MICHEL PEYRONEL REVELAS SUS FACETAS

Fuente: Suplemento Vitamina C Critica Digital

Estudiante de economía en París y baterista de Riff, dueño de la FM Tango y productor de Los Violadores; el músico y empresario Michel Peyronel revela sus facetas, en una tarde insólita en su casa habitada por fantasmas. Los héroes del silencio, la banda que conformó con su hijo adolescente y cómo festejar el Bicentenario a puro rock.

Tipo extraño este Michel Peyronel. Fue alumno del Liceo Militar. Por un lado, estudió economía en la Universidad de París. Cuando regresó a la Argentina, elaboró un proyecto para transportar petróleo al interior con barcos japoneses de poco calado y así

aprovechar los contactos diplomáticos de su padre, marino de guerra. Domina el inglés y el francés a la perfección. Concibió la primera FM de tango y se forró en guita hoy quiere desembarcar con un sitio de tango para transmitir al mundo. Concibió una emisora retro (Nostalgia) y un frustrado canal de modas donde casi la pierde toda. Dice que es suyo el nombre de Palermo Hollywood. Condujo un programa llamado “Lounge en radio” donde pasaba música de lobby de hotel cinco estrellas y empezó a ser sinónimo de categoría y buen gusto. Gracias a eso, puso la voz para la campaña de Axe, Cinzano, Schwepes, Budweiser y American On Line — “fui al estudio y, en 40 minutos, me volví a casa con 40 lucas verdes”—.

Por otro lado, este Peyronel fue baterista de Riff junto a su amigo Pappo, una de las bandas más alborotadas, reventadas y con más promedio de tachas en tela que haya visto la historia del rock nacional.

Además, produjo a Los Violadores y casi logra que un puñado de punks delgados como factura de cable suenen afinados. El último año formó una banda con su hijo Jean Jacques, de 17 años, llamada Héroes del asfalto, y fueron seleccionados entre varios grupos reconocidos —entre ellos Divididos y Las Pelotas— para ser teloneros estrella de AC/DC en sus shows en River.

“Cuando la gente se acerca a saludarme, le pregunto: ¿usted por qué rubro viene?”, Peyronel ríe mucho pero sin mostrar los dientes ni mover una pulgada del cuerpo. “Algunos me vienen a felicitar por FM Tango. Otros me dicen que les copaba mi programa de lounge. Y, claro, están los que se acercan por Riff y me dicen cómo, con Pappo, les cambiamos la vida”.

Té para tres

Michel sirve tecito en tazas y teteras de porcelana, y los traslada a la mesa del jardín de su casa. Como ve que este cronista mira con cierto asombro la calidad aristocrática de su vajilla, se justifica: “Y qué querés: en Inglaterra todas las bandas de heavy más grosas se hacen un tiempo para el tea break. Hasta los de Motörhead que son bien bravos.

Eh, Jean Jacques”, Michel se pone a gritar al piso de arriba, de donde viene un ruido poderoso de batería.

En verdad, Jean Jacques es el guitarrista de Héroes del Asfalto, pero de vez en cuando, ve la batería Yamaha de su padre y le dan ganas de golpearla un poco. Es relativamente nueva la batería —no más de tres años—. A la histórica que tocaba su padre con Riff se la dio, en parte de pago, al maestro mayor de obras que le construyó el altillo con la sala de ensayo. “El tipo era batero —cuenta Peyronel—. Sabía el valor histórico que tenía esa batería. ¡Eh, Jean Jacques! Pará que lo voy a estrangular”.

Segundos más tarde —o milésimas de segundo más tarde—, Michel regresa con su hijo, delgado, con jopo y bermudas de Kiss, que cursa el último año de secundaria y ya toca en cuero en su primer videoclip; y lo presenta en sociedad: “A vos te parece que se acaba de ir a Nueva York —protesta el padre— y no me trajo ni una puta camiseta. Eso no se hace”.

Antes de arrancar con la nota, Peyronel hace un tour por la casa: bonita, con pileta, en Acassuso.

“Hay fantasmas en esta casa”.

—¿Fantasmas?

—Y se ven algunas cosas raras. Es que tiene historia heavy este lugar. Murió alguien.

—¿Cómo murió?

—Sí, el tipo que vivía antes.

—¿Un crimen pasional?

—No, se pegó un tiro. Y justo en mi pieza. Pero ya traje a un tipo que hizo una limpieza del lugar. Ahora, pasan cositas pero está bastante tranquilo el asunto.

Cuando llega al altillo, dice: “Te quiero mostrar nuestro videoclip. Es exclusivo, un anticipo para la prensa”. El tema se llama “Noches blancas en la Nueva Habana” y Michel canta con ojeras pintadas y su hijo rasga la guitarra en medio de una explosión cósmica. La letra tiene algo de ciencia ficción y, digamos, cromosomas. Peyronel canta: “Jugando con los genes así llegamos aquí. Toqueteando el ADN el nuevo mundo es así”.

Después descubro que esta frase está destacada en el reverso del CD, así que, asumo, es uno de los grandes momentos poéticos del disco.

Estudiante de economía en París y baterista de Riff, dueño de la FM Tango y productor de Los Violadores; el músico y empresario Michel Peyronel revela sus facetas, en una tarde insólita en su casa habitada por fantasmas. Los héroes del Asfalto, la banda que conformó con su hijo adolescente y cómo festejar el Bicentenario a puro rock.

Los Peyronel. El padre dice que “en Inglaterra todas las bandas de heavy más grosas se hacen un tiempo para el tea break".

Cuando termina el clip, Michel hace una nota al pie: “Esto trata de un grupo de gente que se reúne en un hotel abandonado en el desierto, que son todos experimentos humanos que salieron mal. Viste: porque todos ahora no sabemos si somos experimentos. Hay tanta comida transgénica que aún nadie sabe qué carajo te hace en el cuerpo.

Después también hay un tema sobre el cuidado del planeta, donde un alienígena le habla a un humano sobre cómo su planeta quedó en la nada. Porque ¿viste que se dice que en Marte había vida igual que acá? Bueno, mirá, yo puedo soportar que una banda suene mal, pero si la letra es boluda, me hincho las bolas y la dejo”.

—¿Y qué pasó, Michel, con todas esas prendas con tachas que tenía de los tiempos de Riff?

—Uh, no sé. Una se la regalé a Jean Jacques –Michel le da un codazo al hijo–. ¿La tenés todavía no?

—Sí, sí, papá.

—¿Y te ponés la campera de tu papá?

—Ni loco, la llego a perder y me mata.

Entonces, Michel le pregunta qué le pasaba recién que le había agarrado el ataque con la batería, y J J le contesta (encogiéndose de hombros): “No tenía nada que hacer”.

—Cuéntenos, ¿cómo le metió el rock a su hijo?

—Solito se le metió. Yo no hice nada. Me separé de su mamá cuando él tenía cinco años. Yo tenía un campo en Baradero y me lo llevaba en auto. Yo tenía mi programa de lounge y le decía: ¿no te gusta esta música? ¿No te acaricia esto el alma? “No, papá”, me decía él, “a mí me acaricia el alma el rock pesado”. Y así escuchábamos AC/DC todo el viaje.

—Y ahora padre e hijo tocando minutos antes de esa misma banda.

—Yo soy el argentino que más veces teloneó a los AC/DC. Porque la primera vez que vinieron, tocamos antes con Riff. Me acuerdo de que la primera fecha abrimos nosotros y después vinieron los de Divididos. Pero, claro: la conexión

era entre AC/DC y Riff, la mayoría había llegado a ellos por Riff. Y a Divididos, pobres, les tiraron de todo, y cuando salieron ellos el escenario estaba helado. Al otro día, el manager dijo: “We want the rock band before ACDC”. Nos querían antes para dejarle el escenario caliente.

Y así fue.

—Hay bandas que no cambian nunca, como Riff en su momento, o AC/DC o los Rolling Stones y, por otro lado, hay músicos que cambian todo el tiempo como David Bowie o Madonna. ¿Hay un camino mejor que el otro?

—Mirá, yo hice siempre lo que me gustó hacer. Y la gente busca en ciertas bandas lo mismo. Van a escuchar a AC/DC para que suene como lo hacía hace 30 años. Pero hay cambios muy sutiles. Fijate lo que pasa con los logos. Los logos cambian para que la marca se mantenga igual. Vos te pensás que Coca-Cola no cambia, pero si lo ves en el tiempo, cambia cada año. Bueno, con la música pasa lo mismo.

—Pensaba en Angus Young, el guitarrista de AC/DC, vestido siempre con uniforme escolar.

J J:– Si lo ves sin el uniforme, no lo reconoces.

M: —Yo siempre estoy con ideas locas. Eso me mantiene renovado. Ya estoy hablando con mi ex socio de FM Tango porque queremos lanzarla a escala mundial con sitio de tango para todo el mundo. Cuando estaba nuestra FM, teníamos el 17% del share radial. Estábamos terceros en la general. Imaginate: medíamos arriba de La 100 y la Rock and Pop. Ahora, la 2x4 va por debajo de los 15. Lo importante es el cómo. Con Riff no éramos sólo una banda de rock pesado. El tema era cómo lo hacíamos.

—Ahora que están juntos, ¿qué cosas no repetirían de sus padres?

J J: —Yo no me juntaría con managers que se queden con toda la plata. Elegiría tener un entorno de confianza.

M:—¡Andá a conseguirlo!

J J: —Pero hay que estar atentos a esas cosas.

M: —A mí, mi viejo me metió en la música. Pero, bueno, nunca quise como padre, ser tan exigente como él. Él me decía que si no hacías una carrera, estabas frito. Y no es así.

—Pero estudiaste economía en París, ¿no te sirvió de nada?

—Para un pomo me sirvió. Tal vez como ejercicio mental. Pero, bueno, jamás presionaría para que mi hijo haga lo que yo quiera. Él está en el colegio, y bueno, ya se mandó su primera pijería.

—¿Pijería?

—Sí, se anotó en el último año en orientación en letras. Así que yo le dije, ahora no vas a tener más matemáticas. Y si querés seguir economía no vas a poder.

—¡Ah, pero vos también le bajás línea!

—Sí, pero más sutil. Sí, pero más sutil. Letras lo limita mucho. Yo le digo: ahora si querés ser físico nuclear, cagaste. En mi caso, yo me fui solo a París, no porque mi viejo me dijera. Allá me bancaba solo. Trabajé haciendo cálculos de costos en una empresa de autopartes. Y en Inglaterra trabajé en un circo medieval porque era uno de los pocos que sabía andar a caballo. Como mis viejos tenían un capo en Lavalle, al sur de Córdoba, había aprendido a montar ahí limita mucho.

Desmitificando a Riff

—Vamos a hablar sinceramente, ¿era tanto descontrol los shows de Riff?

—Y, bastante. Pero, ojo, nos hacían mala prensa también.

—Pongámoslo así: ¿alguna vez terminaron todos a las trompadas, la banda incluida?

—Una sola vez, que recuerde. Se agarraron a piñas Pappo y Vitico, en un show en Córdoba. Pappo había tomado tranquilizantes y los mezcló con alcohol. Parecía un vikingo.

Hubo destrozos en el hotel. Lo que pasa es que, en el mayor apogeo de Riff, estaba la dictadura, entonces cada show de la banda estaba siempre al borde del caos. Raúl Porchetto tocaba en la universidad, todo ordenadito, sin un cana

y nosotros tocábamos en el estadio de Unión, con una fosa de por medio, con todo el destacamento de bomberos, los perros policías y todos temían que hubiera quilombo. Estaba el país tan reprimido que era obvio que con Riff pasaban cosas. Era catártico.

—Entonces no era mala prensa. Era la verdad.

—No siempre. Una vez tocamos en Posadas, un show hermoso, sin dramas. Al otro día, leyendo el diario en el hotel durante el desayuno, digo: “Che, no salió nada del show. Qué pena”. Y uno me dice: “Fijate en Policiales”. Abro y una doble página con el título: “Desmanes en recital”.

—¿No sabían que se había armado lío?

—Para nada, ni nos enterábamos. Es por eso que en los Estados Unidos se suele decir: “Elvis has just left the building”. Cuando los fans se ponían ansiosos después del show, llegaba un tipo con el micrófono y les decía que Elvis ya había partido, así se dejaban de joder.

—¿Por qué se la agarran siempre con Porchetto, un músico que no le hizo nunca mal a nadie?

—Es que cantaba como una almeja. Todo tranquilito y nosotros éramos el demonio.

—Y con Charly, ¿por qué hubo tanta rivalidad con Riff?

—No había enemistad. Mirá, lo único que te puedo decir es que una vez en un show de Riff, en Quilmes, se apareció Charly de incógnito en los camarines. Decía: “Si me reconocen, me matan”. Yo recién venía de Europa y no sabía quién era García.

—¿Nunca te gustó?

—Es que le ponían el rótulo de rock nacional. Y él no hacía rock. Hacía pop. Nosotros hacíamos rock.

—¿Nunca hiciste dinero con Riff?

—Nunca. Ah, sí, una vez cuando fue la película Barrock. Aparecían varios temas nuestros y cuando fui a Sadaic por poco me caigo de culo: había como 12 mil dólares.

—¿Qué te parece el rock argentino hoy? ¿Sigue vigente o se fue a la basura?

—Es difícil decir, el rock engloba muchas cosas.

—Por ejemplo, Pity Álvarez: ¿es un genio o está perdido?

—A mí Pity me cae bien. Creo que es muy talentoso. Me acuerdo de que una vez fuimos a un festival en Paraguay, y él estaba con Viejas Locas. Yo no lo conocía. Salimos del hotel, duchados, con Pappo, y los vemos a ellos que se habían bajado no sé cuántas botellas de Criadores y cantaban nuestros temas.

Unos pibes súper divertidos.

Il Carpo

—¿Quién mantiene el legado de Pappo?

—Es que no sé cuál es el legado de Pappo. Porque él tuvo muchos proyectos, no sólo Riff, también tenía Pappo´s Blues. Yo creo que la banda más riffera de la actualidad son los chicos de La Renga. Llevan mucha gente. Rockean bien. Tienen buenas canciones y mucho calor escénico.

—Me contaron que querés hacer una road movie

—Es una idea que tengo y está bastante avanzada. A veces, tengo ideas y me voy al carajo. Pero a veces no. Hay un tema que sacamos en el primer disco de Héroes del asfalto que se llama “Por la ruta 40”, y la idea era en pleno Bicentenario recorrer los miles de kilómetros de toda la ruta, parando en los pueblos, tocando y filmando una película, que se va a transformar también en un videoclip. La 40 es como la ruta 66 para los yankis. Y qué mejor símbolo para el Bicentenario.

—¿Es tuyo el tema?

—Sí, lo escribí yo. Y eso que casi ni conozco la ruta. Lo empecé a escribir en 2004 y le conté la idea a Pappo. Porque leí un artículo donde decía que el gobierno quería hacer de la ruta un emblema del país. Y me dije: “¿Por qué no hacer un rock con esto?” Ahora te digo hay un par de pueblos que tenés que pelarte bien el culo para hacerlos rockear. Intentá con Purmamarca o Talampaya. Y vas a ver a qué me refiero.

—¿Por qué siempre el heavy y la cultura rutera?

—A mí me gusta. Siempre me coparon las road movies tipo Vanishing Point, Easy Rider, Mad Max.

—¿Sos fanático de la novela En el camino, de Kerouac, la biblia de las historias ruteras?

—Sabés que ahora lo estoy releyendo. Lo leí un poco en inglés de pibe. Pero me parece que no envejeció tan bien. A mí me gusta leer todo en el original. Por ejemplo, me leí La peste de Camus en francés.

J J: —Uh, mirá, a mí me lo tomaron en el examen de francés.

—¿Y cómo te fue?

J J: —Bastante bien, saqué hasta 15, sobre 20 puntos.

M: —Éste estudia en la última etapa. Ahí patinó un poquito. Pero yo lo ayudé.

J J: —Es verdad, me ayudó en el oral de francés.

M: —Es que del 73 al 80 viví en París. Tengo diploma terciario. Imagínate el nivel que tengo.

—¿No terminaste la carrera?

—No. Estaba grabando un disco con mi banda Extra Ball. Era pleno surgimiento del punk. Íbamos de gira con The Clash. El segundo disco de la banda lo grabamos en el mismo estudio donde grabó Elton John y Bad Company. Estábamos a pleno. Así que dejé la carrera.

—¿Y qué dijo tu papá de que cambiaste economía por el rock?

—Nada, porque nunca se lo dije.

—¿Es cierto que Pappo vivió un tiempo en el placar de tu hermano en Inglaterra?

—Totalmente, lo conocíamos de Argentina y no sé cómo sacó la dirección de mi hermano. Era 1975. Cuando Dany lo vio, le dijo: “Y dónde estás viviendo vos”. “En ese Volkswagen”, le dijo Pappo. “Mirá yo tengo un placar, si no tenés problema, venite”. Pappo abrió el placar y dijo: “Bárbaro”. Y se instaló ahí. Cuando volví a la Argentina, me dijo que estaba formando una banda con Vitico. Yo tenía la idea de aprovechar unos contactos de mi viejo con la embajada de Grecia para hacer transporte de petróleo, pero abandoné todo por Pappo. Mi hermano estaba aburrido y Pappo siempre fue un cago de risa.

—Hay algo que no termino de entender. Toda esta historia de la ruta 40, ¿es para un clip o para una película?

—Es todo. Es una road movie donde yo vengo manejando un Chevvy que va por la ruta 40 rescatando a los héroes del asfalto. Al primero que rescato es a Jean Jacques, que está prisionero de unas motoqueras que andan medio en pelotas. Tiene que ser el primero porque después, el pibe, en la vida real, tiene que ir al colegio. El problema es si, jo, jo, jo, jo, si se quiere quedar con las motoqueras. Ahí cagamos.

NOTICIAS DEL ROCK DAK 13 al 18/03/10

CHARLY GARCÍA VOLVIÓ A BRILLAR EN EL LUNA

En casi tres horas de show tocó treinta temas ante una multitud de fans que vibró en el mítico escenario porteño. Se agregó una nueva fecha en abril.

Este miércoles el Luna Park se vio colmado de fanáticos de Charly García. Hoy repite el recital, viajará a Israel para un concierto en ese país y el 3 de abril repite en el mítico escenario de calle Bouchard.

Shows. Este miércoles el Luna Park se vio colmado de fanáticos de Charly García. Hoy repite el recital, viajará a Israel para un concierto en ese país y el 3 de abril repite en el mítico escenario de calle Bouchard.

El concierto que puso otra vez al recuperado Charly García sobre un escenario tuvo lugar en la tradicional esquina de Bouchard y Avenida Corrientes, en el mitico Luna Park ante unos 7.000 fanáticos que vieron como uno de los mitos del rock nacional arrancó su show con clásicos de su etapa solista como Demoliendo Hoteles, Promesas sobre el Bidet, El Rap del Exilio, No Soy un Extraño y Cerca de la Revolución.

Luego arremetió con Filosofía Barata y Zapatos de Goma, Vía Muerta, La Medicina y Funky. Seguido a ese momento comenzaron a llegar visitas, la primera fue la de León Gieco, que entró para compartir con su viejo compañero de ruta rockera Los Salieris de Charly.

A esa altura del espectáculo la multitud deliró con las versiones 2010 de Adela en el Carrousel, El Amor Espera, Rezo por Vos y Yendo de la Cama al Living. Desfilaron también los temas Pecado Mortal, Influencia, Llorando en el Espejo, Pasajera en Trance, Raros Peinados Nuevos y Me Siento Mucho Mejor, significativo título para el nuevo Charly.

El broche de oro de la noche lo pusieron los bises Deberías Saber Por qué, Perro Andaluz, No se va a Llamar tu Amor, Rocanrol Yo y No Toquen.

Y SIGUE EL SHOW. Esta noche Charly García dará el segundo concierto previsto en el Luna Park. Y ayer se supo que agregó una nueva función para el 3 de abril, también en ese estadio. Las entradas para el tercer show ya están a la venta.

FITO PÁEZ

"No me planteo ser original"

Acaba de lanzar su flamante Confiá. Habla de su arte, le responde a quienes lo cuestionan, critica a la clase dirigente y se niega a hablar de su relación con Celeste Cid. Además, la trastienda de un ensayo.

Por: Eduardo Slusarczuk

En 2007 Fito Páez se convirtió en Rodolfo. A partir de entonces, se metió de lleno a pianista, grabó un disco solista en Buenos Aires, otro en Madrid con músicos invitados, salió de gira con The Killer Burritos, y terminó de escribir el postergadísimo guión de Novela.

"Fue una época exótica para mí, porque era escuchar mi música tocada por otra banda, que tiene un estilo único. Y una etapa solista muy importante para reencontrarme con el piano. Pero después de dos años de eso, sentía que quería volver a un sonido diferente", resume Páez.

La versión 2010 viene de la mano de una larga gira y con un nuevo disco bajo el brazo, grabado entre el frío cordobés, con nieve incluida, la inclemencia y colores porteños, y los calores de Brasil.

En la cocina de su estudio, Circo Beat, un Páez algo agotado después de varias horas de ensayo, habla. De Confiá, de confiar, de sus incontables yoes, de la dirigencia política, de la trilogía fundamental del rock de acá. En un orden en el que todo tiene que ver con todo.

"Fue la primera vez que hice un álbum tan al borde -dice-, en cuanto a entrar al estudio a inventar, con casi nada más que unos trozos de músicas incompletas, y muchas ganas de hacerlo"

¿Realmente creés que la canción se escribe sola, como cantás en "Tiempo al tiempo"?

Sí. Y ese fue el corazón del disco. Al margen de que a esta altura no me voy a asustar si tengo o no el tema. Yo sé que voy a ir por algo, y que no voy a abandonar hasta que ese algo tenga una forma que me atraiga.

Pero sin ir en busca de la canción.

Es que yo no sería tan soberbio. En Confiá hay músicas que esperaron más de 10 años para que les ponga texto. Ese es el trabajo del tiempo, silencioso, y que nadie ve. Y que para mí es muy gratificante. Porque de eso se trata, de dejar que la canción se haga sola, y no de hacer un disco según los tiempos de un contrato.

¿No se puede caer en el riesgo de una fórmula que garantice una buena recepción en el mercado?

No. Jamás. Ese puede ser un análisis que hagan otros, pero a mí me pone nervioso que me preguntes eso. Porque soy un tipo que labura sobre la experiencia que significa meterse adentro de la música. Y nunca me pueden acusar de no ser fiel a las cosas que he sentido que quería decir en cada momento.

¿En ese caso, si se escriben solas, cuál es el objetivo de hacerlas?

Plasmar una experiencia, ese es el único fin. Yo no soy tan pretencioso. Yo vivo con las cosas, no soy un profesional de esto. Las cosas están latiendo conmigo mientras las hago. Algunas aparecen hoy, otras mañana. Pero no me planteo ser original. Ya sé que lo soy, en un punto. No tengo ese problema. En todo caso, es una parte que podría ser objeto de la mirada del otro.

Sin embargo, la búsqueda de la novedad para muchos artistas es una especie de mandato.

Es una idea que me parece de una pretenciosidad y un delirio que le escucho a mucha gente. Pero las personas somos hijos de nuestros padres y ellos hijos de los suyos, y ya. Con eso vas a armar toda tu vida. Después podés jugar a los dos acordes o a la gran orquesta. Algo que me puedo dar el lujo de hacer.

En tu caso parecería que vas en camino hacia una mayor simpleza.

Yo no pienso así. Uno decide si quiere trabajar con cosas más complejas o no. Pero esa es una decisión de alguien que conoce la materia. Porque con esa base podrías armar un axioma moral de que lo simple es bueno y lo complejo malo. Y yo recuerdo a algunos artistas de los que se decía que eran simples. Pero lo que pasaba era que sólo sabían usar dos acordes. En cambio, Atahualpa decidía poner sólo dos acordes.

Embarcado en la cuestión de la sencillez, Páez asegura que llegar a esa sencillez formal es algo que no sabe cómo sucede. "Es que cada vez sé menos cómo hago las cosas. cada vez sé menos de mí", dice. En esa línea, si se le pregunta cuánto hay de autobiográfico en sus nuevas canciones de este disco, el rosarino muestra la tapa de Confiá: "Te cuenta todo."

¿A vos qué te cuenta?

Que hay mucha gente alrededor de uno. Y que uno no es dueño de su discurso. Es algo así como que yo no soy yo, soy el otro. Y el otro soy yo. Y no tengo que explicarle nada a nadie sobre eso. Yo ya estoy perdido en este mundo. Sé que tengo que ser el padre de mis hijos, y amar a la gente que amo. Pero a la hora de crear, ahí estamos en absoluta libertad. Y ahí, la idea del doble me pareció muy inquietante.

SDLqConfiá, la canción, habla de algo muy íntimo. Y en lo personal se traduce de muchas maneras. Es una forma de sacarse la careta. Dr. Jeckyll y Mr Hyde. Esta es la vida, que no te asuste. Confiá", monologa. Aunque enseguida Páez parece multiplicar sus personalidades por cien.

¿Existe posibilidad de resumirlas?

Si hubiera que buscar un idea, sería la de un tipo lleno de contradicciones, de quilombos, y también de goce. Pero me niego a explicar las cosas que surgen de la experiencia vital. A mí, la que me tocó para vivir es la de hacer música y cine. En ese sentido, soy un privilegiado. A mí me tocó animar la fiesta. Aunque no soy un entretenedor.

¿Por qué no?

Porque no lo hago para caerle bien a nadie. Yo, cuando busco los sentidos, voy más allá de eso.

Entonces, ¿qué esperás que una canción tuya le cause a quien la escucha?

No espero nada. Yo hago mi música, y la toco. A veces me interesa lo que le pasa a la gente. Pero hay muchísima gente a la que no me interesa lo que le pasa con mis canciones. Porque yo no me puedo pelear con una ciudad. Lo que sí creo es que cuando la ciudad le da 35 Luna Parks a Ricardo Arjona y a Charly García le da dos, tenés que pensar qué significan la política, los diarios, en esa ciudad, en la que hay valores que fueron aniquilados.

Páez no oculta su enojo, y lo asocia a su desencanto, a la decepción que siente. "Yo soy un tipo que ama este lugar, que defiende sus cosas más auténticas y brutales, pero nunca la aniquilación cultural y el vaciamiento de ideas".

Entonces arremete contra "lo vergonzante que es todo lo que se habla del Bicentenario", y "las estupideces a las que nos suelen someter", para enseguida rescatar "la gente hermosa, divina, que tiene este lugar, que hemos destruido". Pero en el que, igual, propone: "Confiá".

¿En quién?

No en la clase dirigente, que es estúpida. Si no en el corazón de la gente con la que uno se vincula. En entregarse a una experiencia noble, y transmitírselo a nuestros hijos.

Suena bien, pero cuesta creer.

Es cierto. En otro momento alguien podría haber dicho que este es un momento interesante, porque las crisis devienen en cosas buenas. Ni a palos. No hay crisis interesantes en este país, mientras entre dos se pelean como chicos que no saben limpiarse los calzones mientras el país se desangra. Acá la crisis es profunda, y posiblemente no tenga solución. Ojalá me equivoque.

Aún así, Paéz reconoce la emergencia de señales en sentido positivo. Y rescata la celebración que Luis Alberto Spinetta hizo de sus bandas eternas en Vélez, hace cuatro meses, donde participó como invitado. Al igual que en uno de los recientes conciertos de García, y también en el regreso de Los Gatos, hace un tiempo. Un itinerario que lo une con quienes considera "personas liberadoras, que han hecho cosas bellas hablando de cosas terribles, y también de cosas hermosas".

¿Y vos, en que plano te ubicás con respecto a ellos?

Yo me siento un acompañante privilegiado, en primera fila, de tres tipos fundamentales de la época que me tocó vivir: Charly, Litto y Luis. Jamás me inscribiría dentro de la tradición. Eso lo decidirán otros. Soy un espectador de lujo. Yo sé lo que significa estar en una sala de ensayo con cada uno de los tres. Y eso me hace responsable. Ojalá el tiempo me dé un espacio en el que alguien pueda decir que estuve a la altura de los zapatos que me dieron, de la ropa que me dejaron probarme.«

El single “Tiempo al tiempo” ya puede escuchar en la web.

Canciones del Álbum Confía

01. Confiá

02. Tiempo Al Tiempo

03. M&M

04. La Nave Espacial

05. London Town

06. Limbo Mambo07. La Ley De La Vida

08. El Mundo De Hoy

09. Saliendo De Tu Prisión

10. En El Baño De Un Hotel

11. Fuera de Control

12. Desaluz

REVELADOS: EX PIOJOS EN PIE DE GUERRA

Por Sebastián Duarte, para Revista RS

Tavo Kupinski y Pablo Guerra se reencuentran en Revelados, el segundo grupo surgido de la separación de Los Piojos. Mientras Andrés Ciro lanza su carrera solista, se salan las heridas de un divorcio doloroso.

"Cuando digo que dejamos de tocar es porque Los Piojos se separaron. No se trata de una impasse como algunos salieron a decirle al público", afirma Tavo Kupinski, ex guitarrista de los de Ciudad Jardín, recientemente incorporado a Las Pelotas ("es cumplir el sueño del pibe", según él) y ahora gestor de Revelados, grupo con el que debutó en diciembre en el teatro Verdi de La Boca y tocó en Rosario junto a La Franela, el proyecto de otro ex compañero: Piti Fernández. Pero Tavo no está solo; lo acompañan otros cuatro ex Piojos: Pablo Guerra en guitarra, Sebastián "Roger" Cardero en batería, "Changuito" Farías Gómez en bajo (en Los Piojos tocaba la percusión), y a ellos se suma el joven Jony Cuella en la voz (tiene 22 años y lo une a Tavo una cuestión política: es su cuñado). "En realidad, el germen de Revelados se dio entre el Changuito y yo", relata Tavo. "Nosotros somos amigos de toda la vida. Hicimos la secundaria juntos. Con él ya había grabado algo hace cuatro años. Después me junté con Chucky de Ipola, pero al tiempito prefirió sumarse al proyecto solista de Ciro. Por otra parte, pensamos en Sebastián, que es un buen batero y además es amigo. Y en Jony, porque fue el primero en alentarme. Me decía que tenía que tocar los temas que nunca pude hacer en Los Piojos." La unión de dos guitarristas virtuosos como Tavo y Pablo Guerra, también ex Caballeros de la Quema, le otorga una insignia sonora a la banda: riffs, fraseos y punteos al frente se entrelazan con letras costumbristas que le dan cuerpo a una propuesta de rock en formato canción.

En la sala de Sáenz Peña que el grupo usa para ensayar, Guerra retoma esta galleta de trapos al sol: "Nosotros nos conocemos hace muchísimos años. Fui yo quien llevé a Tavo a tocar a Los Piojos cuando me fui. Cuando él me llamó para esto, ambos acordamos que no queríamos tocar en una empresa ni tomar decisiones empresariales". Como si hiciera falta, Tavo agrega: "Es cierto lo que dice. Cuando entré a Los Piojos, en el 91, muchos de los seguidores no sabían qué pasó con él. Ya se pensaba como una empresa. Y si no te iba ésa, te tenías que ir".

A pesar de que el autor de "Sudestada" apostó su vida al gigante que fue Los Piojos, nunca dejó de verse con Guerra. Verse, estar juntos y ensayar son cosas centrales en las bases del proyecto Revelados. "Acá todos deben participar en la banda", dice Guerra. "No puede ser que un cantante, porque no toca un instrumento, se vea en un rol distinto. Yo tuve problemas de ese tipo en otras bandas, por ejemplo en Los Caballeros de la Quema. Para mí no debe ser así. En un grupo todos están involucrados." Kupinski termina: "¡Estás en lo cierto! A nosotros también nos pasaba eso. Eran ensayos sin el cantante, y eso no le hace bien a una banda. Genera distancia. Y todos formamos parte de la misma historia".

TODO JIMI HENDRIX, CON BONUS E INEDITOS

Secretos de una guitarra

Además de sus clásicos, publicaron el inédito Valleys of Neptune, el doble álbum en el que trabajaba antes de su muerte y documentales que dan cuenta de su proceso creativo.

Por Fernando D´addario para Pagina/ 12

La postal que ilustra desde hace 40 años el imaginario rockero se obstina en mostrar a Jimi Hendrix al borde de la inmolación eléctrica. El epítome de esta sobrecarga es la imagen del músico de Seattle incendiando su guitarra en el festival Monterey Pop. Sin ánimo de refutar ese icono, el principal mérito del Catálogo Jimi Hendrix, recientemente editado por Sony Music, descansa en la posibilidad de descubrir el costado menos conocido del autor de “Stone free”: el de animal de laboratorio, que cocinaba obsesivamente en los estudios de grabación aquello que luego los fans atribuían al espontaneísmo de su instinto escénico.

Pero la pulsión improvisatoria no se repele con el meticuloso trabajo de orfebrería que atraviesa su obra. Por el contrario, son aristas complementarias de una energía consagrada a la tensión permanente entre composición e interpretación, aun a expensas de cierta “desprolijidad”. La flamante reedición no se conforma con otorgarle justicia póstuma al sonido de Hendrix (beneficio que había sido sistemáticamente burlado por anteriores recopilaciones de rarezas y discos en vivo de mala calidad, desde la era del casete hasta hoy); pretende –y lo logra– desandar, desmenuzar, desentrañar el sinuoso proceso creativo del músico. Para ello, cada CD –están sus clásicos de estudio Are you experienced?, Axis: bold as love, Electric Ladyland y su álbum oficial en vivo Band of Gypsys– viene acompañado por un DVD que constituye un material documental de lujo dirigido por Bob Smeaton. Allí, quien fuera responsable de otros proyectos memorables como Beatles Anthology, somete a Hendrix a una disección quirúrgica, operada por quienes trabajaron durante años con él: el productor original Chas Chandler, los músicos Mitch Mitchell, Billy Cox y, fundamentalmente, el ingeniero Eddie Kramer.

Pero a seis meses de que se cumplan 40 años de la muerte de Hendrix, se imponía la necesidad de presentar algo “nuevo”. Una empresa que parecía técnicamente imposible. No para Janie Hendrix, hermana de Jimi, legítima beneficiaria de los afanes de lucro que sobrevivieron al guitarrista. Más allá de Valleys of Neptune (ver aparte), First Rays of the New Rising Sun es, en ese sentido, un ejercicio de deleite contrafáctico: registra las últimas batallas de Hendrix contra sus propios límites e invita a conjeturar sobre lo que habría ocurrido con su música si una fatal sobredosis de barbitúricos no hubiera terminado con su vida. Los coqueteos con el funk –aquí en diálogo enfermizo con la psicodelia–, encontrarían mucho tiempo después sus esquirlas en Prince y en Vernon Reid, entre tantos otros, mientras que la herencia del primer Hendrix fue reclamada por bluseros como Stevie Ray Vaughan. Tan amplia fue la paleta estilística de Jimi.

Pero la música de Hendrix ya había prefigurado el futuro mucho antes. Alumbraba lo nuevo conservando y superando lo viejo, en un juego dialéctico que seguramente desconocía. Are you experienced?, su primer disco, fundó la guitarra moderna sin olvidar ni por un instante a los viejos bluesmen que tanto admiraba. El ingeniero Kramer cuenta, con una mezcla de emoción y deslumbramiento –y eso que ya pasaron 40 años– que tenían ya grabado el tema “The wind cries Mary” cuando, aprovechando los 20 minutos que les quedaban para dejar el estudio, a Jimi se le ocurrieron cinco ideas distintas para añadirles a las líneas de guitarra. Y las grabó todas. En la canción “Are you experienced?” Hendrix toca el piano. Es una simple octava en la menor que acompaña el tema de principio al fin como una letanía casi imperceptible. El bajo y la guitarra están grabados al revés. No hay aquí manierismos ni veleidades estetizantes. La música lo desbordaba.

Hasta la aparición de Hendrix, los parámetros de la evolución rockera admitían cierta armonía en su desplazamiento hacia el futuro. Pero el autor de “Purple haze” rompió los esquemas. Tanto fue así que revolucionó inclusive el orden interno sobre el que se había sostenido. Chas Chandler –bajista de The Animals y productor de los primeros discos de Hendrix– solía decir que “grabar es como ir a trabajar”. Pero cuando la banda entró a registrar el notable Electric Ladyland, Chandler se volvió loco. Jimi empezó a componer en el estudio. Sumaba músicos (entre ellos, Steve Winwood) que pudieran canalizar su tormenta de ideas. Según Mitchell, el estudio de grabación se convirtió en su hogar espiritual. De cada canción hacía casi 40 tomas. Chandler dio un portazo. Estaba acostumbrado a la estructura de canciones como “Voodoo Child”, guiadas por cierta lógica rockera. La historia le dio la razón al guitarrista. Electric Ladyland fue el terreno resbaladizo donde el blues, el jazz y la psicodelia encontraron una posible síntesis. Pero Hendrix quería más. Una nueva banda, los Gypsys Suns and Rainbows, intentó seguirle los pasos, reemplazando material y espiritualmente a la Experience. “No es más que una banda de gitanos”, decía Hendrix, refiriéndose a Cox (bajo), Mitchell (batería), Juma Sultan (percusión), Larry Lee (guitarra) y Jerry Velez (percusión), que lo acompañaron en la aventura de Woodstock.

El Hendrix de los últimos años acaso no haya sido el más reconocido por la historia. Pero fue, seguramente, el más libre. En el DVD que acompaña al póstumo First rays of the new rising sun, Kramer manipula hoy la consola para mostrar, por ejemplo, la compleja arquitectura del tema “Night bird flying”: cuatro capas de guitarras se entregan a un perturbador fuego de texturas y sobreimpresiones. Hendrix transgredía las fronteras “físicas” de su instrumento.

¿Hacia dónde iba su música? Nunca lo sabremos. Todo lo demás es historia y está en esta colección.

NITO MESTRE PUBLICO EL EP+DVD FLORES EN NASHVILLE

“No veo nada nuevo en el rock de hoy”

El ex Sui Generis planeó subir a Internet un par de canciones dedicadas a su madre y su esposa, pero el proyecto se convirtió en otro con doble formato físico.

Por Cristian Vitale para Pagina /12

Charly García hoy, según Nito Mestre: “Está bien y en vías de ponerse mejor, más suelto. Es sólo una cuestión de tiempo. No se puede estar estupendo en dos segundos”. Diagnóstico de viejo amigo, palabra calificada, de un Sui Generis sobre el otro. La última que vez que se cruzaron fue durante el recital que el García postratamiento dio el 5 de diciembre en Rosario y Mestre, por entonces embarcado en su nuevo proyecto solista, vio torcer allí un destino de destrucción que parecía marcado. “Vi de cerca lo mal que la pasó Charly en los últimos tiempos”, cuenta. “Me alejaba cuando veía algún desmán, en esas circunstancias intempestivas de quilombos, o de meterse en líos ridículos, como caer en cana porque le tiró una guitarra a un colombiano, esa onda. Era un poco triste la situación, y muy difícil de salir. De alguna manera deseaba que apareciera un impacto en su vida, sin llegar a ser grosero.”

–Sin llegar a que se matara, digo. Pero algo tenía que pasarle para que existiera una voluntad de cambio. El ideal es que no tenga que pasarte algo brusco para cambiar, pero cuando estás metido así, es preferible que la vida te dé un golpeteo brusco para reaccionar y salir para algún lado. Ojo, Charly podría haber salido para el lado de los tomates, pero creo que ha sufrido y aprendido bastante en este tiempo como para tratar de no volver a joderse la vida.

–¿Le sorprendió que la solución viniera por el lado de Palito Ortega?

–En realidad, la solución vino por muchos lados... Ortega es uno de ellos. Sí, él puso la casa, pero otros pusimos el tiempo, la palabra o el afecto. Por supuesto que influyó el hecho de estar resguardado en un buen lugar, pero hubo que lucharla bastante.

No podía aparecer Nito Mestre sin meter bocado sobre quien lo acompañó cuando todo era nada, a principios de los ’70, mucho antes de convertirse en el tumultuoso rockstar que engordó habladurías no siempre musicales. Pero tampoco de Flores en Nashville, el flamante EP+DVD que acaba de salir al mercado, y que también anida en afectos caros a su vida: su madre Tecla –una ucraniana muerta en agosto de 2007– y su mujer. “Al principio iba a sacar un single con ‘Flores en el mar’, dedicado a mi madre, y ‘My Dear’, el que le hice a mi mujer, pero después decidí agregar dos temas y transformarlo en un EP, con una idea conceptual: las cuatro canciones están dedicadas a la mujer.”

–Y grabadas en Nashville, de ahí el título. ¿Cómo fue la experiencia de trabajar allí?

–Es cierto que un disco podés grabarlo en cualquier lado, pero Nashville es la capital de la música en Estados Unidos y se nota a la legua. La otra excusa era que en “Flores en el mar” haya violín, porque mi viejo, que falleció cuando yo era chico, lo tocaba, y él, que era médico, fue el que me inculcó esto de la música. Como el tema era dedicado a mi vieja, se me ocurrió poner un violín para juntarlos. Y tuve suerte, porque, buscando un violinista de folk, di con el de Dolly Parton, que es como una bestia del country. En el caso de “My Dear”, la idea era poner un pedal steel guitar, un instrumento que acá no toca casi nadie. Junté el violín con el steel guitar en Nashville y la cosa cerró impecable.

–Con su impronta estética, además. Usted nunca se corrió demasiado del aura folkie, desde Sui Generis hasta acá, salvo algunos pasajes con Los Desconocidos de Siempre.

–Y me sigue gustando un montón porque, al contrario del reggaetón y esos géneros que no son canciones, el folk es el lugar donde se nota la canción en bruto. Del folk se puede ir al rock pesado, a lo que venga. Es la raíz de todo.

Mestre grabó su álbum –el retorno luego de casi seis años de silencio discográfico– en marzo de 2009 con la idea original de editar un EP con “rápida subida a Internet”. Pero un buen ofrecimiento del sello Acqua Records le permitió agregar un DVD compuesto por un tendal de clásicos suyos registrados en vivo con la Orquesta Sinfónica de San Juan y coro. “Estaba bueno sacarlo completo, pero estuve mucho tiempo pensando en que se iba a encarecer el producto, y no iba a poder, hasta que la gente del sello me hizo la vida fácil y salió Flores en Nashville. De ninguna manera quería sacar un disco de clásicos sin mostrar algo nuevo”, dice el cantante, que el 12 de agosto festejará en el ND/Ateneo los 30 años de su primer disco solista, 20/10, aparecido después de la disolución de Los Desconocidos de Siempre. “Voy a juntar a todos los músicos que estuvieron en la grabación de ese disco fundamental para mi carrera”, promete.

–Ha mostrado en más de una oportunidad cierto desencanto con el estado del rock en la actualidad. ¿Podría fundamentarlo?

–No veo nada nuevo en lo que estoy escuchando sino más bien algo viejo y retocado. No veo canciones que me lleven a decir “qué lindas”, o una banda como Soda Stereo, por ejemplo.

–Entonces adhiere a la corriente de opinión que marca que el rock de hoy está estancado...

–Sí. O se imita a Los Redondos o se forma una banda de garage, una típica de rock. Igual, no quiero generalizar, porque hay bandas independientes que sí merecen estar en un lugar mejor en términos de difusión. Me gusta mucho una que se llama Austria, de Rosario. Y otra muy buena es Brian Storming. Prefiero escuchar esas bandas a prender la radio y encontrarme con algo parecido a Los Cadillacs o a Callejeros, que es un desastre. O cantantes que quieren cantar como Calamaro y Vicentico.

–¿Presenció el show de Spinetta en Vélez?

–Fue emocionante, grandioso, divino, refrescante. Me encantó oírlo cantar, lo suelto que estaba como para contar que “Mariposa de madera” lo influyó para componer “Muchacha”. Onda “bueno, al fin contás un poco”, ¿no? Me encantó su música y el público. Me hizo acordar mucho a los recitales de los ’70, por el respeto que había hacia el artista, al contrario del quilombo y los gritos tan usuales hoy. Fue un silencio onda “todos uno, disfrutando del día”. Si vas a ver un show de música, lo que querés es escuchar música, no ver gente haciendo quilombo... Creo que ésta es otra de las confusiones que se apoderaron del rock. Y no la voy con eso.

LAS PERLAS

200 COVERS DE LUJO DEL MEJOR ROCK ARGENTINO

Suplemento Radar - Página/12

Almendra, Andrés Calamaro, Arco Iris, Charly García, Color Humano, David Lebon, Fito Páez, Lito Vitale, Litto Nebbia, Los Gatos, Los Gatos Salvajes, Luis A.Spinetta, Manal, Moris, Pescado Rabioso, Rubén Rada, Sui Generis, Vox Dei.

Litto Nebbia le rindió tributo a la década fundante del rock argentino y el resultado es impactante: 200 grandes temas de aquellos años, entre himnos y joyas desconocidas, con una convocatoria impresionante que va de los miembros de Los Gatos y Almendra a Fito Páez y Calamaro, pasando por grandes músicos independientes y de culto. Ahora, los 9 discos, el DVD y el cuaderno de grabaciones escrito por el mismo Nebbia llegan a las disquerías y kioscos.

Nueve CD. 200 temas. Más de cien músicos de rock de todos los tiempos –incluyendo varias leyendas vivientes, bandas de culto, grupos under y algunos talentosos ignotos– fueron convocados por Litto Nebbia para homenajear la era de oro del rock criollo. Cada disco está dedicado a artistas distintos: Los Gatos Salvajes y Los Gatos; Almendra; Moris, Miguel Cantilo, Roque Narvaja y Arco Iris; Manal, Vox Dei y Pappo’s Blues; Pescado Rabioso, Aquelarre, Huinca y Color Humano; Sui Generis, León Gieco y Charly García; Luis Alberto Spinetta, y uno de artistas varios. Entre los músicos que reinterpretan los temas propios y ajenos, en versiones totalmente personales, se puede mencionar a Andrés Calamaro, Spinetta, Gieco, Nito Mestre, Fito Páez, Alejandro Medina, Ricardo Soulé, Claudio Gabis, Ciro Fogliatta, Hugo Fattoruso, Ariel Minimal y Pez, Compañero Asma, Súper Ratones, The Tormentos, Los Grillos, Los Barreiro, Black Amaya, María Rosa Yorio, Miguel Cantilo, Antonio Birabent, Gustavo Bazterrica, David Lebon, Lito Vitale, Kubero Díaz, Nube 9, Rubén Rada y la lista sigue.

Casi todas son canciones grabadas especialmente para este proyecto de Melopea, Una celebración del rock argentino, y si bien como factótum Nebbia participa en muchas sesiones –a veces reuniendo legendarios rockers que nunca habían tocado juntos– el resultado es un raro viaje musical, con matices sonoros para todos los gustos.

Los box sets suelen ser compilaciones de hits preexistentes, pero éste está lleno de sorpresas musicales increíbles. El booklet de 108 páginas, con textos de especialistas como Mario Antonelli, Eduardo Berti, Marcelo Gasio, Daniel Grigera, Claudio Kleiman y Sergio Marchi, también incluye data básica o pequeñas biografías de cada uno de los intérpretes. Está claro que detallar todo en unas cuantas líneas sería imposible, por lo que como muestra, la siguiente es una lista de pequeñas gemas que surgen de este verdadero calidoscopio de covers:

Che piruja, de Miguel Cantilo, por Roque Narvaja. El rock se funde con la milonga en esta pequeña obra maestra de Cantilo, visceral y formidablemente versionada por Narvaja. A su vez, Cantilo le devuelve el favor a Narvaja con “Malena no te rindas”.

Mañanas campestres, de Arco Iris, por Nito Mestre. Esta combinación da lugar a algo así como la Capilla Sixtina del country folk argentino, con excelentes arreglos vocales y un soberbio trabajo de guitarra de Nebbia.

Guerras, de Vox Dei, por Richter. Momento realmente increíble: el clásico de La Biblia, de Vox Dei, en versión tecno al mejor estilo Devo, y lo que es mejor, sin dejar de ser fiel al espíritu original.

No voy en tren, de Charly García, por Rubén Rada. Otro de los momentos divertidos y supercreativos, con arreglos increíbles y el debut de Matías Rada, hijo de Rubén. Uno de los pocos temas grabados en Uruguay. Un aporte de Rada: “¡Yo no me copo con nadie!”.

¿Nunca te miró una vaca de frente?, de Miguel Abuelo, por Los Barreiro. Un tema de culto, de letra única por su humor surrealista, acelerado a la máxima potencia por el histrionismo inigualable de Pachi Barreiro.

El Rey lloró, de Los Gatos, por Luis Alberto Spinetta: uno de los grandes temas de la historia del rock argentino en una versión contundente, con sutiles electrónicas y un estribillo que Spinetta va transformando del rango vocal original al suyo de forma totalmente espontánea. En batería hay otro Almendra, Rodolfo García. “El Rey lloró” es uno de los pocos temas que se repiten en el box set; la otra versión, excelente y más clásica, está a cargo de León Gieco.

Ahora me amas, de Los Walkers, por Zorros Petardos Salvajes. La gran banda de culto oriental de fines de los ’60 magistralmente versionada por los adrenalínicos músicos de culto del rock de garage argentino en su máxima potencia.

My Baby, de Los Mockers, por Ciro Fogliatta. Otro supercombo: Ciro, con Rodolfo García en batería, Nebbia en teclados y el mismísimo Jorge Fernández de Los Mockers en guitarra recreando su viejo hit con un solo de aquéllos.

La respuesta, de Los Gatos Salvajes, por Leopoldo Deza: uno de los más dinámicos hits beat de Nebbia y Fogliatta, convertido aquí en un instrumental de la más hippie e hipnótica psicodelia acústica. La flauta traversa de Deza, más la guitarra y percusión sixtie de Nebbia nos llevan al más profundo flower power tipo Jefferson Airplane. El sorprendente concepto de cover es el ejemplo perfecto de la libertad creativa con la que fue pensado este box set.

Durazno sangrando, de Invisible, por La Tolva. Faltaba un poco de punkie en el box (¿para cuándo el cover de “Muchacha ojos de papel” por Los Violadores?), pero La Tolva pone las cosas en su lugar con esta memorable versión a pura guitarra distorsionada.

El viejo, de Pappo’s Blues, por Claudio Kleiman. Esta quizá sea la mayor sorpresa de todo el box set. Kleiman, conspicuo periodista especializado en rock –y responsable de algunos de los textos del cuadernillo de esta edición– se anima con este emblemático tema del Carpo (también canta y es responsable de los brillantes arreglos instrumentales). Con 7 minutos, es el track más largo de todo el proyecto, y también uno de sus momentos culminantes.

Hombres de hierro, de León Gieco, por Andrés Calamaro con Litto Nebbia en guitarra. Calamaro canta el clásico de Gieco transportándolo de su concepción dylaniana a la de las canciones francesas de Boris Vian o Jacques Brel, apoyado por una asombrosa guitarra acústica de Nebbia. Imperdible.

Post crucifixión, de Pescado Rabioso, por Javier & Espíritu Celeste. Rara intrusión española, para que nadie diga que los gallegos no saben hacer rock & roll. Durísima guitarra con riffs cada vez más feroces hasta que llegan al más pesado heavy. En cambio, su versión de “El tren de las 16”, de Pappo, es más graciosa, casi parece la versión en español de los míticos chicos pesados de Spinal Tap.

Nena boba, de Pescado Rabioso, por The Beladies. Estas chicas dedicadas a tocar el repertorio de Los Beatles desde un punto de vista femenino no son ningunas bobas, y su cover del clásico misógino de Spinetta no sólo funciona como gran momento irónico de la caja: también es rock & roll del mejor.

Chocolates, de Huinca, por Nube 9. Uno de los mejores y menos conocidos grupos del rock argentino, Huinca incluyó algunos de los mejores temas rockeros de Nebbia. Esta versión de “Nube 9” tiene arreglos brillantes y uno de los órganos más sixties de toda la caja. Quien no haya escuchado el tema quizá descubra la pólvora.

La casa de diarios viejos, de Los Gatos, por Compañero Asma. El mejor rock & roll sixtie se funde con tonos dark y sonido casi grunge en este contundente cover donde Hernán Espejo parece compenetrarse especialmente con la formidable letra de Nebbia. Otro gran momento rocker.

Sábado a la noche, de Moris, por Súper Ratones. Una de las grandes ausencias es algún cover de “De nada sirve” de Moris. Pero esta versión híper rocanrolera de “Sábado a la noche” es tan buena que casi redime el bache (los Súper Ratones también hacen muy buenos covers de “Ana no duerme”, de Almendra y “La legión interior”, de Miguel Cantilo).

Una casa con diez pinos, de Manal, por Pez. Simplemente uno de los mejores temas del rock argentino, en una versión tan fiel al original como actual, demostrando la contundencia de la banda de Ariel Minimal (y el talento del tecladista Pepo Limeres).

Doña Laura, de Manal, por Guadalupe Raventos. Sin ánimo de resultar herético, esta versión casi supera al original, en buena parte por el carisma y la eficacia de la cantante, y también gracias al combo de músicos que la apoya, incluyendo dos Gatos (Nebbia y Fogliatta), un Almendra (Rodolfo García) y un auténtico Manal (Alejandro Medina, que en otro track se despacha con un electrizante “Avenida Rivadavia”).

Ruta A Go Go, de Los Gatos Salvajes, por The Tormentos. Firme candidato a mejor tecladista de la era oro del rock criollo, Ciro Fogliatta metió este instrumental al estilo Booker T & The Mgs –aunque nunca los había escuchado– para que las chicas bailen. Los genios de la música surf vernácula, es decir The Tormentos, dejan la tabla y se van a la ruta con una precisión rítmica formidable y alucinantes contrapuntos entre la guitarra y un misterioso tecladista que no puede ser otro que Ciro Fogliatta. Uno de los puntos altos en cuanto a sonido vintage de todo el box set.

Natural, de Tanguito, por Los Grillos con Litto Nebbia. De los 200 covers, esta súper rockera revisión de “Natural” quizá sea el mejor por su capacidad de convertir la psicodelia ingenua de Tanguito en un monstruoso hit a todo riff de guitarra, a los que en un momento mágico se agrega una súper inspirada irrupción de Nebbia en guitarra acústica, como para recordar las armas del viejo Ramsés.

Alza la voz, de Pajarito Zaguri y La Barra de Chocolate, por Manu. Según el texto de Mario Antonelli en el booklet, éste quizás haya sido el primer tema beat prohibido por el establishment. Casi desconocido, es una obra maestra, y la sola presencia de este cover justifica la existencia de los 9 CD. La versión de Manu es muy buena, pero ojalá los que la escuchen ¡llamen a La Mega para que pasen el original!

La caja de Una celebración del rock argentino, con los 200 temas en 9 CD y un librito de casi 200 páginas está auspiciada por la Secretaría de Cultura de la Nación, se consigue en disquerías y parte de las ventas está destinada al Hospital Garrahan. El Cuaderno de la celebración del rock argentino es una suerte de libreta de apuntes escrito por el mismo Nebbia, en donde reconstruye y recorre la historia de aquellos primeros diez años de rock, cuenta jugosas anécdotas sobre el rechazo y la censura que padecieron las bandas, recuerda la relación con el tango y los tangueros y la historia de los músicos homenajeados, entre otras tantas cosas. El DVD, filmado por Miranda, la hija de Nebbia, recoge escenas, clips y backstage de las grabaciones. El cuaderno y el DVD se consiguen en kioscos de diario.

EL CUARTETO DE NOS

Estrenó el insólito videoclip de "Me amo"

Mientras continúa con su extensa gira por toda la región, El Cuarteto de Nos estrenó en los canales musicales el original video de "Me amo", el segundo corte de difusión de su última placa.

Se trata de una divertida y pegadiza composición en clave narcisista en la que, en la línea de la mejor tradición del grupo, un hombre se alaba a sí mismo por sus talentos.

En el video se puede ver a la banda uruguaya tocando sobre un escenario mientras un insoportable ególatra entona el tema, que despierta el amor propio de cada músico y los lleva a terminar a los golpes.

De este modo, humor e ironía se dan de la mano en la producción dirigida por Agustín Ferrando y que le pone imágenes a una de las canciones del aclamado álbum "Bipolar".

La placa le sirvió a El Cuarteto de Nos para encarar desde comienzos del verano la gira más extensa de su trayectoria, que incluye shows en su país, Argentina y México y que cerrará con un recital en el Luna Park el 19 de junio.

FITO PÁEZ CIERRA EL FESTIVAL POR LA MEMORIA

El cantante y compositor rosarino ofrecerá este sábado un recital gratuito en la Casa de la Memoria y la Vida, en Castelar (altura Rivadavia 21.300), lugar donde funcionó el centro clandestino de detención y torturas "Mansión Seré” de la Fuerza Aérea Argentina.

El cantante y compositor rosarino Fito Páez ofrecerá este sábado un recital gratuito en la Casa de la Memoria y la Vida, en Castelar, con el que cerrará un festival que se realizará el marco de las actividades a 34 aniversario del golpe de Estado.

Organizado por el Municipio de Morón, el sábado se realizará el Festival por la Memoria y la Vida en Santa María de Oro 3530, Castelar (altura Rivadavia 21.300).

A las 20 se realizará el acto central con las presentaciones de Ella es Tan Cargosa y la Chilinga, y para el cierre está previsto el concierto de Fito Páez.

El encuentro incluirá también la proyección,a las 16, de "Seré Memoria”, documental de Christian Gil sobre el centro clandestino de detención Mansión Seré, la presentación del grupo de Arte Callejero, la muestra "Memoria gráfica” de Abuelas de Plaza de Mayo y muestra permanente "Mansión Seré”.

Entre otras actividades, el miércoles 24 de marzo se realizará la quinta edición de la prueba atlética "Por la Memoria, la Verdad y la Justicia”, y durante el mes se presentarán en el lugar obras de teatro, documentales, presentaciones de libros y muestras de fotos.

La Casa de la Memoria y la Vida es el primer espacio latinoamericano dedicado a recuperar y ejercitar la memoria colectiva y está emplazado en el mismo lugar donde funcionó el centro clandestino de detención y torturas "Mansión Seré”, bajo la responsabilidad de la Fuerza Aérea Argentina.

EL ROCK SABE ABRAZAR

Por Eduardo Fabregat para Pagina 12

“Los fachos de Internet se preguntan cómo es que estamos ayudando a los chilenos si ellos cedieron las islas para la guerra de Malvinas. Yo les respondo que esa determinación no la tomó el pueblo chileno, sino un genocida y ladrón como fue Augusto Pinochet. Si comparamos al pueblo chileno con Pinochet es como si nos compararan a nosotros con Videla. Ayudamos a Chile porque los pueblos argentino y chileno estamos hermanados desde siempre.” La frase sirvió como excelente resumen de las intenciones detrás de “Argentina abraza a Chile”, el festival que el sábado juntó a casi cien mil personas que dejaron 40 toneladas de alimentos, ropa y artículos de primera necesidad para las víctimas del terremoto en el país trasandino. El párrafo es muy de León Gieco, pero también puede abarcar la generalidad: como movimiento, el rock argentino ha tenido infinidad de rencillas, diferencias ideológicas, estilísticas y estéticas, peleas públicas y privadas. Pero hay algo en sus creadores y su público que hace saltar toda barrera, un espíritu de cuerpo que permite que así, casi de la nada, con solo la iniciativa, en apenas unos días se realice una gesta heroica.

Quizá tenga que ver con las propias dificultades con las que debió lidiar: desde los peluqueros policiales de Onganía en adelante, el rock local supo que hay cosas que deben pelearse en bloque, que hay necesidades que no tienen soluciones individuales. Ninguna bala parará este tren, cantaron Los Abuelos, y en esa convicción reside una fuerza que habilta hechos como los de Figueroa Alcorta y La Pampa. Nada de “hagamos un single y donemos las regalías”, o planes ambiciosos de logística pesadillesca. Los rockers pusieron el cuerpo, se subieron al escenario y utilizaron su poder de convocatoria para un abrazo poderoso, una ayuda real e inmediata. En un momento en que la ayuda desde el rock aparece cuestionada, resulta especialmente significativo que este encuentro de estrellas haya dado semejante resultado. Un antídoto contra el escepticismo. Y contra los fachos.

UN AÑO SIN SOKOL

Texto: Cristian Laliglia para http://manzanalatente.com.ar

Como anticipandose al sentimiento que uno año después sus seguidores tendrían, el Bocha esa noche cantó Wish Were Here, con un puñado de venas, piel, excesos y rock apretados en el puño de la mano. Primer aniversario de la muerte de Alejandro Sokol. Desearía que estuvieras aquí.

Lo tenía a menos de un metro.

Nos separaba un aire impenetrable e impuro y una espalda que muchas veces vi o imaginé extendida al lado mío. Lo miré fijo a los ojos y estaba tan débil que casi no me pudo sostener la mirada. Se tambaleaba por el escenario dentro de ese pseudo baile que era su marca registrada. Las orugas ya habían jaqueado su sistema inmunológico así que supongo que lo que lo mantenía en imperfecta vertical era su alma o los restos de ella.

Balbuceó algo que no se entendió al micrófono y se rió para sí mismo y puedo asegurar que su sonrisa macabra hizo cortocircuito con las luces que alumbraban el lugar.

Creo que estaba llorando, creo eso al haberlo visto tan de cerca y sentir que se aleja cada vez más del suelo, cada vez más del cielo. Creo que él también lo sentía y por eso la risa retumbó como los truenos de las densas noches de verano en la oscuridad mística del miedo a la soledad.

Ya no me pude quedar tan cerca de él y me alejé entre hombros transpirados y el olor a porro que casi me levanta en andas. Pedí una cerveza y lo seguí escuchando por los parlantes. Bajo el precario techo del Cacano Bar se desató una tormenta paranormal y en un microsegundo nos quedamos solos, él y yo.

Me susurró al oído que ya se sentía cómodamente adormecido y a mí el terror me caló hasta la fibra más íntima. Lo volví a mirar fijo para demostrarle que no me como ninguna y ahí donde antes tenía los ojos encontré los huecos que los cuervos supieron horadar.

No sé porque extraña razón su rostro me pareció más amigable.

Vi o veré, en ese rostro, a mi propio rostro cuando me cruce con algún espejo que escupa las verdades que tan bien sabemos ocultar bajo la alfombra de la conciencia. Estaba muerto, él lo sabía perfectamente y me lo quería contar.

Me dijo que ya no hay pelea entre El Bien y El Mal, que solo han quedado en el campo de batalla esquirlas de cuerpos mutilados (el suyo, el mío, el de todos) y lo que antes era un verde valle y esperanzador ahora se ha convertido en un cementerio nauseabundo de desesperación.

Se estiró la piel de la cara que ya se había convertido en un puzzle donde faltaban casi todas las piezas y se atragantó con una saliva espesa que podría ahogar todos los designios.

Adentro del bar siguió lloviendo y creo que no paró, por lo menos hasta que a él, por fin, se le extinguió la mirada.

Nos procuramos una mueca mefítica como despedida sabiendo que ya no habrá veranos por venir y después todo pareció volver a la normalidad.

Nos alejamos, uno del otro, dañados para siempre.

Un año después, mirando con detenimiento un cielo inmóvil y aterido, me doy cuenta que allá arriba hay una estrella de más y en esta tierra que desandamos, casi sin ton ni son, le falta TODO UN ALMA.

Esa alma, que por pasillos largos sin temor, quiso tomar por presa al cazador.

A la memoria del Bocha Sokol.-

(definitivamente ya estás sonriendo)

El Cazador - Las Pelotas

Estoy harto de repetir

Estoy, cansado de soportar tanto veneno

Cuándo voy a aprender?

Que tanto anhelo me lastima.

Y voy herido en tus manos, si,

No quiero despegar dando dolor

O que pensar.

Y voy herido en tus manos, si,

No quiero despegar dando dolor

O que pensar.

El verano va a venir

Y yo, no puedo salir al sol sin enojarme;

Y me alejo más de mí, pero,

Lo que amo siempre es imborrable

Y voy herido en tus manos, si,

No quiero despegar dando dolor

O que pensar

Y voy herido en tus manos, si,

No quiero despegar dando dolor

O que pensar.

no noo

Es tan fácil verse hoy

No te engañes como yo,

Que quise tomar por presa al cazador.

http://www.youtube.com/watch?v=ragVga8euls&feature=player_embedded

MÁS DE 50 MIL PERSONAS PARTICIPAN DEL FESTIVAL SOLIDARIO

"¡Chile, te abrazamos!", arengó el popular cantante argentino León Gieco ante una multitud que participó este sábado en Buenos Aires de un concierto solidario donde se presentaron Gustavo Cerati, Andrés Calamaro y otros artistas a beneficio de las víctimas del sismo en el vecino país.

"Argentina abraza a Chile" fue el lema del recital gratuito realizado al aire libre en el barrio porteño de Núñez, donde unas 50.000 personas donaron casi 40 toneladas en alimentos, ropa, pañales, medicamentos y materiales para la construcción, según reportaron los organizadores.

"Agradecemos con el corazón que estén acá, que se hayan sumado a la intención de hacer llegar este abrazo a los hermanos chilenos que lo necesitan y mucho", dijo como maestro de ceremonias el actor Ricardo Darín, protagonista de "El secreto de sus ojos", la película que acaba de ganar el Oscar al mejor film extranjero.

Acompañado en un dúo de guitarras por el laureado músico Gustavo Santaolalla, Gieco abrió el recital con su tema "Pensar en nada" en una tarde cálida y agradable que colaboró con la amplia respuesta a la convocatoria.

"Qué bueno que es poder ayudar, celebremos que podemos ayudar a nuestros hermanos en Chile", dijo Santaolalla antes de interpretar "Mañanas Campestres", hit de su mítico trío Arco Iris y partir raudo del escenario.

"Santaolalla iba camino al aeropuerto, pero quiso venir para dejar parte de su música", reveló Darín al destacar que "muchos artistas se sumaron con espontaneidad y sin mezquindades a la convocatoria".

El momento cúlmine del concierto fue la interpretación a capella que hizo Gieco del tema "Cinco siglos igual" junto al vocalista del grupo D-mente, Andrés Giménez, que el creador de "Sólo de pido a Dios" dedicó al presidente de Bolivia, Evo Morales.

A su turno Gustavo Cerati tocó varios temas junto a Andrés Calamaro y recordó los lazos personales que lo unen con Chile. "Tengo una relación especial con Chile, mis hijos nacieron allí. Tenemos que aprender de esa unión de los chilenos, nosotros tenemos nuestros terremotos, aunque de otro tipo", dijo. "Recuerden que esto lo hacemos por los pobres que son los que más sufren y no por los gobiernos", advirtió el ex Soda Stéreo.

Por el escenario pasaron también Pedro Aznar, Raúl Porchetto y Los Fabulosos Cadillacs, quienes participaban en Chile del Festival de Viña del Mar el 27 de febrero al momento del devastador sismo que dejó unos 800 muertos y dos millones de damnificados.

"Chile es un país rico, con la riqueza mayor que se puede tener, la de su gente, por eso se va a levantar pronto", dijo Aznar, quien logró un momento de profundo recogimiento con el tema "Manifiesto" del chileno Víctor Jara, asesinado por la dictadura de Agusto Pinochet.

El recital respondió a una convocatoria conjunta de la entidad civil Red Solidaria y del canal de televisión estatal Encuentro. "Queremos que sepan los chilenos que no estan solos, no los vamos a abandonar,", dijo Juan Carr, titular de Red Solidaria al anunciar que la entidad canalizará donaciones para Chile hasta la próxima Navidad.

NOTICIAS EN GOTAS

Gran Martell: La banda ha comenzado a trabajar junto al productor César Silva en lo que será su próximo material de estudio, cuya presentación está prevista para mediados de 2010. También, preparan un video clip para el mes de marzo. Su próximo show será el sábado 27 de Marzo en Anestesia, Villa Luzuriaga, Buenos Aires.

Miguel Abuelo: El domingo 21 de marzo a las 16 Hs en el Hospital Tornú (Av.Comb.de Malvinas entre Campillo y Chorroarin, Capital) se realizara un homenaje al poeta y musico Miguel Abuelo en un nuevo aniversario de su nacimiento, acontecido en dicho hospital el 21/03/46, (su madre estaba enferma de tuberculosis). Participaran Miguel Cantilo, Norma Peralta y Tom Lupo.

El Bordo: EL grupo esta terminando de mezclar su quinto disco de estudio. Sale a mediados de abril y fue producido artísticamente por Álvaro Villagra en los Estudios Monsterland.

Fito Páez: El 16 marzo saldrá a la venta el nuevo disco de Fito Páez, “Confiá”, cuyo primer single, “Tiempo al tiempo”, fue estrenado recientemente. La producción del disco llevó al cantante a grabar en Córdoba, Brasil y, finalmente, Buenos Aires. El álbum, producido por el propio Páez y Mariano López, fue grabado a lo largo de cuatro meses y su lista de temas será “Confiá”, “Tiempo al tiempo”, “M & M”, “La nave espacial”, “London”, “Limbo mambo”, “La ley de la vida”, “El mundo de hoy”, “Saliendo de tu prisión”, “En el baño de un hotel”, “Fuera de control” y “Desaluz”.

Los Auténticos Decadentes: Otro lanzamiento será el disco “Irrompibles”, de Los Auténticos Decadentes. Como adelanto, ya está sonando el single “Los machos”, incluido en la nueva producción. El álbum contendrá 15 canciones inéditas e incluye las participaciones especiales de Emmanuel Horvilleur, Babasónicos, Fidel Nadal, Carlos La Mona Jiménez y Joaquín Levinton.

LosTipitos: El próximo 30 de marzo saldrá a la venta su nuevo álbum, “El Club de los Martes”, que contará con 13 temas, incluido su reciente single, “Laberinto”. La producción, grabada en el estudio Panda en un par de meses, contó con la colaboración de Lito Vitale, El Negro García López, Andrea Álvarez y Mariano Custodio y mostrará la siguiente lista de piezas: “Laberinto”, “No viene hasta mí”, “Jurame”, “Reírnos del amor”, “Pueblo”, “Una canción”, “Hay un lugar”, “La película que vimos”, “La paz”, “Día de amor”, “Se te nota”, “No se detiene”, “Para cambiar”.

2 Minutos: La banda punk de Valentín Alsina, 2 Minutos, se encuentra en el medio de la grabación de su nuevo disco, “Vamos a la Granja/Directo al Infierno”. El álbum estará listo a fines de noviembre y traerá una lista de 21 temas, en la que está incluida, precisamente, la canción “Vamos a la Granja”.

El Otro Yo: Se encuentra también en plenas grabaciones de su nuevo disco, “Ailabiu”, que saldrá a la venta a mediados de este año. A través de YouTube, ya circula el adelanto “Siempre fui yo”. Para la grabación de este álbum, la banda se encuentra trabajando junto al reconocido productor y técnico norteamericano Jason Cramer, que grabó y mezcló discos de Rum D.M.C., The Donnas y Third Eye Blind, entre otros.

JEFF BECK: Esta de vuelta con nuevo CD

"Emotion & commotion" (2010)

El 2010 promete ser un año muy prolifero para Jeff Beck. En efecto, el próximo 12 de abril se pondrá en circulación su nuevo disco en estudio “Emotion & Commotion” grabado en Londres con la ayuda del productor Trevorn Horn. Un nuevo trabajo que rompe 7 años de silencio desde “Jeff” editado en el año 2003. La verdad es que no estoy muy puesto en los últimos lanzamientos protagonizados por el ex Yardbirds estos últimos lustros pero a este nuevo producto me interesa bastante ponerle la oreja para ver cómo se desenvuelve con dos canciones que cantó en su día el añorado Jeff Buckley en su mítico “Grace”. En efecto, este nuevo trabajo incluye “Corpus Christi Carol” y “Lilac wine” cantada por Imelda May. Otro de los alicientes será su adaptación del “I put a spell on you” de Screaming Jay Hawkins y la ayuda de una orquesta compuesta por 64 músicos que le ayudaran en varios cortes de este nuevo álbum.

No nos olvidemos que este año verá también su gira con Eric Clapton en varios shows exclusivos. Un tándem que hará las delicias de los más puristas y que ha colgado el “no hay billetes” en el famoso O2 Arena de Londres este próximo mes de febrero.

Y por supuesto tendremos la gira mundial de este flamante “Emotion & commotion” con fechas confirmadas en Japon, Australia, USA o Reino Unido y que con un poco de suerte quizás pase por este país nuevamente. Todavía guardo un excelente recuerdo de su bolo veraniego madrileño del año pasado.

PINK FLOYD GANÓ EL JUICIO CONTRA EMI

El grupo de rock británico argumentó que la discográfica quebraba "la integridad artística de los álbumes" al vender las canciones sueltas por Internet. EMI indemnizará a la banda con 60.000 libras esterlinas.

Según Pink Floyd, en el acuerdo firmado con EMI la empresa se comprometía a vender los temas del grupo en paquetes, y no por separado.

El grupo de rock británico Pink Floyd ganó hoy la batalla legal que libraba con la compañía discográfica EMI por sus diferencias sobre la venta de canciones a través de internet, luego de que el Alto Tribunal de Londres fallara hoy a favor de la banda. La resolución impide a EMI poner a la venta en la red sencillos extraídos de los álbumes de esta formación de culto.

El grupo de rock psicodélico, cuyo álbum The Dark Side Of The Moon sigue siendo uno de los más vendidos en la historia de la música, demandó a EMI, compañía con la que lleva 40 años vinculado, por los derechos de autor. La banda argumentó que la discográfica no podía, por contrato, vender canciones sueltas extraídas de los trabajos de Pink Floyd a no ser que se pusieran a la venta como álbumes completos y con consentimiento previo. El objetivo, según recordó hoy el juez, era "preservar la integridad artística de los álbumes".

Tras fallar este tribunal a favor del emblemático grupo, que se separó en 1985, EMI deberá pagar a Pink Floyd -compuesto por Nick Mason, David Gilmour, Roger Waters y los ya fallecidos Syd Barrett y Richard Wright- costes legales cifrados en 60.000 libras (unos 66.000 euros).

Pink Floyd forma parte de EMI desde 1967 y ha sido para el sello discográfico uno de sus contratos más lucrativos, ya que la banda es la segunda más vendida por detrás de los Beatles.

CIELO RAZZO, ACÚSTICO

La banda organizó dos recitales en formato desenchufado. Tocarán temas reversionados, inéditos y adelantarán su nuevo disco. Será el 9 y el 10 de abril.

Luego de un 2009 plagado de shows en Capital Federal, la banda Rosarina dará su primer concierto porteño y platense del año. En lo que promete serán dos noches distintas y para el recuerdo, ya que la banda estrena el formato acústico para repasarar todos sus éxitos y adelantar temas del próximo disco, que verá la luz la segunda mitad de año.

La cita es el viernes 9 de abril a las 20 en el Teatro- Sala Opera (58 entre 10 y 11) de La Plata y el sábado 10 de abril en el teatro N/D Ateneo.

ANDRES CALAMARO

La mezcla popular

En el estudio Panda de Floresta, termina de dar forma a lo que llama "un disco grande".

Por: José Bellas

Una copia de Rain Dogs (Tom Waits, 1985) es una de las tantas cosas que retornan a las manos de Andrés Calamaro, ahora que el cantante ha vuelto a desandar, yendo ("como siempre") por Cervantes hasta Sanabria, el camino hacia el verdadero coloso de Floresta: Panda. Aquel disco, por cronología, podría haber quedado en aquellas sesiones que dieron lugar a Vida Cruel (1985). Pero ahora, en el estudio regenteado por Miguel Krochik (ex solista acústico y autor del recién reeditado Guilmar), Andrés está mezclando desde el primer día de marzo lo que supondrá el sucesor de La lengua popular (2007).

¿Y qué dice la bitácora de grabación? "Estamos a punto de coronar el Ecuador de las mezclas, subiendo al Himalaya sin necesidad de bajar. El sábado terminamos nuestra quinta canción. Esta fue una estrategia formidable y diferente de hacer un disco ('hay cincuenta maneras de grabar un disco'). Esta manera involucra a los músicos y mis ingenieros habituales (...). Entre viajes y giras cantábamos, traíamos los contenidos a Buenos Aires para la tijera y el canto (...). En febrero nos encerramos veinte días (incluyendo domingos). La pequeña gran ayuda de los artistas amigos llenó el disco de matices y colores. Queriendo publicar en mayo. En esto estamos. Un disco grande. Que dentro de diez días ya deja de ser mío y de los míos, únicamente". Esto no es ni un capricho ni un jeroglífico, entonces: hay fecha, hay temas, hay disco, hay esperanza.