Hoy cumple años Luis Alberto Spinetta. Hombre d indómita luz, artista inigualable", “Flaco Spinetta , 62 años de pura magia ! Gracias por mas de 40 años de tu musica , sos el mas grande", expresaron algunos de sus fans.
La cantante Patricia Sosa escribió: “Mi gran deseo es que pase un feliz cumple mi queridísimo Luis Spinetta. Siempre lo llamo para el cumple. Te quiero Luis”.
El productor de música Oscar Mediavilla también mencionó en la red social a Spinetta y expresó: “El 23 también cumpleaños el artista más admirado y más querido Luis Alberto Spinetta!Feliz cumple flaco querido!”
La legisladora porteña María José Lubertino también saludo al cantante y expresó: “Feliz cumple Spinetta. Que te mejores rápido!”.
Lo mismo hizo el senador de la Nación Samuel Cabanchik: “Gracias y energías curativas para el Flaco Spinetta en su cumple, por tanta magia en forma de música, de poesía y de canto”, expresó.
Spinetta nació en el barrio de Belgrano el 23 de enero de 1950 y se presentó en la escena del rock local con la fulgurante y luminosa aparición de Almendra, banda formada por Emilio del Guercio, Edelmiro Molinari y Rodolfo García, que constituye junto a Manal y Los Gatos algo parecido al trípode arquetípico del rock argentino.
ILLYA KURYAKI HIZO UN SHOW ANTE 25 MIL PERSONAS
En el marco de un ciclo de shows gratutitos en Mar del Plata, el público sigue palpitando el regreso de Illya Kuryaki and the Valderramas, que este año volverá a las bateas con un nuevo disco.
Ante más de 25 mil personas el grupo tocó los clásicos de su discografía como "Remisero" y "Abarajame", y adelantó un tema se su nuevo disco.
En poco más de una hora y media y la banda demostró que el poderío sobre el escenario continua intacto. Sonaron canciones como "Virgen de Riña", "Jugo", "Mi Chevy y mis franciscanas", "Jennifer del Estéreo" la novedad titulada: "Funky Futurista" que estará incluída en el nuevo larga duración que el dúo lanzará a mediados de 2012.
EL "FLACO" SPINETTA CUMPLE AÑOS RODEADO DE SU FAMILIA Y AMIGOS
En un delicado escenario personal, lo encontraron los 62 años. Luis Alberto se encuentra internado en una clínica de Saavedra, donde se recupera de una operación intestinal, mientras combate un cáncer de pulmón. Un recorrido por su obra e historia, para homenajearlo en esta fecha especial.
Por: INFOnews
Luis Alberto "El Flaco" Spinetta cumple hoy 62 años y lo atraviesa en una clínica del barrio de Saavedra, donde se recupera de una operación intestinal, mientras le hace frente a un cáncer de pulmón. En este momento tan particular, el público y sus seres queridos le devolverán hoy en gestos de cariño tanta magia y creación.
"Me encuentro muy bien, en pleno tratamiento hacia una curación definitiva. Quiero agradecer a todos por la buena onda que he recibido, y pedirles que no paniqueen, y no tomen en cuenta las noticias que han generado los buitres de turno", escribió a sus seguidores el 23 de diciembre pasado cuando gran parte de la prensa decía que estaba en grave estado.
Esas fueron las últimas palabras que le dedicó a su gente, los que lo disfrutan desde jóvenes o pequeños, pero que lo tienen en su top five del rock nacional. Porque "El Flaco" es una figura insoslayable de la canción popular argentina que construyó una particular forma, en la que fusionó un lirismo letrístico y melódico junto a una llegada de a momentos masiva y que atraviesa las generaciones.
El creador de bandas que perfilaron algunos de los modos del rock local como Almendra, Pescado Rabioso e Invisible es además, y como marca reconocible de una carrera edificada al margen de las modas y las demandas de la industria discográfica, un interrogador permanente.
Su sello es creación, ruptura, cambio. No conservó ninguna banda, las disolvió aun en los momentos de mayor repercusión, viró, buscó en otras direcciones, en sonoridades nuevas, en instrumentaciones diferentes, siguiendo el deseo y no los imperativos.
De la ternura de Almedra pasó al grito oscuro y aguerrido de Pescado Rabioso y desde allí decidió incursionar en un power trío casi experimental de contundencia monolítica, el jazz rock, las instrumentaciones electrónicas para volver a pensar, diagramar en relación con el presente.
Nacido en el barrio de Belgrano el 23 de enero de 1950, Spinetta se presenta en la escena del rock local con la fulgurante y luminosa aparición de Almendra (Emilio del Guercio, Edelmiro Molinari y Rodolfo García), que constituye junto a Manal y Los Gatos algo parecido al trípode arquetípico del rock argentino.
"Tema de Pototo", "Muchacha ojos de papel", "Ana no duerme" y "Fermín" son algunas de las canciones que se hilvanan en ese disco fantástico, que se mantuvo vigente desde el día de su creación y que es una referencia irrenunciable para hablar de rock argentino.
El reencuentro de Almendra durante el maratónico recital de Vélez: "Spinetta y las Bandas Eternas"
En ese álbum está también "Laura va", grabado con el bandoneón de Rodolfo Mederos y que pone en circulación la más lúcida línea de asociación que encontró el rock vernáculo con el tango y la canción ciudadana.
Un tráfico de sonoridades y sentidos que el músico va a continuar a lo largo de toda su carrera y que tiene hitos letrísticos como "El anillo del Capitán Beto" y musicales como "Los libros de la buena memoria" y "Las golondrinas de Plaza de Mayo", abarcando también la línea interpretativa en su bella versión de "Gricel".
Spinetta ya talló una marca en la historia de la música argentina que el tiempo, lejos de borronear, se encargará de ir resaltando y destacando nuevas vetas.
ERUCA SATIVA
ERUCA SATIVA, una de las bandas “for export” que vio nacer el rock de la docta, se presentará en el escenario principal de COSQUIN ROCK durante la primera jornada, el viernes 10 de febrero.
Surgieron hace no más de 5 años, trayendo cada uno su mochila de experiencias forjadas en otras agrupaciones de renombre con quienes se abrieron paso en la escena cordobesa. En su corta pero fructífera carrera, este poderoso trío formado por Lula Bertoldi (en voz y guitarra), Brenda Martín (en bajo y coros) y Gabriel Pedernera (en batería y coros) editó dos discos y ya comienzan a hablar de un tercero.
A esta altura podríamos decir que ERUCA no anda de a pequeños pasos. En el 2010 se instalaron definitivamente en Buenos Aires, fueron proclamados “El mejor grupo nacional” por el suplemento Sí de Clarín, ganaron el primer puesto en el concurso “Bombardero del Demo” de FM Rock & Pop y el “Mundial de bandas” del programa televisivo Banda Soporte. El año pasado fueron nominados en los premios Gardel en la categoría “Mejor Álbum Nuevo Artista de Rock” por “ES” (2010), realizaron una gira en México en apoyo del lanzamiento de sus discos en el país azteca y finalizaron el 2011 recorriendo miles de kilómetros de suelo argento. “Estamos muy felices con la vida que llevamos, hemos tenido alegrías gigantes tanto en 2010 como en 2011, y todo lo que nos sucede nos empuja a seguir poniéndole todo a esto que tanto amamos, y que tanta felicidad nos da” nos cuenta Gabriel Pedernera quien nos respondió sobre cómo se preparan para el festival y lo que se viene de ERUCA para este 2012.
- ¿Cómo vivieron el proceso de mudar la banda a Bs As? ¿Consideran que este gran paso fue una da las razones fundamentales de su crecimiento?
- Lo vivimos como algo muy natural, nos sentimos muy cómodos en la ciudad y disfrutamos mucho cada momento. A nosotros nos ayuda estar en Buenos Aires, pero siempre es muy importante explotar todas las posibilidades en cualquier lugar en donde a uno le toque estar, aprovechar al máximo las oportunidades, y después veremos donde nos lleva la vida ¿no?
- Son el ejemplo de autogestión y trabajo para todas las bandas cordobesas. Con la autoridad que creemos esto les confiere, ¿podrían darle algún consejo a los grupos locales?
- Cada familia es un mundo, cada grupo tiene su forma, no se si hay recetas o fórmulas mágicas para el éxito…Lo único que siempre nos funcionó es ponerle toda la energía a eso que uno ama, y dejar el corazón en eso.
- Por tercera vez consecutiva son invitados a Cosquin Rock. ¿Cómo se disfrutan este tipo de festivales?
- Es muy lindo poder ser parte de un festival tan grande, somos muy agradecidos de las oportunidades que tenemos y tratamos de dar siempre lo mejor que tenemos.
- El año pasado subieron con una excelente puesta… preparan algo para esta edición?
- Vamos a estar tocando canciones de nuestros dos discos y quizás algo de lo nuevo, que posiblemente entrará en nuestro 3er disco, que grabaremos este 2012.
- ¿Qué se puede adelantar del sucesor de ES? ¿En qué etapa están?
- Tenemos muchas ganas de grabar nuevas canciones, de explorar en la sala y en el estudio, de investigar sonidos y crear atmósferas nuevas. El proceso compositivo es muy lindo y hay que disfrutarlo. Nadie sabe cómo va a sonar o a dónde nos va a llevar este disco, pero esta bueno que sea así, la música es una búsqueda constante y Eruca también lo es, así que ahí vamos.
Para agendar:
ERUCA SATIVA – Viernes 10 de febrero, escenario principal de COSQUIN ROCK.
CHARLY GARCÍA, UN ROCKERO SUELTO EN MIAMI
El músico argentino visitó un bar de la ciudad norteamericana y no pudo evitar despuntar su viejo vicio: deleitó a todos los presentes con un show improvisado detrás del piano. Se lo vio de excelente humor, acompañado por su novia.
Por: INFOnews
Charly García lleva su música a cuestas por todo el mundo. El músico estuvo esta semana de vacaciones en Miami. El martes por la noche se acercó a el bar The Blue Piano, para escuchar un poco de blues norteamericano, junto su novia, Mecha Iñigo, y músicos locales.
“Una foto para las revistas del corazón”, dijo Charly entre bromas cuando los fotógrafos se acercaron a retratar el momento. El músico no pudo con su genio y terminó sentándose en el piano para improvisar, para el deleite de los presentes.
Charly ya había hecho lo mismo días atrás en el Drexlex Irish Pub, cuando subió a tocar junto con músicos argentinos radicados en Miami. Además, cenó con Diego Torres.
El 19 de abril será la presentación formal de Charly García en la ciudad estadounidense; la entradas para dicho show ya fueron puestas a la venta.
MIGUEL CANTILO: CANCIÓN ILUSTRADA
Miguel Cantilo publicó “¡Qué circo!”, libro en el que recuerda la historia del rock argentino y expone su desencanto presente. También editó “Cantilenas”, su 22º disco.
Por Javier Mattio- Suplemento VOS
No es extravagante suponer, como lo hace Sergio Marchi en el prólogo del nuevo libro de Miguel Cantilo, que el cancionero del ex Pedro y Pablo comparte espíritu con sus libros. Así, páginas y discos se unen, al menos en lo que concierne al apartado “denuncia”, ya que su flamante ¡Qué circo! (el cuarto que publica) se dedica a evaluar 50 sinuosos años de rock y cultura popular, a la vez que deschava a fariseos y falsos profetas de un género que para Cantilo ha caído en desgracia.
¡Qué circo! recupera la lucidez revoltosa de himnos como La marcha de la bronca o Gente del futuro, pero enfocada ahora hacia el propio bando del artista, el de los hacedores de canciones, aunque más precisamente hacia los productores e intermediarios. “El rock en otros países ha tenido idas y vueltas, pero no ha retrocedido tanto como acá”, dispara Cantilo. Y agrega: “Eso pasó porque nunca hubo una producción acorde al nivel de los creadores. Por el contrario, ese lugar lo tomaron personas que se encargaron de sacar provecho económico y descuidaron lo artístico, complemento que sí se dio en la música brasilera, por ejemplo”.
“Nunca hubo productores –añade–. Los músicos se producían a sí mismos, fijate en los grandes discos, el primero de Almendra, el primero de Manal. El rock salía con un gran abandono de producción artística y también ejecutiva, no se buscaba editar fuera del país o en el extranjero. Por eso se disolvían los grupos, se iban a vivir afuera, las regalías eran miserables”.
Cantilo explica que, cuando esa producción llegó, el rock intercambió ensoñación utópica por realismo (económico) a corto plazo. “El rock perdió calidad al comercializarse y transformarse en un negocio de masas, que resulta redituable para intermediarios y productores que hacen su negocio con festivales y contrataciones masivas de grupos convocantes. Esto no contribuye al salto cualitativo, a la evolución de la música. Los grupos masivos le dan salida a una música sin riesgos. Buscan una fórmula, un estatus”, añade.
A pesar del desencanto, Cantilo ve una salida posible en la cantidad de artistas que actúan en los “márgenes”, entre los que rescata a Lisandro Aristimuño, Arbolito, Los Tipitos y La Banda Inestable. “Uno no descubre nada, lo que es bueno es bueno”, sentencia.
Y por si quedan dudas sobre su cruzada, Cantilo deja en claro que lo suyo no es un ajuste personal: “Lo que yo digo en el libro no es un invento, es lo que pasa, lo que yo he recibido de la gente común, de la calle, que te lo dice permanentemente: ‘¿por qué ya no hay buenas canciones?’ ‘¿Por qué las letras no dicen nada?’ ‘¿Qué pasó con el rock?’. Y cuando eso te lo dicen no críticos especializados sino el tipo que te carga el tanque de nafta, el mecánico, el peluquero, entonces es para ponerse a pensar”.
Tal vez, el cambio de época también tuvo que ver con la mutación de aquello que se conocía por “rock”. En la década de 1980, la irrupción de Miguel Cantilo y Punch generó toda clase de reacciones violentas, entendibles en un contexto que acababa de emerger de un largo período de represión. “Nosotros vinimos con una propuesta demasiado extranjera, ahora es sencillo hacer reggae o ska, incluso hace diez años, porque la gente ya tenía acceso a discos de Marley, de Tosh”, señala Cantilo.
Y remata: “Hoy día es muy fácil ser rebelde, transgresor, porque no tenés una barrera de censura que haga de eso algo valioso. Para no caer en ese molde que ya no sorprende a nadie, lo que queda es pelar calidad, trabajo, superación”.
Otro cantar
Llama la atención que, coincidiendo con la salida de ¡Qué circo!, Cantilo acaba de editar su disco número 22, Cantilenas, que también ostenta cierto aire revisionista: en él se alternan canciones nuevas con composiciones inéditas del pasado, incluso anteriores a Pedro y Pablo. “La conexión que puede tener el libro y el disco es que en aquella época se escribían canciones bajo una determinada postura y mística que se ha ido perdiendo. La función de Cantilenas es rescatar esa magia, la de los Gatos, de Almendra, incluso el folklore ancestral”, revela.
Paradójicamente, esa mirada atrás se alimenta de una inquietud (musical) presente, que Cantilo asocia con el único accionar válido de todo cantautor: “Mi lugar es escuchar música permanentemente y hacer una cadena entre eso que escucho y me gusta y lo que le transmito a la gente”.
“Estoy todo el tiempo buscando, y no sólo aquí, viajo mucho y traigo música de afuera, de ahí me vienen las ganas de seguir escribiendo canciones, de seguir publicando discos –apunta–. Escuchar cosas nuevas justifica que el rock siga siendo la música más importante del planeta, tal vez una de las más vigentes entre las expresiones artísticas del nuevo siglo, y que me parece lamentable que en nuestro país haya caído tan bajo”.
CHARLY GARCÍA: "MI APUESTA ES VANGUARDISTA"
Charly García promete un show apoteótico para la apertura de Cosquín. Además, asegura no ser un “chupamedias de Cristina” y considera “una tremenda injusticia de Dios” lo que padece Luis Alberto Spinetta.
Por Germán Arrascaeta - Suplemento VOS
Charly García quiere desafiar el lugar común festivalero de tocar "rocanroles rápidos" con un concierto apoteótico que sintetice su vasta trayectoria. En rigor, el músico, de 60 octubres recién cumplidos, repondrá en la jornada inaugural de Cosquín Rock el mismo show que estrenó en diciembre en el porteño teatro Gran Rex. Se trata del espectáculo separado en tres partes (Detrás de las paredes, La vanguardia es así, El ángel vigía) y que, además de banda, tuvo detalles como bandoneón, trío de cuerdas y vibráfono.
Al menos esa es la pretensión que blanquea por teléfono desde su hogar palermitano, un espacio señorial donde, dicen, el genio se organiza artística y administrativamente para trabajar una expansión continental. En la tarea lo ayuda su pareja, Mecha Iñigo, quien García desposaría de buena gana. Pero primero está Cosquín, los recientes 60, el Himno con Cristina (¿o el Himno para Cristina?) y reflexiones sobre su propia vulnerabilidad disparadas por padecimientos de compañeros y amigos.
-¿Y? ¿Qué onda eso de ser sexagenario?
-Tener 60 me gusta más que tener 59. No hay cambios sustanciales, a decir verdad. Me gustan los 60 porque me gustan los años 60. Por algo le puse a mi disco 60 por 60. La verdad es que me gustan los números redondos.
-Pero Los Redondos no te gustaban tanto.
-Nunca fui fan, pero tampoco me disgustaban.
-¿Acaso había una competencia velada con Indio para ver quién era el mejor simbolista, el más genio?
-Para nada. Son cosas distintas. Distintas categorías.
-Querés traer a Cosquín el mismo show del Gran Rex. Pero aquí no habrá teatro sino cielo abierto, y delante tendrás una multitud. ¿Cómo vas a organizar tanta información en ese contexto?
-Estoy tranquilo porque llevamos toda la escenografía, todas las luces. Habrá una puesta especial. Por eso tocamos el primer día, para disponer del día anterior para ajustar absolutamente todo. Yo también me hice este cuestionamiento. De hecho, ya hice tres listas de temas diferentes y no me decido por ninguna. Pero voy a apostar por la música. No creo que porque haya más gente o sea un festival tenga que hacer rocanroles rápidos ni nada de eso. Van a tener buena música, la mejor que yo pueda dar. Y con mis compañeros estamos muy afiatados. Hemos ensayado mucho y vamos a tener un trato especial para Cosquín. Vamos a cambiar un poquito el lugar común del show festivalero. Voy a apostar al buen gusto de la gente, a exigirles atención de buena manera, tocando canciones que no son tan hits.
-Dame un ejemplo.
-Canción del 2 x 3. Instituciones también nos sale bárbaro. Vamos a solucionar las dificultades que plantea el uso a cielo abierto de bandoneón, violines y el vibráfono, instrumentos que suenan bajito y tienen que competir con Marshall de 200 watts. Eso, al aire libre, puede ser jodido, pero tenemos un ingeniero de sonido genial. Ojalá que no llueva.
-Se supone que los Dioses están de tu lado.
-No siempre. ¡¡¡No rain, please!!!
-Una de las partes de tu nuevo espectáculo es "La vanguardia es así". La expresión está planteada de modo categórico. Vamos al detalle. ¿Así cómo?
-Cuando grabé Say No More, lo grabé en España y mi amiga Mónica, que era un poco la productora porque ella bancó todo, cuando venía alguien a discutirle algo que yo hacía, ella le decía "la vanguardia es así". Se convirtió en un chiste interno. La vanguardia era cualquier cosa que yo hacía. Lo curioso es que ahora no sé muy bien qué es. Los Beatles eran vanguardistas y tocaban una música que no era Stravinsky. El tiempo dirá, hermano.
-Pero sos un músico exquisito al alcance del pueblo. Lírica elaborada, música sofisticada pero al alcance del pueblo. Un genio masivo. La vanguardia no tiene por qué estar vedada a una sola clase.
-Tal cual. Por eso considero vanguardista esta apuesta de música clásica por los violines, de tango por el bandoneón y de fusión por cómo se ensambla todo. Nunca escuché algo así por acá, menos en un festival multitudinario. Sí escuché tango electrónico, en todo caso. Y digo tango porque muchas de mis canciones tienen un gran aire de tango. Si les cambias el ritmo... Canción de 2 x 3 es un tango. Cuando me empiece a quedar solo, también. Un tango a mi manera, claro. Siempre me gustó el tango, pero me gustaba como idea, no como sonido a interpretar. Casi todos los tangos, los más conocidos, tienen una profundidad de letra, una filosofía. Fue difícil de encontrar eso en la música popular con el correr de los años.
-"Las cosas ya no son como las ves", reza "Canción de 2 x 3"...
-Es que rara vez son como las ves. Estoy hablando de una cosa humana, de lo difícil que es juzgar. Es como empiezo Say No More, que hubo un incendio y al tipo le preguntan cómo se inició pero responde no sé, "estaba en llamas cuando me acosté". Si es difícil juzgarnos a nosotros mismos, cómo podemos juzgar a los demás. Tiene que ver con la tolerancia y tener una mente abierta.
-Veamos entonces cómo te sentiste tocando el Himno en la asunción de Cristina.
-En principio me sentí honrado. No te voy a decir que soy su amigo, ni mucho menos, pero en un par de ocasiones me prestó el avión para algunos shows. Me llamó para mi cumpleaños, siempre me tiró buena onda. Y veo que su gestión va sin sobresaltos. Va bastante bien, no te digo que no haya defectos, pero me sorprendió cómo llevó a la Argentina, y cómo la está llevando. Cuando tocamos bailó un poquito, me levantó la mano en señal de triunfo. Lo que vi en el público es que no fue una fiesta partidaria. Había mucha gente sin carteles... Sentí apoyo, alegría. No lo hice para chuparle las medias al gobierno. Lo hice, en definitiva, porque Cristina me parece un buen ser humano y me hizo favores. Además, tocar el Himno siempre me gusta...
-¿Y cómo interpretamos tu otra aproximación a un presidente? Hablo del disco "Charly & Charly en Olivos". Ahí tocaste para Carlos Saúl Menem...
-¡¡¡No lo nombres, por favor!!! Méndez, decile Méndez.
-OK, ¿fue un gesto concesivo?
-Realmente, aparte de que me llamó 10 veces para que fuera... Me convenció. E hice un repertorio especial para cantarle en el salón de la quinta de Olivos. Yo quería saber si era humano. Y quería decirle mis inquietudes... Porque pocas veces uno tiene la posibilidad de estar frente a un presidente y decirle cosas. Aparte, había estado con Yoko Ono y le planteé que iba a hablar con el gobierno y qué se yo, y ella me dijo que el gobierno era demasiado importante para dejárselo a los gobernantes, así que tenía que ir y representar a la gente que, supuestamente, yo represento. Fue una movida completamente distinta. Como sea, el presidente mostró su humanidad, porque cuando toqué Los dinosaurios se puso a llorar. Fue un juego demente, en realidad. Sabía a lo que me exponía.
-Leí que te querés casar. Y por la iglesia, incluso. ¿Es un delirio de revistas mundanas?
-Lo he dicho en algún momento, sí. Si me casara, lo haría por la iglesia. Me gusta ese ritual. No sé si pasaría por el registro civil. Y estoy muy bien con mi compañera, Mecha, me ayuda en lo que es trámites, hablar con productores. Lo hace muy bien. Porque si hablo con productores, me da pudor ponerme un precio. ¿Entendés?
-¿Y con respecto a tu vulnerabilidad cómo estás? Te lo pregunto porque, en su momento, te afectó lo de Gustavo Cerati y ahora es Spinetta el que atraviesa un momento delicado de salud.
-De salud estoy fenómeno. Me hice unos chequeos hace poco y estoy bien. No me siento vulnerable. Y todas estas cosas... No sé, en el subconsciente uno siempre dice la crueldad "mejor que no me pasó a mí". Lo de Gustavo me hizo pelota. Lo fui a visitar y todo... Se lo ve bien, sólo que no reacciona. Esto de Luis Alberto me parece una injusticia de Dios, si es que Dios existe. Si alguien no se merece que le pase eso, es Luis. Le estoy escribiendo una carta, que espero que le llegue, en la que le doy todo mi apoyo y le digo que lo amo. Y que va salir adelante. Las pestes, los cánceres y todas esas cosas están por todos lados, según parece. Me asombra y me da impotencia.
Soy tu fan
Hace un par de semanas, Charly García fue invitado por Roger McGuinn para que toque en su concierto porteño. McGuinn, líder de The Byrds, es un héroe para García y como testimonio está la versión en español que el ex Serú hizo de I'll feel a whole lot better.
"McGuinn es un héroe para mí -confirma García-. Cuando era chico escuchaba los Beatles y los Byrds, y en ambos encontraba la misma sensación. Cuando nos encontramos en un asado, él empezó a tocar la guitarra, nos miramos, y le hice unos pianos. Desde el primer momento hubo conexión. Creo que él se dio cuenta de que yo era un fan en serio. Que interpretaba en el teclado sus canciones con pasión... Y bueno, fue el sueño del pibe, fue algo increíble".
Cosquín Rock
Charly García tocará en la apertura de Cosquín Rock, que se producirá el viernes 10 de febrero en el aeródromo de Santa María de Punilla. Ese día también tocarán Calle 13 e IKV.
Charly García se larga solo
El músico fundó una productora propia, que tendrá entre sus filas a José Palazzo.
Por Redacción VOS
Ya desligado de los sellos discográficos y Fénix, que hasta hace poco tiempo atrás era la encargada de sus shows en vivo, Charly García se meterá de lleno en la industria y armó T GO BE, su productora de conciertos.
La novedad más significativa de este emprendimiento es que el productor local José Palazzo también formará parte de la empresa, como encargado del booking tanto en Argentina como en los países limítrofes. Es decir, él manejará los contratos para los recitales de García en Sudamérica.
T GO BE será dirigida por el empresario Fabián Giordano. Mecha Iñigo, novia del astro del rock nacional, también forma parte del staff de la flamante productora.
CATUPECU MACHU TOCARÁ GRATIS EN PARQUE ROCA
Catupecu Machu, Tan Biónica y Las Pelotas son algunas de las bandas de rock que ofrecerán recitales gratuitos en Parque Roca desde el 27 de enero.
Cada viernes, sábado y domingo a las 17:30, 18:15 y 19:15 habrá tres bandas diferentes, comenzando con los shows de Catupecu Machu, Tan Biónica y Ambulancia.
Las Pelotas, La Franela y Baltasar Comotto tocarán el sábado 28, Kapanga, Carajo y Parraleños lo harán el domingo 29. El viernes 3 de febrero será el turno de Dread Mar I, Rondamón y Mala Macumba, mientras que el sábado 4 tocarán Nonpalidece, Pure Feeling y Contravos. Los Pericos, Fidel Nadal y Riddim serán los encargados del cierre del ciclo el domingo 5 de febrero.
CIRO: “ES DE ADOLESCENTES PEDIR QUE VUELVAN LOS PIOJOS”
Hizo tres Luna Park de tres horas cada uno, con un show muy complejo desde lo visual, pero también intenso en cuanto a lo musical. Luego, durmió cuatro días seguidos y recién ahí emitió una señal de vida.
Sergio Marchi - Revista El Guardián
“Viaje al centro de la Luna” fue uno de los shows más elaborados que el rock argentino haya generado en mucho tiempo. Podría decirse que fue una “ópera rock” nacional, popular y ecologista: una historia con principio, nudo y desenlace que involucró a personajes de todo tipo: un selenita (el baterista Lulo Isod), una tripulación que entabló diálogo musical con Ciro y Los Persas, un accidente fatal, una Reina de las Cavernas (Deborah Dixon, y su mayordomo, encarnado por el pianista Chucky de Ípola), un Diablo Tanguero (Omar Mollo), una cápsula espacial, una jaula con bailarinas que subían y bajaban los peldaños de la locura, y que sobrevolaron al público. También, desde los cuatro puntos cardinales del estadio, se produjo el diálogo entre la Base Palomar y la tripulación argentina (representada por marionetas tipo Capitán Escarlata), que partió en busca de agua en el futuro lejano, ya que la única reserva del planeta que quedó disponible es la del Riachuelo. Una misión complicada, sobre todo porque hubo que trasladar ese argumento al escenario y mover a músicos, montajistas, productores, marionetistas, constructores, sonidistas, iluminadores; y Andrés Ciro Martínez no es de los que delegan funciones, se las carga al hombro y supervisa con ojo blindado. “Ensayamos varios meses antes, pero el día del primer show llegué a las dos de la tarde y el humo de la nave salía en diagonal. Entonces, le pusimos unos codos para rectificar la trayectoria del humo, pero se derritieron y hubo que colocar otros más resistentes. La prueba de sonido fue torturante porque con el Luna Park vacío había mucho rebote y todo sonaba como el orto. Nosotros conocemos el lugar, pero llegó un momento en que me dije ‘me pongo los auriculares, me olvido del mundo y que sea lo que Dios quiera’. Finalmente, pude tocar sin auriculares con los retornos y escuchando a la gente”, recuerda ahora, ya relajado después de dormir cuatro días seguidos.
La concepción del show, según Martínez, fue veloz y apareció de fuentes diversas que se mezclaron hasta que pudo darle un orden en su cabeza. “Íbamos al centro, al Luna Park, a la Luna… ¿a qué íbamos? ¿A buscar agua? A buscar agua. Una vez que tuvimos eso, me surgió la idea del infierno: imaginé niveles como para ir bajando. Yo no leí La Divina Comedia de Dante Alighieri (bah, leí un tercio), pero sí me acordé del dibujo que hizo Hernán Bermúdez para Verde paisaje del infierno, el disco de Los Piojos. Y pensando en eso arranqué con la idea”.
–Necesitabas un buen diablo para un infierno lunar.
–Sí, pero del infierno me salió una cosa tanguera, que tenía algo de diabólico. Hacía tiempo que quería escribir un tango y se me ocurrió sin pensar. Es muy extraño como a veces se concretan las cosas. Entonces, me referí al diablo en un tango, un poco desde la óptica de Giovanni Papini (autor de Il diavolo). La primera estrofa habla de eso, después me tomé más libertades cuando digo que “nunca garpé un feca a nadie, les hice juicio a mis tatuajes, mi vicio yo lo elegí”. En este tango pensé en un demonio canyengue, y apareció Omar Mollo que me dio perfecto en ese papel.
–¿Se escuchaba tango en tu casa cuando eras chico?
–No, pero yo sí escuché un poco a Gardel. Nunca fui un estudioso del tango ni nada por el estilo. Hicimos “Yira yira” con Los Piojos porque me gustó la letra, se la mostré a los pibes y salió.
–¿Cómo terminás componiendo este tango con otro diablo: Charly García?
–Justo cuando tenía escrita la letra, tocamos con Los Persas en Sunchales, en un festival que cerraba Charly. Cuando llegué al hotel mi manager me dijo que saludara a Charly, que acababa de entrar en una habitación frente a la mía. Le golpeé la puerta, charlamos un minuto, y al rato él me tocó la puerta para pedirme prestada una guitarra. Lo hice pasar y, como estábamos reunidos con los chicos de la banda, se quedó. Comenzó a tocar y a contarnos cosas de los Beatles, y en un momento saqué un celular, le mostré la letra del tango del diablo y él tiró una melodía con la guitarra. La grabamos con un iPhone y un Blackberry, y después me contacté con él, le mandé una grabación y me dio el OK para que lo registráramos. Nunca pensé en escribir un tema con Charly García, pero salió así, como parte de toda esta especie de revolución lunar. Una cosa medio irracional, medio de fiebre.
–¿Este show fue una fábula nacional, popular y ecológica?
–Me gusta más la palabra epopeya. La Luna despierta una fantasía milenaria que todos tenemos adentro. Excede nacionalismos, países y épocas. Siempre representó una lejanía, un imposible al alcance de la vista. Es mucho más accesible que Marte, Venus, el Sol, pero es una isla a la que no llega ningún barco. Y siempre está la fantasía de ser astronauta. Yo, al menos, la tuve. Literariamente te permite todo, porque con la Luna podés jugar con cualquier cosa: es un escenario vacío donde todo es posible. Eso me parecía buenísimo, para las ideas, para los personajes, para Deborah Dixon haciendo de la Reina de las Cavernas, para este demonio que vive abajo con minas. Podía poner cualquier cosa, distintas especies, razas diferentes.
–Al comienzo, llegan a la Luna vestidos de astronautas, sacan la bandera de los Estados Unidos y la reemplazan por la de Argentina.
–Ese gesto es un relato posible, pero en el momento sentí que sacaba la bandera no de un cráter en la Luna, sino de una punta de tierra argentina.
–¿Te emocionaste?
–En ese momento no me emocioné porque estaba pendiente de muchas cosas que no tenían que salir mal como, por ejemplo, que la bandera argentina se desplegara, que la yanqui volara a tiempo. Hay algo que leí en estos días: “Entre lo sublime y el ridículo hay un paso”. Salir los cinco vestidos de astronautas en una superficie lunar en un estadio tuvo algo de eso, pero también fue jugar con una situación entre dramática y humorística, para conmover.
–Cuando sacaste la bandera yanqui y pusiste la argentina, el público lo vinculó con Malvinas y cantó “el que no salta es un inglés”. ¿Fue una lectura correcta?
–Los yanquis y los ingleses racialmente son anglosajones. No veo a los ingleses sólo como potencia colonial, aunque su política exterior es imperialista. También conozco ingleses maravillosos, que nos transmiten el fútbol y el mejor rock and roll de la Tierra. Cuando voy a Europa tengo una cosa de admiración, de entendimiento porque me gusta leer historia. Sé por lo que pasaron: no veo solamente la calle asfaltada de hoy. Pero también noto el contraste con la pobreza de América Latina y me resulta incómodo. Sobre todo sabiendo que hay cierta responsabilidad de parte, no toda, del Primer Mundo en que nosotros seamos Tercer Mundo. O hay una intención permanente con la connivencia de los cipayos, como diría Jauretche, de que hubiéramos seguido siendo colonia.
–¿Qué hubiera dicho Jauretche de tu show?
–Creo que le hubiera gustado mucho. Estoy en deuda con don Arturo porque me olvidé de poner su figura en el cohete. En el próximo show va a estar junto a Perón, Evita, Olmedo, San Martín, el 10 de Maradona, (en la puerta del cohete decía “gracias a los viejos”), el escudo de Boca y el de River, también, como respeto al otro 49 por ciento de los hinchas.
–¿Sentís que este show espacial podía servirte para “despegar” definitivamente de Los Piojos?
–No lo sé y tampoco pensé en eso.
–¿Qué te produce que un montón de pibes te pida que Los Piojos se vuelvan a juntar?
–Lo veo como un canto del momento, más que como un razonamiento real. Si uno lo razona: Tavo no está más, Roger le hizo juicio a toda la banda, incluidos Tavo y Pity. Pity abandonó la banda y se ocupó de ensuciar la historia de Los Piojos cada vez que abrió la boca. Miki se fue a Córdoba y formó su banda. Entonces, pedir eso es imposible. Yo tengo mi proyecto y estoy feliz. Es una cosa de adolescentes y del fragor del momento, más que algo que pudiera concretarse alguna vez.
–¿Sentís algo especial cuando hacés un tema de Los Piojos?
–Siento un gran placer, me gustan como suenan hoy los temas de Los Piojos y me encanta agitar: soy un agitador y quiero llevar a la gente lo más arriba posible. Me encanta que eso pase: desempolvar viejos temas de Los Piojos que no se tocaban desde hacía mucho, sorprender y compartir ese placer. Fue una etapa muy grata de mi vida, que me dio el lugar que ocupo hoy. Muchas de esas canciones son mías y en otros casos hice las letras, melodías, armonías. A este repertorio lo siento como propio. No tengo nostalgia y cada vez que hago un tema lo vivo como algo del momento.
–En el show le rendiste homenaje a dos emblemas del rock nacional: Luca Prodan y Pappo. ¿Qué dejaron en vos?
–Luca y Pappo aparecen mencionados dos veces. Luca está en el “Malambo para Luca”, pero también en el final de “Quemado” donde hago una parte de “Don’t Turn Blue”. Y en “Manjar” hago “Debedé”. Luca para mí fue sorprendente, un tipo sin caretas, alguien que gritaba como yo quería escuchar. Siempre lo sentí un artista inconmensurable. Una de las cosas que me gustan de él, es que detrás de toda su locura tenía un gran cerebro. Era alguien que sabía de lo que hablaba, tenía una cultura muy amplia y no una locura divagante. Era la locura genial, creativa, que definía. Exactamente lo mismo te podría decir de Pappo: otro loco genial. Él me movió y me pegó mucho porque fue el único que entendió el blues como a mí me gustaba escucharlo. Pappo tenía el swing negro que nadie logró. Pero te olvidaste de uno que también mencioné, que es un maestro del rock and roll: Moris. Tocamos un fragmento de “El mendigo del Dock Sud”.
–Podrías haber llevado la misma cantidad de público y ganado más dinero con un show convencional. ¿Qué hizo que te metieras en todo este lío espacial?
–La búsqueda de la magia. Cuando yo vi una campana de cocina industrial, que es lo que parecía el cohete gris, sin pintar, bajando con esa suavidad, con Así hablaba Zaratustra de fondo, se me llenaron los ojos de lágrimas. Me pareció mágico. Me parece profundamente emocionante que ese cohete tenga la bandera argentina. Porque creo que es un destino posible y al que nos asomamos un par de veces en la historia. No hay tarea difícil que en algún momento no haya sido vista como imposible. Y esos imposibles, esos sueños, son los que impulsan a la gente.
ESPECIAL REGGAE: DREAD MAR-I
¿Fans del reggae con remeras de Megadeth? Cosas que sólo pasan en los shows de este rasta
Revista RS
"La gente opina desde su egoísmo: si les das la foto sos el hombre más bueno del mundo, pero si no se la das sos un careta. Y, en definitiva, yo hago música, no me saco fotos con vos." Hace un par de años, no tenía este tipo de problemas. Tras casi una década al frente de Mensajeros Reggae, se cortó solo y se convirtió en Dread Mar-I. Editó tres discos entre 2005 y 2008, escaló el under y se hizo un nombre en la comunidad de amantes del reggae. Hoy, el día de la entrevista, toca en La Trastienda sólo para despuntar el vicio de los lugares chicos, tras varios Gran Rex, dos Luna Park y un All Boys de 13 mil personas. En la puerta lo abordan sesenta, setenta pibes y pibas (casi todos menores de edad) pugnando por una foto con él. Dread Mar-I pide organización, no se la dan, agradece y entra, acelerado pero gentil, y se somete al grabador en una de las muchas catacumbas del reducto de San Telmo. Entre aquello y esto, un detalle: "Tú sin mí", el tema que tararea hasta tu mamá cuando cocina.
Viví en do, su cuarto álbum, estalló el verano pasado. Nadie sabe bien por qué, ni siquiera él. "Se juntaron esas canciones e hicieron el quilombo que hicieron. No tengo una explicación lógica de lo que pasó", dice. El hit se hizo ubicuo. Los que no entienden de palos intocables lo adoptaron y lo alojaron en su inconsciente, tan cerca de una de Los Piojos como de una de Ricardo Montaner. "Al sexto show, «Tú sin mí» era el tema más cantado. Se pudría todo cada vez que lo tocábamos, y como no tenía ningún video romántico decidí hacer ése, que terminó donde terminó." El famoso auge del reggae de la última década daba así el paso final: no sólo se escabullía del gueto rasta sino que también se le escapaba al rockero que lo escuchaba para bajar un par de cambios al son de una cadencia dulce, y aterrizaba en los boliches, los celulares y los autos tuning del conurbano.
Poco tardó la escena rockera en reaccionar al amor y la masividad que proyectaba Dreadma: la movida fue expulsarlo del paraíso y declararlo cumbiero, gracias a la propaladora tropical de Daniel Cardozo, La Liga, Jean Carlos, el Grupo Play y tantos otros versionadores seriales que tomaron su "Tú sin mí" y le pusieron ritmo tropical. "Yo los dejé que hablaran. Los artistas de cumbia escuchan mucha música romántica. Entonces empezaron a hacer mis canciones, porque son melódicas si les sacás la base de reggae, como si las hacés en forma de bolero, son boleros. Me decían: «Hacés una cumbia más lenta». Y no, porque si sabés de reggae no podés decir que hago cumbia. ¿Vos escuchás reggae desde los 10 años? No. ¿Escuchaste los discos de reggae que escuché yo? No. Entonces no hables de lo que no sabés", dice, usando la segunda persona del singular, mientras levanta temperatura.
Dentro del alud de la fama violenta, Mariano Castro tuvo logros que le sirvieron de brújula. Uno importante: poder mantener la autogestión que le permitió quemar etapas al ritmo que le dictaba su conciencia. "Ofertas siempre hay, que monetariamente son interesantes. Pero quedar preso con alguien. yo trato de ir paso a paso, no me apura nadie ni estoy con ninguna empresa que me hinche las pelotas." Otro: la comunión de tribus en el mar de cabezas abiertas que conforma su público. "Rompimos todos los prejuicios. Hay gente que viene con remera de Megadeth y me dice: «Me gusta lo que hacés». Y es algo que siempre soñé: que los prejuicios de la música dejen de existir. La música es para todos, y lo que me pasó es que lo que hago se metió en la familia entera. En All Boys había niños jugando en la lona que se pone arriba del césped, se hacían los que cantaban como yo. A mí esas cosas me encantan."
ANTHRAX Y MALÓN, JUNTOS EN BUENOS AIRES
La legendaria banda de heavy argento tocará antes de los grandes del thrash liderados por Belladonna; la cita es el 13 de febrero en el Estadio Malvinas Argentinas
Volvió Malón. Vuelve Anthrax. Vuelven Malón y Anthrax. Después de 14 años, la legendaria banda de heavy local volvió a tocar frente a un público deshidratado por la espera; para los que no tuvieron la oportunidad de ver a Claudio O´Connor y al Tano Romano, el Cosquín Rock 2012 constituye una posibilidad: Malón cerrará la segunda fecha del festival serrano sobre el mismo escenario en el que, minutos antes, también tocará Anthrax. Porque la banda nuevamente comandada por Joey Belladona regresa una vez más pero no sólo para tocar en Córdoba: el 13 de febrero ambas formaciones se presentarán juntas en el Estadio Malvinas Argentinas.
Los representantes de ese monstruo de cuatro cabezas bautizado como los Big Four del Thrash Metal, tocarán tierras argentas con el fin de difundir su último trabajo discográfico, Worship Music, el primero con Belladonna en voces desde Persistence of Time de 1990. La llegada de los neoyorkinos se suma a la ola de vistas metaleras que definirán 2012 (vendrán Opeth, Lamb of God y más). Malón, por su parte, rememorará aquellos temas históricos como "Espíritu combativo".
Las entradas para asistir a esta cumbre del metal se pueden conseguir a través de Ticketek, llamando al 5237-7200, y en sus puntos de venta. Los precios oscilan entre los 150 y 300 pesos.
ESPECIAL REGGAE: GUILLERMO BONETTO
El cantante que juntó Toots con Queen, repasa la historia de Los Cafres, a 25 años de sus inicios.
Revista RS
El día de la virgen de 1967, los Rolling Stones editaron Their Satanic Majesties Request, una emblemática oda a la psicodelia con tapa tridimensional que, aparte de invocar al tándem Lennon- McCartney, les otorgó el apodo de "Sus Majestades Satánicas" e incluyó la primera polca paraguaya en la historia del rock: "Pájaro campana". A cuarenta y cuatro años y un día de la publicación de semejante laboratorio pop, Guillermo Bonetto, el mandamás de Los Cafres, pide disculpas, con indignación, por el reggaetón de alto voltaje que sacude la casa de al lado. Intenta asomarse al alambrado vecino para pedir que lo bajen, pero finalmente desiste. Más allá del dembow que llena el aire del barrio, es una tarde preciosa que el cantante ha elegido pasar a la orilla de su pileta. En un recorrido por su hogar, camino al estudio que tiene montado en la casa, hay que sortear a sus tres hijos practicando boxeo (los dos mayores aparecen en el final del video de "Tus ojos", cuando apenas eran unos nenes), a su actual pareja, que al paso ofrece refrigerio, y a una manada de perros mimosos.
Benavídez es uno de los últimos bastiones del lejano norte del conurbano bonaerense. Aquí todavía no llegó el auge inmobiliario, y las casitas rurales de la zona se confunden con countries a medio hacer que se levantan sin apuro. En esta localidad del partido de Tigre, a la que llegó tras pasar una temporada en Don Torcuato y otra en Pacheco, lo que sobra es tiempo. "Me gusta el verde, los árboles, los pajaritos y que no haya tantos autos", cuenta. "Venía huyendo de vecinos como éstos."
El vocalista del grupo que patentó la identidad sonora del reggae cantado en español abrazó el folclore jamaiquino gracias a un casete que le prestó, a mediados de los años 80, Félix Gutiérrez, bajista de Todos Tus Muertos, cuando ambos eran estudiantes de dibujo en la Panamericana de Arte de San Telmo. De un lado, el casete tenía grabado Matumbi; del otro, Culture. "Eso me despertó", dice. Poco tiempo después, pasó del punk al reggae, fue percusionista de Los Pericos, y le hizo dreadlocks a su pelo, que hasta entonces era largo y lacio.
Este año, Los Cafres cumplen 25 años, y a Bonetto se lo ve en un estado físico envidiable: podría pensarse que es su temperamento lo que lo mantiene en forma, con un humor amable y a la vez agudo. ¿O acaso existe otra manera de sostener un grupo de tamaña envergadura durante tanto tiempo? El mes pasado, volvió a encontrarse con Félix en México, en medio de una gira con la que Los Cafres presentaron en el DF su último disco, El paso gigante, frente a ocho mil personas. El tour también pasó por Estados Unidos, y, durante este verano, mientras se preparan para la presentación oficial en Argentina (el 30 de marzo en el Luna Park), adelantarán algunas canciones en distintas playas de la Costa Atlántica. "El paso gigante está mucho más cerca de lo que queríamos en otros discos, porque cada canción la trabajamos como si fuera un universo único", dice Bonetto. "Siento que éste va a ser un álbum bisagra en nuestra trayectoria."
NONPALIDECE
Verdaderamente es un honor estar por segundo año en ese lugar
por CosquinRock
NONPALIDECE, una de las formaciones más importantes de la manufactura reggae de producción nacional, será la encargada de cerrar el escenario temático Pepsi Reggae el día domingo 12 de febrero.
Durante el 2011 festejaron sus 15 años de carrera, recorrieron gran parte del continente americano y editaron un segundo DVD con músicos invitados, esta vez para homenajear al eterno Bob Marley a 30 años de su muerte.
De cara a la presentación de la banda de Tigre en COSQUIN ROCK nos co
municamos con su líder, Néstor Ramljak, quien nos contó qué se traen entre manos para el festival, cómo es el contacto con su público y hasta le pedimos que nos haga un repaso de lo que ellos consideraban los grandes logros de la banda.
Ser uno de los mayores exponentes y en parte responsables del buen (o mejor dicho ¡excelente!) momento en la escena reggae del país ya es un logro suficiente. Sin embargo en la carrera de una banda de la trayectoria de NONPALIDECE suelen darse muchas cosas más aún, todas forjadas por el trabajo, el destino, bastante obstinación y (por qué no) algo de suerte. Quizás, con quince primaveras a cuestas, algunos de esos frutos puedan diluirse con la inercia de estos tiempos, mientras que otros de seguro se viven como grandes recuerdos que permanecerán intactos para siempre. Le preguntamos cuáles fueron los grandes objetivos cumplidos por la banda y el cantante nos conte
stó: “No miro a la banda en retrospectiva, pero si recuerdo algunas cositas que podrían funcionar perfectamente como respuesta… Haber salido del país en varias oportunidades y recorrer el cordón centroamericano, México y Sudamérica, incluyendo el gran país del norte, con presentaciones en Nueva York y Miami, fue sin dudas un logro importante. Haber grabado un disco bajo la tutela de Kenyatta Hill (Culture), con el cual nos presentamos en la última edición del festival, fue también un logro importante.
- ¿Y qué objetivos aún les gustaría conquistar?
- Y objetivos que tenemos por cumplir… te diría, cruzar el océano y poder ir a tocar al viejo continente. Grabar un mejor disco. Tener mas acciones populares y solidarias. Filmar un pequeño corto que tenemos en mente… en fin, muchos objetivos…
- Están presentando el DVD “Living M
emory” ¿Cómo eligieron a los invitados que participaron del show y las canciones en las que colaboraron cada uno?
- La selección de los invitados para el “Living Memory”, así como también el repertorio se fue decantando a partir de la premisa de contactarnos con artistas que no fueran del género pero que estuvieran ligadas a la figura de Bob Marley como músico, letrista etcétera. Es decir, encontrar colegas que aceptaran la influencia de él como artista. A partir de esto las canciones aparecían como nexos entre esos artistas y la figura de Bob.
- ¿Habrá algo de este intercambio sobre las tablas de Cosquin Rock?
- Mira, no es algo en lo que estemos trabajando. Sé que el Negro García López se presenta con su proyecto un día antes, y la verdad es que tengo muchas gana
s de invitarlo. De hecho ahora que lo pienso, seria una excelente idea. ¡Gracias por la sugerencia!
- ¿Cómo preparan la lista de temas para el festival?
- La lista de temas que estamos trabajando para el festi tiene que ver con eso, con el festival, y nosotros somos los encargados de cerrar un escenario temático cargado de artistas y bandas con mucha trayectoria y prestigio. Verdaderamente es un honor estar por segundo año en ese lugar, agradecidos y trabajando mucho sobre lo que va a ser la puesta en escena.
- En el canal de youtube de NONPALIDECE han dejado registradas tus respuestas a un extenso cuestionario de la gente, ¿cómo surge la idea de hacer esto?
- La idea de contestar las preguntas q
ue los seguidores de la banda colgaron en nuestro facebook viene de ser nosotros los motores mismos de la difusión y de la conexión con nuestro publico, esta acción en particular, en tiempos de redes sociales, nos permitía sin intermediarios, acercarnos a saber que es lo que la gente tiene ganas de preguntar. Estuvo bien.
- El año pasado han girado prácticamente por toda América, ¿cómo sienten que el público extranjero recibe el reggae de NONPALIDECE?
- El publico de fuera del país nos recibe muy bien, muy expectante, no llegamos en realidad a todos estos países como ” artistas internacionales”, el idioma, que nos conecta directa y espontáneamente con la gente hace un trabajo interesante a la hora de viajar por Latinoamérica…lo que nos convierte en una banda que habla tu misma lengua y donde encuentran en las letras muchas coincidencias con sus realidades, eso, borra fronteras.
-¿Piensan que el reggae argentino maduro
lo suficiente como para tener una identidad propia?
-Totalmente, y otras muchas bandas están en ese camino, el de encontrar un punto de madurez artística que lleve a este hermosos género más alto… más y más… como el humo que sube.
- Se comenzó a hablar de un nuevo disco para este 2012 ¿Hay algún avance con respecto a esto?
- Si. Haberme comprado una libreta de bolsillo en el kiosco de frente de mi casa para empezar a escribir disparadores espontáneos de lo que serán seguro las letras del próximo disco es considerado un avance, quiere decir que si, hay alguna novedad.
SALIÓ NUEVO VIDEO DE BERSUIT
La banda argentina lanzó este martes "Cambiar el Alma", primer tema del disco "La Revuelta" que saldrá a la venta a fines de febrero.
La banda Bersuit Vergarabat lanzó este martes “Cambiar el Alma”, primer single de su nuevo disco, “La Revuelta”, que saldrá a la venta a fines de febrero. El trabajo tiene como mensaje que en la vida se pueden modificar muchas cosas, pero nunca se puede dejar de ser lo que uno es.
Con la dirección de Juan Chappa y Martín Deus, el videoclip fue filmado en un country de Beccar, en un hotel del Microcentro, y en los barrios de Saavedra y Palermo.
El video cuenta la historia de personas comunes y corrientes cuyas
vidas oscilan entre una reputación pública, moderada y decente; y otra íntima, totalmente opuesta, en la que explotan sin inhibiciones sus deseos y fantasías. Porque por más respetable que uno quiera mostrarse, el alma no se puede cambiar.
Además, “Cambiar el Alma” es una fiel representación de que Bersuit no murió, sino que estuvo "congelado" durante dos años. Para expresar esto en el clip se utilizaron efectos especiales visuales y de maquillaje para recrear una cámara criogénica en la que lo
s músicos se fueran descongelando.
“La Revuelta” fue grabado en los estudios Mondomix (Bs.As.) y producido por Cachorro López.
HACE CLIC EN EL LINK Y MIRA EL VIDEO
http://www.youtube.com/embed/KzFdIFFUA-c
UN DISCO DE CUERPO ACÚSTICO
PERO CON ESPÍRITU DIGITAL
Por Mónica López Ocón y Carlos Salatino – Diario Tiempo Argentino
Un trío de grandes músicos de reconocida trayectoria reunidos para darle vida a este álbum debut, que encuentra en la mixtura de géneros y de estilos su principal argumento estético y creativo.
César Franov (bajo, piano y set electrónico), Pomo Lorenzo (batería) y Pablo Suárez (bajo y programaciones), músicos de reconocida trayectoria tanto en nuestro medio como en el exterior, se unieron en un proyecto musical de características inusuales. NDA Asteroid Dirty Noise es un trabajo en el que confluyen estilos como el groove, jazz, funk, dub, lounge y la música electrónica, pero tratados de una manera singular.
La interacción de instrumentos acústicos con procesos digitales consigue en este disco un resultado de características llamativas. Está integrado por trece temas
instrumentales compuestos por el trío que recorren espacios experimentales de sofisticación sonora y que son enriquecidos por la reconocida calidad de los músicos. Pomo (Los abuelos de la nada, Pappo's Blues, Invisible y Fito Páez), César Franov (Litto Nebbia, Spinetta Jade, Fito
Páez y Dino Saluzzi) y Pablo Suárez (Fabiana Cantilo, Roque Narvaja y Jue Mandinga, entre otros) aportan su experiencia y solidez y concretan una obra de alto vuelo.
El álbum parte de la idea de un trabajo de composición conjunta, en el que los diálogos entre los instrumentos son, a su vez, manipulados y editados por procesos digitales en tiempo real. De esta forma, cada canción cobra nueva vida toda vez que es interpretada en vivo.
“Journey”, de clima envolvente, el funk de “Groove It”, los climas de fusión de “Earth”, “Hindú”, y “Dirty” o el tono más pesado de “Daft Rock” permiten apreciar las variantes d
el álbum. Tal vez en la primera audición s
e tenga la sensación de estar frente a un disco con excesiva producción electrónica, pero mientras más se lo escucha, se percibe el delicado equilibrio entre los aportes “humanos” y los digitales. De esto último dan cuenta las intervenciones solistas de los bajos de Franov y Suárez y el reconocible y preciso toque de Pomo al frente de su batería.
Con Alejandro Franov, Guillermo De Medio y Javier Viñas como invitados, NDA Asteroid Dirty Noise es una fotografía sonora que refleja las inquietudes de
experimentación −valga la redundancia− de tres músicos argentinos experimentados.
