DREAD MAR-I
El próximo viernes 20 de agosto unos de los exponentes más importantes de reggae local DREAD MAR-I, presenta su ultimo trabajo “Vivi-en-Do”,
en el coqueto resto Voodoo Lounge
“Vivi-en-Do” es el cuarto disco de esta banda, referente indiscutido del nuevo sonido del reggae roots y lover, y será presentado en Voodoo Lounge (Jerónimo Luis de Cabrera 565) el viernes 20.
SHAILA
Presenta en Córdoba su nuevo disco "NUESTRAS GUERRAS "
VIERNES 3 DE SEPTIEMBRE - 23:00 HS - CAPTAIN BLUE (Tillard 115)
ENTRADAS ANTICIPADAS: $ 27 EDEN / LOCURAS
BANDAS INVITADAS: NOSTICA / HIT MY HEAD / NO SABE NO CONTESTA / SYNESTHESIA
La banda hardcore punk más importante del país llega a Córdoba por primera vez en este 2010 para presentar su último disco doble “Nuestras Guerras”. Los 15 años de trayectoria avalan la constancia y coherencia de esta banda emblema de un movimiento que resiste todos los cambios de tendencias con una actitud innegociable y letras de alto poder contestatarias.
En “Nuestras Guerras” cada canción se propone como una trinchera desde donde se sienta una posición. Guerras exteriores, guerras ideológicas, guerras internas, guerras con uno mismo. Así, este nuevo disco habla de aquellas pequeñas grandes conquistas, de la importancia de las ideas y el compromiso con ellas.
La lista de temas que componen ambos discos son: (CD 1): “Exarhia”; “Los Farsantes”; “Leviatán”; “Eva”; “Los Limbos”; “Mujer Verdad”; “La Naturaleza de las Cosas”; “Los Idiotas”; “El Panóptico”; “La Esperanza”; “Hegemonía”; “Tierra & Libertad”; “Las Minas de Abril”.
(CD 2): “Unitarios & Federales”; “Antítesis”; “Sudestada”; “Cooperativa Infantil de Acción”; “La Gramática de la Rebelión”.
Shaila está integrada por: Joaquín Guillén (voz), Pablo Coniglio (bajo y coros), Yasser (guitarra), Santiago Tortora (guitarra), y Guido X (batería). Sin dudas, si algo define a este grupo es la coherencia entre su música y lo que hacen y dicen. El contenido de sus canciones se proyecta en recitales solidarios, en su propio sello SPE Discos (Speed Power Emotion), y en la administración de su sala de ensayo como espacio de trabajo.
Para informarte sobre agenda completa, concursos, últimas noticias y entrevistas exclusivas ingresa a www.bestiario.com.ar
MALTRATO
Se encuentra en un año de gran actividad. A la intensa difusión de la banda por diversos medios se suma el trabajo de pre producción al cual se encuentra abocado la banda para editar su primer disco completo durante el 2011. Una de las escasas presentaciones que hará el grupo durante este año tendrá lugar el próximo sábado 4 de septiembre en Club R.
MALTRATO es una banda de rock con un beat muy positivo y letras que abordan temas como el amor, las experiencias de vida y las relaciones interpersonales.
La banda nació en el 2003 en Córdoba cuando Shor (guitarra/voz) y Rigo (batería) se conocieron escribiendo los primeros temas.
Además de compartir escenario con grandes bandas a nivel nacional e internacional, uno de los momentos más significativos del grupo fue la participación en la edición 2008 de Cosquín Rock, momento en que presentaron un show con mucha energía y dinamismo para el público presente.
Durante los últimos años MALTRATO se ha superado como banda para convertirse en un grupo de trabajo, al cual se han integrado profesionales de la música que hacen que los shows tengan un mayor despliegue y una puesta en escena cada vez mejor.
Durante el 2009 MALTRATO registró un disco que finalmente no vió la luz de manera oficial. Parte de ese material fue editado en un EP bajo el sello BESTIARIO e ingresó en el catálogo de una colección de singles que lleva adelante dicho sello. Los temas que integran el EP son: “Nena Te Fuiste”, “Vos lo Sabías” (canción que cuenta con la participación de Mario “Pajaro” Gómez, cantante de Vilma Palma e Vampiros) y “1000 Hojas”.
Actualmente el grupo se encuentra dando los detalles finales a un segundo EP, también editado bajo el sello BESTIARIO, que además de contener dos canciones originales del grupo incluirá una versión al estilo MALTRATO de un tema muy conocido. A fines de este 2010 la banda volverá a estudio, para comenzar a registrar su primer disco oficial con nuevas canciones y melodías.
El próximo 4 de septiembre MALTRATO se presenta en Club R repasando todos sus temas en un show apto para todo público y que dará inicio a las 19:00 hs puntual.
Para más información, podes visitar: www.myspace.com/maltratocba o contactarte a: clubmaltrato@hotmail.com, donde podrás participar de sorteos de discos, remeras y calcos de la banda, siendo parte del club de fans.
SANCAMALEÓN
Nuevo disco gratis y en cuotas
Sancamaleon edita su tercer disco, en la modalidad de libre descarga y liberando dos canciones por semana. Como punto final de este fixture, el 14 de septiembre lo presentan en
“Afuera” fue producido por El Chávez y grabado en los estudios Del abasto al Pasto y Nómade.
La formación actual de Sancamaleón es Fede Cabral (voz), Diego Fares (guitarra), Román Montanaro (percusión), Nicanor Ramírez Araujo (batería), Santiago Zárate (bajo) y Franco Brisioli (teclados).
Descargá las canciones en www.sancamaleon.com.ar
El 31 de julio lanzó su disco “ACA Y AHORA” y recientemente culminó un tour por Europa.
La banda oriunda de Haedo realizó el lanzamiento de su último trabajo discográfico “ACÁ Y AHORA” a fines de julio. Su presentación se llevó a cabo en Italia y Alemania, con una gira qu
e comenzó a principios del mes en cuestión y se extendió hasta mediados de agosto.
Editado bajo el sello PIRCA records y distribuido por Universal Music Latinos, “ACA Y AHORA” es el nombre del tercer disco del grupo, producido por Fabrizio Barbacci, quien también ha trabajado con Roy Paci y NEGRITA (banda con la que
Este nuevo trabajo, contiene una amplia variedad de canciones, tanto en sus letras como en su música. Hablan de la sociedad en la que vivimos y el medio ambiente (“Rumbo”), sin olvidar cantarle a los amores y desamores (“Me veo a mí”, “Nos faltaremos”). También, incluye una versión de “Como el río” junto a Paolo “Pau” Bruni, cantante de NEGRITA; y la participación de Emiliano Brancciari, líder de NTVG, en “Liberando Males”.
El primer corte de difusión es “Ilegal”, tema que hace referencia a la generación de conciencia frente al cuidado del mundo y lo natural.
Por otro lado, desde el 8 de julio hasta el 12 de agosto, se realizó la séptima visita de la banda al continente europeo. Los destinos fijados fueron Verona, Assisi,Bari, Agerola, Dresden y Bremen, entre otras ciudades.
Quedará para el 1 de octubre la presentación oficial de “ACA Y AHORA” en nuestro pais, en THE ROXY LIVE, Bs.As
TRIBUTO TANGUERO A LOS REDONDOS
La música del Indio Solari y Skay Beilinson caló fuerte en una nueva generación de tangueros que encontraron en las atmósferas de sus letras y en su estética un espacio de referencia para sus propias creaciones en el tango. Ahora ese cruce cultural se reflejará en Tangos Ricoteros, un tributo de la orquesta Ciudad Baigón a la estética urbana de los Redondos. La joven típica inspirada en Pugliese y que se bautizó con el nombre de una canción del Indio, ofrecerá un recorrido por covers de los Redondos en clave tanguera, junto a otros protagonistas de la nueva escena, como 34 Puñaladas, Astillero,
DE JÓVENES REBELDES A ADULTOS BURGUESES
El reposo del rockero
Los músicos locales optan por vidas sanas. Se casan y abandonan el frenesí de las giras. La intransigencia del converso. ¿Moda pasajera o férrea convicción?
Por Florencia Canale Revista 23
Hace cincuenta años y en
El tiempo pasó y en estas tierras, algunos exponentes –la edad desvela la excusa– eligieron el camino que se bifurca en busca de vidas con ansias de reposo.
Hace unos días Andrés Calamaro le daba el sí a Julieta Cardinali en el Registro Civil de la calle Uruguay, luego de cinco años de relación y una hija en común. El rocker de 49 años vivió una vida digna de su vocación. Fue el tecladista joven de los mitos, hasta que se tiró a la pileta del solista. Consumió y arengó algunas sustancias, hasta que el susto lo llevó a distanciarse de ellas. Y como toda star que se precie de tal, exaltó corazones femeninos hasta que apareció en su vida la rubia Julieta. Atrás quedó el gusto por las ninfas y la bohemia, desensillando en la vida burguesa del padre de familia.
Nadie hubiera dicho que el ícono de la vida en clave de trash lograra la transformación más fuerte como si nada pasara. Charly García logró abandonar las remeras rotas y sucias –además de una vida entera llena de excesos– y calzarse trajes oscuros caros, como el mejor de los yuppies de los noventa. Y ni qué hablar de las sesiones de gimnasia diarias, en contraposición con aquellas jornadas de teclado, aerosol y whisky. García, de la mano de Palito Ortega y una internación, logró abandonar los rituales del rock & roll para abrazar los de la vida zen.
Gustavo Cordera es otro ejemplar domado. “Pagué carísimo el éxito, en cuerpo y alma”, hubo de decir luego de navegar en la cresta de la ola musical. La medicación que salvó al ex Bersuit fue una mudanza con su mujer y sus tres hijos hacia el balneario de
Unos meses después del último estrépito de García, Fabiana Cantilo protagonizaba un escandalete en un hotel del sur argentino, casi clonado al de su amigo rocker. Y después la internación, mudanza a lo de su madre y cuidados esmerados de su entorno. Abandonó por un tiempo la música, se dedicó a la pintura, y de a poco recuperó las ganas de subir a un escenario. Sin embargo, la desmesura de antaño prefirió sacársela del cuerpo. “Los psicólogos me ayudan a estar mejor, he ido a esos grupos anónimos de ayuda. Ahora pasó la etapa de ser canchero por cometer excesos. Casi todo el mundo está recuperado o tratando de de recuperarse. Ya no salgo, estoy grande. Leo, veo mucho cine, series graciosas, nado.” Así es feliz, ahora, Fabi Cantilo.
Ricardo Mollo es el líder de Divididos. Otros eran los tiempos en que el guitarrista acariciaba lo áspero. Mucho rocanrol en la era junto a su novia de entonces, Érica García. Hasta que llegó a su vida el pop latino de Natalia Oreiro y cambió los ensayos con alcohol de diversas cataduras por gaseosas con hielo. Vive en una casona palermitana, es vegetariano y veranea en playas uruguayas.
Fenna Della Maggiora siempre secundó a otros artistas: acompañó a Horacio Fontova en los primeros tiempos, y luego, además de tocar con Fito Páez, compartió morada. Célebres son las anécdotas de los amigos durante esos tiempos aguerridos en festejos. Pero la fiesta rockera parece haber llegado a su fin para Della Maggiora, quien acaba de publicar un libro infantil, Cuentos para leerle a la luna. “Empecé a gestarlo mientras inventaba cuentos ‘instantáneos’ para distraer a mi hija Nina. Surgieron en situaciones en las que había que cambiar un conflicto por un juego. Viajes largos, noches difíciles, gripes o berrinches. Después me puse a ilustrarlos a toda máquina, durante ocho meses”, contó el novel escritor. Prefirió las mieles del amor y la crianza, al vértigo rockero que abundaran en su vida anterior.
Iván Noble era el ejemplo más absoluto del rockero del conurbano: morocho, guarro e intransigente. Eran los instantes de Los Caballeros de
Los guerreros prefieren reposar. Será el peso de los años, tal vez la factura que pasa el descontrol. O tan sólo el devenir lógico de la vida. Mucha furia rebelde en la juventud termina en las delicias burguesas.
PEZ EN
“Nunca pensamos en ser estrellas de rock, nunca tuvimos esa meta”
La banda comandada por Ariel Minimal muestra su último CD
www.elargentino.com
"Es nuestra forma de vida. Amamos la música y nos gusta la música que hacemos entre los cuatro integrantes de Pez", remarca durante la entrevista con Diagonales Franco "Poli" Barbieri, baterista fundacional de esta banda de rock que esta noche, a las 21, en el Teatro Sala Ópera (58 entre 10 y 11) presentará su último trabajo, "el CD intitulado, el que no tiene nombre". Pero tal como ocurre en todos los shows del grupo "la mayor parte de las canciones del set van a ser del último disco, pero al tener tantos discos y al no poder ir tan seguido a determinados lugares hacemos un repaso de toda la carrera". Con El porvenir (2009) todavía caliente, Pez editó este año un disco sin nombre al que muchos bautizaron Pez. Inquietos, en este 2010 también participaron del proyecto de Litto Nebbia, Una celebración del rock argentino, en el que distintos grupos y solistas a lo largo de 9 discos tributan al rock vernáculo.
–¿Cómo surgió la posibilidad de participar del box set homenaje al rock nacional que dirigió Litto Nebbia?
–Estuvo buenísimo y en realidad eso pasó hace un montón de tiempo, tres o cuatro años desde que lo grabamos. En ese momento, Ariel tocaba con Litto y nos enteramos que estaba haciendo eso, nos ofreció sumarnos y estaba rebueno, era divertido, teníamos el estudio armado o sea que fue súper natural. Lo grabamos y después nos olvidamos. Incluso pensamos: "por ahí no sale". Hace poco salió y está bueno. La edición es lindísima, la cajita, todo.
–¿Las canciones las eligieron ustedes (N.d.R.: "Parvas" de Almendra y "Una casa con diez pinos" de Manal?
–Sí, las elegimos nosotros. De hecho eran canciones que nosotros en algún show ya habíamos tocado o que más o menos las teníamos ensayadas. Y nos propusieron: "hay que hacer canciones del rock nacional", "nosotros queremos hacer estas, ¿se puede?", "Sí", y entonces las grabamos.
–Las bandas que eligieron se corresponden a años muy presentes en la música de Pez.
–Es que nos gusta más la música de ese entonces que la de ahora. Así que de algún modo nos vemos influenciados indirectamente o inconscientemente por esas cosas. Además tenemos instrumentos acordes a ésa época, instrumentos viejos, como que todo colabora para que suene parecido al rock de aquellos años.
–En 2008, editaron el primer DVD de la banda. ¿Por qué se decidieron a hacerlo?
–Es el segundo, pero el primero oficial. El primero fue por el año 2000, y lo armó un chico, Ezequiel Muñoz, con imágenes que tenía nuestras, y fue como medio pirata. No lo editamos pero como que circuló un poco. De manera oficial, sí Sesiones de espiritismo (2008) fue el primero y nos sirvió para mostrar como grabábamos nosotros. Después se fueron sumando cosas: "por qué no le metemos algún tema en vivo y algún tema preparándolo en el ensayo", se fue armando de a poco.
–Teniendo en cuenta que no tienen una gran discográfica detrás, decir lanzar un DVD se transforma en una apuesta interesante.
–Sí, con ese DVD nosotros no ganamos un centavo. Lo hicimos por el amor de hacerlo, porque lanzar un DVD es más caro que un CD, ya sea desde el costo de filmación o en la fabricación. Hicimos una tirada más o menos corta de 1000 unidades y se agotaron, y la verdad es que nos piden que reeditemos pero no tuvimos la capacidad económica de hacerlo porque hay un montón cosas para reeditar y otras nuevas por hacer.
–¿Tienen alguna postura tomada con respecto a la transferencia de música por Internet?
–Para nosotros es un beneficio. No contamos con ningún aparato de difusión, ni compañías que nos pongan sonando en la radio 24 horas, entonces el hecho de estar todo el tiempo con videos en Youtube o en Taringa con discos para bajarse a nosotros nos suma en público, y hoy por hoy lo que más ayuda a un artista a poder vivir de la música son los shows. Así que Internet nos suma en cantidad de público y a la gente cuando le gusta la banda y va a los recitales y tiene el objeto, si le gustó se lo compra.
–Pez tiene casi 17 años de ruta, ¿qué los mueve a seguir insistiendo?
–No lo tomamos como algo obstinado o de insistencia para llegar hasta algún lado. Es nuestra forma de vida. Amamos la música y nos gusta la música que hacemos entre los cuatro integrantes de Pez. Y como que este equipo juega bien, nos llevamos bien, sabemos tocar la pelota, y hacemos eso todo el día, por eso a nadie se le ocurre hacer otra cosa. Sí tener proyectos paralelos, Ariel tiene sus proyectos, yo tengo los míos, pero el alma madre es Pez. Muchos grupos se arman pensando en llegar a tal lado y es difícil llegar hasta donde vos creés que vas a llegar, te frustrás y abandonás. Nunca tuvimos esa meta, pensar en ser estrellas de rock.
ALPHA BLONDY EN ARGENTINA
Vuelve un grande del reggae para presentarse el 3 de Septiembre a las 21 hs. en el Luna Park.
En el contexto de su gira por el continente americano, el cantante de reggae Alpha Blondy, llega al país para hacer un repaso de todos los clásicos de siempre y de los hits de su último álbum Jah Roots.
Seydou Koné, más conocido como Alpha Blondy nació el 1 de enero de 1953 en Dimbokro, Costa de Marfil. Transcurrió su juventud escuchando bandas como The Beatles, Led Zeppelin, Jimi Hendrix y Otis Redding. Pero fue cuando escuchó por primera vez al gran Bob Marley que su mente cambió y decidió volcarse al reggae y hacer canciones de protesta.
Más de 20 años sobre los escenarios y 17 discos a sus espaldas lo convierten en el principal embajador del reggae, y reconocido como el heredero de Marley, con hits como Apartheid is Nazism, Brigadier Sabary, Cocody Rock, Guerre Civile, Jerusalem, Journalistes en danger, Multipartidismo, Politiqui, Yitzhak Rabin, Abortion is a Crime.
En el contexto de su gira por el continente americano, el cantante llega al país para hacer un repaso de todos los clásicos de siempre y de los hits de su último álbum Jah Roots. La cita es el próximo 3 de Septiembre en el estadio Luna Park.
DANCING MOOD LLEGA AL GRAN REX
La orquesta hará un recorrido por la música de estos casi 10 años y presentará temas nuevos.
Dancing Mood, que acaba de editar su nuevo DVD "Los 100 Nicetos", llega a la calle Corrientes para presentar su música en el Teatro Gran Rex el viernes 27 de Agosto.
La orquesta hará un recorrido por la música que vienen haciendo en estos casi 10 años y presentará temas nuevos. Para esta ocasión el invitado a dar conocer es el Sr Rico Rodriguez (Jamaica) trombonista y uno de los creadores del genero Ska!
Tambien Dancing Mood contará con una serie de invitados de diversos géneros para intentar como siempre sorprender a su público.
Hugo Lobo, una vez más se encargó de hacer las partes para los temas que seran interpretados con orquesta y los temas nuevos que se incorporan a la lista de la nueva década que comienza a transitar Dancing Mood, con nuevos sueños y desafíos, al mejor estilo Dancing!
El show si bien contará con la presencia de la orquesta, esta saldrá de escena y dejará espacio para las nuevas sorpresas que Dancing Mood quiere mostrar.
Un escenario emblemático que servirá de marco para un show que promete.
FLEMA NOT DEAD
Flema, el legendario grupo de punk-rock Argentino, lanza luego de 8 años un nuevo material discográfico.
Con 20 años de trayectoria y tras el fallecimiento de su emblemático cantante Ricky Espinosa, la banda volvió a los escenarios y en noviembre de 2007, al cumplirse 20 años de la formación original, Pepe Carballo, Fer Rossi, Gonzalo Díaz Colodrero y Luis Gribaldo se presentaron en vivo, ese show será ahora editado en tres partes, dos cds de audio y un dvd que contendrá un total de 35 canciones que recorren la discografía de la banda.
La primera parte de este material ya esta a la venta bajo el nombre de Flema not Dead - Volumen 1 e incluye 15 canciones. Apoyando el lanzamiento Flema se presenta el próximo 20 de agosto a las 19 Hs en El Teatro (Flores) junto a otro emblema del punk Argentino: 2 minutos.
La banda seguirá luego el 24 de agosto en Willy Dixon de Rosario y al día siguiente se presentan en Club 69 de Córdoba, para partir luego a su primer gira europea que los llevara, durante el mes de octubre, a recorrer: España, Italia, Alemania, Francia y País Vasco.
Se pueden escuchar algunos temas en: www.myspace.com/oficialflema
CORTITAS DEL ROCK DAK
SE SEPARÓ
NONPALIDECE - LUNA ETERNA
Nonpalidece debutó como acto central en el mítico estadio Luna Park con entradas agotadas. Con un extenso show de tres horas y media, continuaron presentando su último disco “El fuego en nosotros”.
Daniel Grosso - Redacción de El Acople
Desde 1996, la banda liderada por Néstor Ramljak (voz) viene dando pasos firmes en su carrera; por eso, cuando comentan que no viven en términos de éxitos no es una frase armada para la ocasión ya que trabajaron seriamente para lograr este reconocimiento. Después de tantos festivales y shows propios hoy se han convertido en uno de los principales referentes de la escena reggae local. Y este nuevo paso sería el más importante de su carrera.
Estaban todos
Cuando se abrieron las puertas del estadio, el público comenzó a colmar las instalaciones del Luna en forma paulatina pero intensa. El clima primaveral ayudaba a que esta fecha tan especial tenga el contexto ideal para un show del género. Entre los presentes, se podía observar gente de la vieja y de la nueva guardia, curiosos, invitados y prensa.
Pasadas la 21.40 se apagaron las luces del estadio, lo que derivó en el griterío y la euforia habitual de sus fanáticos hasta el momento en que los músicos salieron a escena. Una vez que se acomodaron en sus lugares, la larguísima fiesta daría inicio. Como para que el público entrara en calor rápidamente, la banda le regaló un medley instrumental de sus canciones más populares como introducción.
Con la salida de Néstor y la ovación correspondiente, le pegaron “Cierran”, de su disco debut “Dread al control” (2000), a la que le siguieron “Tu recompensa” y “En el aire”. Si bien la banda sonó compacta desde el inicio, el audio hacia al exterior terminó de perfeccionarse en “El ciclo de tu vida”. A partir de ahí, todos los instrumentos se percibieron claramente.
A los Nonpalidece se los notaba felices por esta actualidad y por el momento que estaban viviendo. Sus caras y gestos trasmitían esa alegría, que se multiplicaban cuando tocaban las coreables “Dame luz” y “Danger man”. Como era de esperar, su cantante fue el más expresivo y quién tuvo más cerca a sus fans. Por ejemplo, su latiguillo “se siente el reggae” lo utilizaba cuando la masa bajaba su intensidad.
Los shows permanentes por el Gran Buenos Aires, por las distintas provincias y las visitas a Costa Rica, Puerto Rico, México y Panamá, le dan una solidez impresionante a la banda. En cada acorde y en cada canción se deja entrever esta seguridad musical. A su vez, el público se garantiza un espectáculo de nivel internacional.
“Siempre fui muy fana de su banda y una de las personas que más me influenciaron”, dijoNéstor sobre Ricardo Tapia, de
Desde otro lugar
Tras cinco minutos de relax llegó el período acústico e intimista de la noche, en donde los invitados tuvieron una participación central. Luis Alfa, en percusión (Resistencia Suburbana), Sergio Colombo, en voz y saxo (El Natty Combo) y Darío Alturria, en voz (Kameleba) y su amigos brasileros Rogerio Kuplich y Marzo Couto (están de gira con la banda), le pusieron todo su color y características personales.
Primero pasó la bella “Love Song”, con Colombo en un rol fundamental, luego “Mr. Musik”, con Darío y sus cualidades vocales, y para continuar, “Libre al fin”, con los solos pasionales de Rogerio. Las butacas, ubicadas en forma de ronda, le daban el clima necesario a este hermoso momento. El cierre fue con un tema de Marzo, “Lua”, con esos aires tan típicos de las tierras cariocas.
Después de este cálido momento, volvió la banda en su plenitud para despacharse con las últimas melodías de la noche. A pesar del largo espectáculo, el público estaba más festivo que nunca, especialmente cuando sonaban clásicos como “Nuestras ideas”, “Tu presencia” y “Para donde corres”. Néstor les daba el lugar necesario para que cantaran a capella y se sientan una parte importante de este suceso.
También interactuó con su gente haciéndolos mover de un lado a otro al ritmo de un puro ska. Con todo el estadio encendido se despidieron con su himno más emblemático, “La flor”, que el público extrajo para ser su caballito de batalla con el “Dale, dale, Nonpa…”. Con Marzo en voz cerraron la velada con una parte de “I don't wanna wait in vain for your love”, de Bob Marley.
Por lo general, cuando una banda llega a un punto máximo en su carrera, tiende a relajarse y a vivir de las mieles del éxito. Esto puede derivar en caminos pantanosos de complejo retorno, aunque si logran sortear ese obstáculo el futuro será tan o más auspicioso que el actual. Por el trabajo continuo y la seriedad que demostraron durante estos años, los Nonpalidece difícilmente caigan en ese círculo maligno.
SKA-P EN OCTUBRE
La legendaria banda española vuelve a
Federico Durán - Redacción de El Acople
Ska-P hace escala en nuestro país dentro de su gira 2010, realizando su presentación el 31 de octubre. ¿El sitio en donde se llevará a cabo el evento? A confirmar.
Recordemos que la última vez del conjunto español en tierras porteñas, fue nada más y nada menos que en el clausurado Club Ciudad de Buenos Aires. En la fecha original, pautada para noviembre del 2008, se habían producido incidentes entre los fans del grupo y la policía, luego de suspenderse el show debido a un temporal que azotó a
Actualmente, la banda de ska está girando por el continente europeo, tocando en países vecinos como Francia, Italia y Alemania, mientras que para mediados de octubre tienen planeado pasar por Inglaterra.
Una vez que la seguidilla de recitales finalice, Ska-P se pondrá a trabajar en lo que será el sucesor de "Lágrimas y gozos", su último disco de estudio.
FUTURA LEY NACIONAL DE
Una ley como se nos canta
El proyecto de Ley Nacional de
Por Luis Paz para Suple NO Pagina/12
Más de cuatro años les llevó a cientos de músicos consensuar los siete principales puntos de una posible futura Ley Nacional de
1. Creación del Instituto Nacional de
2. Que el 50 por ciento de los beneficios que otorgue el Instituto sea en herramientas que solucionen el proceso productivo musical.
3. Creación de circuitos estables de música en vivo en cada región.
4. Participación de las distintas regiones en los beneficios otorgados por el Instituto.
5. Mejora de la difusión de música nacional en medios de comunicación.
6. Creación de un circuito cultural social con función de acercamiento de las expresiones musicales a sectores con escaso o nulo acceso a ellas.
7. Formación integral del músico, con conocimiento profundo y organizado en los derechos intelectuales y laborales.
Cuatro años atrás, cuando comenzaban a poner en común estas ideas, un decreto reglamentaba
Tras numerosas idas y vueltas, más por capricho burocrático que por voluntad de los músicos, finalmente el proyecto fue presentado al Senado de
Esta es, hoy, nuestra nueva Ley de Servicios de Comunicación Audiovisual. Esto que alguna vez fue quimera de unos cuantos obstinados agrupados en
HOMENAJE AL PADRE DEL ROC DAK
Sandro es homenajeado, en su primer cumpleaños después de muerto
En el recuerdo de sus fans, apodadas "las nenas", quedará el saludo que cada cumpleaños Sandro daba en la puerta de su casa, en la localidad bonaerense de Banfield. Porque este 19 de agosto, por primera vez "el gitano" no está entre su público. Aunque tendrá, por supuesto, su merecido homenaje.
El cantante, fallecido en enero de este año, habría cumplido hoy 65 años. Y si cada día de conmemoración de su natalicio su público se reunía en las puertas de su casona de Banfield, esta vez también lo hará, aunque Sandro no esté físicamente entre sus admiradoras.
Además, a las 19, se descubrirá una placa en el teatro Gran Rex de
Así, en el primer aniversario de su nacimiento tras la muerte del ídolo, se lo verá nuevamente en la pantalla de televisión. Esta noche, a las 22, Volver emitirá "Subí que te llevo", un filme clásico de su trayectoria realizado en 1980, con el cantant
e y María del Carmen Valenzuela como protagonistas principales.
Sandro murió en enero pasado, tras muchos años de padecimiento por un enfisema pulmonar crónico. Su cuerpo no toleró un doble trasplante de corazón y pulmón que se le realizó en Mendoza y se vio complicado por una infección que requirió de varias intervenciones hasta llegar el fallecimiento.
ATTAQUE 77 REGRESA A LAS FIESTAS CLANDESTINAS
Después de haber presentado su nuevo disco en el Teatro Flores, y tras su paso por el festival mexicano Vive Latino, Attaque 77 regresa a las Fiestas Clandestinas en Groove.
El trío Martínez-Scaglione-De Cecco presentó, en noviembre pasado, el decimocuarto disco de Attaque 77 titulado "Estallar".
Este nuevo álbum, el primero tras la partida de Ciro Pertusi,
fue grabado y mezclado en el Estudio Tierra de Nadie (Córdoba) y producido artísticamente por Mariano Martínez.
Está compuesto por 15 canciones inéditas y un bonus track, producto de un concurso realizado en el programa de Mario Pergolini de
La presentación de "Estallar" llevó a la banda a realizar su primera presentación en el mítico estadio Luna Park en noviembre pasado y a llenar dos teatros recientemente, y ahora es el turno de las Fiestas Clandestinas, donde Attaque se presentará el sábado 21 de agosto en Groove, en Avenida Santa Fe 4389 de
ERIC CLAPTON
Se reúne con Sheryl Crow en un nuevo álbum
Eric Clapton lanzará un nuevo disco soli
sta luego de cinco años el 28 de septiembre, informó el miércoles su sello Reprise Records.
"Clapton", el disco 19 de estudio del guitarrista de rock, incluye apariciones de su ex novia y colega Sheryl Crow y de su ex compañero en el grupo Blind Faith Steve Winwood, entre otros.
"Es una colección ecléctica de canciones que realmente no están en el mapa, y me gusta mucho debido a que si es una sorpresa para los admiradores es sólo porque también lo es para mí", señaló el artista inglés en un comunicado.
Entre otros invitados del disco de 14 temas figuran el trompetista de jazz Wynton Marsalis, el ícono R&B de Nueva Orleans Allen Toussaint y el guitarrista de Allman Brothers Derek Trucks. Clapton produjo el álbum junto a su colaborador de larga data Doyle Bramhall II.
Clapton y Crow tuvieron un breve romance a fines de la década de 1990 y presuntamente le dedicó su canción "My Favorite Mistake". En los años posteriores a su relación han tocado juntos.
Su última producción solista, "Back Home", debutó en el puesto 13 de entre 200 discos de la revista Billboard en septiembre del 2005 con 59.000 copias.
La cifra significó una br
usca caída de su quinto puesto, alcanzado en el 2001 con las 102.000 unidades del disco "Reptile". En el 2006, se unió a J.J. Cale para "The Road to Escondido", que debutó en el puesto 34 con 43.000 copias.
ROCK IN RIO: CONFIRMADO
El mítico festival internacional de rock será en septiembre del año que viene, durará 6 días y ya está elegido el predio en que se realizará.
El multitudinario festival de música Rock in Río regresará en
La octava edición del festival, organizado por primera vez en Río en 1985, se realizará el
último fin de semana de septiembre y el primero de octubre del año que viene, anunciaron el alcalde de la ciudad, Eduardo Paes, y el empresario brasileño Roberto Medina, propietario de los derechos del festival.
La intención de la organización y de la alcaldía es que el Rock in Río se establezca en la ciudad brasileña de forma regular cada dos años a partir de 2011, según dijeron Medina y Paes.
El alcalde agregó que se estudiará la organización de ediciones especiales en años alternativos para coincidir con grandes eventos que tengan lugar en la ciudad, como los Juegos Olímpicos de 2016.
Para la próxima edición, la organización espera congregar a 120.000 espectadores en cada uno de los seis días de conciertos, en los que habrá un programa con 14 horas diarias de espectáculos.
Medina explicó en una rueda de prensa que se cel
ebrarán varios días temáticos, dedicados al "heavy metal", a la música electrónica y al pop, entre otros estilos.
Se repetirán fórmulas ya utilizadas en ediciones anteriores del festival, como la organización de un escenario en el que músicos de diferentes estilos se unirán para actuar juntos de forma puntual.
También se instalará en el recinto una noria y otras atracciones y se dedicará un espacio a la celebración de desfiles de moda, entre otros espectáculos.
Con una inversión de 34 millones de dólares, la alcaldía de Río va a edificar y preparar el terreno del festival, que ocupará un área de 150 mil metros cuadrados.
Después del festival, el recinto se convertirá en un espacio multiuso y en 2016 se utilizará como parte de las instalaciones de
El Rock in Rio realizó sus tres primeras ediciones en la ciudad brasileña en 1985, 1991 y 2001, antes de trasladarse a Lisboa, donde se dio cita en solitario en 2004 y 2006.
Sus últimas dos ediciones, la de 2008 y la de este año, el festival se ha realizado de forma alternativa en la capital portuguesa y en Madrid. En sus varias ediciones en Río, el festival ha reunido a artistas como Queen, AC/DC, R.E.M., Foo Fighters, Guns N' Roses y Red Hot Chilli Peppers.
Este año, recibió a Bon Jovi, Shakira, Elton John, Muse y Snow Patrol, entre otros artistas, en sus sendas ediciones madrileña y lisboeta.
CATUPECU HIZO TRANSPIRAR EL ALMA
La banda presentó "Simetría de Moebius" ante tres mil personas en el Orfeo y demostró que se puede ser otra cosa en el rock argentino. Crónica y fotos.
Germán Arrascaeta para suplemento VOS
Transpirar el alma. Quebrar razón. El mundo de Catupecu Machu está repleto de intangibles por el estilo. Y éstos se vuelven palpables a partir de una noción de rock febril, rebuscado, empecinado en huir del lugar común. El domingo a la noche, el cuarteto de Fernando Ruiz Díaz aparcó en el Orfeo ese milagro, esa pretensión de querer ser otra cosa en este
amesetado rock argentino. Ser otra cosa es armar un set simétrico, en sintonía con la obra a presentar (Simetría de Moebius): en los extremos, equipos de viola y bajo, porque los que van al frente (Fernando y Sebastián Cáceres) alternan esos instrumentos o tocan uno de ellos al unísono. Ser otra cosa es empezar el show con repertorio novedoso y retorcido, sinuoso al extremo de comprometer la tolerancia de un público hecho a la luz de hits de antaño. Ser otra cosa es alternar los registros, empezar seudo progresivos (Confusión, Anacrusa, Preludio), promediar con algo que se podría aproximar a un “flamenco industrial”, con Fernando tocando una criolla con más instinto y pasión que virtuosismo (Batalla es la improbable cruza entre Tomatito y Trent Reznor), y terminar como tecnorrockers enfermitos, como sobrevivientes de lo que Leo García llama la “pasty party” (Origen extremo). Ser otra cosa es armar un show para conjurar males perennes (la lenta recuperación de Gabriel Ruiz Díaz, el incierto destino de Gustavo Cerati) más que para facturar por vía del efectismo barato. Y ser otra cosa es tener un look que dialogue con la puesta en escena art decó; hay que decirlo, el dark glamity de los músicos distingue y cierra por todos lados.
Catupecu agitó su singularidad, su “otredad”, ante casi 3000 personas, obligadas primero a escuchar los últimos caprichos generados por estados de ánimos alterado
s para luego ser recompensadas al final con una catarata de éxitos concebidos en épocas de mayores formalismos. Este no es un grupo lineal, ni su vocalista renuncia a su desbordante intensidad para intentar algo melodioso. El tipo tiene ese registro carrasposo y… Y es lo que hay. Si Fernando cantara, Catupecu sería incuestionable.
Detalles de otro concierto riesgoso de Catupecu Machu: una versión de Persiana americana a capella, y otra con banda de Seguir viviendo sin tu amor, de Spinetta. Antes, se había filtrado un verso de Hablando a tu corazón, del proyecto Tango (Charly García – Pedro Aznar). Apenas guiños a una tradición, la de rock & pop nacional, que este grupo (completado por los personalísimos Macabre en teclados y Herrlein en batería) está empeñado en desafiar desde el respeto. Porque Catupecu Machu representa con dignidad la resurrección de algo que se había desgastado por morderse su propia cola: el rock alternativo. Ojalá la cinta de Moebius nos lleve de nuevo a otra noche como la del domingo.
VICENTICO ESTRENA CANCIÓN
El ex Fabulosos Cadillacs promociona su cuarto disco solista con "Solo un momento", el primer corte de difusión.
Redacción Suplemento VOS
Tan lejos y tan cerca de las luces que marcaron la gira de retorno de Los Fabulosos Cadillacs, Vicentico vuelve a editar un disco con su nombre como estandarte, demostrando que hay vida artística después del cimbronazo de volver a tocar para miles en toda Latinoamérica.
El 28 de septiembre es el día elegido para que llegue a las disquerías Solo un momento, un álbum que juega desde el título con los diferentes sentidos atribuibles a la frase (¿habla de estar en soledad durante un instante o de algo que sucede únicamente durante un lapso de tiempo?), pero que lo vuelve a mostrar como un cantautor efectivo. Al menos a priori.
Porque si bien para que salga el cuarto trabajo solista de Vicentico todavía faltan unas cuantas semanas, ya se puede escuchar el pr
imer corte, que lleva el mismo título que el CD y tiene rotación radial a partir de esta semana.
“¿Cuál es aquel camino que tengo que tomar? / Si sólo hay un destino al que puedo llegar / Si siempre viajé solo / Y siempre vos fuiste mi faro en la ciudad”, se lo escucha cantar y cuestionarse al artista, que también se propone dar “una última mirada hacia atrás” antes de seguir.
SER HEAVIES HOY
Subescenas locales, cultos internacionales y posibles destinos de
Por Federico Fahsbender
Para el único género totalmente al costado de la historia del rock nacional, o el único género que el mainstream no puede cooptar y tragar, el presente es una escena dividida en la que nadie convoca demasiado, salvo que ese alguien venga de afuera.
Hoy, por ejemplo
, el tag "metal" en el site de Ticketek excede cualquier otro: la oferta extranjera marea. Y la lista se expande con dos o tres nombres por mes. Y en los últimos seis años, desde Sabbath con Dio, Motörhead y Slayer, hasta Faith No More en su regreso, vinieron todos los que importan (y también Iron Maiden y Metallica).
La lista se expande con dos o tres nombres por mes. El Teatro de Flores o Colegiales principalmente, o un Luna Park si tu nombre es Megadeth o Dream Theater, la única banda relativamente reciente que creció más allá de todo pronóstico en Buenos Aires. Y el plan internacional funciona porque el heav
y metal es internacionalista, es una cultura alimentada a fuerza de LPs importados, servicios de mail-order o rapidshare.
Los nuevos valores mundiales, como As I Lay Dying o Job For a Cowboy van a Super Rock en calle Sarmiento, donde entran quinientos, por ley. Y en esos shows, las bandas del barrio están de invitadas, pero los chicos rara vez vuelven a verlos, porque ya están grandes y el metal es su nostalgia retro. Tampoco hay un gran sello, un billete fuerte. Los históricos potentes que siguen la línea de descendencia de V8, como Almafuerte y Logos, o trabajadores como Tren Loco, se editan a ellos mismos. Horcas firmó con una subsidiaria de Pop Art, aunque no pasó mucho. Y los que intentan derrocar esa tradición, en sus escenas aisladas entre sí, en gigs subterráneos con cerveza de litro a 12 pesos, son la proteína que mantiene al movimiento vivo.
Mastifal hace quince años que pretende el trono y tiene con qué. Su thrash-death enfermo y modernizado puede llenar un El Teatro de Colegiales. Imperio es el referente del power metal, o metal súper veloz, armónico y con grandes solos también. En estas bandas, el espíritu del típico heavy metal nacional, esa comunión de escena, existe más allá de Alm
afuerte. Están las motoqueras de cuero.
También están Los Natas, y Natas es metal, aunque no exista en su fórmula ese machaque y doble bombo que hace que el chivo fluya debajo de las motoqueras. Detrás de ellos se encolumna el resto de la escena stoner, en ciclos como Motoclub o las Nasty Mondays montadas por el Topo Armetta, ex Massacre y al frente de Dragonauta, que son como los héroes en este lío.
A la esfera metalcore, los heavies reglamentarios que también despreciaron el nü metal no la soportan tampoco, porque les parece demasiado moderna. Ahí, Anomalía o Dead Warrior son referentes y sus funciones en Asbury o Red Bell tienen algo que el heavy nacional nunca tuvo en exceso: chicas. Van las chicas. Asbury en Flores y Red Bell en Microcentro, con caño de baile y tragamonedas que no da monedas, es donde se concentra todo. Los heavies argentinos son criaturas de hábito, abrir un nuevo point en Capital se complica. Y en provincia, bandas como Metalepsis o Makinación, con discurso crudo y antipolicial, más crews como los Guerreros del Norte, con un vestuario tipo orco de El Señor de los anillos y cadenas que les cuelgan, concentran en una anfetamina más rabiosa la voluntad de destruir al sistema que V8 explicitaba tan bien. Ahí el espíritu se pone extremo. Es metal en s
erio.
LOS CINCO INDISPENSABLES DEL METAL CRIOLLO
Cinco discos de heavy metal argento que no pueden faltar en ninguna discoteca.
Fuente: Revista RS Argentina
Riff - Ruedas de metal (1980)
Ruedas de metal fue un sopapo. Tremendo, importante y necesario. Cuando salió, en 1981, significó la aparición de un rock pesado que acá no existía, porque Riff fue siempre una banda de hard rock, nunca fue heavy metal, aunque su estética prestara a confusión. El disco fue un tremendo sopapo a la realidad de nuestro rock: en ese
abanico que iba desde
mpezaron a tocar y por momentos eso era Saxon. Bueno, al punto de que Ruedas de metal era Wheels of Steel de Saxon, no jodamos.
Riff también era ver a Pappo en otra faceta. Y tenía además todo aquello que traía Michel Peyronel, por haber viajado y vivido en Europa, por haber estado en las primeras bandas francesas de rock pesado. La imagen de Vitico era increíble: pantalones de cuero, remera negra, pelo muy corto; parecía que había bajado del avión recién. Y en la otra guitarra, acompañando a Pappo, tenían toda la densidad que entregaba un tipo como Boff Serafine
. Un guitarrista rítmico descomunal, que después no sólo fue la apoyatura de Pappo, sino que aportó un sonido para Riff, agregándole muchas cosas con su desarrollo y su crecimiento musical. Porque Pappo era dedo, corazón y cabeza, era "dame una Gibson y yo la voy a hacer sonar como pocos en el país", y Boff era los pedales, los efectos, la búsqueda de sonido.
Ruedas de metal era un disco que tenía la frescura de algo que llega y es impensado y provoca y rompe con lo que estaba sucediendo. Temas como "Mucho por hacer" eran para usar en la movida. Si uno se sentía rockero y le gustaba el rock pesado, las guitarras distorsionadas y que la batería golpeara, esa canción era una declaración de principios. Estaba "Sord
idez", un tema que cantaba Vitico, uno de esos rocanroles que a él le gustan, bien derechitos, con esa manera de tocar que te lleva ahí, dos-tres, y que no deja de tener el machaque permanente entre bajo y batería.
Después, "El marqués bajo la luz" se transformó en una de las canciones más queridas de Riff, un track insoluble. "Donde está el marqués / y
o me veo los pies / yo me veo los pies bajo la luz", decía la letra. Era un delirio que sólo Pappo podía componer y que tenía en el hecho musical la fuerza de una letra que uno la lee sola y dice: "¿Quién carajo escribió esto?". Michel era la ficción llevada al rock, pero Pappo era eso: "No detenga su motor"; y después le agregaba: "E investigue su interior". Esa insólita manera de pegar frases. También está "Rayo luminoso", que es una de esas típicas canciones hard rock que no llegan a ser metaleras, pero que están rozando el género todo el tiempo. A mí me da esa sensación. Y "Boff, no puedo soportarlo más" para mí era un rockazo, aunque no lo tocaban nunca en vivo.
Sin duda, Ruedas... es un disco clave, para escuchar completo un rato largo. Cuando salió, lo reproducíamos en vinilo, con todo lo que eso representaba. Sonaban las guitarras distorsionadas, pesadas, ese rock potente, duro, que siempre fue ninguneado en Argentina. Este disco le dio frescura a un momento de mucho jazz rock, de mucho "mirá cómo toco", de esnobismo, y de pronto apareció esto. Volvíamos otra vez a caminar la calle, y si bien cada movida tiene su uniforme, éste era un uniforme que nos quedaba mejor, que nos qued
aba más cómodo.
Por Norberto Verea
V8 - Luchando por el metal (1983)
No es difícil detectar que la inspiración automovilística del nombre V8 (motor de ocho cilindros) provenía de Motörhead. Incluso la tapa de Luchando por el metal tiene relación con la del álbum debut de la banda de Lemmy Kilmister, Motörhead (1977). Ricardo Iorio era el ideólogo indiscutido de V8, una banda que, antes de llegar a lo que podríamos considerar la formación clásica de su primer álbum (Iorio-Civile-Rowek- Zamarbide), ya había pasado por varias alineaciones. Pero lo que en realidad adoptaba el bajista para su grupo era el ideario de Lemmy, antes que una traslación más o menos literal de su música. Lo que haría V8, de la misma manera que lo h
abía hecho Motörhead algunos años antes, sería propulsar el heavy metal con adrenalina punk y sembrar la semilla del speed metal y el thrash metal. El amor de V8 por los fierros y por la iconografía motoquera (ropas de cuero, tachas, pelos largos) los excluía de pertenecer al punk como movimiento -además, la precisión y complejidad de algunos arreglos denotan la influencia casi "progresiva" de grupos de la "New Wave Of British Heavy Metal", como Iron Maiden, Saxon y Judas Priest-; sin embargo, la velocidad de su música, la furia antisistema, la actitud confrontativa contra la anterior generación rockera (según ellos, simbolizada en la palabra "hippie") y la sensación de estar siempre caminando al borde del caos los acercaba al punk más de lo que ellos mismos se imaginaban.
Luchando por el metal, el salvo inicial, es el man
ifiesto más perfecto de V8, el disco que mejor resume su estética, su espíritu y su filosofía, y -con el tiempo- se convertiría en el álbum más icónico del heavy metal argentino. Aún hoy puede verse su logo, estampado en remeras de chicos que no habían nacido cuando este disco se grabó. Son nueve canciones en menos de veintisiete minutos, como si el cuarteto vomitara, en un solo envión, toda la bronca contenida, la frustración y el hastío que había acumulado durante la dictadura.
Fue grabado con bajo presupuesto y en pocas horas (alrededor de setenta, según quien cuente la historia) en los estudios Edipo, de Los Bárbaros. Los V8 prácticamente no tenían experiencia previa en el estudio (sólo habían registrado un demo con cinco temas), y tampoco buen equipamiento (Civile grabó con un Marshall de Gabriel Jolivet, guitarrista de Dulces 16; Rowek consiguió prestada una batería Pearl). En el estudio, sólo contaron con la ayuda de Marcelo Vitale, integrante de Los Bárbaros -que fue el técnico de grabación y además aportó un teclado en "Si puedes vencer al temor", un tema cuya marcha ominosa trasluce la influencia de Black Sabbath-, y de Quebracho, un histórico asistente de escenario que era amigo del grupo, cuya experiencia de muchas horas en la ruta y en el estudio con Charly García lo convirtió en una especie de productor asociado. Pero aun con todas esas carencias, Luchando por el metal es uno de esos discos que sobresalen por la autenticidad de su contenido, como si la fuerza expresiva de su mensaje se sobrepusiera a limitaciones externas e internas.
Los V8 se ubican a sí mismos en
el centro de la tormenta, con la fuerza vindicatoria de Iorio como bandera. Los temas se acreditan como de los cuatro integrantes, pero el bajista es el autor de la mayoría de las letras (con excepción de "Parcas sangrientas" y "Angeles de las tinieblas", que son de Beto Zamarbide; "Torturador", de Osvaldo Civile, y "Destrucción", de Gustavo Rowek). Y aquí puede apreciarse la diferencia entre Ricardo y sus colegas: mientras que éstos apelan a una imaginería más típica del metal clásico, las letras de Iorio apuntan sus dardos a un doble objetivo, el sistema y "los hippies" -representantes de una juventud "blanda" que acepta mansamente la opresión-, y relatan la vida rutinaria y sin esperanzas del trabajador abrumado por su diaria tarea, ejes que continuarían demarcando su obra tanto en Hermética como en Almafuerte. En contraposición a esto, sólo el "metal" encarna una salida, con la "acción" como pivote de una actitud de rebeldía activa.
Los tres clásicos por excelencia de este álbum son claros ejemplos de esa postura: "Destrucción" (que empieza con el ruido de un motor, grabado en un taller cercano al estudio por Iorio, quien tuvo que contentarse con un Torino al no poder encontrar un auténtico
V8) son dos minutos demoledores, que cabalgan sobre los veloces punteos de Civile y el machaque incesante de Rowek. Comienza relatando la situación represiva ("no dejan pensar / no dejan crecer / no dejan mirar / pero por suerte puedo ver"), para culminar con una amenaza, en la única estrofa que pertenece a Iorio ("se siente en el aire la fuerte tensión / es la imponente furia de mi motor/ arrasará con todos y también con vos / que morirás llorando, por blando que sos"). "Brigadas metálicas" vuelve sobre el mismo tema: "Los que están podridos de aguantar / el llanto de los que quieren paz..."; para ofrecer la salida redentora en el estribillo: "Vengan todos, aquí hay un lugar / junto a las brigadas del metal / gente demente que no es igual / a la hipponada de acá". Pero en "Muy cansado estoy", Iorio encara una mirada social que reaparecería en temas como "Gil trabajador", de Hermética, y muchos otros. Pappo aparece como invitado en el último tema, "Hiena de metal". Era el fin del disco, pero el mito recién comenzaba.
Por Claudio Kleiman
Rata Blanca - Magos, espadas y rosas (1990)
"Las puertas del metal grande se abrieron con Rata Blanca", declaró alguna vez Walter Giardino, y así como no le sobra modestia tampoc
o le falta razón. A fines de los 80, el heavy argento tambaleaba por la retirada de sus dos patriarcas fundadores: Pappo había disuelto la discutida formación de Riff con JAF y Moro y volvía al blues; mientras que el V8 de Iorio venía de colapsar tras su vuelco al cristianismo, y su diáspora (Hermética, Horcas, Logos) recién cortaba los dientes de leche. Tampoco movía el amperímetro la variante hair, encarnada por bandas como Alakran y Fiesta Americana. Se necesitaba un giro de llave que dejara entrar en el metal local todos esos elementos que hacían proliferar el género en Anglosajonia. Y para eso llegó Magos , espadas y rosas (1990), un trabajo que los puristas podrán discutir, pero al que nadie desestimará en su rol de oportuno salvavidas de nuestra escena pesada.
Giardino había formado el grupo en 1987, tras pasar fugazmente por una de las últimas encarnaciones de V8. Tuvo a su propio Paul Di'Anno en Saúl Blanch, ex vocalista de Plus en los 70, con quien grabó un debut homónimo que no tuvo el éxito esperado (años más tarde, como suele pasar, este trabajo sería rescatado por el ratismo extremo como el portador del verdadero espíritu de la banda), por lo qu
e se abrió así la primera de muchas puertas: la que dejó entrar a Adrián Barilari. El joven e inquieto vocalista completó la fórmula de "guitarrista místico + frontman carismático" y fue clave en el nuevo estilo del grupo, una cruza entre el heavy clásico de Rainbow, el power épico de Helloween y -también- una pizquita de soft metal californiano.
Si uno tomaba como botón de muestra el tema de apertura "La leyenda del hada y el mago", que Rata eligiera un título como Magos , espadas y rosas era como si Riff titulara uno de sus discos Cuero, fierros y minas: una especie de catálogo de lo que se oiría al posarse la púa sobre el negro vinilo. Así se abrió un nuevo portal: el que permitió que ingresaran al metal nacional los elfos y las brujas y los bosques y los dragones de J. R. R. Tolkien, temática que nunca terminó de prender en la escena argentina, siempre más afecta a las letras contestatarias legadas por V8. ¿Y qué otra entrada inauguraron? La del violero divo, extravagante, virtuoso y veloz, nieto de Ritchie Blackmore e hijo de Yngwie Malmsteen.
Hablábamos antes de la veta soft, y es ésta la que funciona como pasadizo para otro factor que hasta ese momento no había pisado la escena local: los sentimientos. "Por qué es tan difícil amar", se preguntan en un instrumental, cosa que habría horrorizado a las brigadas metálicas apenas un par de años antes. Pero si de fundamentalistas escandalizados hablamos, nada super
a a "Mujer amante", el aterrizaje definitivo de la más rara avis del heavy: el hit crossover, la canción que entonan hijos y madres, el himno que termina sonando en las FM entre Haddaway y Luis Miguel hasta que Giardino y compañía le bajan el pulgar, hartos de la excesiva exposición que acaba por hacerles ganar, al mismo tiempo, el favor del público pop y la desconfianza de la intelligentzia dura.
Fueron tiempos de vale todo: decenas de miles de copias en circulación, discos de platino, shows con orquesta sinfónica y piezas de Bach; Vélez hasta la manija, bailantas, playbacks en Ritmo de la noche. ¿Qué quedó? Popularidad, claro: veinte años después, siguen vendiendo y convocando. Pero también parquedad y recelo, residuo de una época brillante que se hizo áspera por culpa de los dos crímenes menos perdonables del metal: llegar primero y pegarla
Por Diego Mancusi
Hermética - Acido argentino (1991)
"De Pismanta a Bauchaceta" cierra el disco, un instrumental enigmático con un título que lo es todo. Entre los casi
o hacía las paces con nadie.
Grabado en 150 horas en los estudios Aguilar, con producción de los propios Hermética (editado por Radio Trípoli, distribuido por DBN), y con Claudio "Pato" Strunz, ex Heinkel, como nuevo baterista, Acido... era épico y desesperado ya desde su arte: un Tío Sam enloquecido, estrangulando a
Acido argentino también hablaba de todo lo que, en aquel momento, estaba fuera de la agenda de la conciencia colectiva criolla: los aborígenes cada vez más marginados en "La revancha de América", "Predicción", o la nueva tecnología IBM como método de exclusión para gente que ni siquiera podía terminar el secundario; o "Gil trabajador", quizás el mejor retrato del rock nacional sobre la alienación obrera, con ese comienzo mecánico en que Strunz (el mejor doble bombo de la historia del género en la escena loc
al) le da al crash que da miedo.
De cualquier modo, el triunfo de Acido... no está en su sonido, una síntesis argentina del thrash norteamericano, bastante simple y centrada en Motörhead, de pocas notas y sin arreglos lujosos, con solos arrebatados, riffs derechos y marciales ("Robó un auto", la primera canción del disco, resulta expulsiva a primera oída). Lo central de este álbum es su poderosa lírica, esos estribillos que son carne de coro. Acá están, muy probablemente, los mejores textos de Iorio en sus treinta años de carrera.
Acido... puede conmover, principalmente en "Del camionero", que vaga solitario por las rutas, a campo abierto, con sus dieciocho ruedas sin lamentar, escapando de quién sabe qué. Una estética narrativa que comenzó en este disco, y obsesionó a Iorio durante el resto de su obra. Todavía podemos imaginar a tipos que, entre paradas, en el medio de la nada, ponen esta canción en una vieja casetera, y lloran: "En banquinas me enredé / sólo mi camión lo sabe bien / la ruta sigue en soledad / mi canto guardará".
"Evitando el ablande", el hit histórico del disco, es la clave ideológica para entender el heavy nacional de los veinte años posteriores:
dio toda esa careta / de mersa coqueta...".
Tómenle examen a cualquier heavy que conozcan. Este disco es como el Preámbulo de su Constitución. Hermética escribió su propia historia del heavy argentino a un costado de la del rock nacional. Quizá porque sabía de antemano que no había chance de inclusión, o porque no daba ser parte. Era mejor ser un paradigma en sí mismos. Hoy, Hermética figura entre los comebacks más pedidos del rock nacional, junto con Patricio Rey, y los shows solistas de sus ex miembros toman otro brillo y otro pogo cuando desempolvan este material.
El legado de este disco inmenso puede resumirse con "En las calles de Liniers", en la que Iorio, lejos de las hadas y los magos de Rata Blanca, usa su voz por segunda vez en el disco -sobre un Romano inspiradísimo- para hablar de nenes mendigos en trenes atestados, de linyeras y bolishoppings, o de un policía que pelea con su hembra, y entrega las líneas que lo convirtieron en el gran cronista metálico: "Sólo transmito lo que observo / No es una invención de mi mente, no". Lucas Martí, boxeado hace años por Pappo, la versionó en acústica y la subió a YouTube. A veces los honores llegan de lugares rarísimos.
Por Federico Fahsbender
A.N.I.M.A.L. - El nuevo camino del hombre (1996)
En los 90, cuando la música pesada vivía el mayor crossover de su historia, con grupos que mezclaban la distorsión con todo lo que estuviera a su alcance, aparecieron los pilares de la generación que habría de reemplazar a la original. Iron Maiden y Judas Priest se convertían en cosa del pasado y su lugar era ocupado por los Pantera, Biohazard, Prong, Ministry, Helmet, White Zombie y Sepultura de este mundo. Casi al mismo tiempo, Andrés Giménez (voz y guitarra) y Marcelo Corvalán (bajo y voz), el dúo histórico de A.N.I.M.A.L., y Alejandro Taranto, el manager, veterano de mil batallas que ganó todo con artistas como Los Fabulosos Cadillacs y JAF p
ara perderlo en la siguiente aventura musical, supieron leer la realidad agotada del heavy argento, que se debatía entre la mala onda de su líder carismático -Iorio-, la lenta agonía del grupo más popular -Rata Blanca-, y los que venían atrás, básicamente desprendimientos de V8 como Horcas y Logos. Aquellos pioneros de la música pesada argentina, que habían crecido en la dictadura, no asimilaron los cambios que llegaron tan rápido gracias al oasis generado por la convertibilidad. Ya no había que tener pelo largo ni vestirse con cuero y tachas para ser heavy. En los 90, los bermudas fueron el grito de la moda callejera. Tampoco valía seguir odiando al otro por ser distinto. A.N.I.M.A.L. los aceptaba a todos y les daba la bienvenida a sus conciertos, rituales con pogo en el que participaban fanáticos del heavy, del hip-hop y del hardcore. Tatuajes y piercings se convirtieron en adornos obligados. Eso mismo que representaron para el rock alternativo grupos como Babasónicos y Los Brujos, significó A.N.I.M.A.L. para las huestes pesadas. Y los referentes internacionales ya no pararon de venir. Cada vez que en Obras tocaban Biohazard, Sepultura o Pantera, ahí estaba la misma banda soporte: A.N.I.M.A.L., asimilando esa actitud profesional que luego los llevaría a consagrarse
en América latina.
El nuevo camino del hombre, la consolidación del trío formado por Giménez, Corvalán y el baterista Martín Carrizo, fue el primero de varios discos de A.N.I.M.A.L. grabados en Estados Unidos, donde llegaron a codearse con sus ídolos. Pasaron tanto tiempo afuera haciéndose de abajo que plasmaron la experiencia en "Lejos de casa", una balada que añora el barrio, esa institución siempre presente en la carrera de la banda: "Merodeando tan lejos de casa / un nativo de ese barrio padre / le da forma y nombre / a una tristeza", se lamentan con espíritu tanguero. El discurso, aunque seguía denunciando desigualdades sociales, era incluyente, pacífico: "Somos la nueva cultura viva, somos mezcla de dolor y lucha, creemos en esta vasta familia, que predica su sana locura", dicen en "Guerreros urbanos". A.N.I.M.A.L. capitaneó a esos guerreros urbanos que encontraron en la banda su lugar en el mundo. "Orientación es todo lo que necesitamos para andar", dice el tema "El nuevo camino del hombre". El trío orientó esa energía que hasta entonces estaba dispersa y se transformó en un fenómeno cultural único, hasta ahora irrepetible. Ese concepto arraigado de familia unida fue el principio
y el fin para A.N.I.M.A.L., que años más tarde no soportó la ruptura entre sus dos pilares: cuando Giménez y Corvalán dejaron de funcionar como un matrimonio perfecto, sus seguidores, desencantados por el fracaso de una historia que había sido de amor, partieron sin rumbo fijo. Pero en 1996, cuando salió El nuevo camino... la portada con esos tres puños entrelazados confirmaba que, en efecto, la unión hacía la fuerza.
Musicalmente, A.N.I.M.A.L. lograba fusionar los estilos de moda de la época en una propuesta personal que copiaba a todos pero no se parecía a nadie. Como Biohazard, incorporaron ingredientes de cada género y crearon una fórmula propia, bien argentina, aunque con postulados latinoamericanizantes como en "Lo mejor de lo peor".
Como Phil Anselmo de Pantera, Andrés Giménez podía pudrir la voz, pero también era capaz de cantar. Corvata, con un ojo puesto en el groove del bajo cada vez más gordo de Fieldy en Korn, distiende el ataque constante de A.N.I.M.A.L. con "Chalito", oda hip-hop al cannabis. El nuevo camino del hombre, portador de tanta furia, finalmente se fuma uno y se relaja par
a ir terminando. Carrizo, estudioso de su instrumento hasta la obsesión, es quien debe sostenerlo todo. Ni antes ni después hubo nada igual; hoy el público heavy navega a la deriva una vez más, nadie los comprende como A.N.I.M.A.L. hace quince años.
ANDRÉS CIRO Y LOS PERSAS: "HOY TODO VUELVE A EMPEZAR"
El ex cantante de Los Piojos presentó su primer disco solista en el Orfeo Superdomo de Córdoba. Crónica y fotos del recital.
Por Claudio Kleiman, desde Córdoba
"Hoy todo vuelve a empezar y será lo que ya fue...". Obviamente, a Andrés Ciro Martínez no se le escapa el doble mensaje de "Antes y después", aún cuando - en la superficie - sea un tema de amor cuyo destinatario es una mujer. Seguramente por eso fue elegido como primer corte de su primer álbum, Espejos, y también, por las mismas razones, haya sido el tema con el que empezó su concierto en el Orfeo Superdomo de Córdoba, que significaba su debut "oficial" como solista.
Un concierto que, además de un nuevo comienzo, dejó pocas dudas en cuanto al futuro de su nueva propuesta. Los Persas, su nueva banda, sonó con una solidez y profesionalidad que hacía pensar que ya tiene mucho camino recorrido, y además -esto es importante
-, puso garra y convicción, como si fuera verdaderamente un grupo y no un conglomerado de sesionistas eficaces, contratado para acompañar un solista (una impresión reforzada por el hecho de que los músicos participan en la composición de algunos temas).
Ciro también parece sentirse seguro del camino iniciado, y quizás por eso eligió el camino más riesgoso. En un concierto de dos horas y media, interpretó los 15 temas de su nuevo álbum, 3 covers, y sólo 6 canciones de Los Piojos (algunas en versiones bastante diferentes de las originales), cuando evidentemente hubiera sido mucho más seguro y confortable - tanto para él como para su público - mostrar un repertorio más balanceado entre la etapa anterior y la presente.
El salvo inicial de tres temas parecía delinear claramente sus prioridades actuales: "Antes y después", el mascarón de proa de su etapa solista, "El viejo", de Pappo, un reconocimiento a sus raíces en el rock argentino, y "Desde lejos no se ve", de Los Piojos, en una versión funky que puso a bailar al público (unas 6.000 personas) congregado en el Orfeo Superdomo, un lugar con una capacidad y condiciones acústicas que nos provoca cierta envidia a los porteños, que no poseemos un espacio similar.
Luego llegó una de las canciones más introspectivas del nuevo disco, "Espejo", complementada -al igual que todos los temas del álbum - por magníficas imágenes, coordinadas al milímetro con la música. En "Vas a bailar" invitó a su hija, Manu Martínez, en guitarra (también participa en el disco). La conmovedora letra del tema, parece un mensaje dedicado a sus hijos, pero tambi
én a sí mismo: "Aunque no encuentres tu voz, aunque te paguen con platos de arroz, aunque te asustes y puedas caer, la dignidad no se pierde, sabés".
Siguió un segmento a puro rock'n'roll: una versión inesperada - y buenísima - de "Tulsa Time" de Eric Clapton ("hasta que se me ocurra una versión en castellano van a tener que aguantar mi inglés", explicó Ciro), "Los mocosos", de Chactuchac, transformado en un poderoso rock stone, y "Blues del gato sarnoso", donde Ciro se lució con su particular - y única - manera de frasear, haciendo un uso muy musical del sonido de las palabras. Fin de la primera parte.
Tras un breve intervalo, la segunda parte permitió el desarrollo de casi todo lo que restaba de Espejos, comenzando con el "Rockabilly para siempre", con una sección de vientos, e imágenes en blanco y negro que se unían a la perfección con el swing casi jazzero de la canción. Entre los numerosos momentos para destacar estuvo la interpretación vocal de Ciro en el "Blues de la ventana", que un público atento supo recompensar con un gran aplauso. La invitación a Micky Rodríguez para "Paso a paso", un reggae con temática contestataria, abrió un capítulo particularmente emotivo, que culminó con "Tan Solo", cantado por toda la audiencia. Luego de "Ruidos", cuyo clima alucinatorio fue acertadamente realzado por la puesta visual, llegó la participación de otro ex-Piojo, Dani Buira -junto a
n tres de los cinco integrantes originales de Los Piojos.
Faltaba aún una última parte a todo rock, que combinó una versión de gran intensidad de otro tema de Pappo, "Algo ha cambiado"- donde el tempo acelerado y el sonido pesado hacían recordar a Motorhead-, con "Muevelo" e "Insisto".
Para terminar, se despacharon con cuatro bises, entre los que se destacó una furiosa interpretación de "Cruel" (otro tema de Chactuchac), con la banda a full, y una canción que, aunque en el álbum está incluída como track oculto porque no llegaron a terminarla ("Trapos"), promete convertirse en un highlight de los recitales, ya que Ciro va nombrando una por una las banderas presentes, con sus lugares de procedencia.
El hecho de que el cantante haya elegido terminar -tanto el concierto como los bises- con temas del nuevo álbum, dice bastante acerca de la solidez del material; el líder no precisa apoyarse en viejos éxitos para llevar adelante un show que no decayó en ningún momento, y solo promete mejorar para el momento en que Ciro y los Persas desembarquen en el Luna Park, el 22 y 23 de septiembre.
LOS NATAS
Si te planteamos: “Heavy + Psicodelia”, y a eso le agregamos que el grupo del que hablamos brinda prácticamente más conciertos en Europa que en nuestro país, no es un acertijo adivinar a quiénes nos referimos. ¿Te quedan dudas? Ellos son tres, y podrían ser caratulados como “Los reyes del stoner rock en Argentina”. Estamos hablando, obviamente, de Los Natas.
Lo cierto es que la guerrilla espiritual liderada por Sergio CH acaba de editar su último álbum, junto a “Solodolor”, uno de los proyectos paralelos del cantante. Con 10 canciones que, juntas superan los 40 minutos, una vez que presionamos ‘Play’, no nos darán respiro hasta el final.
El álbum fue grabado por Patricio Claypole entre 2009 y 2010, en los estudios “Circo Beat”, “El Abasto” y “El Attic”, y se suma, de manera esplendorosa, a la larga lista de ediciones del grupo. Desde hace unos días se encuentra en las bateas, y vio la luz bajo el sello “Tocka Discos”.
“El As de Espadas”, es la interpretación que se encarga de abrir el volumen. El tema es un clásico de la banda de Lemmy Kilmister -reversionado al español-, pero lo que se destaca es la participación como invitado de Ricardo Iorio (con letra especialmente compuesta para ‘su lenguaje’), una de las grandes voces del heavy nacional.
Boom Boom Kid no queda afuera de tan electrizante lanzamiento. El ex-líder de Fun People le presta su tono al cover de “No Time”, canción que fuera de la partida de T.S.O.L., banda californiana formada en 1979.
Se nota a los miembros del grupo cada vez más afirmados a sus posiciones, y dispuestos a resolver cualquier enigma musical que se les cruce por la cabeza. A ellos les cae bien experimentar con los sentidos, y eso es más que válido.
Otras reversiones que aparecen son “I Don’t Mind the Pain” (Danzing), “Thumb” y “Green Machine” (Kyuss), presentados con la áspera voz de El Topo Armetta, hoy en día ya casi un integrante fijo de la banda.
“Rutation” y “Soma”, ambas canciones previamente editadas por el trío, también se renuevan, demostrándonos la potencia actual de Los Natas.
Tres interpretaciones más nos dejarán sin aliento, todas ellas interpretadas por “Solodolor”, formación neo-hardcore empañada de voces guturales, que se completa con Gustavo Rowek y Billy Anderson.
Definitivamente, es una de esas producciones discográficas destinadas a melómanos y a ávidos exploradores de música no convencional. Los Natas apuntan a tus oídos, y le dan al blanco.
SERGIO CH DE LOS NATAS: EL COMANDANTE
El guitarrista y cantante agrupa a la patria metalera del futuro. Y propone dejar atrás el cuelgue para afrontar la lucha.
Por Yamila Trautman para Revista RS
Lunes, 22 horas. Un bar oscuro, chicos malos sin rutina, tipos pesados con camperas de cuero, borceguíes, barbas y bigotes, nenas voluptuosas en calzas ajustadas. Y música del infierno. El encapuchado genera la atmósfera de las tinieblas mediante una estricta selección sonora: suenan Slayer, Mastodon, Danzig, Pantera y los presentes entran en trance. El encapuchado es Sergio Chotsourian o Sergio Ch. (léase Sergio Che, como él quiere que se lea, en deliberada asociación con el guerrillero), cantante y violero de Los Natas, DJ residente del ciclo Motoclub Bar. La escena no tiene nada de violenta. Sergio puede parecer un Obi-Wan Kenobi detrás de la consola, pero su personalidad no es en absoluto hermética. Desde su posición elevada, Sergio Ch. materializa la metáfora del guía, del propulsor de un movimiento musical integrador con grandes aspiraciones internacionales. Y acá pone en juego todos los principios que conforman su decálogo, su compromiso con la escena stoner, el movimiento que denominó South American Sludge y para el que el Motoclub Bar, todos los lunes, funciona como búnker necesario.
El lugar es The Roxy Live, en Niceto Vega al 5500. Se espera la aparición de la primera banda de la noche: Narcoiris. Sergio (rapado, siempre encapuchado, jeans negros, campera negra, All Star negras), ese frontman, casi mudo sobre el escenario, es de cerca un tipo accesible y elocuente, un militante espiritual de eso que él llama "la lucha". El rockero fumado que te pone en viaje hipnótico con sus cuelgues interminables es también el pibe de zona norte que a los 20 tuvo que abrirse camino en un mercado que no terminaba de entender su música y que ahora está en plan de regreso al hogar, a sus hijos, de devolución cósmica y agradecimiento a todos aquellos que lo ayudaron a transitar.
Durante el año pasado y lo que va de éste, editó -local e internacionalmente- El nuevo orden de la libertad, el último disco de Los Natas (con giras nacional y europea incluidas), grabó el primer disco de Ararat, el proyecto que conformó junto a su hermano Santiago Chotsourian, "el Maestro" (reconocido director de orquesta), inició la grabación del volumen II, movió hilos para que se editara Los Natas / Solodolor (un compilado que incluye la histórica participación de Ricardo Iorio y Gustavo Rowek: ¡dos V8 en un mismo disco!), arregló las condiciones para que el Motoclub Bar tuviera su espacio todas las semanas, produjo tres bandas (Gripe, Guachass, Colored Mystical Expressions) e ideó South American Sludge. Uf.
Empecemos por Ararat. ¿Cómo fue trabajar fuera de Natas?
Ararat surge ante la necesidad de que todas las cosas que hice más allá de Los Natas no quedaran en un cajón. Sacar a la luz las cosas que se ubican en un ángulo más tranquilo, más experimental. Cuando terminé el estudio en casa fui recopilando temas que ya tenía grabados, armando un rompecabezas. Y cuando hice una segunda lectura, me empezó a cerrar de dónde me venía esa necesidad; todo tenía que ver con el pasado de mi familia del lado de mi viejo: Siria, Armenia, los inmigrantes, el sufrimiento, escapar, el dolor. Parte de mi familia estuvo oculta en Grecia antes de venir y encontré el paralelo conmigo: refugiado de la artillería de Los Natas en mi estudio, tratando de expresar lo mismo que mis ancestros, la lucha contra la opresión.
¿Pero Toba Trance I y II de Los Natas no tenían un poco de eso ya?
Sí, los discos de Natas siempre intentaron canalizar esa relación con mi sangre y Toba Trance I y II fue un primer acercamiento. Expresar el hecho de pertenecer a culturas que han sido exterminadas, perseguidas, metidas en cárceles de la mente y el cuerpo, y encontrar así su venganza. Ararat es eso pero reforzado.
¿Y por eso incluye "Dos horses", el tema de El nuevo orden...?
"Dos horses" es la conexión, es un tema que hice con mi hermano. Dentro de Natas es donde pude poner todo lo armenio y es el caballito de batalla de Ararat. "Dos horses" somos mi hermano y yo. El Maestro Santiago Ch. [pone voz solemne, marca las eses] me lleva diez años y fue quien me acercó a la música: yo iba a su habitación, leíamos cuentos de terror y los musicalizábamos, él con el piano y yo con un toc toc o una melódica. Es un maestro para mí. Me enseñó el otro lado de la música, el no académico, el del amor y la fraternidad.
Tras ese primer acercamiento, el Sergio adolescente se alejó de la música para dedicarse al skate y la bici. O no tanto, porque seguía escuchando los vinilos que coleccionaban sus hermanos mayores: en su casona de Beccar había LPs de Yes, Emerson, Lake & Palmer, ZZ Top, The Police, los Beatles ("los escuché de los
¿Cómo fue tu regreso a la música?
No podía seguir con mi carrera porque tenía la pierna rota, y sentía frustración porque mi viejo se estaba muriendo. Ya escuchaba Melvins, Pantera, Danzig, Kyuss. Bandas con un sonido imposible de imitar. Pero no necesitaba hacer covers: el ruido que sacaba me hacía sentir que había garchado, a pesar de que eran dos notas. A los meses murió mi papá y yo encontré en la música mi refugio.
Sólo dos años antes de Delmar [el primer disco de Los Natas, editado en 1996 en Estados Unidos por el sello Man's Ruin]... ¿Cómo pasó tan rápido?
Conocí a Walter Broide [batero de Natas] en una escuela de jazz a la que asistí para que mi viejo sintiera que me estaba dedicando a algo en serio. Con él llegaron las primeras zapadas y la configuración de lo que fue Delmar. Mandé veinte casetes por correo a todas las discográficas extranjeras que vi en la revista Spin y la respuesta de Man's Ruin llegó por teléfono. Me tuve que crear una casilla de mail con un módem 16 kbps para confirmar no sé qué mierda. El mítico sello californiano de Frank Kozik, que editaría Nebula, Kyuss, Queens of the Stone Age, nos estaba sacando nuestro primer disco.
A partir de ese momento, quince años de ediciones internacionales y nacionales, giras por Estados Unidos y Europa, ubicaron a Los Natas en el epicentro de la movida stoner, la de ese metal psicodélico imposible de definir sin recurrir a dos imágenes: la del desierto implacable y la de la marihuana. Casi en paralelo a que bandas como Kyuss se hartaban de no encajar con el grunge ni con el metal, a Los Natas les pasaba lo mismo: muy pesados para el nuevo rock nacional, demasiado sofisticados para el metal argento.
¿Cómo ven la escena stoner, quince años después? Tras haber ido siete años a Europa y juntarnos con bandas del estilo, empezamos a notar su crecimiento. Ya no implica sólo stoner: la tendencia del rock crudo con equipos valvulares se mezcló con la experimentación, el drone, el doom, el rocanrol sucio y rápido. El término le quedó chico y era necesario alejarse de la referencia al faso y otros íconos que hoy resultan pelotudos. No te podés definir como stoner y poner un cactus y una mina en culo con una llamarada de fuego.
Un cactus, ¡como el arte de Delmar!
[Risas.] Claro, pero Delmar fue en el 96. Era el primero que salía con un cactus.
¿Y a partir de ese cambio en la forma de verse a sí mismos y a la escena fue que surgió South American Sludge?
Es que empecé a notar una clara diferencia entre los gringos y nosotros, los latinos. El estilo creció, surgieron bandas que me sonaron muy fuerte en la cabeza: de Chile, Hielo Negro; de Venezuela, Cultura Tres; de Uruguay, las Guachass; de acá, Humo del Cairo, Banda de
Citás a Iorio. V8 y Hermética formaron parte de tu infancia musical. ¿Cómo fue grabar "Ace of Spades" de Motörhead con Ricardo?
Fue gracias a la amistad que tiene con la familia de Gonzalo Villagra [bajista de Natas; su hermano, Alvaro, grabó a V8 y Riff]. Ricardo estaba una tarde en su estudio payando chacareras cuando empezaron a tocar las bases del tema. Gonza me llamó para que fuera a grabar la versión, pero yo no tenía nada armado. Entonces, bajé la letra por Internet y me pareció que en castellano no decía nada. No quise traducir palabras textuales; empecé a unir las cosas en común que tenemos con Iorio, el tema de lo local, de plantarse contra Inglaterra, lo campestre, lo gauchesco, el indio. Y la escribí en dos minutos tratando de hacerlo como si fuera él: "Nací para perder, morí al amanecer, no soy cacique o rey, así es como me gusta... ser!".
¿Y cómo reaccionó?
La leyó; con Gonzalo nos mirábamos a ver si nos cagaba a trompadas o qué, y enseguida dijo [imita a Iorio]: "¡Amigo, esto es formidable!". En dos tomas lo sacamos. Pensá que yo crecí escuchando V8 y Hermética, y flasheaba con "El pibe tigre"...
Y el tema se filtró en la web... Está en YouTube.
Sí, pero este año empecé a arengar la segunda parte del disco Solodolor, con temas que grabamos con Billy Anderson en bajo [productor yanqui de los Melvins] y Gustavo Rowek de V8, al que yo conocía de compartir shows, en batería. El Topo Armetta, ex Massacre Palestina, hizo las letras de tres temas y puso la voz. Boom Boom Kid grabó el cover de T.S.O.L., "No Time".
Tremenda superbanda. ¿Solodolor implica la concreción de una etapa de devolución?
Y... a quince años del comienzo es una suerte de "Los Natas y amigos". Es histórico unir en el mismo disco a Iorio y a Rowek; al Topo, al gringo Billy, padre de todo el sonido. Gente que me enseñó el oficio y me dio el lugar. Junto con South American Sludge y el Motoclub, es la forma de demostrar que no somos los únicos en la lucha, que somos muchos los que sabemos que la pastillita azul te divierte ocho horas en Pachá, no más. La joda tiene pelo corto. Ya no estoy re fumado y te cuento cómo en Estados Unidos tocamos con tal y tal. Te miro a los ojos y te digo: "Loca, me explota la cabeza, me explota el corazón; necesito hacer esto o se me parte el alma". Y tenemos ese lugar que nos brinda la posibilidad de comunicación. ¿Qué tienen para decir Los Natas? ¿"Fumen porro y salgan a la ruta"? No. Como digo en el tema "Sigue, sigue...": "Dejar atrás para vivir mejor". Eso.
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