“NOS MERECEMOS UNA DESPEDIDA”
Marcelo J. Silvera (desde Villa María) | blogrock.com.ar
Osky Righi, ex Bersuit y fundador de De Bueyes, cuenta cómo fue la separación no programada de la banda y reconoce una necesidad en el público y los artistas en ofrecer un último show.
De Bueyes, banda creciente del rock argentino, compuesta por ex integrantes de la Bersuit Vergarabat, son la banda central del Costanera Rock 2011 (Villa María, Córdoba). La banda nació mediante un proyecto personal de Oscar “Osky” Righi, quien al grabar su disco solista fue incorporando a sus compañeros bersuiteros y terminaron siendo un grupo.
Osky es precisamente quien habló de la separación sin despedida de Bersuit y adelantó en exclusiva el nuevo disco de la formación; en una de las muy pocas entrevistas que brindaron.
Antes de comenzar, Osky siente la necesidad de manifestar su dolor por la desaparición inesperada de Gustavo Kupinski (ex guitarrista de Los Piojos, e integrante de Las Pelotas y Revelados): “tenemos una gran tristeza por la muerte de Tavo y Flavia, que es un golpe muy duro para nosotros, tanto por la amistad que hicimos en estos años y por la música argentina y del mundo que se pierde de uno de los músicos más grosos que dió nuestro rock”.
- Para los seguidores, la separación sin aviso de Bersuit fue como una partida sin despedida. ¿Hubieran preferido un gran show a lo Soda Stereo?
- No pensamos en una despedida ya que en un principio estabamos necesitando un descanso y decidimos sacar discos solistas. Después sucedieron algunas cosas inesperadas… y ya fue tarde para hablar de una despedida. Y por supuesto que hubieramos preferido despedirnos, pero hay veces en que los astros no están alineados.
- Por otro lado, al no haber una despedida queda la esperanza del retorno…
- Por el momento no hemos hablado de retorno cercano. Quizás por respeto a todos los fans y a nosotros mismos nos merecemos una despedida. Habrá que limar asperezas y volver a mezclar las cartas.
Y es importante aclarar, como se vió en el último concierto de De Bueyes en La Trastienda, y también en otros recitales, que la amistad entre los músicos de Bersuit sigue vigente. En nuestro Facebook hay una foto donde se nos ve juntos como siempre, si te interesa la podes ver, y también en este momento estamos muy concentrados en De Bueyes, al igual que cada uno de los integrantes de Bersuit con sus proyectos personales.
- ¿Qué rescatan de toda esa movida generada por Bersuit que entró en la historia grande del rock nacional?
- Que fueron más de 20 años juntos, y que todo sueño es posible, hasta el más delirante para un grupo que comienza de cero, sin nada más que las ganas de hacer música por amor al arte.
- De Bueyes no tiene una bio amplia, sin embargo con tan solo oirlos uno sabe qué hubo atrás de ustedes ¿cómo surge este proyecto?
-Como te decía al principio surge de la necesidad de hacer discos solistas. En este caso era un disco solista mío, en donde participaban Dany (Suárez) cantando y Pepe (Cespedes) en la producción y el bajo. Las cosas se fueron modificando con el transcurso de los acontecimientos, y de la grabación misma, a la que se suma Martín (Pomares) que hasta el momento era uno de los ingenieros de grabación y se hizo cargo de una de las guitarras y el Cóndor (Sbarbati) que es como la otra pata de Dany y viceversa.
- Son los años juntos o la historia vivida lo que los une?
- Creo que ambas cosas.
- Es interesante que, en tiempos unipersonales, decidan un proyecto colectivo ¿Cómo son los procesos de creación de la banda?
- En lo personal me gustan más los grupos, es más interesante la diversidad de ideas, tanto en la música como en las temáticas de las letras, donde cada uno puede aportar libremente lo mejor que tiene para darle a una canción. Los procesos (con perdón de la palabra) creativos son variados, desde lo tribal a lo más introspectivo.
- ¿Qué hay en el camino inmediato y a más largo plazo de esta yunta?
- Terminamos de grabar los demos para el próximo disco que estará en unos meses en las bateas. Nos queda elegir las canciones ya que son unas cuantas, y seguir programando los conciertos que se vienen para este año, con las ganas de girar por nuestro país, los países vecinos, por Latinoamérica y algunos países de Europa mostrando nuestra música y la potencia de el grupo en directo.
- Hay público bersuitero que los va a ver a los recitales, pero también hay gente que no los conoce aún…
- Sí, claro que hay un grupo de bersuiteros que nos siguen, ellos mismos se autodenominan “El Orgullo Bersuitero”. También muchísima gente que se va enterando, por la prensa, el boca en boca, etc. También hemos ganado el premio Carlos Gardel al mejor album banda nueva, y eso siempre crea una expectativa en el público que no sabe muy bien de qué se trata.
Obviamente que en los conciertos hacemos aparte de los temas de nuestro disco algunos clásicos de Bersuit y otros no tanto, y algún cover que nos queda de aquellos días en que giramos con Andrés Calamaro presentando “El Regreso”.
CERATI: “PEQUEÑOS, LENTOS Y FIRMES AVANCES”
La familia de Gustavo Cerati comunicó que sigue internado y en coma, al tiempo que descartó cualquier error o mala praxis de los médicos.
En un texto publicado en el Facebook oficial, reclaman mayor seriedad por parte del “periodismo oscuro” y agradecen a todos quienes los apoyan en este momento.
Gustavo lleva ya más de 8 meses internado. El último parte médico fue difundido a comienzos de diciembre.
El texto completo:
Gustavo sigue internado, en coma, sin grandes novedades, solo pequeños, lentos y firmes avances.
Nuestro dolor muy sostenido por nuestra esperanza y un poco castigado por la difusión constante de informaciones falsas.
No queremos bajar a las tinieblas del periodismo oscuro y ávido de desgracias, escándalos, peleas, mala praxis, negligencias y pactos, todos falsos.
Gustavo fue atendido desde el primer momento de la mejor manera que en su estado hubiera podido ser tratado.
No tenemos dudas de ello.
En todas las etapas y aspectos de su vida siempre hizo todo con amor, dedicación, profesionalismo, seriedad, responsabilidad y sabiduría, incompatible con las cosas que se inventan y difunden acerca de su vida pública y privada.
Todos sus afectos y amores lo siguen acompañando hoy de la misma manera que entonces.
Gracias a todos los que nos apoyan en este trance y nos ayudan, con muestras permanentes de cariño y respeto, a tener y transmitir la tranquilidad que necesitamos.
MEDINA: “SIN BLUES NO HAY ROCK”
El bajista, ex integrante de Manal, Aeroblus y La Pesada del Rock & Roll, cerró la segunda fecha del Costanera Rock 2011 de Villa María (Córdoba). Nuevo disco, y un repaso por la historia de un mito viviente del rock nacional.
Formó parte de cuatro de las bandas más importantes del rock nacional: Manal, Aeroblus, Pappo’s Blues y La Pesada de Billy Bond. Es uno de los bajistas más virtuosos del país y una referencia.
- ¿Cuál fue la última visita a la ciudad?
- Estoy muy contento de volver a Villa María después de tantos años. La última vez que estuve por aquí fue en el evento Blues Total 2002, un sábado 18 de mayo, en el Teatro Verdi, y fue genial. Mi banda sonó tremenda y de yapa tuvimos de invitado a Pappo, así que creo que para los memoriosos esa noche fue increíble!
- Y ahora con la Medinight Band, ¿cómo va este proyecto?
- La Medinight Band ya no es un proyecto, es mi realidad desde el 2003, que fue cuando apareció ese nombre Medinight jugando un poco con las palabras medianoche y Medina. A partir de ahí se fundó Alejandro Medina y la Medinight Band, compuesta por Claudio Rodríguez en guitarra, Javier Boleda en Batería, la Lola Medina en voz y coros y yo en bajo y voz. En el 2005 edite un CD que se llama “De qué sirve la vida” y se vendió y se sigue vendiendo muy bien, ya que lo reedito año tras año gracias al pedido de la gente.
- Ante el avance pop, metido a presión por las radios, y las bandas barriales, el blues no cede terreno y aunque sin nuevos grandes referentes, se mantiene. ¿Como ves la actualidad del género?
- El blues existe y siempre existirá, sin blues no hay rock. Es el alma mater de todos los géneros.
- En algún momento dijiste que los jóvenes te ven como un héroe, y no es para menos tras formar parte de cuatro de las bandas más trascendentes del rock argentino (Manal, Aeroblus, Pappo’s Blues y La Pesada). ¿Qué queda de todo aquello?
- Solamente música, hermano!
- Aún parece que el Carpo fuera a volver… ¿qué nos dejó Pappo?
- La referencia máxima de un guitarrista del rock y blues.
- En ocasión de cumplirse los 40 años del rock se hicieron muchos balances ¿Cuál hacés vos hoy?
- Yo toco profesionalmente desde que tengo 14 años. Y sigo tocando: es lo único que me interesa. Lo de los balances o estadísticas se lo dejo a los entendidos.
- Qué destacás de lo “histórico” y qué rescatás de lo nuevo?
- Que hoy no es ayer, ni mañana es hoy!
- Sé que vivís en Morón (Provincia de Buenos Aires), alejado de todo, y lo disfrutas. Pero ¿qué hay en este 2011 en tu camino?
- Vivir en Morón es genial porque es el oeste y es re tranqui. Yo me la paso ensayando y tocando por todos lados y estoy en este momento a días de editar mi nuevo trabajo que se llama “Alejandro Medina ‘Yosoy’ Alejandro Medina”, que es una obra concebida temáticamente y distribuida en 15 tracks. Me llevó 2 años grabarla y me encanta el resultado, creo que es el mejor disco que hice hasta hoy.
Para comprar el nuevo material de Alejandro Medina: amedinaproducciones@yahoo.com.ar. El nuevo disco no va a ir a bateas, ya que la distribución será personal y la entrega vía correo.
¿RED HOT CHILI PEPPERS EN EL ORFEO?
La banda de Anthony Kiedis podría presentarse en Córdoba a comienzos de setiembre.
Suplemento VOS
La banda norteamericana Red Hot Chili Pepper actuaría el 6 de septiembre en Orfeo Superdomo.
Según trascendió, al momento de negociar con sus managers, los productores argentinos que compraron la gira del grupo de Anthony Kiedis y Flea ofrecieron a Córdoba como plaza potable para un show indoor.
José Palazzo, titular de la productora Nueva Tribu, dijo que hay que tomar con pinzas la situación, aunque no desestimó de que el show se haga.
"Como hay un Rock in Rio, ofrecen muchas cosas. Hay que esperar el armado final de la gira y analizar los presupuestos para cada caso", dijo Palazzo.
RAUL PORCHETTO - DRAGONES Y PLANETAS
Por Claudio Kleiman para RollingStone
Después de casi una década de silencio discográfico, Raul Porchetto regresa con un álbum autoproducido y editado en forma independiente, que marca el retorno de uno de los artistas más populares y prestigiosos durante los 70 y buena parte de los 80. Lo que nos entrega Dragones y planetas es Porchetto en estado puro: trece temas nuevos que muestran su característico estilo, con un ingrediente rockero un poco más presente y una banda potente en la que sobresalen Marcelo Torres y Javier Torrecillas. Baladas y rocks como "Sólo tu nombre" y "Hay rock & roll" retoman fluidamente la línea de clásicos como "Metegol" y "Che pibe". Como bonus track incluye una versión de "Bailando en las veredas" con Sandro (aparecida previamente sólo en un compilado), el amigo al que Raúl también homenajea en el rockabilly "La leyenda de Alsina".
RICARDO MOLLO Y CIRO FOGLIATTA REVERSIONAN “LA BALSA”
El histórico tema del rock nacional es reversionado luego de 43 años.
La canción emblemática del rock nacional y una de las primeras y más influyentes del rock en castellano fue reversionada por su tecladista original CIRO FOGLIATTA Y RICARDO MOLLO con la participación especial de BRIAN RAY (guitarrista de PAUL McCARTNEY), con VASCO URIONAGUENA en batería, FERNANDO BLANCO y LUCRECIA LÓPEZ SANZ (Nube 9) en guitarras acústicas, y GONZALO ALORAS en guitarra, bajo y quien llevó a cabo la producción artística.
Convocados durante dos mágicos días para grabar la canción fundadora del rock argentino, la nueva versión de “La Balsa” será el corte de difusión de un disco triple en Homenaje a Litto Nebbia llamado “Sinfonías para Catedrales Vivas”
que se lanzará en Mayo del 2011 a beneficio del comedor infantil Fueguitos. El solo de órgano de la melodía original será reemplazado por el solo del guitarrista BRIAN RAY, que enterado del proyecto benéfico cuando estuvo en Bs As decidió involucrarse grabándola en Los Ángeles durante el mes de enero.
Hasta ahora la versión original (escrita por Tanguito y Nebbia) había sido grabada a mediados del año 1967 por Los Gatos reuniendo todas las influencias posibles de su época: una secuencia de acordes de bossa nova, una marcación rítmica y tímbrica de cuño Beatle, un estilo de canto completamente desentendido de la impostación tanguera y unos versos que expresaban los anhelos de no pocos jóvenes de la década del 60. Con un atrapante riff de guitarra reforzado por un riff de bajo y con una marcada presencia del teclado, esta canción fue un éxito inmediato y le dio el impulso a toda una generación de músicos argentinos para tocar rock en español.
CATUPECU SE PREPARA PARA VOLVER A ESTUDIOS
Sería en unos meses, la banda ya tiene temas algunos temas preparados desde diciembre.
Ya hay un nuevo disco dando vueltas o la idea de asimilarlo, escribirlo y grabarlo que para Catupecu Machu siempre es lo mismo: una historia que, desde el inaugural Dale! (97), no se repite. “Gaby una vez lo definió muy bien. Sabés por qué cambiamos tanto, porque nos aburrimos muy fácil, nada más que nos damos cuenta”, recuerda el cantante y enseguida entrega pistas del estado de situación del álbum por venir. “Tenemos muchas canciones, cosas que surgieron en los ensayos a partir de tener que salir a tocar Simetría de Moebius . Hay bastante material que compuse en los viajes, cuando me quedaba solo y muchas letras. Un mes y pico antes de fin de año empezamos a revisar ese material y nos encontramos con que hay ideas que nos gustaron mucho, como lo que grabamos en la sala para los ensayos del show en el Luna Park.”
Pasaron sólo 13 meses de la salida de Simetría … y todavía es muy pronto para tener precisiones, pero sí hay sensaciones. “Viene como muy intenso. Va a ser un disco extrovertido, con mucha velocidad. Tiene una garra expresiva muy interesante y comparte un poco la impronta de los temas que hicimos para Laberintos … Está sustancioso, con un grupo sonando muy sólido. Es que nos encontramos al final de la gira de Simetría …, con unos shows muy poderosos y eso se empezó a colar en el disco nuevo. Ojalá algún día Gaby vuelva a tocar y si eso sucede vamos a ser cinco. Estamos muy unidos, tanto la banda como el grupo que está alrededor de los que tocamos. Somos una familia y, en definitiva, ése es el espíritu que prevalece para que lo artístico esté bien cuidado. Cuando empezamos con un disco nuevo no sabemos para dónde queremos ir, pero respetamos el fluir y en eso estamos ahora. Catupecu es como una montaña rusa pero sin cinturón de seguridad, es decir, sin miedo a lo que venga.”
CALAMARO VUELVE CON UNA REEDICIÓN DE “EL SALMÓN”
Se llamará “Salmonalipsis Now” y saldrá a la venta en poco menos de dos meses.
A diez años de la llegada a las bateas del disco quíntuple “El Salmón”, Andrés Calamaro busca alejarse de los rumores sentimentales con una noticia que está más relacionada con su trabajo, ya que una década más tarde y tras giras, discos en solitario, en directo y en compañía, Calamaro vuelve a recuperar a este animal dulce y salado en su nuevo trabajo, que saldrá a la venta en un par de meses.
“Salmonalipsis Now” (mezcla del nombre de su disco, con el de la película de Francis Ford Coppola “Apocalypse Now”) sería el nombre de la reedición de El Salmón, pero incluirá además unos cuantos temas inéditos en un disco doble.
Con este “homenaje/relanzamiento” Calamaro buscaría que sus canciones lleguen más allá de Argentina, único país que vio la versión original de El Salmón con cinco discos en su edición. El resto de Hispanoamérica recibió una versión de un sólo disco y muchas canciones quedaron perdidas en el camino.
Hace diez años Andrés Calamaro se presentaba ante su compañía discográfica con casi 400 canciones, de las que finalmente fueron editadas 103. Y aquellas que tampoco fueron incluídas en la caja de lujo “Obras Incompletas” de 2009 serán parte de esta reedición doble, que se espera vea la luz entre los últimos días de Febrero y los primeros de Marzo.
EL RAYO PASÓ POR TANDIL
blog.rock.com.ar | Categoría: Shows
El Hipódromo de Tandil fue la primera parada del 2011 y habrá diez más. La Renga continúa con la presentación por todo el país (más Montevideo y Santiago de Chile) de “Algún rayo”. Luego del estreno en Rosario, tocaron para unas 15.000 personas en el centro de la Provincia de Buenos Aires.
En la previa, tocaron tres bandas invitadas: los locales Trifásicos, continuó Nagual y luego llegó Vox Dei. “Vinieron bandas muy buenas esta noche, los que no vinieron se lo perdieron”, dijo Chizzo.
El show comenzó con “Canibalismo galáctico” y siguió con “Desnudo para siempre (o Despedazado por mil partes)”, “Disfrazado de amigo” y “El terco”. La lista continuó con “La furia de la bestia rock”, “Poder”, “Montaña roja” y “Cristal de Zirconio”. Continuaron con un tema viejo, “Al que he sangrado”, para luego regresar al nuevo disco con “Lunáticos” y “Algún rayo”,entre otros.
El 29 de enero estarán en el Estadio Abierto del Parque, en San Juan. Antes, se presentarán Mama Perfecta, Jacke Al Rey y Huaykil.
FALLECIÓ LA HIJA MENOR DE "TAVO" KUPINSKI
La niña de 2 años había quedado gravemente herida tras el accidente en el que fallecieron sus padres.
La hija menor del fallecido guitarrista de Los Piojos y Las Pelotas, Gustavo Kupinski, murió en la noche del dominf como consecuencia de las graves heridas sufridas en el accidente de tránsito en el que perdió la vida "Tavo" y su esposa,
Agencia Télam
ocurrido el pasado martes 4.
La información de la muerte de Bianca, de 2 años, fue difundida en la página oficial de Facebook del compositor e intérprete, Andrés Ciro Martínez, quien fuera compañero de Kupinski en Los Piojos durante casi 20 años.
"Falleció Bianca. Acompañamos en el dolor a la familia" reza el escueto texto colgado en la página de quien ahora es el conductor y líder de la banda llamada Ciro y Los Persas.
La nena estaba gravemente herida y mostraba desde hacía casi dos semanas "signos compatibles con muerte encefálica", según expresaba el médico Leonardo Busso, responsable del área de terapia intensiva pediátrica del Hospital El Cruce, de Florencio Varela.
El accidente que le costó la vida a Kupinski (quien también encabezaba un nuevo proyecto con el grupo Revelados, con el que tenía previsto tocar en Cosquín Rock) y a su mujer, Flavia Cuellas (27), se produjo en la tarde del martes 4, en la Ruta 63, que conecta la autovía Ruta 2 con la 11, cerca de Dolores.
Ambos murieron en forma instántanea, tras el episodio, mientras que la otra hija del matrimonio, Lara, de 4 años, padeció una fractura en uno de sus brazos y fue trasladada al Hospital San Roque de Dolores, donde fue asistida por especialistas en traumatología. Allí le otorgaron el alta médica, al llegar al centro sanitario un familiar y una niñera.
CHARLY GARCÍA, CON TODAS LAS PILAS
En su primer show del año, Charly García se mostró inspirado y muy consustanciado con su obra. Fue en Punta del Este. Ofreció un gran concierto, con dosis de su humor irónico incluidas.
Germán Arrascaeta suplemento VOS
Los rumores en la previa no eran alentadores. Una entrevista a la coreuta Hilda Lizarazu publicada por Clarín, en la que
Hacía días que Charly García deambulaba por Punta del Este. No físicamente sino en un afiche adherido a los bondis que bordean esta península donde veranea la crema de la crema. Allí se lo veía en su versión mofletuda, desmejorada, con el mínimo agredado de “Viernes 21. Hotel Conrad. 22 horas”.
expresaba que abandonaría la banda de García en breve, más la renuncia intempestiva de su último manager y chimentos sobre una recaída que fueron a mil, generaron la sensación de que se venía un nuevo derrape. Pero no, no sucedió.
Aquí el músico fue a los bifes. Literal. Tras la reproducción en cinta de un pasaje de Pubis angelical, su banda de sonido para la película homónima, los músicos caminaron a sus puestos, García se paró ante el micrófono, simuló tirarle una piña al violero Carlos García López y se corporizó Cerca de la revolución. El sonido, perfecto. La voz de Charly, en su mejor forma, transitando cada verso.
Si bien Charly apareció por el faraónico Hotel Conrad con los mismos mofletes de la publicidad y cierto andar enclenque, lo cierto es que lo hizo con una demora mínima y para ofrecer un show a la altura de su obra monumental. El músico se mostró mucho más entero y consustanciado con la instancia “interpretación” que en el caso del Concierto subacuático, su retorno a Vélez de hace unos años que pareció un montaje de apurada en el contexto de un complejo proceso de desintoxicación.
La banda, impecable. La gente, alucinada. Luego siguió Rock & roll yo y ante el éxtasis, pintó el García más acido: “Gracias chetos. Ojo, a esto lo digo con onda. Soy un artista respetado y tengo códigos. Yo no discrimino; veo a Tinelli y soy comunista, aunque no lo parezca”.
Lo de “soy un artista con códigos” lo dijo siempre que pudo en cada intersticio que ofreció una lista de grandes éxitos que se permitió perlitas como Yo no quiero volverme tan loco y No llores por mí Argentina, de Serú Girán. También el gesto de respaldar a Kill Gil (“mi última producción, que no pude sacar en su momento porque estaba en un manicomio”) con la interpretación orgánica del conmocionante No importa. Esa obra sería otra cosa (algo alucinante, por cierto) en el disco si no hubiera sido concebida con tanto gesto barroco y esa opacidad en la mezcla.
Hubo más de este García encendido e histriónico, que parece haber entendido que cargarse el repertorio al hombro no es sinónimo de solemnidad ni un gesto concesivo. A la hora de Fanky, filtró el verso de Pa panamericano; cuando Zorrito Von Quintiero (el más “esteño” de esta banda denominada El aguante) disparó una secuencia, le tiró “¿estudiaste mucho para esto?”; y gritó “¡¡¡rock sinfónico!!!” antes de una exultante versión de El amor espera.
“Qué lindos que son los vicios”, disparó justamente en un Soy un vicio más y hay que contar que esa expresión tuvo la resonancia de alguien que se resiste a una vida monacal. En el cierre con Rezo por vos Charly reforzó esa idea: “ahora rezo; dentro de un rato, ni en pedo”.
Próxima parada, Cosquín Rock
Charly García actuará en la edición 2011 de Cosquín Rock, a realizarse entre el 11 y el 13 de febrero en el aeródromo de Santa María de Punilla. Será cabeza de cartel del día 2.
LEÓN GIECO: "SIENTO ADRENALINA EN CUALQUIER ESCENARIO"
León Gieco actúo este domingo en Cosquín. En charla íntima con VOS, cuenta su pasión por actuar en vivo, su talento para combinar la tradición folklórica y el rock, y su apoyo al ex líder de callejeros, Patricio Fontanet.
Carina Mongi Suplemento VOS
El colectivo con la inscripción Mundo Alas hace rato que está en marcha, en la puerta del hotel, con los músicos y asistentes esperando. Y él se tomará su tiempo para dialogar, ahora, con un pibe de una radio de Los Cóndores que no puede disimular su emoción por un mano a mano con la leyenda.
Ya es casi mediodía y desde las 10 de la mañana el cantautor nacido en Cañada Rosquín concede notas periodísticas. Como cualquier mortal. Y como un todo terreno, pasa por asuntos políticos, artísticos y de la vida cotidiana, sin escalas y sin molestarse. Los empleados del hotel, de a ratos, se detienen a oír lo que dice. Es que León Gieco (59), además de un músico indiscutido, es un tipo interesante de escuchar.
Lo encontramos en Embalse, promediando su gira de 10 conciertos programados en apenas 31 días, el día después de su actuación en la apertura del Festival Un Canto a la Vida. El ritmo es frenético de noviembre a marzo, pero lo disfruta. Esta noche, es el turno de la Plaza Próspero Molina, en Cosquín. Y uno se pregunta dónde encuentra la motivación para no aminorar la marcha, tras su fecunda trayectoria, tras haber gestado un proyecto cultural trascendente como De Ushuaia a La Quiaca o haber escrito “canciones himnos” que recorrieron el mundo y el reconocimiento fronteras adentro y afuera.
La respuesta está en el escenario. “Es un lugar muy especial, como una jaula de protección, donde uno es un mono que hace monerías y la gente la pasa bien, llora, se ríe, salta. Ahí esta el secreto de seguir siempre. Yo no tengo la necesidad económica de seguir cantando, pero sí la necesidad espiritual de seguir haciéndolo”, opinó.
“Cuando me voy a hacer un disco y estoy dos o tres meses sin tocar, necesito el escenario, cuando subís es como que te irrigás de adrenalina que es positiva para actuar, expresarse, moverse y cantar; y cuando no lo hacés, sentís que hay una adrenalina muerta, porque ese es el único momento en que puede surgir”, cuenta.
“A pesar de los 40 años que llevo cantando, esa subida de adrenalina, que es una cuestión física, la siento en cualquier escenario, grande o chico”, añade.
Y en este ciclo laboral, que entrelaza presentaciones en vivo con el lanzamiento de un disco cada tres o cuatro años, se encadena la producción de su próximo trabajo discográfico, que estaría en el mercado a fines de 2011 y del que no le tienen permitido explayarse. “Es un disco redondo y con 12 canciones”, bromea.
“Va a ser bastante adulto, tendrá canciones variadas, pero no puedo adelantar mucho, porque tenemos un contrato con la compañía grabadora y están desesperados porque los discos no se venden, ya que los bajan de Internet, por eso tampoco puedo cantar las canciones nuevas en los shows”. Entre los posibles invitados, aún no confirmados, están un coro de chicas uruguayas, PorSuiGieco, Carlos Vives; y en Estados Unidos, Jimmy Johnson (bajista de James Taylor) y David Kember (baterista de Bob Dylan).
Negocio sepultado
Para Gieco, Internet es la “memoria del mundo”, que acarrea ventajas y desventajas al universo musical. “Como en Latinoamérica no paga nadie, hay un problema, y es que no se cobra el derecho al disco y de autor, que es de lo que muchos viven. Yo salgo a cantar pero muchos otros no, como el Paz Martínez, que vive de la autoría. Pero, por otro lado, beneficia a muchos autores jóvenes, que no necesitan de una compañía grabadora para mostrarse. Y bueno, son empresas que vendían un producto que ahora no se vende, que se dediquen a otra cosa, lo lamento”, ironizó.
El grupo ya se va. Fue cargada la bicicleta con la que recorrió, esta vez, los senderos de Embalse. Y arranca el colectivo, con la marca del último proyecto de Gieco, Mundo Alas, que integra a artistas con capacidades diferentes, en una iniciativa que incluye película, disco y libro, y con el que sigue recorriendo el país.
Mixto desde la cuna
El día anterior a la nota con VOS, Gieco bajó la bicicleta y salió a recorrer senderos y caminos de Embalse, y disfrutó del bonito paisaje, rodeado por el lago.
Gieco es uno de los artistas que cautiva a públicos de muy diferente target. Con pibes haciendo pogo o con adultos sentados, su música se adapta a ambos universos. Aún recuerda que, años atrás, un día tocó en Cosquín folklore y al siguiente en la versión rock del festival.
“Es una posibilidad que muy pocos tienen, Divididos la tuvo, D-Mente ahora va a estar. Recuerdo cuando presenté a Andrés Giménez (ex líder de A.N.I.M.A.L. y actual líder de D-Mente) hace mucho tiempo, cantando Cinco siglos igual, me gustaba estéticamente que en un escenario de folklore aparezca un tipo lleno de aros y tatuajes. En un momento pasó al lado de Ramona Galarza, eran dos cosas muy diferentes y buenísimas”.
El cantante se recuerda de 10 años, y ya alimentándose de ambos géneros. Cantaba Cafrune, el Chango Rodríguez, Atahualpa Yupanqui y era lector de revistas de folklore; y además, consumía con avidez las revistas Pelo, Pinap o Bella Gente. “Las mandaba a pedir a Buenos Aires, porque en mi pueblo no existían”, rememora.
“Yo no veía la contradicción, veía que las dos cosas eran tremendamente positivas y trataba de absorber de las dos partes, desde niño. Esa dualidad, me sigue hasta el día de hoy y se agrandó”, dice. Asimismo recuerda que al principio de su carrera, tanto desde el rock como desde el folklore le recriminaban su acercamiento con el otro género. “Cuando saqué Cachito campeón de Corrientes, que era un chamamé, tuve muchos problemas con el ámbito del rock, y hubo radios que me dejaron de pasar, porque hay nacionalismo con ‘z’ en todos lados. Costó mucho hacerle entender a la gente que es tan importante un chamamé como un rock, y que Atahualpa Yupanqui es un emblema y John Lennon también”.
Canciones con controversia
Una de las constantes de León Gieco es verter opiniones a través de sus canciones, en temas de fuerte controversia social y en el momento preciso de la convulsión. “Soy un artista y sigo mi veleta y puedo equivocarme, pero con mi veleta y no la de otro”, apuntó.
Uno de esos ejemplos fue el de Santa Tejerina, a modo de absolución a la joven jujeña condenada por la Justicia por asesinar a su hijo. “La señora que limpia el estudio no me habló durante cinco meses, ella no consideraba que yo tuviera que disculpar a una chica que había matado su recién nacido, pero yo tenía mi convicción de que era así, que tenía que perdonarla, yo estudié toda su historia”.
Mucho rechazo de un sector de la sociedad recibió después de Un minuto, la canción que escribió por Cromañón y que interpretó con el cantante de Callejeros, Pato Fontanet. “Lamento mucho lo que les pasó, pero decían que los Callejeros eran asesinos, entonces qué palabra te queda para Videla o Massera. Puede que hayan sido inconscientes, pero no tuvieron la intención de que pasara lo que pasó. Yo escribí pensando lo que sentía un artista cuando subía a un escenario y lo llamé a Fontanet para compartirlo y fue la primera canción que grabó. Quedó mucha gente odiándome por esa cuestión”, reconoció.
Luego decidió sacar el tema del disco por el expreso pedido de los padres, que consideraron que, en pleno proceso judicial, no los ayudaba. “La saqué por ellos, para no pasar sobre el dolor, pero no porque me hagan pensar diferente”
“A mí me gusta lo fuerte, tengo 40 años de carrera y un aval que me provoca ir a buscar a determinados lugares”, señala, por si quedaran dudas.
LA NOVIA DE CERATI ROMPIÓ EL SILENCIO
La modelo Chloe Bello habló tras varios meses de polémicas. "Sigo estando con Gustavo todos los días", aseguró.
Redacción VOS
Tras algunas versiones en los últimas días sobre la salud de Gustavo Cerati (en Twitter se llegó a decir que había muerto), Chloe Bello, la novia del músico, hizo fuertes declaraciones para una revista.
Siempre se dijo que la modelo era acusada por la familia de Cerati como "la mala de la película", aunque recién en las últimas horas Bello rompió el silencio y aclarar algunas situaciones.
"Soy la novia de Gustavo y sigo estando con él, todos los días. Es mi amor, lo amo y sigo firme a su lado", disparó la rubia en una entrevista concedida a la revista Luz de Editorial Perfil.
"Tampoco es que quiero hacerme la mártir, pero vivimos en un país cargado de falsedad. Como decía María Elena Walsh, una genia que se fue hace poquito, éste es el mundo del revés. Acá la mala en realidad es la buena y el bueno en verdad es un hijo de p…", agregó.
Luego, enfrió un poco las cosas: "Sé que a veces puedo sonar soberbia, pero no es mi intención entrar en polémicas con nadie, ya hubo demasiada mala onda al respecto. Si digo cosas fuertes es porque lo siento así y porque me revienta la hipocresía que hay en este país".
En relación al estado de salud de Cerati luego de haber sufrido un accidente cerebro vascular, la modelo pidió tiempo y aseguró que el músico se recuperará.
"La gente en general, que opina todo el tiempo sin saber nada, yo no tengo dudas de que va a salir adelante. Lo último que se pierde es la fe y yo sé que todo va a estar bien. Gustavo se va a recuperar, lo siento acá, bien adentro en el corazón. Sé que va a ser así, sólo hay que esperar", concluyó.
PERROS AMIGOS: COMENTARIO DEL DISCO DE JAURÍA
Jauría, la nueva banda de Ciro Pertusi, debuta con un trabajo de punk rock maduro.
José Heinz suplemento VOS
En la lista de razones por las cuales Ciro Pertusi dejó Attaque 77 seguramente no está la de haberse cansado de la distorsión ni la necesidad de vacaciones permanentes. En poco tiempo armó Jauría junto a Ray Fajardo (ex El Otro Yo), Pichu Serniotti (ex Cabezones) y el bajista Mauro Ambesi, y se presentó en sociedad con un disco homónimo que aprovecha el imaginario de su nombre. Lo que allí se escucha es rock rabioso. Para tal propósito, la banda contrató al productor Jim Wirt, que cuenta en su haber con trabajos para Incubus, Live e incluso Attaque 77, de modo que tiene experiencia en hacer sonar a un grupo frente a una pared continua de guitarras eléctricas.
Jauría (el disco y la agrupación) parece utilizar al punk como vehículo para una rebeldía madura, a la manera de agrupaciones como Bad Religion o los suecos de Millencolin. Así, con nuevos compañeros, Pertusi alcanza un entusiasmo que en las últimas épocas de Attaque 77 surgía en cuentagotas.
Canciones como Indios Kilme, Religionaré y Tosco son su forma de entender el compromiso, pero no se muestra ajeno a la nostalgia (Adiós a Dios) ni tiene reparos en volver al candor adolescente para Astros bajo el mar. La capacidad para crear melodías gancheras sigue intacta, en Austin.
A pesar de ese desvío pop, la línea general del disco es áspera: Guerra en las galaxias (con intro de la Marcha imperial), La Jauría y El Tren son firmamentos del punk rock clásico, así como no hay baladas en todo el trabajo.
La deuda general que se le puede cargar a Jauría es un intento más acabado por explotar los matices dentro de las canciones, algo que sí logran Shangri-La u Océano anárquico. De esa forma, es probable que los integrantes consigan desprenderse definitivamente de sus anteriores bandas y podrán ladrar a piacere.
El sexteto liderado por Ciriaco Viera confirmó las tres primeras fechas del año. Serán el 14 y 15 de enero en Circus (San Justo) y el 22 de enero en Tandil, como teloneros de La Renga.
Nagual, grupo rockero liderado por Ciriavo Viera, arranca su 2011 con tres shows. Serán el 14 y 15 de enero en Circus (Florencio Varela 1998, San Justo) donde tocaran con bandas amigas como Clones, Lo Peor del Mundo, La Torcaza y La Richieri. La tercera fecha, quizá la más importante, es el 22 de enero, en el Hipódromo de Tandil, donde telonearán a La Renga, que va por su tercera fecha de presentación de su último disco Algún Rayo.
Para este año Nagual promete el lanzamiento de un cuarto álbum, aún sin título, sucesor de Pacto de sangre. Es de este disco que viene rotando el corte Felicidad, cuyo video podés mirar arriba.
CARAJO: LUNA HERIDA
El grupo sacará en unos meses el clip oficial de su nuevo corte de difusión. Como para ir viendo de qué se trata, mirá acá un par de imágenes del video.
Los fans, con sus caras pintadas, acompañan a Carajo simulando a un conjunto de cuerdas
En marzo Carajo lanzará el video oficial de Luna herida, el último corte de difusión de El mar de las almas. En el clip, dirigido por los hermanos Dawinson, participan fans de la banda que fueron elegidos a través de la web oficial de Carajo. Como adelanto, un par de imágenes del video nuevo.
EL DOCUMENTAL SOBRE MIGUEL ABUELO
ElArgentino.com
“Buen día, día”, el documental sobre Miguel Abuelo dirigido por Sergio Costantino y Eduardo Pinto, se puede los viernes y sábados de enero en el Malba.
Mezcla extraña de vanguardia y folklore de tierra adentro, arte y baratija, humor y corazón abierto, poeta y viajante de feria, Miguel Abuelo fue un personaje único dentro del rock nacional y de la música popular a secas. Su historia, que tuvo su pico de popularidad en los ’80 cuando lideraba Los Abuelos de la Nada, guarda, sin embargo, varias zonas sin explorar, sobre todo en lo que refiere a sus casi diez años de autoexilio en Europa y a su intrincada vida sentimental.
Por suerte, para suplir en parte esa imensa carencia, se estrena en estos días Buen día, día, un esforzado documental que se lanzará comercialmente este jueves, dirigido a cuatro manos por Sergio “Cucho” Constantino y Eduardo Pinto, lo que significó también una proeza en sí misma por la escasez de material fílmico y los numerosos pormenores que debieron afrontar ambos realizadores para ver terminada la película. “Es una peli que siempre tuve en mente desde la muerte de Miguel”, explica Constantino. “Tuve la suerte de conocerlo, porque éramos vecinos: vivíamos a una cuadra de distancia. Y por eso, cuando murió, me quedó un vacío muy grande. Como paralelamente había empezado a estudiar cine, su figura, cinematográficamente hablando, me parecía muy fuerte”, sostiene.
La historia pública de Miguel Abuelo comienza en los ’70, en Buenos Aires, cuando su arrogancia, su caracter compadrito, su vestimenta de mujer, su porte de “cabecita negra” y, sobre todo, su voz como de vieja chillona, le permitieron destacarse dentro de La Cueva, donde compartía trasnoches y divagues con otros pioneros del rock nacional como Litto Nebbia, Tanguito, Moris, Javier Martínez y Pipo Lernoud. De aquella época quedó la primera formación de Los Abuelos de La Nada con Pappo entre sus filas y la canción “Diana Divaga” como el debut de la lisergia con tono latino dentro del rock nacional.
Luego vinieron sus viajes lúmpenes por Europa, donde grabó un disco progresivo en Francia, tocó a la gorra en las calles, y terminó preso por una falsa acusación de robo en España. Y ese habría sido el último Miguel Abuelo del que se hubiese tenido noticias de no ser por un encuentro providencial con Cachorro López (en ese entonces un novato bajista) en Ibiza, que le cambió la vida. Cachorro lo alentó a volver al país y aplicar artísticamente todo lo aprendido durante aquellos años de autoexilio.
En Buen día, día y durante toda una noche, Gato Azul –el hijo de Miguel– recorre las calles de Palermo buscando su herencia, como un guerrero nocturno montado en su motocicleta. En esa travesía, va obteniendo fotografías de su padre mientras escucha su voz que recita poesías, canta y cuenta su propia vida. Desde su nacimiento hasta su muerte. Sus diferentes etapas en América, Europa y el periplo incansable de su propia vida. En el camino, Gato se cruza con diferentes personajes que han compartido con Miguel su fascinante vida en el rock: Gustavo Bazterrica, Cachorro López, Luis Alberto Spinetta. Andrés Calamaro, Daniel Melingo y Horacio Fontova, entre otros.
–Siempre se dijo que Miguel era un tipo muy cabrero. ¿Fue tan así como muchos dicen?
“Cucho” Costantino: –Totalmente. El primer encontronazo que tuve con él fue fuerte. Yo estaba sentado en un Fiat 1500 rural todo destartalado (me acuerdo que ese auto ya era una porquería en el ’84) y cuando él me vio me sacó de una patada en el culo. ‘Sacá tu culo sucio de ahí’, me dijo. ‘¿Sabés lo que tuve que laburar para comprarme esto?’ (risas). Fue un tipo que siempre te prepoteaba para ver hasta dónde llegabas. Pero más allá de esa rudeza de la calle, era un tipo exquisito, dulce, agradable.
–¿Y en qué momentos se quebraba su coraza?
–Yo nunca lo observé quebrado. Aunque supe que su gran asignatura pendiente fue formar una familia. Era un tipo que no tenía amarras y que con la llegada de su hijo quiso seguir esa historia estándar, pero no pudo. Su único cable a tierra era su hijo Gato Azul, al cual llevaba de un lado a otro. Por investigaciones y charlas que tuve con él, era en esas situaciones en que se quebraba. Lo que pasa es que Miguel era un verdadero artista las 24 horas, no un mero cantante o el simple frontman de Los Abuelos de la Nada. Era un tipo que nunca estudió música, pero que tenía en su cabeza a una orquesta de 25 músicos.
Y esa capacidada colectiva, de pensar como cerebro de un grupo, fue sin duda una de las claves que explican el éxito fulminante de Los Abuelos de la Nada en los ’80, cuando Miguel rearmó el grupo junto a Cachorro, Andrés Calamaro, Gustavo Bazterrica, Daniel Melingo y Polo Corbella, y tomó por asalto esa nueva corriente liviana y divertida del rock nacional con una propuesta histriónica y caliente que casi no tenía antecedentes en el medio local.
Y si bien es cierto que Los Abuelos fueron resistidos en algunos festivales –en especial en el de La Falda, donde el grupo de Miguel nunca pudo hacer pie–, no hay duda de que fueron una banda popular y sintonizaban bien con el espirítu festivo de aquel renacer de la democracia. No por nada llenaron varias veces el Luna Park y teatros como el Gran Rex, y tenían una gran repercusión en las revistas y ramos del medio.
“Miguel Abuelo fue un gran artista. Eso está claro”, dice Constantino, quien revela que el espíritu del cantante y poeta sobrevoló en varias oportunidades durante la realización de la película. “Muchas veces sentí su presencia, sobre todo cuando el proyecto entraba en stand by o corría peligro”, cuenta. “Una vez, después de una charla en el INCAA, donde me pateaban el proyecto todo el tiempo, me tomé un taxi con mis últimos pesos, porque estaba cansado de tanta discusión con la gente de esa entidad, y apenas me siento, el chofer enciende la radio ¿y qué suena? ‘Buen día, día’. No lo podía creer.”
Constantini cuenta que todos los que conocieron a Miguel Abuelo tienen alguna historia de este tipo para compartir: “Gato me contó una vez que cuando fue a dejar las cenizas de su padre en lo que ahora sería Playa Franca, Santa Clara del Mar, encontró entre las rocas de la playa una pintada que decía: “que descanse en paz, Miguel Abuelo”, que le marcó que tenía que dejar a su padre ahí. Una situación totalmente loca porque Gato tranquilamente podría haber bajado 100 metros antes o después de esa pintada”.
Un aspecto importantísimo en la vida de Miguel fue el valor que le dio a la palabra, que luego tradujo en sus letras y en sus poesías. Se sabe que el compinche de Pipo Lernoud se la pasaba garabateando anotadores y que completó un libro de poesías, El Paladín de la libertad, que quedó inédito.
Ni surrealista como Spinetta ni inocente como el primer Litto Nebbia, la poesía de Miguel Abuelo partía de la ensoñación y el delirio para terminar en consignas bien concretas como “Ir a más”, “Hoy seremos campesinos” o ese famoso estribillo que llegó a las canchas: “Te quiero así, me gustas viva / yo no pedí nacer así / son cosas mías”. “Miguel Abuelo fue pionero hasta para morirse, porque fue el primero en morirse de sida. Pero también el primero en grabar en Europa, el primero en caer en cana allá, y el primero en hacer música para bailar más allá”. Un ser único.
PABLO SPIVAK, FUNDADOR Y BAJISTA DEL BORDO
“Internet hace que las bandas dependan menos de los aparatos”
Marcelo J. Silvera (desde Villa María) blogrock.com.ar
El Bordo pasó por Villa María (Córdoba) para cerrar la primera jornada del Costanera Rock 2011. Pablo Spivak, fundador y bajista, nos habla del camino independiente de la banda, su pasado, presente y futuro.
-¿Cuánto queda de aquella banda que, tal vez, no veía en su futuro ser lo que hoy es?
-El espiritu original siempre es el mismo, más allá de que la banda haya cobrado una dimensión que quizás no nos imaginábamos al comienzo; siempre fue nuestra prioridad y también el proyecto al que le dedicabamos toda nuestra energía. Estamos más grandes pero las ganas siguen siendo las mismas.
- Doce años no es poco para una banda, y aunque hubo cambios sostuvieron el proyecto. ¿Cómo manejan la relación entre ustedes?
-Siempre seguimos siendo amigos, Puede ser mucho tiempo pero se nos pasó bastante rápido. Tenemos la misma relación que al comienzo.
- Hoy ya no necesitan mucha presentación, aunque los medios grandes no siempre sirven para la difusión y menos del rock…
- Buscamos canales alternativos de difusión como para no depender de nadie a la hora de anunciar una fecha, aunque determinados recitales sí ameritan hacer algún tipo de publicidad más fuerte en determinados medios. Es un balance entre las dos cosas la manera que más cómoda encontramos para difundirnos.
- Hay un concepto interesante que sostuvieron en algún momento: esto que gracias al ahorro en publicidad pueden hacer las entradas más accesibles. ¿Cómo ven el “mercado” de la música?
- El mercado de la música da trabajo a muchísima gente y eso es buenísimo para empezar; después cada proyecto tiene sus pormenores, y sí, en algún momento nostros barajamos la posibilidad de bajar costos y que eso se vea reflejado en una entrada más popular, pero no siempre se puede y eso no necesariamente es por que el músico así lo quiera.
Hay muchos gastos a la hora de organizar una fecha y se hace difícil tocar, y los más perjudicados de esto por lo general son las bandas que están arrancando. Estaría bueno una industria musical que colabore un poco con los proyectos que arrancan.
Esta actitud la vas a encontrar más entre los músicos que se den lugar entre sí.
-¿Es en algún momento necesario el aparato o se puede hacer un camino independiente valiendose de aquélla vieja artimaña: el boca en boca?
- El boca en boca quizá ahora toma otra forma por Internet, es como que el concepto de comunicación es el mismo pero la transeferencia pasa por otro lado.
Internet hace que las bandas dependan menos de los grandes aparatos. Si lo que hacés está bueno de alguna manera vas a poder mostrarlo gracias a un montón de herramientas que hoy ya están al alcance de la mano de cualquiera.
- ¿Cómo se manejan con la llamada piratería? ¿Es un problema o difusión de la música en la red?
- Sabemos que hay mucho material nuestro dando vueltas entre cosas editadas y cosas piratas. Es un arma de doble filo, porque como te decía antes está bueno para difundir, pero también le quita cierto valor, más allá del valor comercial.
Es más simbólico: cambia la manera de consumir la música, debilita el concepto del disco, y eso ya no está tan bueno.
- Vamos al disco entonces. “Historias perdidas” fue premiado por la Asociación de Medios Independientes, eso además de ser una palmada para seguir adelante, tiene un trasfondo interesante, porque en esto que hablamos recién, que un premio llegue desde los medios independientes es una pauta de la manera en que se transitó el camino.
-El espíritu de lo independiente siempre estubo muy presente en El Bordo, y recibir este premio por parte de medios independientes fue muy lindo. Siempre tomábamos la iniciativa de hacer lo que hiciera falta para poder ayudar a la banda y eso queda reflejado.
- Uno de los temas está grabado con un amigo personal, Andrea Prodan. ¿cómo llegan a tocar juntos?
- A Andrea lo conocimos porque es amigo del dueño de la sala donde alquilamos. Un día estaban zapando un par de los chicos y alguien entró despacito sin querer cortar y al rato se puso a cantar y resulta que era Andrea Prodan. Y a partir de ahí se fue dando una onda muy copada con él y un par de veces incluso tuvimos la suerte de tocar juntos en vivo.
- ¿En los shows de presentación de “Historias…”, qué lugar tienen los temas anteriores?
- Tenemos una columna como para presentar bastante del disco nuevo pero siempre incluimos mucho de los anteriores. Cuando estamos de gira tratamos de dar un show que repase casi toda nuestra discografía, por que mucho de los que nos ven en el interior quizá es la primera oportunidad que tienen, y quizá nos falte mucho para volver a estar por ahí. Así que hay que satisfacer a todos.
HILDA LIZARAZU
“Soy una mujer que busca la plenitud”
Diario Página/12
“Ni retro ni vanguardia”, detalla la notable cantante que en su tercer título como solista abre el juego a una serie de canciones con aires de tierra adentro, una forma de síntesis para una existencia que la ha llevado por el campo y la ciudad.
Muy bucólica, ella aparece entre árboles y hojas caídas, con un vestido blanco amplio y largo, a lo hippie. Toca la bandurria, instrumento del clan del laúd, y no está en el foco de la foto. Está a un costado. “Podría haber puesto una foto mía o una libélula, pero me gustó así: es una situación onírica que está relacionada con el futuro perfecto. Un sueño sumergido en la naturaleza”, dice Hilda Lizarazu. Falta no más de media hora para que la cantautora entrerriana muestre por primera vez su nuevo disco (Futuro Perfecto) en Boris, el club de jazz de Gorriti al 5500 (donde repetirá hoy) y la imagen de la lámina interna es un buen disparador para ingresar a su mundo de canciones bicolores. “Siempre que uno menciona el bosque, aparece una durmiente y quien dice una durmiente dice Alicia en el país de las maravillas y quien dice Alicia, bueno, dice una historia absolutamente fantasiosa que pueda estar relacionada con la fantasía de este disco. O con lo fantástico que es hacer un disco hoy en día”, ríe.
–Las fantasías o los sueños nunca se parecen a la realidad. Recién, en la prueba de sonido, improvisó un tema de Alberto Mastra que hacía Canario Luna, que habla de esto: “Si la vida me diera de nuevo la oportunidad de volver a vivirla otra vez, no la quiero más”.
–No sé si coincido. De todas maneras, Canario era tan grosso como cantante que me horadaban esas palabras tan tristes. No sé si yo logro esa profundidad de sentimiento, pero puedo recibirla de otro y reinterpretarla. Los sueños no siempre son mejores que la realidad, y la realidad puede ser a veces un sueño. No es que mi vida está constantemente vivida en tonos rosas, pero puedo reconocerme como una transeúnte de la belleza del vivir. Busco siempre ese lado. Puedo reconocer que la vida puede ser una pesadilla, pero transito filosóficamente por un lado que me lleva a poder reconocer lo bello de un árbol.
–En la canción que abre el disco hay una especie de aceptación de la realidad: “Acepto el destino/ y será lo que tenga que ser”.
–Por eso: este tipo de expresiones donde hay un agradecimiento a la plenitud de vivir para otras miradas es algo demasiado liviano. Que en estas épocas, donde está todo tan sufrido, alguien reconozca que vivir es bello, no siempre resulta bienvenido. Pero para eso está la variedad: los diferentes colores y sabores, y uno puede elegir qué quiere para sí mismo. Yo como artista… como mujer…
–“Del bosque”, como aquella canción de PorSuiGieco.
–(Risas.) Claro, del bosque y la ciudad, la paso radiantemente bien sin, a ver…
–Andar con una corbata de vincha todo el tiempo.
–Claro, creo que tengo bastante sentido común, pero opto por sentirme física y espiritualmente mejor. Es lo que me pasa y lo transmito en los temas.
Los temas de Futuro Perfecto son doce y, además de transmitir una sensación de frescura vital, sitúan a Hilda en un camino que no había transitado en sus discos anteriores. Ni en los dos que lo preceden como solista (Gabinete de Curiosidades y Hormonal) ni en los siete que hizo en Man Ray con Tito Losavio. Tiene pop y algo de rock, sí, pero también incursiones –de aquí lo singular de su fisonomía– en ritmos de tierra adentro: “aires de” en la bella zamba que dio en llamar “La Radiante”, abrillantada por el ronroco de Gustavo Santaolalla y el piano de Lito Vitale, o de chacarera de aire eléctrico a la manera del viejo Arco Iris (“Paisaje y ciudad”). “Es mi propio chiste. Los grillitos y los ladridos que aparecen en ‘Paisaje y ciudad’ fueron grabados durante mis días en Sinsacate. Sí, son canciones que abren a una veta folklórica en la que incursiono por primera vez.”
–En ostensible contraste con el “punchi-punchi” de “Sábado”.
–Es que yo no soy rockera-rockera, ni tampoco popera al mango como Leo García. No soy purista y entonces me permito meter una criolla y un bombo legüero, y al lado un punchi-punchi. Tiene que ver con los músicos que trabajo y también conmigo… me gustan tanto Troilo-Grela como AC/DC, qué sé yo. Tal vez cueste clasificar, pero con Man Ray también era así. Cuando puse el “sha la la, sha la la” en “Caracoles” –segundo track de Futuro Perfecto–, mis amigos músicos me decían que no lo hiciera porque era “antiguo”, y la verdad es que yo no tengo preconceptos entre lo antiguo y lo moderno. No soy ni retro ni vanguardia… soy una mujer que va buscando qué disfraz ponerse para buscar la plenitud. Uno es tantas personas que, bueno, la idea es conocerse cada día un poco, y las canciones son una buena manera de lograrlo.
–¿Nunca apareció la idea de reflotar Man Ray?… doce años entre el último disco y hoy es una larga distancia.
–No aún. Sí nos quedaron algunos temas inéditos que tal vez grabemos en otro momento. Cuando lo decidamos, será.
–¿En qué situación quedó su relación musical con Charly García?
–Me fui de su banda porque quiero abocarme a mi disco. Ya hablamos, está todo bien y él reconoce que yo tengo una carrera y una familia de la que ocuparme. El año pasado para mí fue fortísimo porque hice el disco y acompañé a Charly, y eso implicó demasiado laburo. Entraba en la sala a las 9 de la mañana, me iba a las once de la noche, y mi hija siempre esperando al lado de la niñera…
–Fueron casi dos años de trabajo intenso. ¿Cómo vivió la conversión de Charly?
–Como un desafío de su parte. Para mí estuvo buenísimo porque aceptó el reto… recreó las mejores canciones de los ’80 y los ’90 y evitó la parte oscura. Trató a la música con el mayor de los respetos, algo que, al final de los ’90, cuando yo dejé Los Enfermeros, se estaba desvirtuando. Charly volvió a respetarse a sí mismo nuevamente.
–¿Y usted?
–Bueno, nos encontramos en un lugar musical que habíamos perdido hace diez años. Le aporté mi ser.
ACTUALIDAD DEL ROCK METAL EN LA ARGENTINA
El periodista y director de la revista especializada Requiem, César Fuentes Rodríguez, habla de la actualidad del rock metal en Argentina.
“Hay una dificultad en la escena local en crear íconos musicales”
La Editorial RP lleva adelante la edición y promoción de varias publicaciones, entre las cuales se destaca la Revista Requiem, de salida bimestral y alcance naci
onal, dedicada al género musical denominado Metal (o heavy) y lleva ya más de 10 años en el mercado.
Justamente el impulso de celebrar su primera década de existencia, los lanzó en el Requiem Tour, que busca unir el país desde la Ruta 9 partiendo desde Buenos Aires y concluyendo su primera etapa en San Luis capital.
El periodista y director de la revista, César Fuentes Rodríguez (trabajó en el mítico Heavy Rock and Pop), frenó en la ruta para dialogar:
-Cuando eramos adolescentes habí
a muchísimas revistas en Buenos Aires, entre ellas MadHouse, con el tiempo fueron desapareciendo; ahora no solamente hay pocas sino que a eso se suma que al interior casi no llegan. ¿Cómo se sostiene una revista como Requiem, y cómo tratás que sea federal?
-La idea del Requiem Tour fue la de crear una federalización, de llevar la revista fuera de los límites de Capital Federal por mano propia, porque si dejás que las distribuidoras lo hagan no sólo hacen un mal trabajo sino que no les importa. Entonces en nuestro caso u
na manera es esta, tratar de buscar al mismo tiempo que salimos a llevarla puntos de venta nuevos donde enviar la revista.
A diferencia que algún emprendimiento, como se hizo en aquella época Madhouse (revista de la que fue creador) hoy en día se hace muy difícil mantener una estructura. Antes teníamos una oficina, todo un sistema de ventas y demás que hoy es imposible porque no se pueden asumir los costos.
Entonces aunque se trata de una revista hecha de manera artesanal, tiene un nivel como para pelear en cualquier terreno pero le está faltando el aparato que en otras épocas era más evidente.
-Había más posibilidades de tener u
na revista en los 80 ó 90
-Por empezar había otro modelo de país y permitía otras cosas. A parte había otro perfil y otra ingenuidad para largarse a hacer un proyecto así; hoy en día hacer una revista implica jugar contra Internet en ciertos terrenos, antes la fuente de información era la revista mis
ma, ahora la función de la revista, a la fuerza, varió y se convirtió en una guía, más que un lugar de información.
-En esto de ser una guía también está la labor de difundir nuevas bandas, porque a las consagradas el público las sigue de cerca por Internet u otros medios.
-El tema es el siguiente: si te concentrás en un solo punto, sean las bandas viejas o las nuevas, perdés la esencia de una revista; revista indica volver a ver la realidad.
Tanto las nuevas como las viejas mer
ecen que les pasen revista.
-Cuando prendés la tele o la radio, sobre todo en el interior donde no llegan tantas propuestas o no son tan variadas, sobran cantantes pop; pero sin embargo una banda como AC DC llená estadios. Hay una contradicción entre el mercado y lo que busca la gente
-Sí, y también tiene que ver con la dificult
ad de la escena local en crear iconos musicales, no me refiero a íconos del pop sino a íconos musicales. Al haber esta dificultad no te extrañe que el espacio lo ocupe una banda extranjera, tiene toda la lógica.
El caso de AC DC tiene muchos años y una iconografía propia desde hace mucho tiempo, pero no sé cuántas bandas de rock pueden preciarse de llevar un público arriba de las 10.000 personas. Y eso no tiene que ver solamente con cómo los medios las presentan sino también con lo que las propias bandas generan, a qué capas de la sociedad atañen. Una persona que
fue a ver a AC DC no va a un recital de Almafuerte, eso tiene que ver con el prestigio, también por el hecho de ser internacionales, contra eso no se puede luchar, hay que abrazarlo y crecer junto a ello.
-¿Hay un estilo propio en el metal argentino que lo identifique?
-Le llaman metal argento a una parte de la escena y tal vez haya una identidad definida, que tiene que ver con cantar en castellano, con encarar letras de conte
nido político-social, con un sonido más crudo pero también afín a lo moderno. Creo que sí hay identificadores definidos.
-También hay un factor folklórico detrás
-En algunos casos sí, si te vas al lado de Almafuerte o Arraigo.
Lo más sorprendente que escuché en los últimos tiempos es una banda que se llama Raza Truncka que es un híbrido puro de folklore y heavy metal, realme
nte mezclan las dos cosas, perfectamente fusionados. Si se va por ese rumbo me resulta tremendamente interesante.
-En este tour también están viendo bandas nuevas
-Es la idea. Salimos a la ruta, y ya
recogimos en San Nicolás una cantidad de material importante. Queremos generar un poco de sentimiento federal también.
-Y se podrá trazar un mapa del género, y conocer lo que sucede extramuros.
-Totalmente. El problema de la centralización de la Capital es bravo en todo sentido porque de alguna manera les impone un respeto excesivo a las bandas que vienen del interior, que no es justo porque no es que en Buenos Aires pase algo que no puede pasar en otro
lado, y las bandas terminan no animándose a llevar la propuesta porque no saben cómo las van a recibir.
Lo que hay que hacer es tirar barreras y eliminar fronteras.
-¿Qué rescatás hoy de la actualidad del género en Argentina?
-Todo, sobre todo el hecho de que el profesionalismo ya n
o es una cosa soslayada dentro del género; toda banda que quiere trascender sabe que tiene que ser profesional, sonar bien y tiene que progresar y dar todo, de lo contrario no hay nada que hacerle.
-El garage de casa ya no sirve
-Nunca crei en el garage. El garage está bien para un primer disco, si después no creciste a partir de eso y te mantenés en “estilo garage” es porque en realidad no te interesa nada.
Hace muchos años lo hablaba con Ciro (Pertu
si, ex líder de Attaque 77, hoy Ciro y Los Persas) el primer disco estaba fantástico pero “si nos quedábamos ahí ibamos a ser una banda de punk de tercera línea toda la vidad y nunca tuve intención de ser eso”, dijo. Me parece que pasa lo mismo con todos.
-Hay algunas que se quedaron en eso.
-Totalmente. Y hay además un culto a eso en cierto senti
do, que tampoco es del todo saludable, lo saludable es que seas el artista que querías ser no el artista que el público quiere que seas toda la vida, es como quedarte en estado de niñez toda la vida.
JAVIER MARTINEZ
“Mi banda actual es el Manal de ahora”
Entrevista con Javier Martínez, uno de los próceres del rock nacional. El Indio Solari cantó un tema suyo en Tandil, y el Chizzo (de La Renga) subió a tocar cuando lo no
mbraron ciudadano ilustre. Tiene material nuevo grabado.
Llega a El Zaguán, clásico reducto del under porteño, desde Berazategui, el lugar donde vive desde hace varios años, donde hace poco lo declararon Ciudadano Ilustre. “Fue muy lindo”, cuenta Javier Martínez. “Porque Chizzo de La Renga subió a tocar dos temas y toda la gente se plegó a cantar con nosotros. A esta altura del campeonato, estas cosas me vienen muy bien. Porque las tomo como u
n homenaje de la gente, del pueblo. Lo mismo lo del Indio, cuando en el show de Tandil arrancó con ‘Jugo de Tomate’”, relata con una sonrisa.
–¿Cómo te enteraste?
–Por Internet. Soy un jovato con swing (risas). La verdad que me encantó el reconocimiento. Los Redondos me gustan; es una banda que toca
rocanrol de verdad. Y el Indio es uno de los mejores cantantes que tenemos. Por su voz, que es fina y personal, y por sus letras. Me asombró que ante un concierto tan multitudinario empezara con una canción mía. No lo conozco personalmente pero me gustaría encontrármelo personalmente para decirle gracias.
EL MINILIBRO ROCKERO DE FERNANDO DE LEONARDIS
En Entre la tristeza y la nada..., el sociólogo y periodista retrata al rock del último cuarto de siglo en sólo 23 páginas. “Se dejaron de hacer discos con concepto”, analiza.
Por Federico Lisica
Tan urgentes son sus palabras que ni usa mayúsculas, lo dice antes de que baje la temperatura de su sangre: “¿desde cuándo la mierda futbolera se había infiltrado en el rock? el deporte es enemigo del rock y amigo del fascismo. ya se veía esa cosa de cancha en los redonditos de ricota circa obras sanitarias y en los piojos. (yo estaba sorprendido, ya en aquel momento, cuando con mi grupo de rock compartí una fecha con los piojos en la facultad de ciencias sociales de la universidad de buenos aires: había fans con aspecto de hinchas)”. El sociólogo y periodista Fernando de Leonardis no hace gestos tribuneros en su nuevo libro. “Son textos de ficción con anclaje, microrrelatos, un género que se conecta con otros, hay prosa poética, cuentos. Usé mucho la diatriba en el sentido original del término, que era el discurso ético y moral que tenían los cínicos para polemizar y ofender a grupos y personas”, explica.
Las vivencias reales (“quiero provocar efectos de verdad y tomar la realidad para que sea ficción”) en el reducto under de finales de los ‘80 Mediomundo Varieté, taxis a la madrugada de un jueves, disquerías que venden cassettes y recitales violentos con embarazadas entre el público evocan, antes que recuerdos, axiomas de todo calibre. Todo en 23 pequeñas páginas que dejan al lector como un yonki con ganas de referencias, citas, y estáticas de un momento del rock antes de ser sacudido por Internet. Hay carajeadas contra un disco de Los Fabulosos Cadillacs, oprobios al Festival de la Solidaridad Latinoamericana (y a sus participantes), palos (Pandolfos) borrachos, apologías de Virus, emociones crudas al recibir un disco de Daniel Melero y más, mucho más en Entre la tristeza y la nada y otros incidentes e intervenciones textuales de ultraizquierda, título de la obra, que De Leonardis escogió lejos de un mero “elemento decorativo”.
Aunque sin nostalgia, el autor cree que varias cosas han cambiado para el rock: “Las bandas under que están mencionadas ahí tenían un circuito que ya no existe. El sistema piramidal no está más, las que quedaron en el tendero circulan por una tradición oral, no había sellos independientes. Con los avances tecnológicos todo cambió, y yo no dejo de ser crítico con algunos: es evidente que se dejaron de hacer discos con concepto”.
De una película de Godard a su amado William Faulkner, de la retórica trotstkista a las teorías barthesianas, de batallas perdidas en el papel a sectarismos de clase, son varias las fuentes de esta obra. “Son pocas, en realidad, que puse en relación. Y además elegí un título impactante para romper las pelotas”, explica sobre la obra publicada por Casi Incendio La Casa en formato pocket rabioso, de 7x9 centímetros, hecho con sobrantes de papel. “Fui militante de izquierda”, marca De Leonardis. Con precisión y humor cáustico, el sectarismo aparece en los textos. “‘Eso no es de izquierda’, podrán decirme, pero lo que tomo de la izquierda es la idea de ruptura, incluso de patrones estéticos”, apunta. Así, en pocos renglones, De Leonardis hila el krautrock de Neu! con el proletariado que honra su condición histórica. Y también está el consuelo poético de un pibe que se pone a escuchar un disco de Los Encargados y fascina mientras ve un afiche trotskista pegado al techo. “Es un puto libro, no va a cambiar el mundo, aunque hable de uno”, dice De Leonardis. Y recomienda leerlo escuchando “lo que en los ‘80 se llamaba dark, el post punk tipo new wave, Bauhaus, The Cure, The Birthday Party”. Dark... ese pesar existencial”.
SERGIO COLOMBO, A DE EL NATTY COMBO
“Me enamoré del reggae la primera vez que lo escuché”
Sergio Colombo, miembro fundador y saxofonista de El Natty Combo, revela los secretos ocultos detrás del moderno e innovador sonido que la banda logró obtener en “El Don”, su sexto material discográfico
¿Cómo nació tu interés por tocar el saxo?
Fundamentalmente me llamaba la atención el sonido del instrumento y su estética. A veces me pregunto porque no elegí tocar otra cosa pero siempre me gustaron los instrumentos de viento.
En la elección del instrumento, ¿Tuvo algo que ver el reggae?
Inconscientemente, puede ser. Me enamoré del reggae la primera vez que lo escuché y, desde ese momento, nunca mas me separé del género, me cambió la vida. Cuando lo conocí supe que eso era lo que yo quería tocar. En el reggae predominan los instrumentos de viento así que, de alguna manera, influyó a la hora de elegir el saxo para tocar.
Colombo recuerda con simpatía aquellos comienzos en la música: “A los dos meses y medio de comenzar a estudiar saxo me incorporé a Lugano Blues, una banda del barrio en el que yo siempre viví”. Pero su deseo de tocar reggae pudo más: abandonó el blues y se sumó a “Ocho Ríos”, una de las primeras bandas del género que integró, de allí, sin escalas, pasó a Los Cafres con quienes grabó los discos “Espejitos” y “Suena la alarma”.
“El Don” es el segundo disco en el que cantás. ¿Qué pensas que ganaste con respecto a “En Llamas”, el primero en el que aparece tu voz?
Sumé muchísima experiencia. Si tuviera la posibilidad, modificaría bastante “En Llamas”, hay varias cosas que hoy me siento capaz de mejorar, algunas son detalles, digamos que obsesiones mías, de músico…creo que debería ajustar algunas tuercas para cerrarlo. Con respecto a “El Don”, es un disco muy distinto a los anteriores de “El Natty Combo”, hay un nuevo sonido, una manera diferente de tocar. Trabajamos mucho para obtener lo que imaginábamos: pudimos experimentar algunas ideas que teníamos para alcanzar un sonido muy moderno.
La meta de Sergio Colombo y compañía era alcanzar un sonido que se asemeje al de la Jamaica contemporánea sin perder la identidad que alcanzó “El Natty Combo” a lo largo de su carrera. “Queremos estar a la vanguardia en materia de reggae”, expresó Colombo. Y el reconocimiento al trabajo logrado llegó mas rápido de lo que esperaban porque la banda compartirá escenario con Anthony B y Bushman, dos de los referentes del new roots actual de la isla en su visita a nuestro país
Son diez las canciones que integran el nuevo material, ¿tuvieron que descartar alguna?
Quedaron afuera tres canciones porque no terminaban de cerrarse y, fundamentalmente, porque no coincidían con el concepto general que tiene el disco. “El Don” es el tema que abre la lista y habla de mi amor hacia el reggae, de cómo cambió mi vida conocerlo, tocarlo…esa sería la idea que impregna todo el disco: el sentimiento que tenemos para con el género.
Nestor Ramjlak, voz de Nonpalidece, y Luis Alfa, líder de Resistencia Suburbana, se sumaron en “La unión”, todo un símbolo de la cultura reggae.
Esa era la idea que motivo la creación del tema, transmitir la hermandad que existe dentro del reggae. Es un honor para mí que Néstor y Luis colaboren conmigo, hay buena onda entre nosotros, somos muy amigos fuera del escenario y compartimos muchos momentos juntos. Ese lazo que existe entre nosotros hizo que tanto el mensaje como la canción suenen totalmente sinceros. Además, el tema lo armamos entre los tres: yo llevé la idea más el estribillo, ellos hicieron el resto…
¿Qué te motivó a tomar la decisión de ocupar el rol de cantante?
Cuando empecé a componer, lo primero que hice fueron canciones instrumentales porque soy saxofonista y me apasiona todo lo que rodea al instrumento. Pero, de a poco me fui soltando, me animé a escribir una letra, después otra ¡hasta que salieron! Lo mas difícil fue vencer el miedo y la vergüenza, una vez que lo logré se convirtió en algo natural para mí la situación de sentarme a pensar y escribir una letra para determinada canción. Escribir es un ejercicio, cuanta más práctica mejor es el resultado. Además, me ayudó mucho la respuesta de la gente ante las canciones: cuando noté que realmente gustaban o directamente se acercaban a decírmelo, gané muchísima confianza. Recuerdo que “La Pipa” fue el primer tema instrumental del que recibí buenas críticas y el de los cantados fue “Cinco”, una canción inédita que apareció como bonus track en el disco “Super Dudwise”.
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