INDIO SOLARI: COMIENZA LA VENTA DE ENTRADAS
El próximo lunes 30 de agosto comenzará la venta de entradas para el show de Indio Solari, el 13 de noviembre en el Hipódromo de Tandil.
En un comunicado firmado por el manager, la producción informa que, por la capacidad del Hipódromo, no se agotarán las entradas y por lo tanto, no tiene sentido recurrir a la reventa. La entrada tendrá un valor de $120 y la mejor manera de asegurarse la originalidad es adquiriéndolas en los puntos de venta oficiales o en la puerta el día del show.
La entrada estará compuesta por un sticker y un ticket electrónico, que será controlado con lectores ópticos en el ingreso.
Vale recordar que éste será el único show que dará Solari en el año.
ATTAQUE 77 EN LA CLANDESTINA: UNA VERDADERA FIESTA
Por Juan Ignacio Viñuela para blorock.com.ar
Los organizadores de la Fiesta Clandestina dejaron en evidencia nuevamente que, pese a los obstáculos, es posible organizar recitales en lugares cómodos y de fácil acceso, con un sonido impecable, un precio de entrada accesible y donde se respetó la verdadera capacidad del local para que los espectadores puedan disfrutar del espectáculo.
La fiesta tuvo lugar en Groove, ubicado en Plaza Italia, Capital Federal. Pasada la media noche subió al escenario Pelea de Gallos, banda que integra Damián “Chino” Biscotti, baterista de Cadena Perpetua, y Juan Novoa, ex Romanticistas y Expulsados entre otros. En su breve set, el grupo que acaba de editar Fauna Nocturna- su disco debut- logró atraer la atención de los presentes que aplaudieron respetuosamente cada una de las canciones. La noche seguiría con la aparición de unos payasos que se dedicaron a hacer malabares entre el público, lo que sirvió de distracción para superar con rapidez el tiempo- que suele volverse eterno- en el que los plomos organizan el escenario para la banda principal de la noche.
Attaque 77 abrió el telón pasadas las dos de la mañana con Ángeles caídos, al que le siguieron temas de toda su discografía, incluyendo los clásicos Francotirador, Chicos y perros, Espadas y serpientes, Beatle, El cielo puede esperar y Donde las águilas se atreven.
Más allá de las diversas opiniones en cuanto al alejamiento de Ciro Pertusi- que en su mayoría giran alrededor de si Attaque 77 debería o no haber continuado bajo el mismo nombre-, la realidad demuestra que, pese a las distintas apreciaciones, la banda suena más ajustada que nunca. La sociedad entre Leonardo De Cecco y Luciano Scaglione-bateristas y bajista del grupo respectivamente- construye una pared irrompible, base que adquiere melodía con los punteos del guitarrista y, ahora cantante, Mariano Martínez y los arreglos del teclado a cargo de Lucas Ninci. Se evidencia en el vivo, además, el trabajo previo que realizaron antes de presentar su nueva formación, que consistió en versionar los temas clásicos, aceitar las voces y los coros y trabajar sobre la soltura -sobretodo de Luciano y Leo-, que finalmente perdieron la timidez e interactúan permanentemente con el público. Sobre el final, como habían anunciado durante el show, el baterista, entre las carcajadas del público y sus mismos compañeros, se le animó al micrófono y le puso voz a 15 segundos para cerrar la noche a toda velocidad.
LO NUEVO DE CARAJO
“El mar de las almas”,
Autor: Alejandro Nuñez para rockblog.com.ar
Carajo, el power trío insignia del Nü Metal en Argentina acaba de concretar todo lo que tiene que ver con su quinto trabajo discográfico. La flamante y esperada nueva placa se llama: “El mar de las almas”, y por lo que se ha ido adelantando, se trata de un álbum totalmente ¡aplastante!
El disco en cuestión, tiene fecha de salida el 23 de septiembre próximo, y vendrá acompañado por una gira de presentación que tendrá a Andrés “Andy” Vilanova, Hernán “Tery” Langer y Marcelo “Corvata” Corvalán, recorriendo gran parte de nuestro país, y con posibilidades de una primera gira Europea, a principios del año que viene.
El tour comenzará con shows el 7/10 en San Luis (capital), el 8/10 en Río Cuarto (Córdoba), 9/10 en Córdoba (capital), 22/10 en Paraná (Entre Ríos) y el 23/10 en Rosario (Santa Fe).
Pero la presentación oficial será durante los cuatro sábados de Septiembre (6, 13, 20 y 27) en El Teatro de Flores (Av. Rivadavia 7800, Capital Federal), para los cuales ya se pueden conseguir las entradas anticipadas por Ticketek, con un valor único de $45 cada una. Pero existe la posibilidad de adquirir un abono, por el cual llevando cuatro entradas, solo se pagan tres ($135). Y a partir del 26 de Agosto, las mismas se podrán comprar en los lugares de siempre.
Entre lo que ya se ha podido saber, “El Mar De Las Almas” arranca con una Intro un poco experimental, llena de sonidos y lisergia. “Ácido” sería el primer corte de difusión, haciendo pie entre temas como “El error” y “Joder” (de sus dos trabajos de estudio anteriores); casi cuatro minutos sumamente cargados de furia y lágrimas, donde la desgarradora voz de Corvalán se despacha a puros gritos melódicos. Otro de los puntos altos conocidos hasta el momento es “Luna Herida”, una canción muy rebuscada y llena de arreglos, donde la letra no deja de cuestionar toda la oscuridad en la que nos envuelve el mundo, pero con un claro mensaje esperanzador, centrado en el amor. “Fantasmas” fue lo último que se pudo escuchar. Empieza a pura marcha de un bajo que lleva el andar como si fuera el sonido ambiente de una película de suspenso, que a cada segundo va subiendo enajenadamente, hasta llegar a un estribillo que enfrenta al dolor y la ilusión, con un desenlace sufrido.
También se sabe que habrá muchos invitados en diferentes temas, como lo es el “Knario” Compiano (cantante de Plan 4), un viejo amigo de la banda.
Por lo pronto, habrá que esperar hasta el 23 de Septiembre para tener el disco en nuestras manos, y llegar al 6 de Noviembre a Flores, donde seguramente miles y miles de almas, harán del universo Carajo, un mar de delirio.
PEPSI MUSIC 2010: MÁS CONFIRMADOS
Yo
El Pepsi Music 2010, que celebrará su sexta edición durante el mes de octubre en Costanera Sur, ya encendió los motores. A Andrés Calamaro, No Te Va Gustar, Rage Against The Machine y Queens of the Stone Age se suman al line up junto a Green Day Yo
El lugar elegido para el show es el predio de Costanera Sur, ubicado en la ex Ciudad Deportiva de
Las fechas confirmadas son las siguientes
Rage Against The Machine y Queens of Stone Age: 13 de octubre
Green Day: 22 de octubre
Andrés Calamaro y No Te Va a Gustar: 23 de octubre
Día Reggae: a confirmar fecha
Entradas y abonos en venta por www.tuentrada.com, telefónicamente al (011) 5533 - 5533 de
PRECIOS (por show)
Andrés Calamaro: campo $100, campo VIP $200
Rage Against The Machine: campo $200, campo VIP $330
Green Day: campo $200, campo VIP Agotado
Estacionamiento: $40
ABONOS 2 DÍAS
Abono 1 (RATM + Green Day): $300
Abono 2 (RATM o Green Day + Andrés Calamaro): $250
ABONO 4 DÍAS: $400
LAS PELOTAS
Llega por primera vez al LUNA PARK
Con mas de 20 años de trayectoria y convertidos en uno de los referentes del rock argentino, la banda liderada por Germán Daffunchio, llega por primera vez al emblemático Luna Park.
LAS PELOTAS darán un show único, el Domingo 12 de Septiembre a las 21:00 hs donde estarán presentando oficialmente su último disco DESPIERTA y todos sus grandes temas
Las entradas ya se encuentran a la venta y pueden adquirirse (sin costo por servicio) en las boleterías del Estadio Luna Park (Bouchard y Corrintes) de lunes a viernes de
Además podés conseguirlas por sistema TICKETPORTAL, llamando al (011) 5353.0606, por Internet en www.ticketportal.com.ar y en sus puntos de venta
Con más de 20 años de carrera y 10 discos editados LAS PELOTAS presenta DESPIERTA, su nuevo y esperado disco de estudio, compuesto por 10 temas totalmente nuevos que reflejan, con el sonido y fuerza característico de LAS PELOTAS, esta nueva etapa de la banda.
“DESPIERTA es el resultado de la búsqueda del grupo, apunta al corazón, habla del despertar del alma. Es un disco vivo y espontáneo que apunta a la esencia. Fue un trabajo grupal, utilizando la emoción, elemento que resultó fundamental para llevarlo adelante" (Germán Daffunchio)
CABEZONES
Regresa al mercado discográfico con Germinal, un disco separado en tres etapas. La primera llamada “Espera” está compuesta por 8 canciones acústicas, versiones de temas que pertenecen a la historia de la banda más una canción inédita que abre el Cd, con el antecedente del disco acústico intraural, esta primera pate de germinal busca lograr una mirada diferente a clásicos del grupo. 
El corte del disco es “Entero o a Pedazos”, la clásica canción de Catupecu Machu, la versión de cabezones cuenta con la participación de la cantante mendocina Tuti Petrich que le agrego un color diferente y una emoción distinta. El video fue filmado en la presentación que la banda hizo en su tierra natal en una noche emocionante y que sirvió de lanzamiento del disco. Fue dirigido por Emiliano Rico y ya se puede ver en los canales de música. Espera estuvo producido por Ariel Perini y César Andino, grabado en estudios López, y masterizado en Fader records por Carlos Beguiere en Mendoza .Buscando la intimidad de las canciones y logrando el objetivo que había comenzado con Intraural, el de abrir alternativas en las canciones generando climas y momentos diferentes a los que se logran con la banda eléctrica. La gira acústica que comenzó este año adelantando el disco fue importante para la decisión de la banda de generar otro disco acústico, que acompañe la recorrida de CABEZONES por diferentes escenarios. Editado por Pop Art- Sony, “Germinal Espera” es la primera parte de esta entrega de una banda que navega por emociones encontradas todo el tiempo. Cada vez más intrínseca y autorreferencial. Difícil de comprender y siempre eligiendo el camino más largo, por propia decisión. Lista de canciones. 1- Surge 2- Bienvenidos 3- Inmovil 4- Mi reina 5- A tus pies 6- Pasajero en extinción 7- Sueles dejarme solo 8- Entero o a pedazos
DREAD MAR-I
El ascendente Dread Mar-I llega al Luna Park el próximo jueves 2 de septiembre, en el marco del festival "Urban Music Fest". De esta manera, la sensación del reggae roots y lover sigue presentando su disco “Vivi-en-do”, tras haber hecho tres funciones en el Gran Rex.
Actualmente, Dread Mar-I se encuentra estrenando el segundo corte difusión de “Vivi-en-do”, “Tu sin mi”, que desde esta semana se podrá ver en los canales de música del país.
El video, filmado en la productora Mundo Zero y dirigido por Mateo Rojas, narra una historia de amor protagonizada por Mariano Castro, alias Dread Mar-I.
GENERACIÓN ZOMBIE
La agrupación punk Generación Zombie lanzó su placa debut
Formada por dos integrantes de Los Violadores y Expulsados, la banda Generación Zombie acaba de editar su primer disco, un trabajo homónimo con el que busca su lugar en el medio.
Con un sonido netamente punk, el cuarteto apuesta a renovar el ambiente del género con desfachatez y potencia, pero de la mano de músicos que tienen experiencia en la escena.
La agrupación nació tímidamente en 2007 por iniciativa del bajista El Niño, quien tocaba en Los Violadores, y Ariel, integrante de Expulsados. A ellos se sumó Emilio, un amigo en común y guitarrista.
Cuando afianzaron su estilo y comenzaron a buscar otros horizontes, se les unió Fernando Minimal en batería. Los cuatro comenzaron presentarse en diferentes escenarios de la capital y el conurbano con buena repercusión y ahora presentan su primer material discográfico.
El álbum salió a la venta hace pocos días bajo el sello Pinhead Records y está integrado por 13 potentes temas, entre los que se destacan "Yo y mi imaginación", "Los dueños del error", "Un día más" y "En otro lugar".
GUSTAVO CORDERA
ES MOTIVO DE UN ESPECIAL DE MTV
El canal MTV Latinoamérica pondrá al aire hoy a las 23 un nuevo episodio de "MTV In Studio, de Coca-Cola Interactive Music"; en esta oportunidad se presentará el ex líder de Bersuit Vergarabat Gustavo Cordera.
El reconocido cantautor tocó cinco temas en vivo para las cámaras de la señal de música. Algunos de ellos fueron "Aprendí a esquivar", "Me la juego a morir" y "
Tras algo más de un año de su primer disco en solitario "Suelto", el músico lanzó "Gustavo Cordera en la caravana mágica", un puñado de canciones en las que fusiona cumbia, rock, tecno pop y milonga.
El disco, que ya se encuentra disponible en las disquerías del país, fue compuesto en su totalidad por Cordera y co-producido por Matías Méndez "Chávez" (ex Árbol y productor de bandas emergentes) y Juan Ignacio Serrano (cantante y guitarrista del oeste bonaerense más conocido como "Juanito el Cantor").
MTV In Studio es programa único de presentaciones en vivo en un estudio de grabación. En cada nuevo episodio, seis fanáticos serán los testigos privilegiados de estos shows íntimos.
JIMI HENDRIX
A 40 años de muerte de Hendrix, su apartamento en Londres abre sus puertas
El apartamento de Londres en el que vivió Jimi Hendrix abrirá sus puertas al público en septiembre, a 40 años de la muerte del legendario guitarrista de rock cuya influencia en la música sigue viva, al igual que su espíritu.
Hendrix, cuyos éxitos incluyen "Purple Haze" y "Hey Joe", tenía 27 años y era ya una estrella mundial cuando murió ahogado por su propio vómito en un hotel el 18 de septiembre de 1970, después de ingerir un cóctel mortal de somníferos y vino tinto.
Había alcanzado la fama poco antes tras mudarse de Estados Unidos a Londres, donde en 1968 se instaló en un apartamento en el número 23 de la calle Brook, en el elegante barrio de Mayfair, con su novia, Kathy Etchingham.
Este es el piso que abrirá excepcionalmente sus puertas durante 12 días en septiembre coincidiendo con el aniversario de su muerte. Pertenece a
Se dice que al enterarse, Hendrix se precipitó a la tienda de discos más cercana para hacerse con una copia de "El Mesías".
El museo alberga también a partir de esta semana una exposición sobre Hendrix en la que se pueden ver desde una de sus guitarras hasta un curioso autorretrato, pasando por una colorida chaqueta de terciopelo estampada y un sombrero que utilizó en sus conciertos.
Kathy Etchingham dice que los 18 meses entre concierto y concierto que Hendrix pasó en ese piso -entonces decorado en el más puro estilo de los años 60 y plagado de guitarras, pero hoy una simple oficina- fueron la primera vez que sintió que tenía su propia casa.
"Estábamos encantados de tener nuestro pequeño espacio propio donde Jimi podía bajarse de la montaña rusa de la fama y la fortuna y esconderse", escribió en su autobiografía.
"Podíamos ser como cualquier otra pareja joven, ver Coronation Street (una de las series de televisión más populares del Reino Unido) y beber té con leche en lugar de whisky con cola", agregó.
Estrellas de la música como John Lennon venían a verle y Hendrix creía incluso recibir visitas del fantasma de Haendel, según Martin Wyatt, el subdirector del museo y comisario de la exposición.
"Estaba afeitándose una mañana y bajó corriendo las escaleras para decirle a Kathy: 'Acabo de ver a este viejo con una peluca paseándose'", explicó Wyatt a
Su estilo de vida londinense respalda la descripción de Hendrix como un hombre tranquilo, a pesar del personaje que interpretaba en el escenario cuando incendiaba guitarras y tocaba solos distorsionados, incluso con los dientes.
Era "muy tranquilo, muy agradable y amigo de las diversiones", dijo Roger Mayer, autor de efectos para canciones como "Purple Haze".
"Su estilo de vida no era para nada tan salvaje como la gente imagina", explicó el ingeniero acústico a
"Obviamente Jimi, cuando actuaba, no podía estar drogado o fuera de sí porque no se puede tocar tan bien en ese estado", señaló Mayer.
Pero es la leyenda del Hendrix exuberante la que perdura.
Charles Shaar Murray, autor de "Crosstown Traffic", un libro sobre Hendrix y su legado musical, dice que fue su extraordinaria imaginación lo que lo hizo tan inconfundible.
"No es porque fuera el más rápido o el más ruidoso, es por lo que uno oía salir de su guitarra", dijo a
"Es probablemente el guitarrista eléctrico más expresivo del último medio siglo, el que mejor dominaba los matices sónicos y emocionales, así como la imaginación más desbordante", dijo.
Crispin Weir de Regent Sounds, una de las numerosas tiendas de Denmark Street, una calle londinense que destaca por su relación con la música y en la que grabó Jimi Hendrix, lo explica simplemente.
"Es sin ninguna duda el primero de mi lista", dice. "No creo que nadie se le haya acercado desde entonces y no creo que nadie lo haga nunca", sostiene.
Debido a la gran demanda, los uruguayos agregaron 2 nuevas funciones en Buenos Aires.
Con entradas agotadas el sábado 17 de julio comenzó la gira Normalmente Anormal en el Estadio Cubierto Malvinas Argentinas. Un show contundente de más de 2 horas, que abrió con la proyección del documental del DVD. Con la capacidad del lugar colmada, el público festejó junto a la banda su regreso al suelo porteño.
“Normalmente Anormal”, es el primer DVD de
El DVD, cuya realización estuvo a cargo de Agustín Ferrando, es una compilación de imágenes correspondientes a 14 años de historia de la banda.
El CD "Directo", compuesto por 16 canciones, fue grabado durante los conciertos en el Estadio de Ferrocarril Oeste en Buenos Aires (setiembre de 2007) y en el Teatro de Verano de Montevideo (abril de 2008).
El CD "Extra" contiene temas que habían quedado afuera de los discos editados. Incluye, entre otros, “Respira” y fue grabado en vivo con la sola presencia de los camarógrafos.
La gira de
Los uruguayos tienen listo su sexto disco de estudio
No Te Va Gustar ya tiene preparado su sexto disco de estudio, titulado “Por lo menos hoy”, que será editado en octubre de este año simultáneamente en Argentina, Uruguay, Brasil, Colombia, Venezuela, Perú, España, México, Chile y Estados Unidos.
Este nuevo álbum cuenta con la producción artística de Juanchi Baleirón, quien entendió a la perfección el funcionamiento de la banda agregando nuevos matices a la musicalidad del grupo, liberándolo de cualquier etiqueta o categorización.
Son doce canciones que reflejan el sonido autóctono y cosmopolita de No Te Va Gustar, ya que fueron compuestas en diferentes lugares (Montevideo, Piriapolis y algunas ciudades de Alemania), en momentos de gira y constantes viajes.
Grabado durante los primeros días de junio en los estudios “Elefante Blanco” de Montevideo, esta producción cuenta también con la participación de algunos invitados como Luciano Supervielle en scratch, Fabián Krut (Cursi) y Juanchi Baleiron en voces, Chango Spasiuk en acordeón y un coro gospel grabado en Atlanta, Georgia, para la canción que cierra el álbum.
Con letras sentidas e inteligentes, la temática de “Por lo menos hoy” es diversa: “Trata desde el amor a la discriminación, y del desamor a la violencia doméstica, por citar algunos ejemplos” explica su cantante y compositor de la mayoría de los temas, Emiliano Brancciari.
“Esperamos que nuestro público disfrute de este disco como nosotros lo hicimos durante el proceso de composición, ensayo, preproducción y grabación. Ya estamos ansiosos por tocar estas canciones en vivo, pero primero escúchenlas, ojalá les gusten. Como siempre, muchas gracias.”, declara la banda que se completa con Gonzalo Castex en percusión, Martín Gil en trompeta, Denis Ramos en trombón, Mauricio Ortiz en saxo tenor, Marcel Curuchet en teclados, Diego Bartaburu en batería, Guzmán Silveira en bajo y Pablo Coniberti en guitarra.
Mientras el grupo continúa de gira, y para que no se haga tan larga la espera hasta octubre, “Cero a
los temas que compondrán el disco para que lo vayas palpitando:
1. “Angel con campera”
2. “Cero a la izquierda”
3. “Chau”
4. “Con el viento”
5. “Arde”
6. “Los indiferentes”
7. “Volar”
8. “Tu defecto es el mío”
9. “Memorias del olvido”
10. “Con la misma vara”
11. “Nunca mas a mi lado”
12. “El equilibrista”
LOS FABULOSOS CADILLACS Y VICENTICO LANZAN DISCOS
Por lo que en noviembre aterrizará en las disquerías "Vos sabés… cómo te esperaba, Volumen 2", la secuela del primer lanzamiento que salió al mercado la temporada pasada.
A diferencia de aquel volumen inicial, en esta obra prevalecerán los artistas foráneos por sobre los argentinos. Carlinhos Brown (Brasil), Los Tres (Chile), Panteón Rococó (México), Gondwana (Chile) y Mimi Maura (Puerto Rico) son algunas de las estrellas que se acoplarán a un elenco local de lujo.
Artistas de lujo
Entre los nombres que pondrán su firma en este homenaje bis a los integrantes actuales de la banda, Vicentico, Flavio Cianciarulo, Sergio Rotman, Mario Siperman, Fernando Ricciardi y Daniel Lozano, figuran Catupecu Machu, Estelares, Riddim y Pablo Lezcano. Mientras se espera la confirmación de otras figuras como Fidel Nadal y Dancing Mood. Al igual que la primera placa, la edición correrá por cuenta de PopArt Discos.
Vicentico
Por su parte, el líder de Los Fabulosos Cadillacs regresa en septiembre con su cuarto álbum solista, cuyo primer corte es "Sólo un momento".
En algunos meses, y después de una extensa gira con Los Fabulosos Cadillacs, Vicentico le dio forma definitiva al cuarto disco que llevará su firma y que saldrá a la venta el próximo 28 de septiembre.
Con Los Fabulosos Cadillacs, el músico tocó ante más de 110 mil personas en el estadio River Plate, en Argentina y realizó más de 50 shows a nivel internacional.
VIEJAS LOCAS EN ARGENTINOS JRS
SUSPENSIÓN DEFINITIVA
Por inconvenientes con la policía, los dos shows que la banda tenía programados en Argentinos Juniors se cancelaron de forma definitiva.
El estadio Ruca Ché de Neuquén, en el show de Viejas Locas. Foto de Valeria Baselli.
En este caso, la tercera no fue la vencida.La policía no le da a Viejas Locas los 68 efectivos necesarios para la realizaición de dos conciertos en el microestadio de Argentinos Jrs., y la banda, tras tres postergaciones, decidió cancelar los recitales (que se iban a realizar los días 28 y 29 de agosto) de manera definitiva.
La bronca de la banda de Pity Alvarez y sus allegados es considerable: el fin de semana pasado, Viejas Locas juntó 4 mil personas en el estadio Ruca Ché de la provincia de Neuquén, y el concierto se desarrolló sin ninguna clase de inconvenientes.
El dinero de las entradas para los shows de Argentinos Jrs. será reintegrado a los fans en los puntos de venta donde fueron adquiridos. Igualmente, a partir de mañana, en www.viejaslocas.net se brindará la información exacta al respecto.
El próximo concierto programado por el grupo será el día 11 de septiembre en el Club Echagüe de Paraná, Entre Ríos.
SHAILA
Un reconocimiento genuino
Autor: Ignacio Meron para rockblog.com.ar
No siempre agotar entradas es sinónimo de estar haciendo las cosas bien. Muchas veces puede estar más relacionado con modas o difusión que con calidad. O en muchos otros casos puede ser producto de una búsqueda desesperada, que únicamente hace foco en eso y relega lo esencial: en este caso, la música.
Solo en algunas ocasiones es consecuencia de un trabajo serio y consciente, metódico y silencioso, más relacionado con las sombras que con los grandes flashes. Y allí es cuando realmente se percibe una verdadera sensación de reconocimiento.
El sábado pasado Shaila presentó su último disco, Nuestras Guerras, en
A las 20 horas se abrió el telón ante un público que esperaba expectante la reaparición de una banda que se encontraba en silencio desde hacía un par de meses. El clima era propicio y desde arriba se entendió perfectamente el juego, ya que Shaila decidió abrir la presentación de su nuevo álbum con Exarhia, el tema que justamente inicia el camino de Nuestras Guerras. Un buen primer paso que luego tendría su correlato con el correr de los minutos.
Como para que el concepto de apertura fuera completo, se eligió a continuación Unitarios y Federales, el primer corte del EP con el que la banda completa su último disco y que se distribuyó con la compra de la entrada de un show en el Teatro de Flores, el 14 de noviembre del año pasado.
Luego se sucederían Cooperativa Infantil De Acción (a mi criterio, lo mejor del nuevo material),
Pero no todo fueron novedades en la noche de
Luego de dos horas casi exactas y tras el paso de algunos invitados - Claudio Romandini, el ingeniero de grabación del disco y Carolina, bajista de Viva Maria- el show comenzó a inaugurar su cierre con Eva, un grito de reivindicación a la mujer frente a la degradación de años por sociedades patriarcales y teocracias. Para el final quedaría Los Farsantes, sin lugar a dudas uno de los destacados del disco, pero cuyo lugar en la lista quizás sorprendió a más de uno.
De esta manera culminaba un show potente y con un sonido claro, que mostró en escena a una banda que ha generado tal complicidad con su público que ambos parecen entenderse únicamente con un acorde. Una complicidad que no es forzada ni impuesta por cánones externos, sino producto de años de esfuerzo y gritos genuinos, y que parece ser la llave mágica que complementa las noches de Shaila en vivo.
Y así como Nuestras Guerras es una continuación de la esencia de la banda, la respuesta del público parece ser la revalidación de un mensaje y toda una declaración de principios. Aquí, cuando la ecuación (palabra shailera si las hay) entre las variables del público y la banda se mantienen en paridad, se observa un reconocimiento verdadero, sin demandas ni medias tintas. Quien quiera más pruebas puede intentar averiguar por entradas de Shaila un día antes del show, y seguramente se irá a su casa con las manos vacías.
ELLA ES TAN CARGOSA
Por Emmanuel Angelozzi para rockblog.com
Ella es tan cargosa entregó sus mejores canciones para festejar diez años de carrera con un show a sala llena en el prestigioso escenario del Teatro ND Ateneo.
La influencia beatle en la banda de los hermanos Manigot se puede rastrear en muchas de sus canciones pero ellos decidieron hacerla explícita al seleccionar “I want you” para romper el silencio. Mientras
Ella es tan cargosa puso a disposición de los presentes su “Libro de quejas” e intentó explicar “Donde no van las melodías” durante el mes de “Enero”. Allí fue cuando Mariano Manigot tomó el micrófono por primera vez para ponerle voz a “Fui”.
Nuevamente, las armonías con aires beatlezcos engalanaron los oídos cargosos en “Making of de canción beatle”. Luego, ejecutaron “El último corner” y recordaron las extensas veladas compartidas en algún bar del oeste bonaerense para esperar que aparezca “Carmen”.
El público abandonó las butacas para bailar al ritmo de “No lejos” y volvió a tomar posición en su asiento para no perderse detalle de la delicada “Exequias”, que fue ilustrada por Flor Manigot. Con cuatro guitarras en escena mas la voz de Mariano Manigot pasó “Resurrección”, el último corte de difusión de “Botella al mar”.
“Bellos años” y “Giras” ayudaron a repasar la década de carrera de Ella es tan cargosa mientras que “Refugio” y “Llueve” recordaron que la banda posee una fórmula tan secreta como eficiente para hacer hits. Sin dudas, la mejor manera de celebrar fue la presentación de dos canciones que formarían parte de un futuro material: “Pretensiones” y “A trasluz”.
Martín Elías, líder de Tony 70, sumó su guitarra funky en “Botella al mar” mientras que Osky Righi, guitarrista de “De Bueyes”, rockeó con su viola en “Argentinas”. En la madrugada del domingo se escucharon “Sol”, “Ni siquiera entre tus brazos”, con absolutamente todo el teatro de pie, y “Ex noche”, en la voz de Coty Manigot.
Tras un breve intervalo, los músicos volvieron a escena para arrojar una decena de remeras al público y encarar la última parte del concierto con “Modelo vivo” y “Por entre los techos”, con la participación de “Beto” Olguín, cantante de Los Pérez García.
“El show ha terminado, apenas quedan los chicos que deshacen el escenario”, susurró “El Gato” Manigot durante “Abrir tu piel” para despedir al público que se embriagó con buenas canciones para celebrar diez años de carrera junto a Ella es tan cargosa.
ALIKA
Luego de actuar en México, la cantante regresó al país con muchas novedades en la valija.
Tras una exitosa presentación en el Lunario del Auditorio Nacional, en México D.F, la ex integrante de Actitud María Marta presentará su nuevo video clip; El tema seleccionado es “Para bailar” y contendrá imágenes capturadas en Jamaica, Ecuador, Venezuela y Estados Unidos.
Además, Alika presentará junto a su banda,
El canción puede descargarse gratuitamente y, con seguridad, formará parte del show que la artista brindará en Niceto Club, Niceto Vega 5510, el próximo sábado 28 de agosto a partir de las 21 horas.
"LOCURA CIRCULAR"
Yendo de la cama a la biblioteca
Una novela sobre obsesivos sexuales y músicos lectores. Y escrita en base a letras de canciones de Charly García. ¡Unas que sepamos todos! Las frases célebres del rockstar argentino, ejes narrativos de un libro.
Por: Nicolás Artusi
En España creen que yo inventé a Charly García": el presunto padre de la criatura es Martín Lombardo, escritor argentino exiliado en el Viejo Mundo y autor de Locura circular, una novela en torno a las letras más célebres del rockstar argentino: "Yendo de la cama al living sientes el encierro", "gozar es tan parecido al amor" o "la sal no sala y el azúcar no endulza", Charly dixit. De tan redondas, algunos españoles creen que las frases fueron creadas por Martín para darle entidad dramática a "su" rockero de cabecera: "Piensan que es un personaje mío, lo cual para el fan que fui de adolescente es algo que está buenísimo, terminar inventando a tu ídolo".
Si es cierto que todos los temas de Charly, en realidad, son un solo tema, Martín construye una historia coral con retazos de canciones expatriadas: "Era un fanático y de tanto escucharlo, las letras se me pegaron", asume desde Europa, donde cumple con algunos clichés del ser argentino (es psicoanalista, consiguió varios diplomas pero casi ningún empleo) y da clases en el Instituto de Estudios Políticos de Lyon, Francia: "No me traje todos los discos de Charly, pero los tengo en el iPod. O en la cabeza". En psiquiatría, la "locura circular" es el trastorno bipolar, la oscilación de esa gente que vive entre la manía y la depresión: "Y eso me parece una buena metáfora de la vida: hay momentos en los que uno se siente en la mejor de las glorias y otros, en la peor de las mierdas".
De ese péndulo se cuelgan los protagonistas de Locura circular, psicóticos e indocumentados de una Barcelona más secreta que turística: un músico inmigrante sin nombre; un ciego que a su muerte deja un manuscrito misterioso; una travesti psicoanalista que tiene una perrita llamada
SONAR TV
Música independiente en busca de un lugar en la grilla
Un grupo de artistas pedirá al Gobierno la financiación de una señal pública dentro de
Con el advenimiento de
Pero así como uno de los canales estará en manos del Insituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA), una nueva propuesta surgió desede
"Sería inédito: el primer canal público de música en el mundo ", señaló a Cristian Aldana, cantante de "El otro yo" y uno de los principales impulsores de la propuesta. El nombre del canal es más que explicativo: se llamaría "Sonar TV ", para reunir el concepto de los contenidos y el formato para televisió.
"El proyecto surgió a partir de la implementación de la televisión digital. El Consejo Asesor de
El músico y sus compañeros comenzaron una campaña en Facebookpara difundir la iniciativa, y además está pautado un evento el próximo 29 de agosto en el predio de la ex ESMA. "Este es el momento justo porque se están entregando las señales de televisión digital terrestre”, sintetizó Aldana.
"Nos pareció una buena herramienta para difundir a los músicos que no tienen lugar en los canales de música privados ya sea porque las señales están condicionados por la industria o porque están cubiertos por espacio publicitario", explicó el cantante de "El otro yo".
De hecho, Aldana ya tuvo una reunión para presentar el proyecto a Tristán Bauer, presidente de Radio y Televisión Argentina (RTA), y Osvaldo Nemirovsci, coordinador general del Sistema de Televisión Digital Terrestre nacional.
El canal incluirá programación educativa y contará con el apoyo del subsidio estatal para "ser creado y para sobrevivir", explicó Aldana, algo que le corresponde también a los otros canales públicos.
CONTRAVOS
Con raíces en el reggae, Contravos, es un grupo de amigos que se junta para compartir y disfrutar de la música. La idea que está resumida en el nombre de la banda y ampliada a través de las letras es: aprender a estar con uno mismo, contra la tendencia humana de ver solo lo que está mal. Con esta idea como base, las letras van abordando distintas temáticas que hablan, esencialmente, del amor en todas sus formas, del amor como espíritu de todas las cosas. El abordaje desde esta óptica lleva a que el mensaje que prevalece, en cada composición, sea esperanzador y positivo. Así, frente a la tristeza y el dolor que a menudo ocurre a nuestro alrededor y en nuestro interior, en el inmenso mundo y en nuestra pequeña pero también inmensa cotidianeidad, el mensaje es resistir; frente al recorte que del paisaje hace una fotografía, el mensaje es descubrir y asumir los márgenes, atreverse a imaginar y soñar, sabiendo con certeza que el paisaje completo está allí. Contravos es entonces una idea compleja en cuanto a lo conceptual y muy armónica, alegre y positiva desde lo musical donde logra plasmar la coherencia de su propuesta.
A partir del 2008, comenzaron las presentaciones en vivo, desde mayo de ese año hasta el día de hoy compartieron escenario con Manu Chao, Onda Vaga, Los Cafres, Dread Mar I, El Natty Combo, Resistencia Suburbana, Mensajeros, Los Umbanda, Andrea Alvarez, Pablo Molina y varios artistas más.
Algunos de los shows más importantes:
Noviembre 2009 – teloneros de Manu Chao en All Boys, Buenos Aires
Diciembre 2009 – Baradero Reggae Festival junto a Los Cafres, entre otras bandas
Abril 2010 – teloneros de Resistencia Suburbana en Groove (nuevo local de Palermo)
Participaron también de fiestas como las Clandestinas (El teatro Colegiales y el Teatrito), Jamming (Uniclub), Captive (Makena).
Actualmente se encuentran produciendo lo que será su primer disco de estudio, que planean editar en forma independiente en agosto de 2010.
Contravos son:
Gabriela Jurado: Voz y saxo alto
Marcelo “Maestro” Telechea: Teclados
Maximiliano “Maxi” Papa: Bajo
Maximiliano “Calo” Calello: Guitarra
Pablo Loban: batería
LOS GARDELITOS
GIRA OXIGENADA 2010
SABADO 25 DE SEPTIEMBRE 22:00 HS - CAPTAIN BLUE XL (Bv. Las Heras 124) CORDOBA - ENTRADAS EN VENTA: EDEN / LOCURAS
El 25 de mayo de este año, en la conmemoración de una fecha emblemática para los creadores del "Rock Sudaca", LOS GARDELITOS volvieron a los escenarios retomando la histórica formación de cuarteto y con nuevos integrantes.
El 1º de abril LOS GARDELITOS anunciaron en su página oficial el alejamiento de Horacio y Martín Ale (batería y bajo respectivamente) y a partir de allí los rumores sobre el fin de la banda se manifestaron en todos los círculos ligados al rock. Luego de una breve y obligada pausa el hijo del poeta, cantante y guitarrista Korneta Suarez decidió continuar con el grupo y rearmar una nueva formación. Eli Suarez (voz y guitarra), Fede Caravatti (guitarra y voz), Diego Rodriguez (bajo) y Paulo Bellagamba son los encargados de darle un nuevo "oxigeno" a la banda, renovando la formación casi por completo y retomando el formato de cuarteto, lo que implica el regreso de la guitarra acústica a los shows en vivo.
LOS GARDELITOS llegan a Córdoba el próximo 25 de septiembre con sus temas históricos y las canciones de "Oxígeno" (2008). La mística está de vuelta...
DANCING MOOD
“Soñaba con ser colectivero para que todo el mundo escuchara ska”
Hugo Lobo, líder de Dancing Mood, cuenta cómo hace una banda instrumental sin cantante para generar un agite rocker en sus presentaciones, cumplir diez años de trayectoria y festejarlo en el Gran Rex.
Por Maby Sosa para Tiempo Argentino
No es común pasar dos horas bailando y coreando canciones cuando no hay delante un cantante. Tampoco llegar a un recital y encontrarse con una multitud de traje arriba del escenario. Sin embargo, no es imposible que pase, y Dancing Mood lo sabe mejor que nadie. La banda que lidera el trompetista Hugo Lobo nació hace 10 años con una meta clara: tocar ska. Según Lobo, su fundador, Dancing Mood es la materialización de aquella vieja idea de su infancia de que todo el mundo escuche ska. “Desde chico flasheaba con el ska. Iba a entrenar a un club en el que jugaba al básquet, habré tenido siete, ocho años, y me acuerdo que mi sueño era ser colectivero para poner música y que toda la gente escuchara y conociera el género. Pensaba que sería buenísimo y miraba a cada persona imaginándome cómo sería.” Y sí, Dancing Mood a veces parece salido de un sueño. Quince músicos, invitados inimaginables y un agite en el público que resulta extraño cuando suena un estándar de jazz.
–No es común que una banda instrumental lleve tanta gente, ¿qué es lo que sucede con Dancing Mood?
–Me lo pregunto hace años… Creo que tiene que ver con cómo la gente se siente identificada con la música. Estamos muy acostumbrados a ver la misma fórmula de una banda con un cantante. Dancing Mood se diferencia en eso, y tal vez era lo que estaba faltando, no se le había prestado atención a la música instrumental dentro del rock. Por otro lado, también la gente se siente identificada con la música y con la banda, nosotros transmitimos un mensaje más allá de que sea instrumental. Entonces los precios de las entradas son accesibles, los precios de los discos también, y en estas movidas grandes como las que venimos haciendo una vez por año, la gente nos acompaña a modo de agradecimiento. A la vez, nosotros también hacemos cosas como el show, que hicimos al aire libre para 25 mil personas con una orquesta y con músicos de afuera, eso es como un regalo para la gente. Hay ese feeling y creo que eso es otro condimento.
–¿Cómo fue comenzar con una banda de jazz y ska?
–El ritmo que tocamos es ska, pero estandarizamos este estilo y la música de otro género como el jazz, como el soul como la música melódica de los ’70, música de películas, siempre fuimos por ese lado, lo que cambió fue la percepción de la gente. En un principio tocábamos para 40 personas y la gente no se acostumbraba a que no hubiera un cantante, estaba cogoteando, a ver cuándo entraba uno.
–¿Pensaron en incorporar letras?
–Muchas veces me lo preguntan, pero sería pecar de boludo hacer eso porque lo que diferencia a Dancing Mood es que se trata de una banda instrumental, si ponemos un cantante quedarían de lado todos los instrumentos. Nosotros mismos, que tocamos en otros lados, estamos acostumbrados a tener otra participación, pero en este caso, los cantantes son los vientos. Sería imposible ponerle un cantante fijo a la banda.
–¿Cómo hacen para dejar un mensaje, como vos señalás, si la banda es instrumental?
–Las cosas se dicen con los hechos más que con una letra. Una letra se puede convertir en palabras estúpidas y mentiras. Si vos hacés todo lo contrario de lo que dice tu letra no tiene valor. Hay bandas que tienen letras contestarias o con código de barrio y para ir a verlos tenés que pagar 150 pesos una entrada, cobran 60 mil pesos cada dos meses en SADAIC, se pelean con los músicos por no darle un poco más de plata y las letras quedan en el último plano, así que no creo que vayan con la realidad.
–¿Son muchos, logran vivir de Dancing Mood?
–No vivimos de Dancing Mood, es imposible. Somos una cooperativa de trabajo, 15 músicos y el grupo de trabajo total, 26 personas que repartimos la plata en partes iguales, desde el que arma la batería, el manager y yo, siempre fue así. Es muy difícil pero otra de las cosas que nos diferencia es que a la música nosotros la tomamos como tal, no como un negocio. No esperamos sacar ningún rédito de esto, si aparece, ok, pero no se esperan esos resultados. El grupo está hecho para algo diferente, para disfrutar de la música, darnos algunos gustos, como tocar con una sinfónica, traer a músicos de afuera, rescatar y mostrarles a los pibes músicos de acá que tal vez no conocen.
–¿Y esas cosas también las bancan ustedes?
–Con diez años de banda y seis discos hay plata que uno genera trabajando y tocando. No quiere decir que nosotros pongamos plata de nuestro bolsillo cada vez que hacemos una movida. La hacemos con shows, con discos.
–¿Cómo se organizan, cómo se ponen de acuerdo siendo tantos?
–Las decisiones pasan por mí, no por autoritarismo sino por una decisión de todos. Esto no es una banda de amigos que nos conocimos en el barrio. Es una banda de músicos donde no hay ningún integrante que haya estado desde el principio hasta ahora, salvo yo. Es un grupo que rota músicos por diferentes razones y aspiraciones. Creo que para que las cosas estén organizadas tienen que pasar por uno –con el aval de todos, por supuesto– pero si no, sería imposible; hay bandas que son tríos y se terminan peleando por egos. En el sentido musical también es así: a los arreglos los pido yo. Dancing Mood tiene de nueve a once solos por noche, tiene una participación que en ningún otro lado tenés. Andá a ver a cualquier banda y el guitarrista hace un solo en un tema y se terminó. Lo mismo el tecladista y ni hablar del baterista. Acá todos participamos y nos sobreexponemos todo el tiempo, entonces no hay peleas de egos, no nos fijamos en esas boludeces, todos tienen que aportar algo importante.
–Marcás muchas diferencias con otros grupos.
–Sí, te explico por qué. Dancing Mood recrea temas. Al ser así, no hay temas propios y eso implica no tener que cobrar en SADAIC. Hoy , las bandas terminan componiendo para hacer hits y cobrarlos porque es mucha plata la que se cobra, son sumas ridículamente altas. Esa es una diferencia abismal entre esta banda y cualquier otra que se dedica a esto. Hacemos música por el placer de la música y no para ir a cobrar cada dos meses.
CRÍTICA: “CODERA EN LA CARAVANA MÁGICA”
Criticar un disco de la Bersuit Vergarabat o de Gustavo Cordera como solista no es 
una tarea fácil ¿La razón? Quizás porque hasta el momento ninguno de ellos ha publicado algo que pueda ser considerado una mancha negra discográficamente hablando.
Esto hace que quienes tengan que darse a la tarea de analizarlos –el autor de esta nota incluido- deban recurrir a la minuciosidad, a fines de poder escarbar detalles faltantes en la composición o la grabación del compacto. Con su nuevo álbum, el pelado ha llegado a complicar(nos) aún más las cosas porque combinando bailongo en tetrabrik y catarsis barrial consigue un sonido que puede llegar a ser su marca de fábrica durante muchos años.
Para su segundo larga duración, la impronta chavista –en términos de producción y no de política- se torna en ese nutriente necesario para brindar un aire pop a los nuevos y originales ritmos “rioplatinoaméricanos” (cumbia, folklore y rock con codificaciones locales) que quiere explorar “Gustavo Cordera en La Caravana Mágica”. Pensar que Matías “El Chávez” Méndez ha pulido su arte desde abajo: Primero trabajando con bandas barriales como Shambala, Dj Nelson y con su proyecto Nuca; hasta alcanzar a No Te Va Gustar –para trabajar con ellos en el disco más sólido de su carrera- y a este juglar moderno que exaltando sus raíces canta: “En el barrio de Entrevía, pedazo de Avellaneda; todo el mundo sabe que soy el hijo de Edgardo Cordera, tanguero de corazón, purrero que juega fuerte…” (“Asalto de cumbia”).
Ironías: Cuando este productor era baterista de Árbol fue expulsado por influencia de Santaolalla, aquel personaje que logró –entre otras cosas- moldear a esa Bersuit que llenó estadios. Ahora Matías, guardando bajo perfil demuestra junto a un artista que ya pasó por las manos del ex-Arcoiris, que sabe dar pasos firmes y que tiene todos los elementos para en un par de años, llegar incluso a superar los logros de este midas del pop latino. Prueba de ello es “La Bomba Loca”, una explosión de sexualidad que tiene la marca dancehall del álbum solista de Chávez (”Moron City Groove” - 2010), pero también un formato ideal tanto para radios, como para bailantas.
“Gustavo Cordera en La Caravana Mágica” es poesía antierudita para aquellos que gozan haciendo un trabamentes –y hasta incluso un trabalenguas- de cada frase que escriben: “No es que sea viejo, es que tengo a mi niño preso” (“No es que sea viejo”); “Mentirme es la droga que más me asustó, el miedo a la muerte casi me mató” (“Estoy real”). Es joda cumbiera, pero también un pasaje introspectivo que lleva al pelado hasta los rincones más existencialistas de su ser. Consiguiendo como resultado que, escucharlo en ciertos espacios –para bien o para mal- pueda convertirse en una experiencia terapéutica.
Escucha en este link "La Bomba Loca"
http://www.youtube.com/watch?v=gcfrPy1nOr4&feature=player_embedded
NO TE VA GUSTAR
Filosofía oriental
Emiliano Brancciari, cantante de No Te Va Gustar, explica cómo es ser la banda del momento y no morir ahogado en el ego de los "rockstars".
Sacarle a Emiliano Brancciari una sola respuesta que aunque sea huela al mito en forma de trilogía que manda "sexo, drogas y rock and roll", es imposible. Más fácil sería encontrar un hombre bomba que practique el budismo. Y eso que No Te Va Gustar, la banda uruguaya de rock que lidera desde el lugar de vocalista, disfruta hoy de una popularidad sin fisuras de este lado del charco, de una capacidad instalada que le permite convocatorias equivalentes a bandas o solistas locales de fuste. "En Uruguay no puede haber estrellas de rock, creo -reflexiona Brancciari horas antes del show-. Es un lugar muy chico y te cruzás con todos en algún momento. Somos gente normal y no tratamos de venderle nada a nadie: hacemos música y la gente la pasa bien. La pose no sirve de mucho cuando hay que sostener un repertorio y quizás sea ese mismo lenguaje sencillo, esa forma común, lo que hace que nos vaya bien. Debe haber gente a la que le sienta mejor vender o mostrar otra cosa de sí mismos, todo bien, pero no somos así".
Bueno, vamos por otro lado. Es el punto en la entrevista en que se impone repreguntar, esta vez atacando por el lado del narcisismo natural que implica subirse a un escenario a que miles de personas canten sus letras y de algún modo se rindan a los pies de su banda. ¿Acaso Emiliano, que además de condiciones vocales gasta modos y cierta facha de galán rioplantense, jamás echó mano de la chapa de ser "el cantante de NTVG", digamos, para conseguir chicas?
"Para nada, no. Sí es un mimo al ego que vayas a un lugar lejos de tu casa y que haya mucha gente que te esté esperando, pero chapear, nada...de hecho nosotros ya teníamos ocho años de banda, dos Obras, Luna Parks y qué se yo, y cuando fuimos a España por primera vez a los equipos los cargábamos nosotros, porque no daban los números", esgrime como toda respuesta.
Tan lejos de casa como los lugares fuera de Uruguay donde se editará Por lo menos hoy, en octubre: "Argentina, México, España, Estados Unidos, Colombia, Venezuela, Chile, Brasil y alguno más que no me acuerdo", enumera, hace una pausa y sigue como si tuviera la fórmula para no creérsela ni siquiera a punto de editar simultáneamente en una decena de países.
-¿Cuál es la fórmula?
-Disfrutarlo. Estamos muy orgullosos de lo que hemos trabajado, pero sabemos tomarnos las cosas con calma y somos conscientes de que cada lugar donde editemos por primera vez implicará ir y empezar desde cero. Como lo hicimos en Argentina en su momento...el disco puede salir en México, pero ya fuimos y arrancamos con un trabajo de hormiga. Eso te mantiene con los pies en la tierra, no hay otra receta.
-¿Y para escribir canciones efectivas?
-Sigue siendo muy extraño... las letras salen de muy adentro, y capaz con ganas de sacarte algo de encima más que de otra cosa, y después son cantadas por mucha gente. Es tan sorprendente como emocionante. Tenemos cero condicionamientos para escribir. Es imposible saber lo que a la gente le va a gustar: primero necesitamos que nos llegue a nosotros, después vemos qué le pasa al público...
La "no fórmula" volverá a ser probada en poco más de un mes, cuando el material producido por Juanchi Baleirón y grabado en Montevideo llegue a la calle. Mientras espera el momento, Brancciari tira pistas que, supone, pueden resultar sorpresivas.
"Es un disco diferente, más allá de que en general nuestros discos no se parecen. Tenemos un guitarrista más, es inevitable que suene más guitarrero, más rockero que el anterior, porque además no hay ni una sola base electrónica. Es más crudo, más de garaje y el más homogéneo de toda la historia de la banda. Seguimos moviéndonos entre muchos géneros, pero en Por lo menos hoy esa diversidad no está tan marcada como antes. Pelamos la guitarra y nos pusimos a hacer ruido".
Tratándose de una banda que decidió suspender el año pasado un show para más de 30 mil almas en el Velódromo de Montevideo porque no estaban dadas las condiciones de seguridad, o antes, en 2003, eligió parar ante 40 mil porque el Parque Rodó estaba desbordado, vale preguntar por las condiciones actuales para tocar. Acá y en cualquier lado.
"Hay lugares que están bien, hay otros que no tanto, sobre todo en el interior -reconoce-. Si tuvieras que tocar solamente en cuando están absolutamente cubiertas todas las posibilidades de riesgo, prácticamente no tocarías en vivo. De todas maneras hay sitios en los que te das cuenta que no podes tocar. En México nos pasó: fuimos a un lugar y las condiciones no estaban dadas, y decidimos no hacerlo. Es así, hay que ser responsable, todos tenemos que serlo por más que después te comas puteadas de gente que no entiende. La vida está antes que cualquier otra cosa, un concierto o lo que sea".
-Tocaron con Jaime Roos, Rubén Rada, Jorge Nasser, Fernando Cabrera...¿de este lado del río cuáles creés que serían las afinidades?
-La verdad, no se me ocurre... pero a fin de año vamos a tocar en La Plata y vamos a invitar a Skay. Todavía no lo llamamos para coordinar, pero ahí tá, ese es otro gusto que nos vamos a dar.
-El guitarrista de los Redondos no es poca cosa.
-Por supuesto, es un grande. Ese tipo de cosas, más las que te decía antes, te anclan un poco más a la realidad, además de que intentamos no creernos más de lo que somos.
-¿Y qué son?
-Un grupo de amigos que hace lo que le gusta y tiene mucha suerte de que a otra gente le guste lo mismo.
ANDRES CALAMARO
El Salmón en Córdoba
Andrés Calamaro tocará en octubre en el Orfeo Superdomo, luego de una mini gira por Europa. Las entradas ya están a la venta.
Fuente: Suplemento VOS
Andrés Calamaro ya fue confirmado como uno de los números de cierre del próximo Pepsi Music porteño en octubre (en la grilla del megaevento que tiene lugar cada año donde todo pasa también están Rage Against The Machine, Queens Of The Stone Age, Green Day y No Te Va Gustar), pero antes volverá a tocar en Córdoba, más precisamente en el Orfeo Superdomo.
La cita con el Salmón para la presentación oficial de su On the rock en el domo será el 21 de octubre, de regreso de una tourné por España (shows en San Sebastián, Barcelona, Madrid y Vigo) y una pasada por Londres, donde tocará por primera vez en la sala Troxy, en el East London.
Los precios de las localidades para el concierto de Calamaro en Córdoba son: Pista parados VIP, $ 190; Pista parados, $ 100; Sector rojo, $ 180; $ 140; $ 90; $ 75. Están ala venta en Tiendas Vesta de Dinosaurio Mall de Alto Verde, Ruta 20 y Dinosaurio Express de San Vicente, de
SKAY BEILINSON
Un destino cierto
Skay ofreció un concierto brillante ante 4 mil personas en el Orfeo. Rock espirituoso tocado a un volumen atronador.
Por Germán Arrascaeta suplemento VOS
Skay sabe en qué quiere convertirse: en un solista con personalidad que no tenga que depender del pasado para legitimarse. El sábado, en el Orfeo y ante cuatro mil personas, el ex guitarrista de Los Redondos ofreció un show magistral, a volumen atronador, con manifiesta actitud de tener la vaca atada, entregando lo que muchos fueron a buscar sólo en cuentagotas (sí, sí, se recreó el pogo más grande del mundo con Jijiji y también se oyó una excelente versión de La parabellum del buen psicópata, haciendo gala de su ineludible identidad guitarrística pero también demostrando haber encontrado singularidad como vocalista. Es paradójico, en un punto. El espectáculo que presenta el disco ¿Dónde vas?, encuentra a su autor con una respuesta cierta al interrogante. Está En camino (tremenda canción del último disco que exalta la vanidad del no domesticado, versa sobre la privilegiada posición de no tener nada que perder ni ganar), aunque sabe cuál es el destino y cómo transitar el recorrido hacia él.
Skay está al margen de todo en ese gran cambalache en que han convertido al rock de acá, y al mismo tiempo ya ejerce con la seguridad de un clásico. A su pose icónica blindada en décadas de batallas junto a Los Redondos, hoy le suma una obra personal.
¿Skay es nuestro Neil Young? Algo así, pura sabiduría exacerbada por medio de un volcán rockero al que ayudan a erupcionar Los seguidores de la Diosa Kali: Topo Espíndola (su batería tiene la caja afinada al borde del armónico, bien rock), Pablo Quartero (su bajo es noble, aunque su actitud un poco momia), Oscar Reyna (interlocutor válido para Skay en la alternancia de solos) y Javier Lecumberry (con gusto para filtrar teclados nuevaoleros como los de Territorio caníbal o amenazantes como los del blues Tarde de lluvia). La SG roja estuvo ardiente, se hizo un torbellino que supo conciliar las inquietudes arábigas de Skay (ahí, más que Young es Jimmy Page) con sus destellos bluseros o de rock tenso.
El concierto empezó místico con Arcano XIV y Tal vez mañana, ambos del disco La marca de Caín, y se volvió a poner en esos términos cuando llegó Luna de Fez, un tema controversial que el Indio le observó cuando se produjo el desencuentro de los videos. Si bien Skay asienta sus letras en los vaivenes del espíritu, también sabe rendir en observaciones suburbanas (Ángeles caídos), en diagnósticos sobre la degradación (el ya citado Territorio caníbal), y en exaltaciones al estado de ánimo (La pared de rojo lacre, con su sesión de boogie explosivo). Pero lo más shockeante llegó de la mano del shuffle pesimista Aplausos en el cosmos, alentado por las lecturas de Michel Houellebecq. Allí, la raza humana no tiene remedio, se la retrata cruel y contradictoria. Y a Skay se le entiende ese mensaje a la hora de la interpretación. Es decir, no es un violero amparado sólo en su toque.
Maravilloso Skay, en definitiva. Se quedó con “la escala intermedia” en materia de convocatoria, puede tocar seguido, madura su expresión sin apuro. Su masterplan obliga a una reverencia. Aquí va, gracias Maestro.
LAS RAREZAS DE PATRICIO REY CON FUNYI
EL EXPERIMENTO DE LA ORQUESTA TIPICA CIUDAD BAIGON EN EL FESTIVAL DE TANGO
Por Cristian Vitale para Pagina/12
“Eso debe ser un injerto.” El grito en el cielo de Ernesto, viejo tanguero, se escuchó más o menos hasta Polonia cuando oyó de la movida: “¿Tangos ricoteros? ¿qué es eso?” dijo, y marcó terreno. Epoca ésta de revisiones, reversiones, guardianes de lo que fue e innovadores del tango que se entremezclan y dan un mosaico de miradas. Miradas encontradas. Unos que admiten, otros que clausuran. Conversos –al revés– de la escuela Mederos que sostienen que el último eslabón de la renovación se agotó en Piazzolla; futuristas en la vena Santaolalla, que no le escapan a las máquinas y generan roncha. Los Ernestos, por el camino de la ortodoxia, y los heterodoxos. “Pero todos suman”, diría el viejo líder aplicado al tango (Perón y el tango, ja!). Y en medio de este maremagnum de estéticas, jóvenes que intentan. ¿Por qué no imaginar al Indio Solari, de haber nacido junto al siglo pasado, escribiendo “Malevaje” con Discépolo? ¿Por qué no fantasear con un San Pugliese, parido en los ’50, componiendo las ríspidas y masculinas canciones del primer Manal? ¿Son posibles los “hubiese”? La Orquesta Típica Ciudad Baigón, número central de la octava noche del Festival de tango, lo cree así.
Ante la sala repleta de Punto de Encuentro, la Típica de doce músicos contraatacó a los ortodoxos con un trasvasamiento riesgoso: pasar a tango varios temas de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota. Es más que una travesura. Es casi una afrenta para resolver a lo guapo. Cierto: hay una limitación central que anida en la instrumentación, en la técnica intrínseca, propia, de cada género. Resulta una quimera lograr, por ejemplo, el nivel adrenalínico-colectivo de “Rock Yugular” –pese al torrentoso esfuerzo de Omar Mollo (invitado I) y su voz– que sus patrones alcanzaban en vivo para detonar River, Racing o Huracán. La mera inexistencia del bajo y la batería, base elemental del rock, deja a la versión sin sal, picando. Esperando por un más axiomáticamente imposible. Una sensación que se repitió en todos los intentos de trasvase: en el “Blues de la artillería”, muy bien interpretado por Marisa Vázquez (invitada II) y la Bidú, pero con las balas mojadas; en “Salando las heridas” que el invitado III, Alejandro Guyot –cantante de 34 Puñaladas–, recreó con atmósfera densa, aceitosa, pero sin ese estrépito sólo posible en formato rock; o en “Nuestro amo juega al esclavo”, en la voz de Julián Bruno –cantante de la Orquesta–, casi en los lindes certificados por el género.
Hay un margen de razón para los Ernestos. Un matiz. Doce músicos de Orquesta no pueden reemplazar la potencia de la base instrumental del rock. Se quedan a medio camino y el efecto se ve claro en las miradas de cada quien, esta noche. Incluso desde el rock, con los oídos acostumbrados a escuchar esos temas en manos de sus dueños, resulta exótico, extraño, un tanto desacomodado. Pero también hay un margen de razón para quienes sostienen lo contrario: qué es esto sino un mundo de grises. El intento ricotero de la Baigón no roza ni de lejos el despropósito de los Arbol cuando intentaron transformar “Jijiji” en un coro a capella y se toparon con la desautorización, en cara, de Skay y La Negra Poly. No. Nada de eso. El intento de la Baigón nace de otra entraña. De ensamblar, cruzar, hacer confluir densas historias urbanas comunes a ambos géneros. Soldar estéticas –noble utopía–, hacer que una generación se retroalimente de otra pasada para mirar más allá, pisar terreno inexplorado o, como dicen en su manifiesto inicial, crear lo que no existe y alcanzar la excelencia de lo existente. Bien por eso.
ERIC CLAPTON
LA AUTOBIOGRAFIA YA SE CONSIGUE EN LAS LIBRERIAS ARGENTINAS
Vívido autorretrato del dios de la guitarra
Eric Clapton se miró al espejo y no vio al famoso Mano Lenta, sino al hombre que se crió buscando un sustituto para su madre, que le robó la mujer a su amigo George Harrison y que no se suicidaba porque iba a extrañar el alcohol. Por esa mirada honesta, su libro es imperdible.
Por Mónica Maristain Para Pagina/12
La autobiografía de Eric Clapton (Ripley, Inglaterra, 30 de marzo de 1945) que Editorial Océano distribuye en la Argentina, debería ser leída de atrás para adelante. Esto es, comenzar la historia narrada por este icono musical del siglo XX, importante para el rock y el blues en partes iguales, en el capítulo “Encrucijadas”. Allí, un sesentón bien conservado posa frente a su mansión vestido de entrecasa, portando un aire burgués y de bienestar que revelan, al fin y al cabo, un happy end de lujo en una de las vidas artísticas más atribuladas de que se tenga conocimiento. Clapton, la autobiografía (Global Rhythm, 2010) es, sin dudas, el feroz testimonio de la mente torturada y afectivamente disfuncional de uno de los artistas clave de la contemporaneidad; un doloroso encuentro consigo mismo y con su propia historia que el también llamado Mano Lenta y Dios –por su prodigiosa manera de tocar la guitarra– escribe con prolijidad y sin piedad alguna.
Clapton parece esgrimir aquel plumín itálico que en la escuela de arte de St. Bede’s le proporcionara un profesor de apellido Swan para que el joven alumno practicara caligrafía. Así de personal y así de íntima se presenta la vida del músico cuyo universo cambió radicalmente en 1959, cuando se enteró de la muerte de Buddy Holly, uno de los pioneros del rock and roll. “La gente siempre dice que recuerda el lugar exacto donde estaba cuando asesinaron al presidente Kennedy. Yo no, pero sí recuerdo el patio de la escuela el día en que murió Buddy Holly. Alguien dijo que la música había muerto después de eso. Para mí, en realidad, pareció abrirse de golpe”, escribe el autor de “Layla”.
El hijo de Jack y Rose, criado en un pueblo llamado Ripley, en el condado inglés de Surrey, se enteró pronto de que su infancia transcurría en un mar de secretos, el primero de los cuales marcó su existencia de una forma trascendental: sus progenitores eran en realidad sus abuelos y, en cambio, la joven Pat, a quien creía su hermana mayor, resultó ser su verdadera madre. “A los seis o siete años empecé a tener la sensación de que yo no era como los demás”, dice Eric en una oración conmovedora, aunque no tanto como aquella que narra el encuentro con su primer instrumento: “La guitarra brillaba mucho y tenía algo de virginal”.
Las pasiones de un hombre tímido
La carencia de sofisticación en su origen obrero y la total aversión al conflicto que acuñó desde edad temprana hicieron de Eric un chico más bien solitario, encaramado en un físico longilíneo y torpe que aprendió a esconder detrás de su instrumento. La guitarra fue, sin dudas, el pasaporte al mundo real y la visa por medio de la cual el joven Clapton aprendió a socializar con las clases medias más cultivadas. También fue el modo de aproximarse al misterio de las mujeres, que siempre representaron en la vida del músico un obstáculo a vencer, un universo a conquistar con pocas y endebles armas. “Mi experiencia con el rechazo femenino, que había comenzado con mi madre, me dejaba en el umbral temblando de miedo”, escribe el hombre que se hizo famoso, entre otras cosas, por haberse enamorado perdidamente de la esposa de uno de sus mejores amigos. En su autobiografía, que viera la luz en inglés en 2007, el guitarrista no evade responsabilidades y dedica largas páginas a narrar cómo se enamoró perdidamente de la hoy célebre Pattie Boyd, cuando la modelo y fotógrafa estaba casada con George Harrison.
“Codiciaba a Pattie porque se trataba de la mujer de un hombre poderoso que parecía tener todo lo que yo quería: coches asombrosos, una carrera increíble y una esposa preciosa. Esa sensación no era nueva para mí. Recuerdo que cuando mi madre regresó a casa con su nueva familia, yo quería los juguetes de mi hermanastro porque me parecían más caros y mejores que los míos. Esa impresión nunca me abandonó y, definitivamente, formaba parte de lo que sentía por Pattie”, dice el hombre que le escribió al objeto de su amor una de las canciones más bonitas de la historia musical contemporánea. “Estaba escribiendo mucho, llevado por mi obsesión con Pattie. ‘Layla’ fue la canción clave, un intento consciente de hablarle a Pattie sobre el hecho de que me estuviera dando largas y no quisiera venirse a vivir conmigo”, confiesa Eric. La obsesión del músico por la Boyd tuvo un perfil de culebrón hasta que ambos se casaron en 1979. Vivieron una década juntos y terminaron tirándose la vajilla por la cabeza. “Mi relación con Pattie, ahora que ya podíamos estar juntos, nunca fue el maravilloso idilio que se ha descripto”, terminó admitiendo Clapton.
Muchas fueron las mujeres que tuvieron protagonismo en la vida y el corazón de uno de los mejores guitarristas del mundo. Y ellas, cómo no, forman parte de esta autobiografía esencial. En la página 243, por ejemplo, hace su aparición la modelo italiana Carla Bruni, actual esposa del presidente francés Nicolas Sarkozy. Clapton la menciona sólo por su nombre de pila y cuenta la vertiginosa historia de amor que vivió con Bruni, quien –como solía ser su costumbre en la época– lo abandonó primero por Mick Jagger y luego por los sucesivos hombres que empezaron a captar su interés. “Más tarde, por supuesto, sentí tanto gratitud como compasión hacia Mick, primero por librarme de una condena segura y, segundo, porque al parecer sufrió en su servidumbre la misma prolongada agonía”, comenta el guitarrista sin esconder su despecho.
Luego de varios encantos y desencantos, Clapton finalmente sentó cabeza con una chica estadounidense de nombre Melia, a quien dobla en edad. La madre de sus tres niñas supo trasponer las barreras de un “viejo cínico y solitario” y darle estabilidad emocional y “los mejores años” de su vida a un hombre que había estado buscando en todas sus relaciones anteriores a un sustituto de su madre distante e inalcanzable. El pedido de mano al padre de Melia, que Clapton hizo a los 54 años, la boda sorpresiva para evitar el asedio de los paparazzi durante el bautismo de su hija Julie y la firme voluntad de hacerse un padre ejemplar en la cincuentena, son el reflejo de una vida que el artista ha sabido componer tras largos períodos en el infierno. Un pasado del que ya no se avergüenza, según confiesa, y el tuteo escalofriante con la muerte son la mochila del Dios de la Guitarra, un humano demasiado humano que ha conseguido, después de todo, su cuota de felicidad.
Adicciones
El alcohol, la heroína y toda sustancia química conocida pasaron por las venas de Clapton, amenazándolo con un fin prematuro, hundido en el olvido y en los bajofondos de una personalidad débil frente a las adicciones. En su libro, el músico da cuenta con pelos y señales de ese rumbo aterrador en el que estuvo sumida su vida durante varios años. Fue en los ‘70, con una novia llamada Alice, cuando Clapton tocó fondo: “No tardé en empezar a tomar cantidades industriales de heroína todos los días y mi dependencia era tan fuerte que Alice me daba prácticamente cualquier cosa que pudiera conseguir, mientras ella tenía que compensar toda la heroína que se estaba perdiendo con litros de vodka a palo seco, hasta dos botellas por día”.
Y más: “Las puertas permanecían cerradas, el correo sin abrir y vivíamos gracias a una dieta de chocolate y comida basura, así que muy pronto, además de engordar, me llené de granos y perdí completamente la forma. La heroína también me quitó por completo la libido, así que no tenía ninguna clase de actividad sexual y empecé a sufrir estreñimiento crónico”. El alcohol, compañero de aventuras desde su juventud, también jugó un papel importante y Clapton, que contrajo epilepsia a causa de su adicción al trago, varias veces estuvo a punto de volverse loco por su manera de beber. Era un hombre que hablaba solo y caminaba desnudo por el jardín de su casa, un músico eficaz aunque doliente, que se resistía a aceptarse como alcohólico y que “bebía una copa para desterrar los problemas” y cuando éstos no desaparecían, se tomaba otra. “Así que el final de mis días de borrachera fue una auténtica locura. A menudo tenía una botella pequeña de vodka bajo la alfombrilla de los pedales del coche”, cuenta.
La autobiografía de más de 300 páginas en la que unas pocas fotografías en blanco y negro sirven de descanso a la vista, conmueve por lo duro y honesto del testimonio de una estrella de la música, conminado frente a su propio espejo a contar la verdad de sus demonios. “En los momentos más bajos de mi vida, la única razón por la que no me suicidé fue que sabía que no bebería más si estaba muerto. Era la única cosa por la que pensaba que valía la pena vivir y la idea de que hubiera gente a punto de intentar arrancarme del alcohol me resultaba tan terrible que no paré de beber y beber, hasta que tuvieron que llevarme a la clínica prácticamente a cuestas.”
Lágrimas
Emparentado históricamente con el rock y sensitivamente con el blues, género musical al que Clapton entregó prácticamente su vida, la guitarra y una carrera en la que ha cosechado éxitos y títulos innumerables sirvieron de colchón para afrontar diversas tragedias, entre ellas la muerte de su hijo Conor, cuando éste tenía apenas 4 años. “Esa mañana el portero estaba limpiando las ventanas y las había dejado abiertas un rato. Conor corría entonces por el apartamento jugando al escondite con su niñera y, mientras Lori estaba distraída con las advertencias de peligro del portero, él entró corriendo a la habitación y fue derecho a la ventana. Cayó cuarenta y nueve pisos antes de aterrizar sobre el tejado de un edificio adyacente de cuatro pisos.” Conor fue el hijo de Clapton con la modelo y fotógrafa italiana Lori Del Santo, una relación extramatrimonial que el músico había sostenido mientras su unión con Pattie Boyd atravesaba una profunda crisis. Por Conor, quien murió el 20 de marzo de 1991 en Manhattan, Eric dejó la bebida, compuso la hermosa canción “Tears in Heaven” y se dedicó a vivir. “En ese momento me di cuenta de que no había mejor modo de honrar la memoria de mi hijo”: Clapton dixit.
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