ALEJANDRO MEDINA
“Manal tendría que reaparecer para los que no nos vieron”
A los 61, el bajista y cantante acaba de publicar Yo soy, un disco de composiciones propias, que presentará en septiembre en La Perla de Once. Y dice que mientras lo grababa extrañó a Pappo, con quien formó Aeroblus en plena dictadura.
Por Cristian Vitale – Pagina/12
El fernet con Cinzano demora en el bar y Alejandro Medina, a las cuatro de la tarde, trata de poner en palabras el significado de Yo soy, su disco reciente. Primero le entra por algo que media entre lo surreal y lo bizarro: dice que es una evocación mántrica; que, cuando se lo practica, es como el grito del karateca. “Suponte, porque yo no soy karateca. Tampoco soy violento... Soy bio rápido, más fuerte que una bala, más fuerte que una locomotora”, lanza y una gruesa carcajada viaja por el aire. Su cuerpo tipo ropero, la voz entre grave y cascada que le sale cuando habla y cuando canta sus blues, lo poderoso de su música y una actitud decidida ante la vida dan con el perfil. Pero también hay una cosmovisión del Yo soy. No es tanguera. No es del tipo “yo soy aquel gil que te espera en la esquina y vos nunca llegás”, vocea. Ni del otro onda “yo soy el más capo de todos, boludo, ¿qué te pasa?”.
–¿Qué es Yo soy, entonces? ¿Quién es Alejandro Medina?
–Es la última inspiración para respirar y, en esa respiración última, pedir algo: seguir respirando. En ese momento llegaste a tu integridad, a tu microcosmos, y por ahí entrás al macrocosmos y de ahí a la unidad. Porque todos somos fragmentos de una gran unidad. ¿Se imagina si todas las unidades nos juntáramos? Las sillas, las mesas, nosotros, las casas... ¿Qué sería? Una bola de piedra con un poco de hidrato de carbono, aminoácidos, agua y sol. Sería otro planeta: la vida. Porque la vida es eso: polvo cósmico. Por eso el Yo soy es como la respiración última antes de partir.
La segunda pregunta, la no contestada, tiene una respuesta más vivencial que existencial. Alejandro Medina tiene 61 años. Es un bajista –tienta decir “el”– que le viene poniendo la espalda ancha al rock argentino desde hace más de cuarenta años. Un nigromante pesado, a veces lírico, y aceitoso del blues rock que empezó, algo más “fino”, tocando en Los Seasons de Carlos Mellino y circulando por los reductos hippies, beatniks y/o bohemios del segundo lustro de los ’60 (La Cueva, La Perla, El Moderno, el Di Tella). Que fundó el trío matriz del género en la Argentina (Manal), derivó en La Pesada del Rock and Roll (inolvidable su puesta en “La maldita máquina de matar” o “Tontos”), participó en los primeros discos de David Lebon, Sui Generis, Raúl Porchetto y Claudio Gabis; llegó al cenit de los decibeles lacerantes cuando se le unió a Pappo (Aeroblus), refundó Manal, con suerte escasa, en 1980 y atravesó cierto naufragio propio del quiebre de una época. “Fue una vuelta al under”, como alguna vez dijo en una entrevista con Página/12. Se trató de un largo período solista, mechado con efímeras experiencias grupales, que derivó en discos concisos, sólidos y coherentes con su sino: Hoy no es ayer (1994), De qué sirve la vida (2005) y el flamante Yo soy, que mostrará el sábado 3 de septiembre en el remozado bar La Perla (Rivadavia 2800). “Me dio un año y medio de trabajo el disco. Tuve que cambiar de estudio, y hubo muchos contratiempos que no viene al caso contar. Encima, una vez que lo terminé, lo tenía ahí y no sabía cómo editarlo. Me había gastado un montón de mosca y no me alcanzaba lo que laburaba para guardar plata y ponerla en la edición”, cuenta.
–Pero el disco salió.
–José Hernández dice que un amigo es como la sangre, viene a la herida sin que lo llamen, y ese amigo fue Litto Nebbia. Nos encontramos, le conté todo y me dijo “yo te lo saco”. Es un gaucho, Litto, un ser de luz, un tipo del reino musical que en 1965 hizo una versión de “Little Red Rooster” con Los Gatos Salvajes que nos dejó a todos alucinados.
Medina tuerce el cuello hacia la izquierda para que el pedido sea más contundente. Quiere otro fernet con Cinzano y lo exige “menos liviano”. El mozo viene directo con la botella y el líquido, negro como el petróleo, alcanza la mitad de un vaso de los largos. Le da un beso y no quiere putear. Dice que hace un mes no lo hace “ni para adentro ni para afuera”. Pero putea. “Me sacan esos pelotudos con traje y corbata, con carita de buenos, que dicen ‘hay que cambiar el país con mano dura’. ¿Por qué no se van a la puta que los parió y se dedican a pensar en la gente? Juegan a la fácil, siempre fue así esto... Por suerte ahora está Cristina, ¿no?”, lanza. Y revela una data personal: en 1977, época de Aeroblus, fue torturado por un grupo de tareas. “Yo, dentro de mi trabajo, me jugué la vida, los huevos. Me chuparon en el ’77 y me torturaron durante doce días. Pero me importa un carajo... Tuve la suerte de sobrevivir a eso y poder contarlo y decir que la experiencia fue muy buena porque me permitió ver la Caja de Pandora del ser humano abierta.”
–¿En qué sentido?
–El de ver salir todas las medusas y los bichos y sobrevivir a eso. Puedo contarlo hoy y decir “qué pena me da, loco”. Qué pena que me dan los necios, los chabones que están andando en auto con dinero nuestro, los de la derecha y algunos de la izquierda también. Esas experiencias valen mucho para afirmarte bien sobre tus piernas y saber cuándo decir “te amo”, “hola” o “chau”. Me sirvió mucho. Se lo tengo que agradecer a ese señor narigón de bigotes (Videla) y a toda esa manga de degenerados. Les tengo que agradecer que me hicieran pasar por la escuela del terror y los apruebo: fueron muy buenos maestros, me sacaron el miedo para siempre, porque ya no le temo a nada. Si viene un loco asesino, sólo hace falta que me mire a los ojos y le juro que mete la cola entre las patas. No sé por qué, pero eso pasa.
–¿Qué recuerda de la tortura?
–Mientras estaba estaqueado, desnudo, vendado y los tipos me daban submarino, electricidad y todos los chistes, yo pensaba: “Qué vergüenza si vieran esto Jesús, mi madre o un extraterrestre”. Realmente me daba vergüenza. Cuando me largaron veía la punta de un Falcon y temblaba, pero al mes me calmé.
–¿Por qué lo chuparon?
–No fue por política, fue por un maldito cabrón.
“Maldito Cabrón” se llama uno de los quince temas –todos propios– que pueblan Yo soy. “Se lo escribí un poco a los gringos que se están viniendo para acá para salvarse del desastre de allá. Es un modelo para un nefasto. ¡Sacate la careta, che! Musicalmente, el tema está medio exagerado, lo tendría que haber hecho más corto, pero me gustó el groove”, define. Entre los demás, compuestos en diferentes períodos, Medina dirá de “Yo qué sé” que la hizo en 1974, recién llegado de Río de Janeiro. “Estaba en el patio de casa y pasaba todo lo que digo: quemaban hojas secas y yo estaba sentado, tocando la guitarra e imaginando comprar pescados o entrando al morro.” De “Paraíso perdido” y “Los gringos”, que son más recientes y configuran una especie de compendio a lo Medina desde que llegó Colón hasta hoy, con un toque argentino: “Un simple quebrar al bajo en 2 por 4, un par de bandoneones...”.
–Y la introducción del Himno Nacional.
–Sí, porque quiero que este tema se escuche en toda América latina y que suene bien argentino. La segunda parte (“Se vienen los gringos”) es la actualidad. Pateando por el sur, por San Luis, Mendoza o Córdoba se ve que están los gringos por todos lados. Estos son los que vienen primero, después por ahí vienen con los acorazados y los portaaviones, después vendrán los chinos, porque esta región es como intocable, ¡es el fin del mundo! A veces parece que van a quedar pedacitos, pero mientras el hombre esté pagando el seguro del auto, tenga nafta y su amante no lo traicione, ¿qué importa? No les importa nada. Como decía García: “Apagá el televisor”. Hay que dejarse de joder y de mirar cartelitos, hay que dejar de arrastrarse por los medios.
–“Muchos desayunos y ningún Clarín”, también cantaba Charly en “Pequeñas delicias de la vida conyugal”.
–Claro, me gustaba esa canción, sí.
–Es de la época de “Gracias al cielo”, aquel tema de La Pesada que usted vuelve a hacer en este disco. ¿Qué quiso decir con esa letra tan breve, tan colgada?
–Es grass, hierba en inglés. Gracias al cielo la hierba no se sanciona, gracias a la tierra. En ese disco de La Pesada está también “La maldita máquina de matar”, uno de los solos de Pappo que más me gustó, tiene un lirismo de la puta madre. Cuando estaba grabando la nueva versión estaba haciendo todas las voces yo solo y me agarró un ataque de melancolía tremendo. Casi me pongo a llorar, porque no estaban Kubero, Pappo, Pinchevsky ni Billy Bond.
Las ausencias puntuales son la excepción. Pocos músicos de rock en Argentina pueden darse el gusto de contar, por ejemplo, con Charly García y Luis Alberto Spinetta en un mismo tema (teclado y guitarra en “Comprender”) y de sumar al elenco de invitados gente del “touch” y la historia de Oscar Giunta, el Negro Tordó, Patán Vidal, Carlos Cutaia, Juanjo Hermida, Roberto Petinatto o Ciro Fogliatta. “Me faltó Pappo, che, y estamos todos. Lo extraño mucho, porque hay que extrañar para no olvidar. Además, ¿cómo olvidarlo si formamos ese trío alucinante que fue Aeroblus, la primera banda pesada de verdad? Tocábamos eso en el ’76, entre botas y tiros.”
–Completamente nerviosos...
–Temazo ése, sí. Era una época brava. Tuvimos un primer baterista brasileño (Rolando Castello Juniors) que cuando vio todo el quilombo que había acá se volvió a Brasil. Nosotros seguimos tocando con Gonzalo Farrugia (ex baterista de Crucis) y también se fue. No sé, se lo llevaron las notas.
–¿Cómo eran los recitales de Aeroblus?
–Igual que todos en la época, custodiado por la Guardia de Infantería. Encima grabamos en la avenida Belgrano, a media cuadra del Departamento de Policía. Ahora me cago de risa, pero era duro.
–Después hubo un ratito de Pappo’s Blues, el Carpo se fue y reapareció Manal. Qué mal suena el disco en vivo de 1980...
–Una porquería, porque lo hicieron robado y ni siquiera me llamaron para mezclarlo. Pensaron que robando el disco iban a ganar más plata, los boludos. Pero lo maravilloso fue Manal Reunión, ese disco es bárbaro, pero no tiene nada que ver con la idiosincrasia de lo que se pasa por las radios hoy. Manal siempre tuvo esas cosas, al revés de Charly y Spinetta: nunca estuvimos en las multinacionales, estábamos en sellos independientes.
–Mandioca, la madre de los chicos...
–Uhhhh, me hizo acordar: tengo una reunión con Jorge Alvarez (creador del sello), que quiere generar algo hoy. Si me favorece, yo lo voy a favorecer, me gustaría volver a trabajar con él, porque el movimiento del rock argentino no alcanzaba sólo con Manal. Tuvo que intervenir Mandioca para que funcionara. Fue como la película Cadillacs Records, la de ese judío que venía desterrado y sufriendo como los negros, y fundó Chess, el sello grabador, y a cada músico le daba un Cadillac de regalía. Estaban Muddy Waters y Howlin Wolf, muy buena la peli, y Mandioca era algo así en menor escala, porque a Manal no le alcanzaba sólo la música. No nos podíamos hacer conocer si nos quedábamos en mi casa. Y encima había que luchar contra el tango, el folklore y la grasada del Club de Clan. No teníamos cabida hasta que llegó Mandioca.
–Y debutó Manal con “Qué pena me das” y “Para ser un hombre más”, el simple.
–Amo Manal y me gustaría hacer una vuelta, porque Manal es una entidad, es el grupo que abrió las puertas del rock argentino. Y no hay un solo Manal, como cree el baterista. No es así, porque así le va. Manal tendría que hacer una aparición para todas las generaciones que no nos vieron: abuelos, padres, hijos.
–Javier Martínez, el baterista, no quiere...
–Claro, pero yo haría una encuesta: ¿qué piensa la gente sobre esto? El dice que rehacer Manal arruinaría su carrera solista, pero, ¿la vuelta de Manal le arruinaría la carrera solista a Javier Martínez o no? Son cosas que me rompen las pelotas, porque Manal es una entidad y el chabón no puede estar peleado con el otro (Claudio Gabis) y decir, como una mariquita, “yo con él no toco porque arruina ‘Yo qué sé’”. Parecen dos viejos pelotudos de casi 70 años con pollerita y una varita para golpearse...
–Gabis vive en Zaragoza.
–Que estén en el Sahara o en Zaragoza no me importa: que se arreglen y se acabó el partido. Si no sabés cuánto te queda de vida... ¿Con todo lo que viviste no te das cuenta de qué tenés que hacer de bueno o malo? Dejate de joder, Javier.
–¿Usted sigue viviendo en Morón?
–Sí, tengo dos casas que dejaron mi padre y mi abuela. Son mis casas. Tengo una casita humilde, de 10 por 40, y me quedo ahí. Viajo por dentro. Mi casa no tiene rejas, está abierta para el que quiere entrar... Pagás al salir (risas). En esa casa nació, por ejemplo, “Laralú”, el tema que le hice a mi nieta. Fue en un momento en que sentía mucha revolución a mi alrededor, mucha guerra, y en realidad no había nada. Me puse a escribir esa canción como para tener paz y pensé en ella. Me fui al jardín de adelante de mi casa, porque tengo jardín, y escribí la parte del final: “Mándenme a Laralú...”.
–“El blues, el mate y mi perro” y “El lunes no perdona” se intuyen autobiográficos. ¿Cómo fueron las historias?
–Con el primero, me subí al subte en Independencia para bajar en Lavalle, el día anterior al 1º de mayo, y en el subte había pibes con banderas gritando consignas políticas y de repente siento un “Hey, Medina, cantate algo”. Les canté “El blues, el mate y mi perro”. Todos los tipos cantando el tema y dos yanquis que no entendían un carajo. Era muy fuerte la situación. Lo hice en una época como ahora, cuando fundieron los bancos europeos sin que repercutiera acá.
–Es un tema kirchnerista, entonces.
–Totalmente. Soy un kirchnerista total. ¿Qué voy a estar, con todos los falsos peronistas, si yo soy de Perón? Les guste o no les guste, Néstor y Cristina hicieron mucho por muchos. ¿Qué, voy a aplaudir a Macri? Me da vergüenza. No quiero volver a decir malas palabras, por favor.
–Le faltó hablar de “El lunes no perdona”.
–Es una historia así: venía de un fin de semana glorioso de sexo y lujuria. Me tomé el subte de las 8 de la mañana y estaba re bonito, feromónico, y tenía olor a sexo encima. Las minas se daban cuenta y los chabones también. Y los tipos, claro, me miraban con cara de 38. Es una pequeña película que termina cuando me bajo en Acoyte, voy mirando el piso de la escalera mecánica y veo unos talones, una sandalias, unas piernas peludas, una túnica blanca y paf: ¡un Hare Krishna! Nos quedamos hablando en la esquina de Acoyte y Rivadavia. Es un tema bonito para bailar el blues.
–Una letra visceral, como escribía Pappo, casi.
–Lo que dice mi compañera Lola, sí, mi ser visceral.
–El hecho de hacer temas suyos y ninguna versión, ¿tiene que ver con una autoafirmación del Yo soy?
–No, no tuve tiempo. Estuve seis meses para armar las bases, un año en un estudio del que me tuve que ir y me quedé en pelotas. Si existiera algún productor que quisiera que yo hiciera covers, me gustaría hacerlos, pero bajo una producción y no como éste, que lo hice a fuerza de laburo, guita y sangre. Hay gente que me dice “vos tendrías que tener una limusina, loco”. Tampoco la boludez, pero me rompí el culo toda la vida. ¿Por qué tengo que pasar cosas así?
ENCUENTRO ENTRE WALAS Y DORA, LA MUJER DE BONAVENA
Protegidos por la Virgen del Knock Out
Ringo, el flamante disco de Massacre, recupera la figura de Ringo Bonavena, el rockero que mejor boxeaba. “Estoy despidiendo El Mamut para lanzar Ringo. Estoy dejando de ser el gordo para convertirme en el atleta”, dice Walas, que se encontró con la mujer de Ringo para esta producción.
Por Facundo Enrique Soler - Pagina/12
Lo que queda de Ringo Bonavena es el recuerdo de uno de los máximos boxeadores de nuestro país y la imagen del primer deportista que supo mezclar su carrera con humor, música y caradurismo. Dora Bonavena, su esposa y madre de sus dos hijos, sigue sosteniendo esa leyenda del fortachón de Parque Patricios que, pese a los millones de dólares, mantenía la misma esencia de un niño: “Era un nene grande, que le gustaba divertirse. Nunca se olvidaba de sus raíces”. Esas raíces fueron las que utilizó Walas para rendirle un homenaje a Buenos Aires. Así apareció Ringo, el nuevo y esperado álbum de Massacre, que explota las viejas mañas de la banda y a la vez lleva sus sonidos a lugares inesperados. “Este disco es un homenaje a la ciudad en la que vivo. En este último tiempo me volví a enamorar de ella, de su nueva cabeza, de los jóvenes con militancia, de viajar en subte, del lunfardo, de lo popular y lo terrenal. Así llegué a ponerle Ringo, porque es un icono porteño. Además, en su figura veo mucho de la dinámica de Massacre. Tenemos esos ingredientes por fuera del rock que él tenía por fuera del boxeo”, deslizó el frontman y cerebro del grupo.
En el bar Sócrates –pleno corazón de Caballito–, la única señora que acompañó a Oscar Natalio Bonavena (o Ringo) a todas las ciudades del mundo en las que peleó, se encontró con el cantante que decidió inmortalizar su figura en un disco. “Vos sos del barrio, ¿no?”, pregunta Dora y, antes de que Walas pueda contestar, continúa: “Yo no te conocía, pero hace unos días el quiosquero que me vende los puchos me dijo que un grupo de por acá estaba por sacar un disco que se llama Ringo y que era por mi marido. Después fui a la peluquería y estaban todas las chicas hechas unas locas hablándome de vos”. Walas, contento porque la señora está al tanto de la situación, le responde: “Sí, yo me crié y vivo por acá. Mandales un beso a todas o, si no, dejá que yo se los doy personalmente”.
La Virgen del Knock Out
Dentro de los once temas que completan la lista de Ringo está La Virgen del Knock Out, un homenaje “a vuelo de pájaro” de lo que era la figura de Bonavena cuando se subía a un ring o cuando estaba abajo; el púgil creaba un personaje inolvidable que mezclaba humor, ironía, ego e irreverencia. Para esta canción, Walas inventó un hada madrina que se dedica a cuidar a Ringo mientras se pelea con los boxeadores más importantes del mundo. Una especie de santidad que le sonríe de reojo y lo acompaña cuando le sacan el banquito, cuando queda solo ante un rival que lo quiere matar a trompadas. Básicamente es una criatura más del repertorio de un creador de seres fantásticos que encuentra en su propia mente las razones para sentirse seguro. “De chico me la pasaba creando dioses aparte. Es la necesidad de tener algo en que creer”, resume Walas.
“Es una buena idea, mi marido era muy creyente, pero no le rendía devoción a ninguna virgen. Me parece que tiene mucha onda, además es algo que nunca se hizo. Los boxeadores no tienen santos”, replica Dora al entender la idea básica del tema; y Walas, contento con el recibimiento, responde: “Hay un santo de esto, un santo de aquello. Hasta los chorros tienen una divinidad que los ampara, pero hasta donde yo sabía los boxeadores no tienen a nadie que los proteja cuando salen a pelear. Así nace esta diosa pagana”.
Uno de los puntos clave de la canción es cuando el vocalista toma la voz del mismo Ringo y dice: “De mi ring no se sale / soy temido en el norte y el sur / no me quedan rivales ya y este negro no me dura ni un round”. Ese “negro” al que se refiere es Cassius Clay (o Muhammad Ali), el boxeador más grande de todos los tiempos y el protagonista de la batalla más épica que Ringo alguna vez peleó. “Lástima que sí le duró un round y le terminó durando 15”, cuenta su viuda, en referencia a aquella noche de 1970, en el Madison Square Garden de Nueva York, en la que Ali venció a Bonavena por puntos. La importancia de esa pelea iba más allá del resultado: es que antes de que suceda, Ringo había hecho todo tipo de burlas acerca del que ya en ese entonces era el boxeador más respetado del planeta. En el pesaje lo llamó “chicken” mientras emulaba a una gallina, e hizo chistes racistas para desestabilizarlo. Ali, totalmente enojado, le prometió que lo iba a noquear en el noveno round que, curiosamente, fue el único momento de la pelea en el que Ringo estuvo más cerca de la victoria.
De elefante a boxeador
Ringo no sólo tiene que ver con el amor de Massacre hacia la ciudad de Buenos Aires, ni la devoción por las aventuras del boxeador más épico –pero no el más exitoso– que tuvo nuestro país. También es un sinuoso camino que recorrió Walas desde la salida de El Mamut, el pasaporte de la banda hacia el éxito masivo, hasta esta nueva producción. En los casi cuatro años que hubo en el medio, el cantante tuvo que reconocer sus problemas de sobrepeso y plantearse una mejor conducta alimentaria ante los riesgos de muerte que su nutricionista se encargó de advertir.
“Hasta ahora ya bajé 15 kilos y me siento muy bien. El otro día, mi terapeuta me hizo ver algo muy lindo: yo estoy despidiendo a El Mamut para lanzar Ringo. Estoy dejando de ser el gordo para convertirme en el atleta. Nunca lo vi de esa forma y es verdad: es una verbalización del subconsciente.”
Un rockstar con guantes
El personaje de Ringo vuelve una y otra vez al bar Sócrates. Dora siempre termina recordando sus famosas frases, las veces que se reía de sus rivales antes de pelear y cómo se manejaba por Nueva York como si hubiera nacido allí, teniendo en cuenta el detalle de que no sabía una sola palabra en inglés. Es que Bonavena no sólo podía molerte a piñas arriba de un ring: también tenía el carisma necesario para ganarse al público y desestabilizar a sus rivales psicológicamente. Sus armas mediáticas hacían de él un personaje que bien representaba al porteño agrandado, bonachón y con cojones, que tuvo el record de taquilla del Luna Park con 18 mil personas. “Eso sí: te decía que te iba a arrancar la cabeza y cumplía”, aclara su esposa, y Walas le contesta sonriendo: “Eso es rock and roll. Por eso Ringo es puro rock and roll. El fue pionero en toda esa cultura de bardear en la etapa de pesaje o antes de una pelea; mucho después se puso de moda en el mundo del boxeo.”
La carrera como boxeador no fue el único motivo por el cual Ringo se hizo famoso. Sus numerosas apariciones en televisión, las fuertes declaraciones que hacía antes de cada pelea y su presencia en todo tipo de espectáculos (en una obra de Olmedo a la que asistió como espectador, terminó arriba del escenario recibiendo aplausos), eran las razones por las que se convirtió en un ídolo popular.
Hasta llegó a ser cantante, en el famoso tema Pío Pío que fue escrito por Palito Ortega y hoy es repetido hasta el hartazgo en la pantalla de Crónica TV para anunciar la cuenta regresiva hacia la primavera. “Cuando ya tenía su propia fortuna, seguía estacionando su Mercedes-Benz blanco en la puerta del club en Parque Patricios y se quedaba jugando al truco con sus amigos. No perdió noción de las cosas que quería ni de quién era en realidad”, recuerda Dora. Esa capacidad para tener los pies sobre la tierra, en cuanto a la familia y el barrio, hacía de Ringo un verdadero poeta, que inventaba frases para el recuerdo: “Cuando viajaba, mandaba cartas a diario para mí, mi suegra y mis hijos. En todas había un billete y una frase o pensamiento que te llegaba al corazón”.
Rebobinar cinco décadas
A medida que transcurre la conversación, Dora parece estar encantada con la idea de que un tipo como Walas lleve la figura de su esposo a la gran cantidad de pibes que se la pasan escuchando Massacre. “El público que te sigue lo único que puede llegar a saber de Ringo es, por una cuestión generacional, por medio de sus padres. Ahora que escuchen esto van a entender un poco más sobre su historia”, dice ella.
“Siempre fuimos un poco didácticos como banda. Nosotros hablábamos de Joy Division, Patti Smith, The Velvet Underground y muchas bandas más, y nuestros seguidores rebobinaban en la historia del rock y se encontraban con todos esos grossos de los que no sabían nada. Ojalá que con Ringo pase lo mismo y la gente salga a buscarlo a él y a las figuras de los años dorados del boxeo. Quiero ser un buen intermediario”, explica Walas.
Cuando llega la hora de despedirse, Dora confiesa que a Ringo le hubiera encantado el homenaje que Massacre le está haciendo: “Todos tenemos un ángel especial, alguien que nos guía. Después de la muerte de mi marido tuve que criar a dos chicos por mi cuenta y, por más que no tuviera a nadie, nunca me sentí sola. Siempre percibí una presencia, que ahora podemos llamar La Virgen del Knock Out. Ahora salgo y les cuento a todos sobre ella”.
El barrio de la Quema, el barrio de Ringo Bonavena
Después de conversar con la viuda de Ringo, Walas va hacia el Club Huracán, el lugar donde el mítico boxeador pegaba sus primeros puñetazos a una bolsa de arena y aprendía a la perfección todos los detalles que le servirían para su carrera. Al entrar lo recibe Pablo “El Pelado” Rodríguez, uno de los profesores del gimnasio, y Gonzalo “El Patón” Basile, un boxeador mediático fácil de distinguir por su cuerpo de gladiador y la enorme cantidad de tatuajes que tiene.
Cuando Walas les comenta acerca de su homenaje a Ringo y la creación de La Virgen..., ambos boxeadores se sorprenden y le agradecen. “Cuando me preguntan quién es mi ídolo, digo Oscar Bonavena. El mismo se vendía en una época que no existía el marketing. Aparte que después subía al ring y te mataba a trompadas”, dice Basile.
Dentro del gimnasio, donde están las bolsas, los guantes, el ring y las mancuernas, Walas recorre la galería de imágenes que están colgadas en homenaje a Ringo y se sorprende con la cantidad de fotografías increíbles de su ídolo. Reinan las tapas vintage de El Gráfico, un retrato con Elvis, una sesión de fotos para una revista que lo mostraba de joven junto a una versión adolescente de Dora y carteles anunciando sus peleas más importantes, en donde se incluía el épico combate con Muhammad Ali. “Esto fue una peleíta de fondo, ¿no?”, pregunta Walas con ironía al verlo.
La recorrida termina en un ring rojo y blanco, como los colores de Huracán, que tiene como imagen de fondo un cuadro de dos metros con Ringo en pantalones cortos, con sus guantes puestos y mirando a la cámara con una actitud desafiante. Al entrar agachado entre las cuerdas, Walas se encuentra en el mismo escenario donde su ídolo comenzaba a tirar ganchos y reconoce con ojos vidriosos: “Estar acá me está emocionando de verdad”.
La sesión de fotos termina y la excusa para estar en ese lugar mágico, también. Walas se va a ensayar con Massacre, se despide rápidamente de sus dos amigos, que le reclaman la imagen de La Virgen... (para ver si es una buena idea para un tatuaje) y también hacen públicos sus deseos de escuchar el tema para entrenar. Es una noche intensa en Parque Patricios y en una horas Ringo (el disco) saldrá a la venta tras una larga espera.
Ringo, el disco
Massacre muestra en su nuevo disco su cara más conocida, pero también se dedica a recorrer terrenos que no acostumbra. Entre las novedades se destacan El deseo, un tema pausado que relata la llegada de la madurez; Muerte al faraón, un grito de aprobación a las nuevas militancias políticas; y Lo mío no es tan grave, un redescubrimiento de la belleza de ser porteño. Luego aparecen los guiños que la banda siempre saca a relucir. Tengo captura, las andanzas de un par de prófugos enamorados; Tanto amor, la canción melosa por excelencia que viene sonando hace rato en la radio; y El Robot versus La Momia Azteca, otra invención ficticia de Walas para salir a divertirse en su propia mente.
El costado musical no se escapa a este concepto de dos caras que plantean las letras de Ringo. Por un lado están las guitarras explosivas de Pablo Mondello que son marca registrada de todos los discos de la banda, pero a su vez también aparece un solo a lo Santana que recuerda el pasaje instrumental del tema Can’t you Hear me Knocking de los Rolling Stones, un lapso de trance valioso. A la lista de cosas nuevas se suma el sonido de un sitar para Tengo captura y violines en Tanto amor. También se fortalecen los guiños electrónicos que Massacre implementó hace ya una década. La clave del disco es La Virgen del Knock Out, eje central de la temática que quiere planear Walas al rendirle homenaje a Bonavena.
Ringo, el boxeador
Oscar Natalio Bonavena, o Ringo, apodado así por tener una cabellera parecida a la del baterista de Los Beatles, nació en la ciudad de Buenos Aires el 25 de septiembre de 1942. Desde joven, Ringo tuvo una pasión desmedida por irse a las trompadas apenas la situación lo ameritaba y, ni bien pudo, dejó sus estudios y se dedicó de lleno a convertirse en boxeador. En su carrera tuvo 68 peleas oficiales que dieron un saldo de 58 victorias, 9 derrotas y un empate. Entre sus más recordadas presentaciones se destacan las dos ocasiones en las que cayó ante el campeón Joe Frazier y la única vez que se enfrentó a Muhammad Ali y perdió por puntos.
Ringo murió tras recibir el disparo de un rifle en el pecho en mayo del ‘76, cuando se encontraba en la puerta de Love Ranch, un burdel de Reno, Nevada. Su ejecutor fue Ross Brymer, uno de los empleados de seguridad del local. Las causas del homicidio nunca fueron esclarecidas del todo, pero la conmoción que generó en la Argentina fue enorme. A su funeral, que se llevó a cabo en el Luna Park, asistieron 150 mil personas. Su imagen es recordada, más allá de los logros deportivos, como la de un verdadero personaje fundamental para entender a la ciudad de Buenos Aires.
LEBON REGRESA AL RUEDO
Figura legendaria del rock nacional, con paso por bandas como Pescado Rabioso, Sui Generis y Serú Girán, se estará presentando en Mar Del Plata, recorriendo temas de su rica historia musical en un formato eléctrico.
Además presentará los temas de su última placa discográfica "Deja Vu", que combina el rock nacional de los comienzos de los años 70 con fusiones de que van del blues americano al beatle inglés.
La banda que acompañará a Lebón está formada por Adriana Sica en guitarra y voz; Leandro Bulacio en teclados; Hernán Gravelloni en bajo y Panchi Lebón en batería.
ESCUCHÁ EL NUEVO TEMA DE LOS CAFRES
La banda estrenó “Casi que me pierdo”, el adelanto del que será su séptimo disco de estudio.
La llegada de la primavera traerá mucha música nueva. ¿Y que mejor que un poco de reggae para afrontar el calorcito? Una de las tantas novedades será el séptimo álbum de estudio de Los Cafres, quienes acaban de estrenar el primer corte de difusión del LP: “Casi que me pierdo”.
El tema en cuestión, es una de las dieciséis canciones que formarán parte del sucesor de Barrilete/Hombre simple, que contó con la participación del técnico Jim Fox, quien trabajó con grandes artistas del género como Don Carlos, Gregory Issacs y Black Uhuru, entre muchos otros.
"Casi que me pierdo" es un tema condimentado por una sección de vientos, el sonido característico de la banda –ajustado y limpio- y la firme voz de Guillermo Bonetto como protagonista. Te lo dejamos a continuación para que lo escuches y opines que te parece.
HACE CLIC EN EL LINK
http://www.youtube.com/watch?v=yy5NZtHGbbo&feature=player_embedded#!
A LA CAMA CON JOHN Y YOKO POR UNA SEMANA
Yoko Ono colgará en su web, por una semana, el documental "Bed peace".
Por Redacción VOS
Yoko Ono decidió colgar por una semana en Internet el documental Bed Peace, que la muestra a ella y a John Lennon celebrando su aniversario en su cama matrimonial, como forma de reclamar la paz mundial.
Según el diario El País, la viuda del beatles iba a dejar el video en su página web por sólo 48 horas, pero luego decidió extender el tiempo hasta el 21 de agosto.
Así, Ono lanzó una campaña pacifista en la web con esta película de una hora y 10 minutos. El filme es la célebre y multitudinaria rueda de prensa cuyos protagonistas, Yoko y John, están acostados.
"Queridos amigos: En 1969 John y yo éramos tan ingenuos como para pensar que metiéndonos en una cama podíamos cambiar el mundo. Quizá lo hicimos, pero en aquel momento no éramos conscientes", afirma Ono, de 78 años, en su página web.
Así, la pareja celebrabó su luna de miel en la suit presidencial del hotel Hilton de Ámsterdam, donde la prensa internacional estuvo invitada todos los días, de nueve de la mañana a nueve de la noche, entre el 25 y el 31 de marzo.
MIRALO HACIENDO CLIC EN ESTE LINK
http://www.youtube.com/watch?v=mRjjiOV003Q&feature=player_embedded
CONFIRMADO: HABRÁ CUARTO SHOW DE ROGER WATERS
Ante el furor en la venta de entradas para los otros conciertos, se sumó la nueva fecha del 10 de marzo, en River. Hay posibilidades de una quinta.
Por Agencia Télam
El incesante interés del público argentino por ver en directo al ex Pink Floyd Roger Waters, adelantó para esta mañana la confirmación: habrá un cuarto concierto del músico británico en el estadio de River Plate y será el sábado 10 de marzo.
Mientras una multitud agota las localidades de entre 160 y 2100 pesos para la función agregada para el lunes 12 de marzo, los organizadores de la visita de Waters anunciaron esta mañana la cuarta presentación del artista en el Monumental, como ya habían hecho con la tercera.
Así, las cuatro fechas hasta ahora de los shows de Roger Waters en Buenos Aires serían en los días 7, 9, 10 y 12 de marzo de 2012.
Como en los shows anteriores, las entradas se podrán conseguir al mismo precio que las ya agotadas por Livepass o personalmente en La Trastienda (Balcarce 460, Ciduad de Buenos Aires) y en el estadio de River Plate.
¿Habrá un quinto?
Nadie lo sabe aún, pero los rumores se despertaron porque todavía hay una noche más reservada para que los argentinos puedan apreciar el espectáculo "The Wall".
El "The Wall Tour" que Waters traerá a la Argentina cuenta con todos los efectos especiales que el cantante ha creado para ilustrar la historia y las canciones, que pudieron verse en el filme de Alan Parker.
Durante el concierto se podrá observar una megapared de más de 150 metros de ancho que funciona como pantalla gigante, las imágenes originales de Gerald Scarfe, el avión estrellándose, mucha pirotecnia, gigantescos muñecos inflables, cerdos voladores, sonido cuadrafónico y tecnología de proyección de última generación.
La espectacular producción estuvo recorriendo Europa y América del Norte durante 2010 y lo que va de este año con cifras millonarias: 89.5 millones de dólares en recaudación en 56 espectáculos.
EL AGUANTE ES NO TE VA GUSTAR
Emiliano Brancciari dice que se banca sin dramas la gira interminable de No Te Va Gustar, grupo que este finde hará tres Usinas.
Por Pablo Leites – Suplemento VOS
Hablar con Emiliano Brancciari no es complicado, en ningún sentido. El uruguayo nacido en Argentina que lidera No Te Va Gustar carece de cualquier halo de divismo, y además se presta a la conversa de un modo que en lugar de “acceder” a una entrevista da la sensación de querer hacerlo. Habida cuenta de que este año agotó cuatro Luna Parks en Buenos Aires, y que este fin de semana se despachará con tres shows en La Vieja Usina, el dato reconforta.
Y vale releer: tres Usinas seguidas. Viernes, hoy sábado y el lunes. Está claro que el predicamento del rock uruguayo en Argentina es cosa seria, pero la marca de las probables 10 mil localidades vendidas para shows propios en la ciudad le queda grande al rock nacional hecho acá, y a unos cuantos que vienen de más lejos. En el caso de NTVG, además, hablamos del grupo que tocó en prácticamente todo el territorio argento: cuando suban a escena en Tierra del Fuego, en noviembre, sólo le quedarán tres provincias sin visitar.
Pero él, Brancciari, siempre tiene un resto de capacidad de sorpresa, aunque recién se termine su segundo periplo por Estados Unidos y Canadá (el primero), y a fin de año vuelvan a México. No paran. “No paramos... De sorprendernos, esa es la verdad. Más allá de que en toda Argentina nos tratan muy bien y la cantidad de público siempre fue creciendo. Sentimos que hay que festejar, y que somos unos privilegiados. Lo de Córdoba está buenísimo porque nos encanta ‘instalarnos’ por decirlo de algún modo, quedarnos más de uno o dos días en donde tocamos”, dice desde Montevideo.
–¿No están agotados?
–Estamos en la edad para bancar ese esfuerzo. Está claro que el cuerpo pasa factura: dormir mal, viajar mucho, tocar un montón… Pero si todo lo demás anda bien, es el momento de poner la energía en esto. Cuando no nos dé el físico, por ahí salimos a tocar seis veces por año como el Indio Solari (risas).
Es martes 16 de agosto, y la casualidad convierte la fecha en excelente oportunidad de hablar con alguien del otro lado del charco: José “Pepe” Mujica enfrenta su primer paro general parcial (cuatro horas) del año, y por reclamos varios, entre ellos el pedido de eliminación de la ley de caducidad que amparó a militares responsables de la dictadura uruguaya (1973-1985) y los eximió de ser sometidos a juicio. Un reclamo que Emiliano supo hacer propio públicamente. “Habría que declararla nula, porque no tiene sentido. Justo acaba de venir la gente de Hijos de Desaparecidos a filmar una especie de videoclip, para seguir pidiendo eso. El tiempo sigue pasando y en lugar de curarse las heridas, se van abriendo más. Hay mucha gente que dice que el tiempo para pedir justicia ya se pasó, para mí recién empieza aunque haya gente que está muy ‘cansada’ del tema. Resolverlo es vital para Uruguay como país: que el pueblo encuentre la verdad y se haga lo que haya que hacer”, tira.
–¿Esperabas que desde el gobierno de Mujica se tomaran medidas más enérgicas en ese sentido?
–No, para nada. Yo lo escuché a Mujica hablar desde siempre, y nunca demostró guardar rencor a la gente que lo tuvo encerrado en un pozo durante tantos años. Él lo vivió en carne propia y no se le puede decir absolutamente nada. Si él siente que tiene que dar vuelta la página, es respetable. Pero uno puede no estar de acuerdo y pensar que eso no es lo mejor para el país.
–En Uruguay también se habla hoy de bajar la edad de imputabilidad…
–Es una propuesta del Partido Colorado, una medida populista y muy fácil. Juntar a todos los desesperados que piden más seguridad porque la cosa está insegura. Claro que si decís “¿Quién quiere más seguridad?” vas a tener un montón de gente atrás, pero no es tan fácil. No se soluciona bajando la edad de imputabilidad, por un montón de razones: no hay una estructura carcelaria; no hay personal preparado para contener a esos adolescentes; y poner a un montón de chicos en cárceles de adultos sería mucho peor todavía, no los recuperás más. Tomar decisiones tan drásticas sería catastrófico, al margen de que esa movida es un golpe bajo.
–Naciste en Argentina. ¿Cómo viviste los cuartos de la Copa América?
–Fue muy, pero muy raro. A ese partido lo sufrí, no quería que ganara nadie y de hecho no grité ninguno de los dos goles. El lugar donde uno nació tira, pero a la vez tengo amigos en Uruguay, en la misma selección, así que no bien terminó el partido ya me puse contento.
KY-MANI MARLEY Y MYKAL ROSE EN CÓRDOBA
Se confirmó para el 11 de septiembre la vista de Ky-Mani Marley, uno de los hijos de Bob, y Mykal Rose, histórico cantante de Black Uhuru.
Por Andrés Fundunklian – Suplemento VOS
Otra gran noticia para los amantes de los ritmos jamaiquinos. A la visita de Skatalites y Rico Rodriguez el 26 de este mes, se le suma la llegada de Ky-Mani Marley y Mykal Rose, dos grandes figuras de la música de la isla.
La cita será el domingo 11 de septiembre desde las 20 en La Vieja Usina y a los citados se les sumará la banda mendocina-chilena Zona Ganjah. Las entradas ya está a la venta a $ 103 en disquería Edén.
Ky-Mani es uno de los hijos menores de Bob Marley (tiene 35 años), el único que tuvo el mítico cantante con la campeona de ping-pong Anita Belnavis. Arrancó su carrera musical en 1996 y editó seis discos de estudio a la fecha, siendo Radio (2008) y el reciente New Heights (2011) los más exitosos. A diferencia de su padre y su hermano Ziggy, el estilo de Ky-Mani está más cercano a corrientes como el dancehall, el new roots o hasta el hip hop. Igualmente, siempre incluye clásicos de Bob como One love o Natural Mystic en sus shows.
Por su parte, Mykal Rose vendrá por segunda vez a Córdoba. El cantante fue la voz líder del mítico grupo Black Uhuru por casi diez años, en la época más prolífica del grupo, incluyendo el histórico disco Anthem (1984). Ahora llega con su reciente Kingston eleven (2010).
Además serán de la partida Zona Ganjah, la banda chilena con algunos integrantes mendocinos que sigue soprendiendo con creciente convocatoria, impulsada principalmente a través de internet.
VUELVE BLACK SABBATH ORIGINAL
La formación original con Ozzy Osbourne, Tony Iommi, Geezer Butler y Bill Ward comenzará a ensayar en septiembre con vistas a un disco nuevo y gira.
Por Redacción VOS
El metal podría estar verdaderamente de fiesta en 2012, si se cumple lo que anuncia el diario británico Birmingham Mail: Ozzy Osbourne, Tony Iommi, Geezer Butler y Bill Ward entrarían a sala de ensayo en septiembre para preparar un disco de nuevos temas y una gira en 2012. O en otras palabras, vuelve Black Sabbath, con los miembros originales.
De hecho, Ozzy y Iommi escribieron canciones nuevas en sociedad ya durante junio. “Estamos de verdad ansiosos a ese respecto y creo que lo que salió es realmente bueno”, dijo el violero, de 63 años.
El mismo reconoció que la reunión fue mantenida en secreto. Las nuevas composiciones incluso suenan a cosas viejas, aunque en su opinión, la única traba para concretar un tour sería la salud del baterista. “Él (Bill Ward) no estaba al cien por ciento, tenía una operación reciente así que vamos a ver cómo llega. En verdad fue todo muy rápido, por más que Ozzy era el más pesimista respecto de esta vuelta”, confió Tommy.
Una breve historia de Black Sabbath dirá que arrancaron en 1969 y que diez años más tarde, Osbourne se fue de la banda. La banda llegó a su fin definitivo cuando Ronnie James Dio murió en mayo de 2010.
ACORAZADO POTEMKIN
El eslabón más débil de la cadena de la industria cultural
Yamila Cazabet – blogrock.com.ar
Acorazado Potemkin se formó luego de la separación de la Pequeña Orquesta Reincidentes, de la cual Pablo Fernández formaba parte. Junto a Federico Ghazarossian comenzaron con los ensayos, para luego sumar al baterista Lulo Esain, a comienzos del 2009.
“Tenía ganas de hacer algo de rock, me había pasado mucho tiempo tocando la guitarra solo. Había algo de estar yo solo con la guitarra que me gustaba mucho, tenía ganas de ser el principal compositor”, cuenta Pablo. La manera en que sumaron al baterista es anecdótica: “A él lo conocí en un jardín de infantes, porque nuestros dos hijos iban juntos. Nuestro debut fue para un día de la música ahí”.
El Acorazado
El nombre resulta de lo más llamativo. Acorazado Potemkin tiene una historia detrás. La película dirigida por Eisenstein, realza el espíritu de la Revolución Rusa. Casi a modo de leyenda narra una revuelta obrera en este barco.
¿Por qué Acorazado Potemkin?
Algo muy lindo es que tenga nombre de algo: “el” Acorazado. Yo tenía ganas de reencontrarme con temas, con sensaciones que tenía a los 17 años, con esa fuerza, esa honestidad, esa intensidad. El entusiasmo, el esfuerzo por compartir, el hacerse fuerte entre los compañeros; era un lindo símbolo para ponerme al grupo. Está bueno homenajear ese hecho, tomar esas ganas. A mí me gusta pensarlo como unos anteojos que uno se pone para mirar, esa es la parte más ideológica. Te sentís que estás trayendo algo que te ayuda a mirar y entender lo que hacés y le da al otro la posibilidad de entender por qué hacés determinadas cosas, desde qué lugar las hacés. Esa es la parte a la que no renunciamos: a todo lo ideológico que tiene.
Su manera de trabajar mucho tiene que ver con esto. No se quedan solo en las palabras, son un grupo bien conformado, unido musicalmente. “Se nota cuando una banda es una banda. Eso tendrá que decirlo otro que ve el grupo, pero a mí son las cosas que me gustan ver en otros artistas: cuando es honesto, es compañero, no podés elegir cuál te gusta más de los que están en el escenario. Es una forma estética y de laburo colectivo pero creo que tiene que ver con la personalidad generosa de cuando uno se entrega a algo”.
Mugre
La mugre cotidianamente se define como lo que hay que desechar, lo que no sirve. El Acorazado encontró otra manera de hacerlo: “Lulo decía que la mugre es algo que está entre nota y nota. Entre un paso que das y otro, entre una nota que tocás y otra, esa rotura, esa ronquera. Fede trajo la parte más musiquera del término mugre: es esa forma de tocar un poco más rea, una mezcla de irrespetuosa e imprecisa. Eso es lo que hace que el tema tenga sangre, que no sea solo una cuestión solamente sonora”.
My Space entre los posibles estilos con los que podían definir al grupo, daba la opción “mugre”. Alguna traducción mal realizada, trajo el nombre del disco. Luego decidieron lanzarlo a través de internet, desde su propia página web. “Nosotros no tenemos sello formalmente. Tenemos un compromiso de palabra con Oui Oui; ellos estaban muy entusiasmados con sacar el disco pero no podían ahora arriesgar a hacer la inversión de una edición. Nosotros le contamos que queríamos sacarlo de manera gratuita y confían en que en el futuro, ya en una edición de formato físico, el público también lo va a comprar. Para nosotros fue una decisión concreta. Vemos que las productoras corren muy pocos riesgos, entonces se da una relación bastante desigual entre lo que el músico aporta para tener un material terminado y los medios por los que eso termina siendo realidad. Lo independiente te obliga a tomar decisiones concretas que termina teniendo un costado estético o artístico. Las necesidades o limitaciones que tenés terminan confluyendo en una decisión artística determinada. Por ejemplo, editar el disco en un formato de descarga gratuita o hacer la presentación en tres ciudades. Cualquier grupo independiente, por más fe que tenga en su arte, siempre termina siendo el eslabón más débil de la cadena de la industria cultural”.
Como Pablo subraya, sacar el disco de esta manera es una decisión fundamentalmente. Y el motivo principal está su manera de entender la música. “Si estábamos entusiasmados, si mucha gente trabajó para que el disco saliera, ¿por qué no le íbamos a dar el disco a la gente? Si nosotros no hacemos música para que se venda, hacemos música para compartir. Podemos cobrar por un show, podemos pedirle a una persona que está organizando una producción que cubra determinados costos, pero los discos, las canciones es algo que uno hace para compartir, para que el otro lo escuche”.
A la luz de los resultados, fue una buena decisión. En 10 días, ya se habían realizado 2000 descargas, un éxito inmediato. “Hay una cosa que dudábamos al principio y que ahora nos damos cuenta que era un prejuicio; todo el mundo le dice el disco. Y el disco es el link del que uno baja una carpeta. Creo que esto es una buena síntesis entre los formatos nuevos y concebir el disco como un todo, que tenga peso, que tenga ciertos riesgos“.
Link de descarga: www.acorazadopotemkin.com.ar
LOS OJOS DE CLARENCE
“En el interior del país está el oxigeno del rock nacional”
Yamila Cazabet – blogrock.com.ar
Los Ojos de Clarence llevan el rock en la sangre, aunque vengan de una provincia en la que esta música juega de visitante. La Rioja los vio nacer, en medio del cuarteto y el folklore. Actualmente intentan insertarse el mercado porteño. Y tienen con qué. Talento es lo que les sobra.
En vivo suenan como pocos. En el 2010 sacaron el disco que lleva el mismo nombre que la banda. Vale la pena escucharlo, comprarlo y disfrutar de sus letras optimistas y su música pura y rockera.
Hablamos con Lucio González, vocalista y guitarrista de la banda. Nos cuenta su experiencia en su provincia natal, como lograron insertarse allí, su disco, su futuro.
- ¿Cómo definís este nuevo disco?
Es un disco positivo, con letras que hablan de lo social, del amor, de que cada día es una nueva oportunidad para hacerlo bien… o mejor
- Ese optimismo, ¿pasa por el momento que está viviendo la banda?
Sí, la banda está muy bien, con buena inercia. Queremos transmitirle a la gente un poco de esperanza. No quiero que las canciones le recuerden los problemas. La gente necesita soluciones; y nosotros aportamos humildemente nuestro granito de arena.
- ¿Qué se viene para la banda después del lanzamiento del disco?
Defender este trabajo en vivo. Hacer el video, prensa y todo lo que esté a nuestro alcance para que nuestra música llegue a la gente, que es la razón de ser de los artistas.
- ¿Cómo fue la experiencia en la última edición del Cosquín Rock, que fue quizás una de las ediciones más importantes?
Muy buena. La verdad que estar en la meca del rock, el más federal de todos, es un orgullo. Esperamos ansiosos la invitación para la próxima edición.
- En estos momentos se están instalando en Buenos Aires, ¿es más sencillo entrar en el mercado estando acá? ¿Les cuesta más siendo del interior?
Es difícil estar lejos de los afectos pero estar acá indudablemente ayuda. Pero hay bandas que son de Buenos Aires y aun así se les hace muy difícil. Tiene que ser un esfuerzo compartido entre artista y productor, si no la cosa no funciona; y obviamente el apoyo de la gente.
- ¿Cómo ven el rock fuera de Buenos Aires, en el interior del país?
Me parece que en el interior del país está el oxigeno que el rock “nacional” necesita. Hay muy buenas bandas.
- ¿Cómo es hacer rock en La Rioja, una provincia más bien folklórica?
Difícil. Nuestra provincia es cuartetera y folklórica, en ese orden. Cuando recién comenzamos tuvimos que imponer primero el género con covers y luego recién la banda con nuestra música. Recuerdo compartir escenario con Soledad, Abel Pintos, y también con GIT, Celeste Carballo, Baglieto, Divididos, los Auténticos Decadentes.
- Grabaron un disco, “TangoRock”, que aún no ha sido editado, ¿saldrá próximamente?
Un discazo, sí. Lo grabamos con Rubén Juárez y participó David Lebon. Recuerdo que Rubén escuchó un demo con versiones de tangos que hacíamos y nos dijo “esto sí es TangoRock” y así salió la idea de hacer un disco. Como saben, el querido Rubén se nos fue muy pronto y ahora esperaremos el tiempo necesario para editarlo.
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