LOS DISCOS DE ROCK NACIONAL EDITADOS EN 1976
Estos son los discos de rock nacional editados en 1976
Alas: "Alas"
Alma y Vida: "Alma y Vida, vol 5"
Crucis: "Crucis"
Defilpo, Mirtha: "Canciones para perdedores"
El Reloj: "El Reloj, vol 2"
Espíritu: "Libre y natural"
Gieco León: "Fantasma de Canterville"
Haerle Rodolfo: "Situaciones"
Invisible: "El jardín de los presentes"
La Máquina de Hacer Pájaros: "La Máquina de Hacer Pájaros"
Malón: "Rebelión"
Melimelum: "Melimelum"
MIA: "Transparencias"
Nebbia, Litto: "Bazar de los milagros"
Opa: "Goldenwings"
Pappo´s Blues: "Pappo Blues, vol 6"
Pastoral: "Humanos"
Polifemo: "Polifemo"
Porchetto, Raúl: "Porchetto"
Porsuigieco: "Porsuigieco"
Rodolfo Mederos y Generación Cero: "Fuera de broma"
Suárez, Chany: "En caso de vida"
Trío Lluvia: "Trío lluvia, vol 2"
Vox Dei: "Ciegos de siglos"
BB KING EN CONCIERTO: TODO LO QUE EL BLUES PUEDE SER
Eran casi las 23 y el Luna Park completo, de pie, y en una ovación que parecía una reverencia, despedía al único e irrepetible Rey del Blues, BB King, que finalizaba el primero de dos conciertos que ofrece en
El show había comenzado a las 9 de la noche cuando con puntualidad británica la enorme banda que lo acompaña subió al escenario para ir calentando motores y esperar la llegada del Rey, que apareció vestido con saco floreado, chaleco dorado, camisa blanca, moño y pantalones negros y se sentó en una silla para dar comienzo a una ceremonia inolvidable.
A lo largo de algo menos de dos horas, B.B. King y los ocho músicos que tocaron con él (todos negros y mayores de 50 años) ofrecieron un repertorio completo de lo que el blues es, fue y puede ser, pasando por los sonidos profundos del Mississippi, Memphis, y el rock primigenio.
"Estoy muy contento de estar en este país pero triste también por la ausencia de mi amigo”, dijo King apenas entró en contacto con el público y en el primero de varios comentarios que trajeron del recuerdo a Pappo, a quien le dedicó el concierto.
El guitarrista que nació en un pueblo rural de Mississippi y llegó a Memphis casi adolescente para labrar la leyenda del más reconocido e indiscutido músico de la historia del blues, acompañado de una banda ultrapotente de dos saxos, dos trompetas, teclados, batería, bajo y guitarra, con 84 años y una vitalidad envidiable, BB King ofreció un show maravilloso, con espacio para las bromas musicales y las bromas al público, estableciendo contacto permanente y disfrutando y haciendo disfrutar la celebración de la música negra.
El de BB King y su banda es un blues que cuenta historias que van más allá de sus letras fáciles o repetitivas para elaborar una narrativa de la negritud que no desconoce alegrías, amores, traiciones o penas y que cuando es tocado en vivo invita a participar de una celebración muy antigua y siempre renovada.
"Yo lo extraño y estoy seguro de que ustedes lo extrañan y sé que si él estuviera acá disfrutaría que cantara esto para ustedes”, dijo BB King hablando sobre Pappo y antes de entonar "Guess Who?” ("¿Adivina quién?”), una composición que dice cosas como "Alguien que realmente te ama/alguien que realmente te cuida…”.
Hacia el final y ante la conmovedora y sostenida ovación ofrecida de pie por la totalidad del Luna Park, BB King soltó algunas lágrimas y se despidió con un homenaje a Nueva Orleans y a su hijo más querido, Louis Armstrong, tocando "Cuando los santos vienen marchando” en velocidad boogie.
NTVG REEDITÓ 'SOLO DE NOCHE'
La exitosa banda uruguaya presenta una edición especial del primer disco con un CD doble + DVD.
Luego de cumplirse los primeros 10 años desde su grabación en 1999, el 19 de marzo se editó en una presentación de lujo (dijipack tríptico con tintas especiales que incluye 2CD+1DVD), una edición especial del primer disco de No Te Va Gustar.
Además de la versión original del álbum, incluirá un segundo disco con rarezas y versiones en vivo registradas durante distintas épocas de la banda uruguaya que logró posicionarse con gran éxito en Argentina.
La banda quiso que éste material sea único, es por eso que se distingue por la mezcla entre el pasado y el presente del grupo, utilizando las pistas originales y grabando música adicional, fusionando la formación inicial de la banda con la actual.
El lanzamiento incluye, por último, un DVD, que utilizando el mismo concepto, contiene un documental que une pasado y presente reviviendo la gestación, grabación y
presentación del disco con imágenes actuales y del archivo.
CADENA PERPETUA
NOS GUSTA ESTAR CONFORMES CON TODO
Por Florencia Mon para UOLMÚSICA
Eduardo Graziadei, bajista de CADENA PERPETUA, nos adelanta cómo será su nuevo trabajo discográfico.
Están grabando nuevo disco con la producción de Juanchi Baleirón, ¿qué va a tener este álbum que no tengan los anteriores?
EDU: Éste es un álbum con el que venimos trabajando hace dos años ya, y desde ahí venimos eligiendo las canciones que vamos a dejar del disco. Lo que tiene de diferente es que participan otros compositores que son Gabriel Otero y Fede Pertusi, con quienes venimos trabajando hace dos años, nos ayudaron en la composición y como son de la escena punk vieja, los admiramos mucho. Creo que eso le va a dar un color distinto. Además está Juanchi, con el que queríamos trabajar hace años y se dio ahora la oportunidad. Así que bueno… creo que se pusieron los planetas en orbita.
¿Cuál va a ser el título del disco y por qué?
EDU: El título tentativo es “Plaga” y lo elegimos un poco por la temática de las letras y es un poco también el reflejo de lo que sentimos hacia el ser humano, que es una plaga que está destruyendo de a poco todas las cosas. También desde otro enfoque, la unión de toda la gente que participa en éste disco es una plaga. El nombre cerraba y redondeaba el trabajo.
¿Cómo fue el proceso de selección de los temas?
EDU: Son todos temas de dos años para acá, son temas nuevos. Algunos que no nos cerraban o había que darle vueltas y no iban, los fuimos descartando. Hicimos 25-30 temas y terminaron quedando 14. La selección es un tema bastante difícil, a la hora de elegir, hay algunos que a unos le gustan y a otros no… por eso hay que ser objetivos y ver qué le hace bien al disco.
En sus 20 años de carrera tocaron con grandes referentes del punk, ¿con quién les gustaría compartir un escenario en un futuro?
EDU: Uff! A mi particularmente… no se… con bandas de afuera como Social Distortion, Rancid… bueno de hecho hace poco vino NOFX y nos hubiera gustado talonearlos pero no se dio.
Desde su lugar de banda referente del género, ¿cómo ven la escena punk nacional actual?
EDU: Creo que falta como una renovación un poco de bandas, creo que un poco el camino lo estamos marcando las bandas que venimos de la vieja escuela y falta una renovación en Argentina. Nosotros tratamos de estar siempre a la vanguardia pero me gustaría escuchar alguna banda que me mueva el piso.
¿Qué música escuchás cuando estás en tu casa?
EDU: Yo la verdad me quedé un poco con lo clásico, con las bandas de siempre… Bad Religion, NOFX… también me gusta otro tipo de música como los Red Hot Chilli Peppers, Los Beatles. De las bandas nuevas… me gustó mucho una banda que se llama Against Me, y… Los Rifles también me gustan mucho…
El público de Cadena siempre fue bastante variado, no se cierra sólo a fans del punk, ¿a qué crees que se debe?
EDU: Creo que es un poco el mensaje que damos desde arriba del escenario. La gente entiende que el rock es unión y tratamos de no cerramos ni ser elitistas con la música que hacemos. Tratamos que nuestra música la pueda escuchar cualquiera y que no hayan barreras.
Hubo un cambio de mentalidad en lo que se consideraba punk antes a lo que es ahora (me refiero a asociarlo con la violencia por ejemplo), ¿Cómo ven ustedes al género hoy día?
EDU: Creo que justamente se avanzó muchísimo. Nosotros es un mensaje que venimos tirando desde siempre. Por ahí siempre nos sentimos punk pero no violentos. A medida que vamos creciendo la palabra punk ya no nos encierra tanto. Justamente se trata de abrir y no de cerrar caminos y con la violencia no creemos que se abra ningún camino. Ir a un recital de Cadena es algo agradable y festivo porque no ocurren esas situaciones que nadie quiere.
¿Cómo vienen con la gira que comenzaron el año pasado de 100 shows?
EDU: Vamos por el numero 60 creo, y es algo interminable. Pero es muy gratificante. Nos encanta tocar en vivo, es lo que más nos gusta hacer. Un poco necesitamos eso, nos sentimos muy llenos cuando estamos haciendo lo que nos gusta y ésta gira es una de las mejores cosas que nos tocó y estamos tocando puntos a los que nunca fuimos, pueblos que son increíbles donde te encontrás con gente que escucha Cadena en muchos rincones que no conocíamos. Es muy gratificante y como banda nos purifica.
Para terminar, ¿Cuándo creen que va a estar el disco en la calle?
EDU: Una fecha exacta no te puedo dar porque no la sabemos, pero va a salir antes de mitad de año. No nos apura nadie, hace 4 años no sacamos disco y no tenemos problema ni de tiempo ni de contratos. Hacemos las cosas como nos gusta, pausadas y pensando bien las cosas que van a quedar porque una vez que está registrado no hay vuelta atrás. Nos gusta estar conformes con todo.
VIENEN DE VISITA A 480 KMT DAK
Córdoba recibirá una avalancha de shows en los próximos meses. Una guía para juntar los chelines y seleccionar a gusto
Funte: suplemento VOS
La histórica visita de Metallica a Córdoba en enero ilusionó a las tres P (productores, público y prensa) por igual. Sin dudas, marcó un antes y un después para los espectáculos locales y ahora, con el año ya avanzado, la ciudad se prepara para recibir una catarata de shows en los próximos meses.
“Tenemos la intención de traer algunos shows internacionales muy importantes”, advierten tanto desde la producción de Orfeo Superdomo como José Palazzo. Y aunque no quieren dar nombres, se sabe que son dos pesos pesados del rock mundial. “Lo que sí se puede adelantar es que están muy avanzadas las gestiones para traer al Orfeo a Luis Alberto Spinetta en abril con parte de sus ‘bandas eternas’, a Charly García y Skay Beilinson”. Todos los shows serían en el domo de la calle Cardeñosa y con producción conjunta.
Lo que sí se confirmó en materia internacional son los conciertos del reguero Matisyahu en el nuevo Espacio Quality, el trío de jazz fusión Medeski, Martin & Wood el 15 de mayo en un teatro, y el muy posible desembraco de B-Real, voz de Cypress Hill, para fines de abril.
Para la segunda mitad del año, Orfeo promete, la presentación del disco solista del ex Piojos Andrés Ciro Martínez (agosto), el español Ismael Serrano (setiembre), y el catalán Joan Manuel Serrat (diciembre).
Por su parte, Héctor “el Perro” Emaides propone para este año a la mejicana Lila Downs, El Club de Toby, Sergent García y la posibilidad de abrir una sala propia.
Fidel Nadal y Riddim. Festival de reggae en Captain Blue XL. Viernes 26 de marzo. Anticipadas a $52 en Edén y Locuras.
El Otro Yo. La banda de los hermanos Aldana presenta su nuevo disco Ailabiu EOY. Sábado 27 de marzo en Captain Blue. Anticipadas a $ 37 en Edén y Locuras.
Lila Downs. Llega nuevamente la cantante mejicana. Martes 6 de abril en
Kameleba. La banda de reggae presenta su nuevo disco Vibra Sound. Viernes 9 de abril en
Raly Barrionuevo. El cantautor santiagueño toca en una peña en el Estadio Corazón de María junto a Bicho Díaz y Paola Bernal. Viernes 9 de abril. Anticipadas en María Callas.
Boom Boom Kid. El multifácetico ex Fun People presenta su nuevo disco Frisbee. Sábado 10 de abril en Captain Blue. Anticipadas a $ 27 en Edén y Locuras.
Matisyahu. El cantante judío de reggae con Dancing Mood como banda invitada. Jueves 15 de abril en Espacio Quality. Anticipadas en Edén y Locuras.
Cielo Razzo. El grupo rosarino llega en formato acústico. Viernes 16 de abril en el Teatro Real. Anticipadas en Edén y Locuras.
Jonathan Richman. Llega el ex cantante de Modern Lovers, uno de los emblemas del rock indie mundial. Jueves 22 de abril en Casa Babylon. Anticipadas a $ 50 en puntos de venta de Autoentrada.
Divididos. El trío presenta su nuevo y esperado disco Amapola del 66. Viernes 23 de abril en el Orfeo Superdomo. Anticipadas próximamente en Tiendas Vesta.
Almafuerte. Vuelve la banda de Ricardo Iorio. Sábado 24 de abril en Captain Blue XL. Anticipadas a $ 50 en Edén y Locuras.
Bulldog. La banda rosarina presenta su nuevo disco Repolución. Anticipadas $ 37 en Edén y Locuras.
Los Cafres. Nueva visita de la banda de Guille Bonetto. Sábado 1 de mayo en Captain Blue XL. Anticipadas a $ 47 en Edén y Locuras.
Lisandro Aristimuño. El cantautor llega tras el éxito del año pasado. Miércoles 5 de mayo en
Las Pastillas del Abuelo. Doblete con dos shows distintos cada noche de la banda porteña. 7 y 8 de mayo en Captain Blue XL. Anticipadas a $ 50 en Edén y Locuras.
Resistencia Suburbana. Nueva fecha de la banda de reggae. Viernes 7 de mayo en
El Cuarteto de Nos. La banda uruguaya llega nuevamente a Córdoba. Sábado 15 de mayo en Captain Blue XL. Anticipadas a $ 42 en Edén y Locuras.
Rata Blanca. La banda de Walter Giardino presenta nuevo disco. Viernes 28 de mayo en
2 Minutos. El grupo de punk rock vuelve a Córdoba. Sábado 29 de mayo en Captain Blue. Anticipadas próximamente en Edén y Locuras.
Fito Páez. El rosarino muestra su nuevo trabajo Confiá. Viernes 4 de junio en
Viejas Locas. La banda de Pity Álvarez vuelve tras su actuación en el Cosquín Rock. Sábado 19 de junio en el Estadio Juniors.
EN HONOR A BOB
A fines de mayo comenzará el Bob Marley Day Tour
Con paradas en Mendoza, Córdoba, Santa Fe, Neuquén, Mar del Plata y Capital. Entre otros, se presentarán Los Cafres, Dread Mar I, Gondwana, Luciano, Marcia Griffhits y Mikel General.
En su cuarta edición, el festival más importante de reggae en Argentina, el Bob Marley Day, apostará a algo más grande: rendir homenaje al ídolo del género no sólo en Capital sino también en el interior del país, haciendo del evento una gira.
El tour comenzará en Mendoza, el viernes 21 de mayo, y luego seguirá en Neuquén, Córdoba, Mar del Plata y Rosario, para terminar en Capital, en el Estadio Malvinas Argentinas, el sábado 29 del mismo mes.
Entre otros, el festival contará con la participación de Los Cafres, Dread Mar I, Gondwana y tres artistas de Jamaica: Luciano, Marcia Griffhits (de las I-Three) y Mikel General.
CONFIÁ EN FITO PÁEZ
Autor: Pablo Díaz D'angelo para rock.com
Fito justifica y embellece “Confiá” con las cinco primeras canciones, que no son tan íntimas sino más bien beatlescas. Una preciosa influencia que adquirió Páez, quien parece ser el preciso eslabón perdido entre los de Liverpool y el Río de
Por lo menos en las dos primeras (”Tiempo al tiempo”, “Confiá”) se despoja de la melancolía (o juega ambiguamente con ella), emprende un viaje musical y compositivo con versos positivos, sencillos (”Todos los días sale el sol, y la luna vuelve a brillar”) y amontonados, sin preocuparse demasiado por la métrica, aunque sí empecinado en contar historias, una especialidad del rosarino, que no deja de lado el rompan todo, en este caso sepultando en segundos a Río de Janeiro en la bio del arriesgado trip de amor tormentoso de Cartucho y Silvita: ”La nave espacial”. Dos personajes que se suman al reparto cinematográfico que utiliza Fito para describir, y darle vida propia a estereotipos, como en la seductora “M&M”, que es un interesante juego de palabras entre una popular golosina norteamericana y dos chicas que parecen ser irresistibles.
Y como con los personajes, también Paez, suele encariñarse con coordenadas del mundo y las adopta como su propia Ciudad Gótica para componer. “London town” es grisácea, beatle, hermosa y el punto de inflexión para el resto de “Confía”, de allí en más para ir alternando sentimientos (”Lindo mambo”) y actitud rock de amores enfermizos y desenfreno (”En el baño de un hotel”, “La ley de la vida”) con alguna dulce perlita melódica (”El mundo de hoy”) y las descendencias de la balada depre “Cable a tierra” (”Saliendo de tu prisión”). Un Paez instalado en las bases de los tambores de Ringo, fresco e incuestionable del que no se puede pretender una reinvención, porque se encarga siempre de conservar la magia, regalando puñados de lindas canciones ya que seguramente como lo indica su filosofía fitopaeciana: el mundo quepa en una canción.
TODOS TUS MUERTOS “CRISIS MUNDIAL”
Después de 10 años, TTM vuelve con un nuevo disco de estudio. Se trata de “Crisis Mundial”, álbum que incluye 12 tracks de la banda ícono de la escena indendiente del rock latinoamericano. Pablo Molina, Gamexane y Felix dan vida a un disco que combina el punk rock más genuino con el ska y el reggae, bajo la inconfundible impronta rasta del grupo.
Crisis MundialAunque no todas las canciones son nuevas, ya que los TTM suelen tocarlas en las últimas giras que la banda realizó por continente americano, europeo y hasta en lugares tan lejanos como Japón, destinos que vienen intercalando en sus agendas y a los que regresaran luego de este disco.
El disco contiene once temas ineditos mas un cover de Bob Marley Y Lee Perry, Punky reggae party.
Además cuenta con la participación de Cucho Parisi y Martín Lorenzo vocalista y percucionista de los Autenticos Decadentes en las voces raperas del tema “El reventón”.
El álbum fue producido por los TTM y Martín “
A continuación una breve reseña de prensa de Crisis Mundial:
“Pulso”:
Es el primer corte y el tema que abre la plata , ( con video clip de presentacion), habla de como la crisis, hoy extendida por todos los rincones del planeta ,inicio su camino alla en 2001 y tuvo su escenario en Argentina mas precisamente en las calles de Buenos Aires.
“Sea lo que sea”
Fusiona ritmos caribeños con guitarras distorcionadas al mejor estilo TTM ,con lirica a favor de la igualdad y tolerancia de todas las razas, tribus, culturas y formas de expresion.
“Crisis mundial”
Cancion que da nombre al album, un clasico punk-rock que viene de principio de los 80 (aprox año 80/81) cuando Gamexane y Felix (guitarrista y bajista) se conocieron en la escuela secundaria y decidieron exorcisar el aburrimiento de aquellos años de plomo signados por la dictadura militar. Para eso nada mejor que la musica; Los Laxantes fue el nombre de la banda pionera de punk-rock adolescente. Esta version actualizada pero vigente por su letra cuenta como invitado al cantante original Enrique “X” Valle.
“El ritual de la muerte”
Reggae-raga sonidos dulces y una letra filosa que se mete con la guerra, el hambre y el mundo que heredan los niños de hoy.
“Fuego amigo (sobre Bagdad)”
Ska-punk con la colaboracion de Hugo Lobo y los Dancing Mood, habla sobre invasion a Iral y la moderna forma en que occidente “ayuda” a Oriente.
“Medios de confusión”
Es un tema que suena muy setentoso y habla sobre la manipulacion que ejercen los medios a la hora de informarnos.
“Herido de muerte”
Un hardcore a toda velocidad que refleja los tiempos que vivimos, con la colaboracion en la voz de María Fernanda Aldana de el otro yo.
“Eres mi vida”
Reggae romántico en el que Pablo Molina actual primera voz del TTM demuestra su estilo y voz melodiosa dentro del reggae en español.
DIVIDIDOS: LUZ, CÁMARA, ACCIÓN
Sábado
Después de presentar Amapola del '66, el power trío argentino vuelve a Jujuy para tocar en Tilcara. Ocho años tardó la banda de Ricardo Mollo, Diego Arnedo y Catriel Ciavarella en editar un CD. Finalmente, el 12 pasado en The Roxy Live! ante la prensa y algunos invitados hicieron la presentación de un disco tan esperado como Chinese Democracy de los Guns N' Roses. Ahora,
Al igual que en 2000 cuando presentaron Narigón del siglo, los cerros jujeños fueron los elegidos para estrenar material. ¡Acordáte de llevar para filmar y mandarles el material!
LITTO NEBBIA LANZÓ UN HOMENAJE AL ROCK ARGENTINO
“Cualquier antología es arbitraria”
Marcelo Fernández Bitar para Critica Digital
Durante los últimos cinco años, reunió a los principales músicos locales para grabar un gigantesco tributo que sumó nueve discos con un total de 294 temas, además de un DVD y un cuaderno con fotos y un árbol genealógico.
Nunca le impiden seguir. A pesar de las demoras y trabas burocráticas, Nebbia insistió y su proyecto finalmente vio la luz.
Justo cuando acaba de lanzar una grabación en vivo de 1994 con César Franov y Norberto Minichilo (Un día) y un recital solista de 2009 (A su aire), Litto Nebbia finalmente se da el inmenso gusto de ver editado el proyecto más ambicioso de su carrera. Se llama Una celebración del rock argentino. Primera generación 1963-1973, y es una caja con nueve discos y un completo librito informativo.
“En realidad –explica– toda la caja es sobre la primera década del rock argentino, y va desde Los Gatos Salvajes hasta la aparición de Sui Géneris y León Gieco. Los volúmenes están divididos según homenajes a la serie de tipos que considero que dentro de esos años tiraron pautas como para que a esto se lo pueda llamar un movimiento y que tenga una unidad identificatoria”.
Sus primeros pasos, allá por 2005, consistieron en llamar a los músicos más allegados y preguntarles si tenían alguna canción de esa época que recordaban con afecto por algún hecho, y la mayoría decía que sí. “Lo único que les decía –recuerda– era que no grabaran un cover y que la versión fuera personal y algo diferente a la original. Que lo graben libremente, les decía, de una manera personal y que tampoco sea un arreglo sofisticado que parezca de un disco de jazz. Que se rescate la letra, la melodía y la canción en sí”.
–¿Y a quién llamaste después?
–Luego empecé a llamar a gente que no conocía, o músicos que no son íntimos amigos míos. Siempre encontré un entusiasmo infernal. Digo siempre que cualquier antología, tributo y homenaje siempre será arbitrario según quien lo arme. Acá está toda la gente que a mí se me ocurrió y salió naturalmente. Son 294 músicos y ya sé que deben faltar 100, pero es así esto. Por otro lado, me gustó que no se necesitó la cortesía ni el permiso de nadie. No está planteado como a veces exageradamente sucede que todos los artistas son de una misma compañía. ¡Es una prisión eso!
–Siempre tuviste fama de ir para adelante sin mirar atrás. Sin embargo, en los últimos años juntaste a Los Gatos y empezaste a tocar temas viejos en vivo.
–Me gusta darle bolilla a un espacio de tiempo que para mi punto de vista no ha sido realmente rescatado. No hay mucho material de la épica y creía que era el momento indicado de hacerlo. Por otro lado, era un momento donde sonaba fuerte el símbolo de 40 años, así que primero hice Los Gatos Salvajes, quedé muy contento, y creo que eso me envalentonó para hacer la reunión de Los Gatos.
–¿En qué época nació tu fama de cabrón que no quiere tocar hits?
–Imaginate que en el año 69 yo tenía 21 años y grabé el disco Nebbia’s Band, que lo podés escuchar hoy y suena por momentos como Art Blakey Jazz Messenger. ¡A dos meses de dejar un grupo que vendió millones de discos, toqué en un lugar para cinco mil personas y no hice ningún hit! Habrán dicho “El tipo se volvió loco”; es posible que uno estuviera medio loco, pero esto está dentro de las obligaciones si las querés cumplir o no como músico. Y yo lo hice conscientemente, sabiendo que perdía la cantidad masiva de venta de discos, que perdía gente a la que le gustaba Los Gatos pero no le gustaba lo nuevo. Así fue como de manera férrea no acepté muchas veces rearmar Los Gatos. Pero llegó un momento donde dije, OK, desde este lugar donde hice tanta obra en diferentes estilos puedo tomar aquellos temas y volver a tocarlos.
–¿Te imaginabas que iban a ser nueve discos?
–La idea original era que fueran diez discos, pero después le agregamos el mapa, el cuaderno, el DVD y el libro de la caja. Vimos que era carísimo todo, pero no queríamos descartar nada, así que lo único que se nos ocurrió fue meter todo en nueve CD y meter el librito en el espacio del décimo.
–Sabías que te estabas metiendo en un despelote, ¿no?
–A mí lo que me gusta –ya sabés– es el tránsito de esto, la realización. Después, si ganás o perdés guita, si le gusta o no a la gente, si la radio te apoya o no, si se vende o no se vende, eso ya es otro problema. Eso ya es el business. Y la verdad es que disfruté mucho haciéndolo.
Una obra amplia y exhaustiva
El Volumen 1, por ejemplo, está dedicado a Los Gatos Salvajes y Los Gatos, con artistas como Andrés Calamaro, Leo García, Spinetta, Fito Páez, Ariel Minimal, El Otro Yo, Antonio Birabent y Gabo Ferro. El Volumen 2 está dedicado a Almendra. El Volumen 3 tiene canciones de Moris, Miguel Cantilo, Roque Narvaja y Arco Iris. El Volumen 4 tiene como ejes a Manal, Vox Dei y Pappo’s Blues. El Volumen 5 es de Pescado Rabioso, Color Humano, Aquelarre y Huinca. El Volumen 6 rinde tributo a Sui Generis, León Gieco y Charly García. El Volumen 7 está dedicado a figuras rioplatenses como Los Shakers, Tanguito y Engranaje. El Volumen 8 es todo Spinetta y el último es todo Nebbia.
Los músicos incluyen a León Gieco, Alejandro Medina, Pez, Lito Vitale, Black Amaya Quinteto, Alfredo Toth, Silvina Garré, Hugo Fattoruso y Fats Fernández, María Rosa Yorio con Charly García, Rubén Rada, Gustavo Bazterrica,
INDIO: NOVIEMBRE EN TANDIL
El Indio Solari se presentará el sábado 13 de noviembre en el hipódromo de Tandil, en lo que será su única fecha del año.
IndioAsí lo confirma el sitio Redonditos de Abajo, al tiempo que informa que está en pleno desarrollo el nuevo disco, que tendrá su estreno oficial durante el 2011, en una gran gira nacional.
Por su parte, Skay también confirmó sus próximos recitales: serán el 16 y 17 de abril en Willie Dixon, de Rosario, presentando el nuevo disco “¿Dónde vas?”.
GUSTAVO CORDERAS
Por: Nicolás Melandri
En una grabación para MTV, Cordera habló del desgaste en la última época de Bersuit: "No me quedaba la misma fuerza".
El lunes pasado, Gustavo Cordera fue al estudio El Santito para grabar el especial MTV in Studio de Coca-Cola (que se verá en mayo) con seis fans como único público. Para semejante mérito había que registrarse en mtvla.com y contar por qué son los fans más grandes de sus ídolos (ya preparan shows Infierno 18, Arbol y El Mató..., entre otros) y los músicos elegían quiénes presenciaban la grabación. Antes de entrar a la grabación, dialogó con el Sí! sobre su próximo CD y sobre
-¿Ya empezaste el segundo disco?
-El 15 abril empiezo. Muchas de las canciones que van a salir en este programa ni siquiera las registré. Hay una que se llama Huguito en retirada que nació después del último concierto de Bersuit en Villa María, Córdoba. Ahí extrañé mucho a Hugo (N.deR.: fan fetiche de la banda, que murió).
-¿Sentían la presión del éxito?
-A nivel creativo, sí. Ya no me quedaba la misma fuerza que tenía antes, cuando hacía Hociquito ratón, El estallido, La bolsa, Señor cobranza.
-¿Por un tema generacional?
-Por un tema natural. Empecé a sentirme en deuda con la música y a ver todo con otros ojos y no encontraba el canal para que eso ocurriera con mis compañeros.
-Como fan, ¿por quién te meterías a un programa así?
-Por Calle 13 y quiero laburar con ellos. Hay algo hablado...
Bonus track -¿Extrañas la masividad? -No (Cortante). La experiencia en River fue el momento donde mi ego alcanzó su máximo esplendor. Eso tenía que morir -¿Te gustaba ese vos tuyo? -No, no. Me sentía mal y no sabía por qué. Después lo comprendí. A mi ya no me quedaba la misma fuerza que tenía antes. La misma fuerza de la gente que está abaoj. Cuando hacía hociquito ratón, comando culo madnril, el estaliod, la bolsa, yo tomo, señor cobranza... grandes canciones que forman parte de una energía que ya no habitsaba en mí. Seguir haciendo lo mismo para mí era una manera de envejecer patéticamente. Eso de ser de querer ser el eterno joven me parece uno de los sintomas de vejez más peligrosos. -Ahora es por un desgaste y se trata de un distanciamiento... con Los Redondos pasó lo mismo y luego nos enteramos de que estaban peleados. -Yo estuve comiendo con Oski, toqué con el Condor, estuve con Dani en la casa. Son mis hermanos ¿Pelearme? Hace 21 años que nos peleamos. Nos hemos agarraado a trompadas arriba del escenario. Ahora nos nos agarramos a trompadas porque somos más viejos y nos lastimaríamos. Las broncas pueden estar, pero si ahora tuviera que partir y tuviera que mirar rápidamente mi vida en dos minutos, un minuto con veinte segundos tendrían mis ojos puestos en todas las historias que viví con ellos. ¿Qué puedo albergar en mi corazón si no es un profundo amor y agradecimiento? Toda esa intensidad también tenía que mutar porque ya había una fatiga muy grande en todos los sentidos. La gente empezó a percibirlo. Nos costó llenar los dos últimos Luna Park. Nos costó muchísimo. Antes los hacíamos de taquito, diez o catorce seguidos. La gente empezó a percibir esa fatiga. El último disco no fue tan bueno, no tuvo una conexión como tuvieron los anteriores y lo que venía no iba a ser mejor. Había un cansancio. Esa es mi percepción y respeto cualquiera otra que tengan los chicos. Artísticamente y profesionalmente tuvimos que parar. Humanamente el vínculo se está transformando y vamos a ser mejores amigos de lo que hayamos sido -¿Todavía no te encontraste? -Estoy en eso. No me quiero distraer en el afuera. Estoy muy metido en mi musicalidad y forma de expresión. Creo que Dios me regaló un propósito y que todavía no lo he desarrollado con la profundidad que conlleva. Hemos llenado estadios y no tenía un nivel de profundidad acorde a ese acontecimiento.
ARBOL: "SEGUIMOS A PESAR DE LAS CRISIS"
Por: Silvina Marino
La banda de Haedo editó nuevo disco y habla sobre su evolución, sus nuevas temáticas y Edu Schmidt.
En el barrio de
Y lo muestran. Volveré a mi barrio los muestra en blanco y negro, mientras abre un breve solo de cello, en manos de Hernán Bruckner. Ahí vuelven a Haedo y aparece la primera sala de ensayo en casa de Pablo Romero.
Todo en calma. Los músicos hacen hincapié en este cambio de roles, en esta propuesta de "colectivo en acción" en la que los músicos hacen cosas nuevas . En este caso, en No me etiquetes, el último disco, con Pablo Romero como productor y Bruckner a cargo de la mezcla.
-¿Cómo fue la evolución a este disco, desde "Hormigas"?
Sebastián Bianchini: -El objetivo era no estar encasillados, por eso el título. Y también por la idea de libertad, que es un concepto que trajo Pablito.
Hernán: -Además, como en todos los discos de Arbol, buscamos que la energía positiva esté presente. Veníamos de la crisis del campo, la internacional, la gripe A. A diferencia de Hormigas, el concepto fue buscado de antemano.
-¿Por qué la vuelta al barrio?
Pablo: -Puede ser a cualquier lado, la idea es la vuelta al lugar de origen.
-¿Qué diferencia compositiva encuentran?
Sebastián: -En comparación con los anteriores fue un disco más inmediato. Hasta terminamos una canción en estudio. Martín Millán: -Y eso no lo habíamos hecho nunca. Nosotros somos más de demear. Vamos a algo claro: el estudio lo usamos dos o tres días para grabar las bases. Es distinto cuando estamos acá, que venimos semanas, meses.
Hernán: -Es interesante que este disco sea una contraposición a la crisis. Mientras muchas bandas a nuestro alrededor entran en crisis, nosotros seguimos y mutamos de roles.
-"Son mal vistos estribillos pegadizos/ Que defenestrás/ Para afuera los critican/ Y en tu casa vos los escuchás". ¿La letra de "Etiquetas" es un mensaje para la gente que los critica?
Pablo: -Tiene que ver con que la gente habla y habla. Pero cuando se cierran las puertas, el tipo está solo con uno mismo y se da cuenta si está bien o si está mal. Es muy fácil criticar.
Hernán: -Y es el prejuicio hacia el hit. La gente dice: "Uy, es comercial". Y no debería ser nada malo.
-¿Cómo fue el cambio de sello, de una multinacional antes a algo más chico?
Martín: -El gran cambio es que en esta nueva etapa lo que tuvimos fue decisión propia. Antes, Gustavo Santaolalla nos sugería cosas por su experiencia.
Pablo: -Ahora, después de un camino con él, podemos hacerlo más solos.
Martín: -Bingo Records es un sello que abrió Pablito con otros socios. Darle esa plataforma de salida a Arbol le daba un empujón al sello y, al mismo tiempo, le servía a la banda.
-¿Leyeron la nota del Sí! a Edu Schmidt? Decía que, después de "Chapusongs", se desvió lo que querían con Arbol. ¿Coinciden?
Pablo: -Es una lectura de él. Nosotros podemos decir que hace tres años que no está acá y no sabemos qué esta haciendo él.
Sebastián: -Por ahí es algo que piensa ahora, no antes.
Martín: -Cuando decidió partir fue por una decisión personal de él. Le cuesta mucho trabajar en grupo. Yo leí la nota. El decía que había compuesto un 80 por ciento de la música de Arbol. Cosa que si vas a los discos, no es así. Ya corrió mucha agua bajo el puente, es como cuando una pareja se separa.
GUSTAVO CERATI
Como parte de la apertura de Samsung Studio y, en medio de invitados a puro glamour, Gustavo Cerati dio un show íntimo en el que repasó sus viejos y nuevos temas.
¿Es un Déjà vu , verlo al ex Soda tan de cerca, repasando carrera? Con expectativa de "evento", el Pasaje 5 de Julio en San Telmo empezó a vivir su momento de glamour anteayer cuando abrió Samsung Studio, lo que oficialmente se anuncia como un "laboratorio de tendencias para la industria del entretenimiento".
"Vuelve la misma sensación, esta canción ya se escribió", cantó, sí, Gustavo Cerati en el esperado primer corte de Fuerza Natural. Estaba parado en el escenario de lo que se propone como sede de shows, fiestas y encuentros electrónicos. Y, mientras se lucían los acompañantes (especialmente, Richard Coleman y Fernando Samalea), lo que prometía ser un set corto, se alargó a más de una hora de canciones.
Desde el público, varias modelos sobre-producidas cantaban y vivaban a los músicos y otros invitados (Nicolás Repetto y Florencia Raggi) también miraron atentamente la presentación.
Así la noche, entre tragos y temas, con la arquitectura industrial del sitio, con el ladrillo a la vista como estética y una acústica notable, Cerati se inspiró y repasó viejos y nuevos hits. Y el local quedó a la espera de lo que vendrá: La programación de Samsung Studio para las siguientes semanas incluye Rosal, Lucas Martí y Viajantes, entre otros.
Gira 2010
Este año Fuerza Natural sigue sumando recitales a la larga lista de escenarios que tiene sobre sus hombros Gustavo Cerati. Es que el 20 de marzo arranca un nueva pata del tour que lo llevará por diferentes lugares para seguir presentando su último disco, como hizo a lo largo de 2009. Las fechas para esta segunda parte de la gira son muchas y lo llevarán a tocar en el interior (se presentará en Rosario, Neuquén y Mendoza) y en Perú, Estados Unidos, México, Colombia y Venezuela.
NONPALIDECE
"El reggae es un movimiento que no se puede ignorar"
Por: Pedro Irigoyen
Un fenómeno en ascenso. El reggae criollo está cada vez más fuerte. Nonpalidece es una de las caras más exitosas de la tendencia. Pero no la única. Innumerables bandas de Capital, el Gran Buenos Aires y el interior copan los festivales. Claves de un fenómeno en el que también talla la mística.
El reggae no es sólo un género musical. Va mucho más allá. Es un movimiento que se define por un mensaje de conciencia social, que tiene usos y costumbres vinculados a la armonía con la naturaleza y que está vinculado a una religión que aún se mantiene en Jamaica, o al menos con sus fundamentos. A diferencia del pop más llano, y más allá de los grados de credibilidad, sus músicos parecen vivirlo como una misión. Ahí tal vez radique la clave de su éxito. Esta generación bombardeada con otros mensajes, es tierra fértil para estas nuevas ideas.
La cantidad de bandas de reggae que proliferaron en estos años es abrumadora. Con más o menos éxito, con más o menos convocatoria, los festivales se multiplican, sobre todo en verano.
Una de las bandas que sobresale por su lento pero sostenido crecimiento es Nonpalidece. Con cuatro discos de estudio encima y giras por todo el continente, continúa el camino que iniciaron años atrás bandas como Sumo, Pericos y Cafres.
Surgió como banda en Tigre hace catorce años, su primer disco de estudio fue Dread al control (2000) y le siguió Nuevo día (2003), pero recién con Hagan correr la voz (2006) llegaron a la masividad que ofrecen las radios, a tocar en Obras y a girar por Latinoamérica.
Ahora, cuatro años después, llega su cuarto disco El fuego en nosotros, que grabaron junto a Kenyatta Hill, cantante de la mítica banda jamaiquina Culture. En el medio estuvo el DVD En el río es mejor y el acústico Nonpalidesenchufado.
Néstor Ramljak es voz, líder y productor, y también componen el tecladista Martín Mortola y el ex guitarrista de Los Cafres, Gustavo Pilatti. La banda se completa con Facundo Cimas en bajo, Germán Bonilla en batería, Agustín Azubel en saxo tenor, Ariel Sciacaluga en percusión y coros, y Bruno Signaroli en guitarra.
"Hagan correr la voz" fue el disco que los puso en los ojos de todos, ¿sintieron la presión de ese éxito al hacer "El fuego en nosotros"?
Ramljak: Lo vivimos con muchísima alegría y con la intención de hacer un disco que reafirme nuestra identidad como músicos de reggae en
¿Cómo ven la escena del reggae?
Mortola: Que creció es evidente.
Cimas: La gente fue enterándose lo que es el reggae y ahora, en el interior sobre todo, la gente lo conoce y lo disfruta.
Signaroli: Ahora en cada ciudad que vamos a tocar hay una banda nueva. Y son bandas buenas.
Ramljak: A veces se piensa que Buenos Aires es el epicentro de todo lo que pasa y nosotros nos encontramos en los viajes con bandas tocando con un sonido en vivo muy bueno y una propuesta novedosa.
Pilatti: Está instaurado, no se puede seguir ignorando. Es un movimiento que mueve un montón de gente, dinero, trabajo y un buen mensaje. Pero vivimos acá y somos parte de este sistema y de este engranaje.
Ramljak: Somos una banda que respeta el mensaje con que fue concebido este estilo de música. Tratamos de conservarlo. Además de ser parte del engranaje, intentamos hacer la diferencia con lo que generamos. Ahí radica la fuerza de la banda.
¿El reggae argentino tiene identidad propia?
Ramljak: Creo que tiene un formato más de canción y tiene que ver con cómo se construye el tema. En Jamaica es más rítmico. Cualquiera de las canciones de las bandas latinas se podrían tocar en otra clave.
Es un movimiento muy ligado a una religión, que es el rastafarismo, ¿cómo lo viven ustedes?
Néstor: Todos en esta banda en su iniciación como músicos de reggae, en algún momento, flashearon con el rastafarismo. Lo tuvieron en cuenta, lo estudiaron y adoptaron alguna costumbre aislada. Tomamos de todo ese movimiento cultural el hecho de ser mejores personas, como sinónimo de rastafarismo. Siento que ése es un factor común en la mayoría de las bandas.
¿Cuál es finalmente su desafío como artistas?
Ramljak: Entendemos que la música que hacemos más allá de ser nuestra vida y nuestro trabajo, se ha establecido fuertemente como una misión. En mayor o menor escala, todos en la banda entendemos que la música que hacemos tiene una fuerte consecuencia en la gente que la escucha. A nivel calma, paciencia, ánimo, felicidad, goce. Sentimos que la banda tiene una funcionalidad muy fuerte.
¿Cómo ven ustedes a su público?
Ramljak: Lo veo con sed. Argentina tiene una tradición rockera muy importante, y creo que no se ha renovado lo suficiente. Hay bandas que hasta no hace mucho llenaban estadios. Siento que la tragedia de Cromañón fue un click en la cabeza de público, músicos y productores. Y mientras el rock cayó, apareció el reggae con bandas de los barrios de acá de Buenos Aires, con líricas que tienen que ver con vivencias de esos mismos barrios. Con un ritmo que tiene una cadencia muy atractiva. Si a eso le sumás un mensaje de conciencia social positivo, de cuidado de la naturaleza.... Los pibes se identifican con eso. Al mismo tiempo, las bandas de reggae empiezan a misturar con rock, candombe, funk, armando un híbrido de lo más interesante
Signaroli: El reggae tiene la característica de ser bastante creíble, y eso puede ser también una carencia en los demás géneros.
¿El reggae se alimentó de las carencias del resto?
Pilatti: Hay una disconformidad muy grande en la juventud y eso se junta con el mensaje que vino de Jamaica. La gente ve que esto venía del ghetto de allá y que le pasaban las mismas cosas que acá y se sintió identificada. Con las mismas necesidades y ganas de gritarlas.
Néstor: En una gira que hicimos con Israel Vibration, en una de las pocas charlas que tuvimos, les preguntamos cómo veían ellos que este movimiento fuera tan fuerte acá. Y ellos decían que mientras haya pobreza, el reggae va a existir. Porque se encarga de eso, de esa lucha.
¿No sienten el riesgo de que sea sólo una moda pasajera?
Pilatti: Una cosa muy linda que pasa en los shows es que vienen padres con sus hijos. Que ellos escuchen, canten y hagan sus propias interpretaciones de esta música, me llena de felicidad a futuro.
Divididos - Amapola del 66
Como cualquier disco esperado durante años, lo nuevo de Divididos ha despertado expectativas que a veces suelen alcanzar dimensiones irreales. Cuando finalmente tenemos el trabajo en nuestras manos, la primera pregunta es si esas expectativas se verán satisfechas. La respuesta es sí, pero conviene aclarar algo de movida: Amapola del 66, primer disco de estudio desde Vengo del placard de otro (2002) es una obra de una riqueza y contundencia que precisa de tiempo -y repetidas audiciones- para ser digerida (el CD viene acompañado por un DVD que registra el proceso de grabación, e incluye entrevistas realizadas por Alfredo Rosso). Hay otras advertencias para este álbum, que inicialmente iba a ser doble. Es el primero para su propio sello, La Calandria (distribuido por DBN), el primero grabado en su propio estudio y el primero con el baterista Catriel Ciavarella, que ingresó al grupo en 2004. Este dato no es menor, porque en un trío, especialmente cuando dos de sus integrantes tocan juntos hace más de treinta años, lleva tiempo ajustar la incorporación de un nuevo engranaje en el delicado mecanismo. Por eso Divididos, aunque ausente de los estudios, nunca abandonó el vivo, y consigue en este álbum una gran claridad en los instrumentos, que suenan con una conexión casi telepática. Se nota que las tomas son en vivo y como así también la gran dedicación en la búsqueda de los sonidos, cálidos, analógicos, de una densidad aplastante. Sólo al tocar juntos se puede alcanzar los fluidos cambios rítmicos de canciones como "Buscando un ángel" y "Mantecoso", o la casi imperceptible transformación que sucede al final de "Amapola del 66" -el temazo elegido como primer corte-, cuando el ritmo se convierte casi mágicamente en un 6x8. Ese tipo de transiciones recuerda la entrada de la batería en "Stairway to Heaven", tan perfecta que costaba localizarla. La referencia a Led Zeppelin no es casual, como tampoco son ajenos los ecos de los Who, los Beatles, Hendrix y otros artistas surgidos en los 60 que pueden detectarse en las canciones. Hay un feel orgánico y, a la vez, el afán de experimentación que caracterizó la música de esa década. Y también hay una clara alusión al espíritu de esa época en muchas de las letras, en las que se percibe la necesidad de una manera más humana de hacer las cosas, de una conexión con la naturaleza, una búsqueda de lo trascendente que encuentra su realización en el camino por recorrer, más que en la meta final.
Ya desde el título y la hermosa foto de tapa que muestra a Mollo y Arnedo en un paisaje rural, la intención está clara, más allá de las imágenes no literales que caracterizan su manera de componer. El aire, la luz, el sol, en contraposición con la alienación y la locura de la vida en la ciudad, expuesta en "Buscando un ángel" y satirizada en "Muerto a laburar" que juega con la industria y su glorificación de los muertos (¿Luca? ¿Michael Jackson?). Tilcara, un lugar que es desde hace tiempo el refugio espiritual de Ricardo, es evocada a través de dos extraordinarios temas, "Senderos" y "Jujuy", unidos por un poema del malogrado poeta jujeño Germán "Churqui" Choquevilca. Pero el único tema claramente folclórico es una chacarera: "La flor azul", un clásico de Mario Arnedo Gallo, padre del bajista, que cuenta con la participación de Peteco Carabajal en violín. Y hablando de Diego, digamos también que canta por primera vez en Divididos, un tema acústico y enigmático, cuya letra -al igual que la de "Amapola del 66"- apela (y homenajea) al espíritu libertario del primer rock nacional. Igualmente destacables son la épica "Boyar nocturno", con uno de los mejores solos que Mollo haya registrado en disco, y "Todos", un blues desgarrador en homenaje a los alumnos del colegio Ecos, víctimas de la tragedia de Santa Fe. La aplanadora del rock mira hacia atrás para proyectarse hacia adelante. No es una mirada nostálgica, sino una afirmación del presente. "Vengo de ayer, no soy ayer", dicen en "Senderos", y profundizan la idea en "Amapola...": "No es reedición, es redención".
OTRO TEMA “NUEVO” DE CHARLY
En medio de los dos shows que Charly García brindó en un Luna Park completo, el músico estrenó “Medicina del amor”, un tema nuevo: “es tan nuevo que la letra no me la sé todavía”.
“Y los que me quieren ver muerto, que se vayan a la c*** de su madre”
Lo cierto es que esta canción tiene un estribillo muy similar a “Rock and roll Yo”, el tema que le dio nombre al disco del ‘03. Pero lejos de la orquestación marketinera armada al momento de su reaparición pública a mediados del 2009, esto está fuera de toda polémica y se trata, finalmente, de un estreno.
El periodista Marcelo Fernández Bitar opina que “hoy por hoy, ir a un recital de a Charly García no deja de ser una suerte de sucesión de déjà-vu. Su imagen saludable hace recordar a la etapa 1991 (luego de Tango 4 y una internación), los solos del Negro García López remiten al final de los años ochenta, la presencia de la dupla Fabián Quintiero-Hilda Lizarazu evoca viejos shows en el Gran Rex, y el repertorio recupera hits entrañables y largamente olvidados en su shows de la última década”.
Y cierra su nota publicada en Crítica Digital: “comparado con Vélez, a Charly se lo vio mejor de la voz y con mayor presencia escénica. Aún frágil y en recuperación física, revisitando temas con arreglos originales, pero mirando hacia adelante y dispuesto a mejorar de un show a otro. El público que llenó el estadio lo acompañó con entusiasmo desbordante, celebrando los grandes éxitos de la carrera de un artista que durante décadas no paró de hacer y deshacer grupos, sonidos y conceptos. Ahora prefiere contemplar su obra y compartirla con todos, sentarse y disfrutarla, mientras planea sus próximos pasos. Y mientras tanto, todos los acompañan, felices”.
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