El Capitán Beilinson amarró su nave sobre el río Paraná, el pasado fin de semana del 16 y 17 de abril . El puerto rosarino fue elegido como destino inicial de la presentación del viajero “¿Dónde vas?”, por el que Skay se predispondrá a girar por todo el país, aunque todavía son inciertas las costas en que desembarcará, en cada periplo, para mostrar su cuarto opus como solista.
El viernes 16, el Dixon, se ofrecía descontracturado. Quizás porque los organizadores, en una decisión acertada, propusieron dos fechas, y eso hizo que la gente no se agolpe para conseguir una entrada, ni antes, ni en la previa del concierto. De todas maneras, para casi las 00:00, el templo sudamericano del rock, era un manojo de fanáticos, en un 97 % ricoteros, que esperaban por la promesa (siempre) interesante de Skay en cada una de las previas.
El feeling con la gente continúa intacto. Beilinson dedicó la nueva: “Aves migratorias” a su público y regaló además, una hiper eléctrica versión de “Nene, nena”, un clásico inédito de Los Redonditos, y el amuleto infaltable: “Ji, ji, ji” casi sobre el final del show.
Sin despojarse del pañuelo en su cabeza, y sí de las gafas, dejó apreciar sus ojos, esos que tienen el color de cielo, y continuó el recital, sin fisuras, con sets de solos infalibles y Los Seguidores de
La depre “Todo un palo” de Los Redondos, cerró la triada de canciones ricoteras de la noche, para darle paso a composiciones propias que ya son reconocidas y bien recibidas por quienes asisten a sus shows como: “Oda a la sin nombre”, “El golem de Paternal” y “Gengis Khan”. Y fue en el homenaje casero al líder mongol, que Poli (Carmén Castro, esposa y manager) cruzó por el público, casi desapercibida, y salió de Willie Dixon, agitando su melena mafaldiana.
Todo llegó a su fin con “Lejos de casa” que dice algo así como: “Cierra tus ojos y ponte a cantar, canciones que hagan llorar, algunas monedas te van a tirar y más…”. Skay sigue justificando el “ir a verlo”. Su pasado le asegura público, pero su presente, certifica que el rock todavía existe y no necesita de marketing alevoso, ni maquinarias de soporte. Siempre con la misma (flor de) guitarrita, sus atuendos hippones, y las partituras que le dan aún más estatus de músico que el cosechó a lo largo de su extensa e indiscutible exitosa carrera.
EL LENTO LEVANTE DE LOS PELIGROSOS GORRIONES
“Volvimos muy sutilmente”
Esta banda emblemática de los ‘90 retoma el sendero de la música en grupo, donde se mezclan la energía de la presentación en vivo, el desencanto naïf generacional y las ganas de romper todo. Que no los vean venir.
Por Juan Ignacio Provéndola
Pocas bandas argentinas vivieron tan estrechamente vinculadas con los ‘90 como Peligrosos Gorriones. Bastará pispiar su historia para interpretar los altibajos de la década: se formaron en 1991, tuvieron picos con los discos Peligrosos Gorriones (‘03) y Fuga (‘95), aplicaron nuevas recetas en Antiflash (‘97) y llegaron a las vísperas de 2000 hasta donde sus cortocircuitos internos les permitieron. Casualidades al margen, para el nuevo milenio ya era un cuarteto disgregado en cuatro proyectos. El de Francisco Bochatón fue el más mentado, tal vez porque además de poseer pretendidas virtudes como poeta y compositor, tuvo la involuntaria habilidad de anticiparse a las necesidades de cada época: estuvo con Gorriones en tiempos donde la escena solicitaba a gritos otros grupos, y propuso su nombre y apellido cuando el reclamo era renovar el staff solista.
Todo esto, claro, sin contar su singular magnetismo con las etiquetas de ocasión. En banda integró lo que algunos llamaron Nuevo Rock Argentino, emblema bajo el cual se organizaron festivales junto a ellos, Los Brujos, Babasónicos, Todos Tus Muertos o Juana
Ya en solitario, los repositores del mercadito local lo colocaron en la góndola del rock indie, aunque de eso él también prefiere desetiquetarse: “Encarar la música con un rótulo tan pedorro como ése me parece infantil, más aún cuando se basa en el mercado. ¿Soy indie porque no grabo para una multinacional o no tengo un video como Alejandro Sanz? Si me querés llamar así, hacelo; pero no me hago cargo”.
Si de industria se habla, todo plan evocativo remite a vuelta esponsorizada. Aunque el de Gorriones no parece ser el caso. “Nos hicieron muchas ofertas en los últimos años, pero cada uno estaba con sus cosas y no coincidíamos. Además no era lo importante, porque tampoco estamos hablando de cifras siderales. Las propuestas no nos cerraban y, cuando finalmente nos juntamos, se dio por nuestra propia voluntad y no por una conveniencia económica”, afirma el cantante, quien recuerda el reencuentro tras once años de distanciamiento: “Fue en la casa de Rocky Velázquez, el baterista. Chequeamos cosas viejas, miramos videos y nos cagamos de risa. Después estuvimos otros meses sin vernos, pero eso fue muy inspirador y nos sentimos con el ánimo renovado”.
Así fue como el operativo retorno encontró su primera escala el 23 de octubre pasado en El Ayuntamiento, clásico reducto de su
Repitieron la gesta seis días más tarde en Niceto y el 11 de diciembre se presentaron como tales en el In-Edit Cinzano que se hizo en El Teatro de Colegiales donde, allí sí, ofrecieron un abundante repertorio. “Fue muy copado tocar temas alegres y bien arriba como Escafandra o Bicho reactor, y también el material de Fuga, porque es el disco que más nos gusta a todos”, dice Bochatón. En efecto, durante aquellos shows repasaron casi exclusivamente sólo sus dos primeros discos. “Aunque después empezamos a rebobinar y encontramos varias cosas que nos gustaron, ¡pero que nos las habíamos olvidado!”, afirma Francisco, en referencia al show que ofrecerán el domingo en el festival Código País.
–Hasta el momento sólo tocaron en eventos ajenos. ¿No se animan a hablar de regreso?
–Volvimos muy sutilmente y no queremos apurar las cosas porque, hasta el momento, todo viene marchando muy bien bajo esta tesitura. Estamos grandes y queremos hacer las cosas paso a paso, y no que la situación nos desborde. Hay una idea de girar por el interior y, tal vez, de grabar algo, pero me remito sólo a hablar a corto plazo.
–¿Cómo se vieron a sí mismos tras once años?
–La experiencia acumulada sirvió. No tiene que ver con la edad, porque a lo mejor te volvés grande y tocás como el orto o estás quemado. Somos los mismos, pero estamos tocando mejor. Creo que esta versión es mejor que la anterior porque sonamos tremendos y muy potentes. Volvimos a conectar.
–A Peligrosos Gorriones se los enroló dentro de una movida que parecía dispuesta a copar la década, y sin embargo la tendencia la terminó marcando el llamado rock barrial.
–Por ahí hubo una necesidad cultural, aunque lo nuestro también expresa eso en el público que nos va a ver, así que tampoco es un tema que me quite el sueño. Tendría que ser sociólogo para analizarlo bien, porque respondió a fenómenos que me exceden. Sólo puedo hablar de mi banda, con la que creo que ocupamos un lugar y eso estuvo bueno.
ROMAPAGANA: "HAY UN NUEVO TERRORISMO"
La banda de Andrea Prodan edita su disco debut con críticas al consumo, al Estado y a la violencia.
Por: Silvina Marino
Mirá esta vista: es hermosamente fea". Desde su departamento sobre la calle Cevallos en plena Capital, Andrea Prodan advierte sobre el cemento sucio de aire y luz, como muestra de urbanidad y de algo que todavía necesita: vivir en la ciudad. Aunque reparta el tiempo con "el campo", donde también reside, en Nono (Córdoba).
El hermano de (tal vez) el mártir más popular del rock de acá (Luca) tiene casi la misma voz y el mismo modo de pronunciar de herencia italiana. Por esas raíces trabajó en algunas publicidades. "Se creen que me dediqué a eso. En realidad, hice una como actor y otra como locutor". Como locutor, la del conocido "Siamo Fuori". "Fue muy gracioso. Veía las remeras con la frase. Al final, encontré una en un rincón perdido de Córdoba y la compré".
Uno de los motivos, el principal, de sus visitas porteñas es Romapagana, la banda que tiene junto a los músicos Cristian Fernández, Diego Segovia y Fabián Limardo (Rojo) y con la que acaba de editar primer disco (Romapagana). Ahí se dedica a criticar el consumo (Consumer Waterfall), la falta de contacto con la naturaleza (¿Ordeñaste mi amor?), la violencia (Waco). "Todavía no aprendí a ordeñar una vaca", agrega sobre su tema y sobre su vida en las sierras. "El campo es difícil para quien vivió toda su vida en ciudades. Es difícil transformarte. Es como si la cucaracha quisiera ser mariposa. Sos cucaracha: tenés que aceptar eso".
Entre idas y venidas, matrimonios, hijos y proyectos laborales, ahí nació Romapagana: "En el '95, después del experimento personal y divertido de l disco Viva Voce, lo conocí a Rojo. Hice un casting de personas. Y después me fui a Italia. Ahí se pudrió todo". Hasta que volvió y retomaron el proyecto. "Mi hijo de 13 vive en Chubut, con su madre. Es distinto saber que estoy acá cerca. Cuando llegaba su cumpleaños yo aparecía como Ground Control to Major Tom (NdeR: canta el tema de Bowie): un astronauta".
-En "Mosquito Horror" también hablás de la gripe porcina...
-Sí. Porque hay un nuevo tipo de terrorismo que usa el Estado, el terrorismo médico.
-¿Cómo te parás con respecto a la leyenda familiar?
-No tengo esa actitud de mi hermano de destrucción. Pero Luca era un gallardo. Valioso, divertido. El amigo que todos quieren tener.
-¿Te gustó el último disco de Divididos?
-No lo escuché. Pero me habría gustado que, después de tantos años de pausa, tuvieran el coraje realmente para renacer. Este país da mucho para tener inquietudes. Pero eso lo vas a encontrar en pequeñas bandas. Las grandes aglomeraciones del Pepsi ya pasaron demasiados filtros para ser algo interesante. Son un producto.
-¿Vas a volver a actuar?
-Lo último fue El Puente, de Mario Gómez. Ya hice más de 38 películas. Hay gente nacida para ser actor. Yo no.
En derroche de simpatía e histrionismo, Andrea muestra sus objetos más queridos. Ya no los clásicos vinilos que inundaban su recinto (los llevó a Nono), pero sí su guitarra, adornada con blisters de medicamentos y una banana velvetiana. "Comemos una banana antes de salir. Necesitamos esa energía, ja", dice. El grito final del disco "I've Got Blisters on my citar", entonces, es un homenaje a su guitarra. Y a Helter Skelter. En un disco urgente, con herencia Sumo y mucha energía y actitud: "Se lo mandé a Stephanie Nuttal, la baterista original de Sumo. Me dijo: 'Esto es punk'".
-¿Qué está haciendo ella ahora?
-No tiene un mango. Le gustaría venir a
GRAN MARTELL
Gran Martell es el grupo de artistas formado por Jorge Araujo (batería y voz), Tito Fargo D´Aviero (guitarra) y Gustavo Jamardo (bajo y voz). Queda claro entonces, que estamos ante una banda que tiene una parte importante de la historia del rock nacional como respaldo, pero que sin embargo tiene como concepto particular: el cambio, y con el cambio, la diversión.
-¿Cuándo, cómo y por qué nace Gran Martell?
Jorge: A mediados del 2004, le propuse a Tito hacer una banda de rock. Me dijo que me contestaba en unos días, porque tenía que definir si se volvía a España, donde estaba viviendo, o si se quedaba en Argentina. Finalmente, me dijo que sí. Después aparece Gustavo, gracias a Tito que hizo toda una tarea de investigación. Si bien nunca lo habíamos escuchado tocar, nos lo recomendaron.
Tito: El por qué nace Gran Martell está basado en la necesidad de poder cambiar cosas, innovar y poder generar un vértigo interno.
Jorge: El cambio es fundamental en esta banda. En ese momento tenía ganas de tocar ciertas cosas, rítmicamente hablando; y también estaba el tema del canto, hoy me doy cuenta que era algo que tenía pendiente, ya que si bien cuando tenía 13 años el canto era parte de mi manera de expresarme naturalmente, después lo fui dejando…
-Hoy la banda suena muy homogénea ¿Cómo fue el proceso de unión teniendo en cuenta que cada uno estaba en cuestiones diferentes?
Tito: Tiene que ver con una necesidad que tenía cada uno por su lado, pero que resulta que era algo común a los tres…Se trataba de una necesidad de tocar rock y de hacer cosas nuevas. Entonces probamos de juntarnos a tocar, y evidentemente la fusión de las personalidades, en cuanto a lo musical, surgió rápidamente.
Gustavo: Si bien podemos decir que hubo una química inicial, eso es el principio de un fuego, pero después hay que sostenerlo… Por suerte estamos teniendo esa resistencia a través de los años…
Gran Martell, que ya lleva seis años en el mundo del rock y que cada vez está más homogeneizada, considera que con su trabajo tratan de volver a las fuentes, es decir a cuando el rock era más ruptura que estructura. De aquí que presenten una propuesta particular: “es un formato llamativo dentro de un ambiente donde una parte se ha estandarizado y donde muchas bandas tienen el concepto de cantante adelante y todo lo de atrás; nosotros no presentamos esa situación. No hay un cantante adelante. Entonces el formato, si bien es conocido (hubo muchas bandas con ese formato), es más loco en relación a lo que se vive últimamente y eso te lleva a ser mucho más exigente”, comenta Tito Fargo.
Esta exigencia se observa en lo rítmico y también en las letras; ya que las mismas están abiertas a múltiples interpretaciones, generando así múltiples sentidos y significados. Jorge Araujo cuenta que “a las letras las hacemos con mucho humor, abiertas a múltiples interpretaciones y a veces sin hilo conductor. Entonces la persona que escucha una letra, lo más probable es que interprete algo que no tiene nada que ver con lo que uno pensó cuando la escribió”.
-¿Cómo es el proceso creativo en el trabajo de Gran Martell?
Tito: Trabajamos en equipo. Creo que la situación que proponemos es más compleja que la de otras bandas, porque al ser tres elementos, podés caer en la reiteración muy rápidamente, entonces tenés que investigar… y eso es algo que nos atrapa a nosotros, el tener que reformular las cosas como trío.
Jorge: De movida este trío se plantea como una cosa bastante diferente, en el sentido de que no arranca de lo que plantea un cantautor, sino que es justamente lo opuesto. Arrancamos de situaciones rítmicas generadas por Gustavo y por mí, y Tito tiene la capacidad de integrarse a esa situación. Este formato nos resultó divertido desde el comienzo porque siempre nos parecía que los temas eran diferentes; no encontrábamos, en lo que hacíamos, similitudes con otras cosas.
Gustavo: La banda siempre trató de explotar al máximo las posibilidades de los tres. Yo no sentí un límite, sino al contrario, más exigencia. Exigencia de cantar mejor, tocar mejor. ..Nunca fue una situación estructurada, sino que cada uno explota al máximo sus posibilidades, de hecho ese es el concepto del grupo. Encima al ser trío, también hay como una sobretocada natural que se da porque tenés que generar esos espacios para la experimentación, que si tenés un sexteto no te pasa. El formato de trío que presentamos te exige sonar bien y con volúmen. Esta situación es la respuesta al por qué tiene volumen la banda. Lo que es pesado de Gran Martell es el concepto y no tanto el volumen. Los temas tienen un concepto que por más que los toques más bajo o en otro formato no dejan de ser esas canciones.
De esta manera, queda demostrada, una vez más, la complejidad que caracteriza al grupo.
-Más allá de la complejidad de la banda (en lo musical y en las letras), ¿consideran que lo que hacen es música popular?
Gustavo: Absolutamente sí, porque creo que la música está dada por las personas que la tocan, y yo no me considero un intelectual para nada. Me considero un tipo que voy experimentado, trato de tener más cultura dentro de mis posibilidades. A parte, el género es popular. Debemos tener cuidado en no confundir y entender lo popular como lo futbolero, no es así. Se puede ser popular desde otro lado.
Tito: La música que hacemos es rock, y el rock es popular…
Jorge: No vemos el hecho de tocar o componer como una cuestión intelectual, sino como algo muy visceral, sentida. Pienso que si logramos que mucha gente nos escuche, entonces es popular.
-¿Advierten que las personas que los escuchan, en alguna medida, los toman como referentes?
Tito: Creo que en algún punto sí nos toman como referentes; y ahí es cuando pienso que hay una responsabilidad de nuestra parte. Una responsabilidad en el sentido de que de alguna manera vamos a dejar un legado, con lo cual tenemos que tratar de hacer lo mejor que podamos.
Jorge: Yo creo que uno debe hacer lo mejor que puede, pero también creo que en tanto que artistas no nos pueden cargar con la responsabilidad de ubicarnos en el lugar de formadores de opinión como si tuviéramos la posta. Yo soy un artista. Las responsabilidades que tengo son las de cualquier ciudadano; pero como artista soy libre y puedo decir y hacer lo que me parezca. Puede pasar que el público se sienta identificado con lo que hago, pero no tengo la posta de nada, entonces no puedo hacerme cargo de las falencias que pueda tener la sociedad en su conjunto.
En sus discos (Gran Martell y Dos Huecos), y más aún en las presentaciones en vivo, queda claro que Gran Martell es un power trío, que tiene como conceptos claves la innovación, la flexibilidad y la diversión. “No somos un grupo concreto, sino que jugamos con los significados. No nos interesa ser concretos y una única línea, sino que lo que nos interesa es la creatividad y que haya muchas interpretaciones de las cosas”, sentencia con claridad Fargo.
RASTA REX
Dread Mar I realizó su tercera y última actuación en el Teatro Gran Rex como presentación oficial de su flamante “Viví en Do”. Tres capítulos temáticos agruparon a las 37 canciones que conformaron el show: “Fuego”, “Amor” y “Verdad” fueron los títulos elegidos para cada uno de ellos.
“No convencerán” dio el puntapié inicial al concierto y marcó el inicio del primer bloque integrado por 13 temas. “Vos y tu maldad” y “Castigo” encendieron al público que estalló en una multitudinaria ovación durante “
Los temas de la sección “Fuego” mostraron la faceta mas combativa de Dread Mar I, quien interpretó con el carácter necesario cada una de las canciones: corrió, bailó y pidió “Amor y Paz” para todo el mundo. “Me doy cuenta”, “Hablan” y “My Lord” completaron el podio de las más festejadas en la primera etapa que culminó con “Moisés”.
La pantalla gigante de alta definición ubicada detrás de los músicos acompañaba con diferentes secuencias de imágenes a las canciones y guiaba a los espectadores señalando el principio y el fin de cada bloque.
“Amor” fue la denominación escogida para el segundo capítulo que exhibió la faceta lover de Dread Mar I y provocó el delirio de la basta platea femenina. Enfundado en un elegante traje gris, Mariano Castro abrió el bloque con “Sufro” e hizo hincapié en las canciones de su último trabajo; Solo “Tu sin Mi”, “Mi amor” y “Sálvame” fueron extraídas de discos anteriores.
El fanatismo, la alegría y las buenas vibraciones que transmiten las flamantes composiciones marcaron este bloque de 12 canciones, entre las que se destacaron “No te amo”, “De lejos” y “Migajas”, que terminó al compás de “Papel vida”. La ausencia de los coros presentes en el disco se sintió en mayor medida a lo largo de esta etapa ya que son uno de los condimentos más significativos del repertorio lover.
El último capítulo fue bautizado “Verdad” y estuvo integrado por 8 temas dedicados a Jah. Un nuevo cambio de vestuario, tam roja, camisa a cuadros y zapatillas a tono, evidenció a un Dread Mar I relajado. La intensidad de esta etapa se mantuvo en alto de “Principio a Fin”, como el tema que abrió el bloque. “Si te busco”, “La meta” y “Rayo de sol” anunciaron que el final estaba cerca.
La banda cerró el tramo final con “Donde estés” y se despidió del escenario pero, cuando todos se decidieron a emprender la retirada, Dread Mar I volvió a las tablas para regalar tres temas mas: “Aunque digan”, “No corras” y “Promesas”. Una nueva retirada fingida, con las puertas del teatro abiertas, y de vuelta a bailar con “La misión” para redondear una noche que, sin dudas, dejó satisfechos a todos y tuvo un final feliz.
LOS ÁRBOLES CANTAN DE PIE
Árbol sacó un nuevo disco, “No me etiquetes”; el segundo desde la salida de Edu Schmidt (actualmente persiguiendo una carrera como solista y productor) y el sexto desde que se formó la banda, hace ya más de 15 años.
Éste nuevo trabajo
es un potpurrí de distintos estilos musicales y conceptos, buscando una nueva identidad para el grupo, luego de la salida de una de sus almas maters. Nos juntamos con Pablo (guitarra y voz) y Hernán (guitarra) para hablar sobre el proceso de creación del nuevo disco.
Tomando en cuenta que vienen de viaje, ¿Cómo sienten que los fans de Árbol de afuera del país reciben a la música de la banda?
Hernán: Bueno. algo que nos dimos cuenta manejando toda la ironía que envuelve al nuevo disco fue que el argentino tiene un sentido del humor bastante afilado y punzante. La ironia para nosotros es como una moneda corriente, y en el resto de Latinoamérica no es tan así. Eso llevó a ciertas confusiones, porque “No me etiquetes” es un disco muy irónico. En Colombia, por ejemplo, un tema como “Plata plata” fue tomado demasiado en serio y eso nos jugó un poco en contra.
Hablando de ironía y confusiones, en el primer corte del nuevo disco, “Sábado en Ramos”, pareciera que la banda le hace culto a cosas completamente frívolas y carentes de contenido, como puede ser delirarse un fangote de guita poniéndose en pedo un fin de semana…
Pablo: Esa es la ironía de la que hablábamos. Y dentro de todo eso encontrás la frase “la felicidad solo es real si es compartida”, así que al final tan frívolo no es el mensaje de la canción. Si ves al disco como algo entero, vas a ver que después de ése tema viene uno hardcore, que no tiene mucho que ver con la onda electrónica. Pero eso es parte del concepto del disco, eso de no prejuzgar a nadie, ni a el mensaje de la banda misma.
Tengo entendido que ese concepto que hace al disco fue de hecho idea tuya, Pablo, y que por eso fue que te volviste productor de “No me etiquetes”, ¿Podés hablar un poco más de la idea original?
Pablo: El concepto tenía que ver con hacer un disco arriba, con energía positiva, mucha ironía, que abordara varios estilos y que además fuera corto, que valla al grano. Ya desde el título “No me etiquetes” tiene que ver con la libertad y con salir del encasillamiento. Por eso en el disco se abordan tantas temáticas y estilos distintos.
Todo productor tiene su método y me gustaría saber cuál es el que usaste vos para sacar adelante el disco.
Pablo: Bueno, en general como productor no tengo un método fijo. Cada grupo tienes su forma de trabajo y sus códigos propios, como una familia. El productor se tiene que amoldar a eso. “No me etiquetes” fue un poco más difícil de hacer que lo que estoy acostumbrado, porque cuando uno trabaja con otros grupos siempre trae la visión de afuera y eso ayuda. Con este disco, yo soy parte del grupo. Así que elegí los temas que tenían que ir y después me tomé una pequeña vacación de un par de semanas, dejando que mis compañeros pudieran ensayar los temas. Después volví con la mente más despejada, listo para ver las cosas desde un lugar más objetivo. Cuando ya teníamos los temas elegidos y grabados, le pase la mezcla del disco a Hernán aquí sentado.
¿Y vos Hernán cómo encaraste la mezcla del nuevo disco?
Hernán: Como Pablo, tuve que salir un poco de mi propio rol en la banda, aunque no gocé de la pequeña vacación que sí gozó él. Las mezclas en general tienen que ver con combatir los sonidos que chocan entre sí y sacar a flote los que suenan bien juntos. Una gran ayuda fue la de Ariel Lavigna, que masterizó el disco. Él es una persona con mucha experiencia en tango y folclore, (hizo el último disco de Mercedes Sosa), pero que también tiene una visión de lo que tiene que ser el rock.
Los sonidistas son en general perfeccionistas, ¿vos sos uno de ellos?
Hernán: En general sí, pero con este disco no hubo mucho tiempo. El material para mezclar me llegó 2 semanas antes de tener que entregarlo a la discográfica, entonces tenía que hacer mas menos a 1 cancion por día. Eso, aunque me corrió un poco con el tiempo, tambien me ayudó a hacer las cosas mas dinámicas. Las mezclas a los sonidistas son como los cuadros a los pintores. Nunca terminás de mezclar algo, sino que más bien lo abandonas, de la misma manera en que nunca terminás de pintar un cuadro.
¿Cuál va a ser el próximo video-corte de “No me etiquetes?
Va a ser el de “Volver al barrio”, que lo terminamos hace poco, con Eduardo Pinto, el mismo que hizo “Sábado en Ramos” y que también trabajo con Cuentos Borgeanos, Catupecu Machu, y muchos mas…
¿Salen minas en bolas o pendejas lesbianas, como en los cortes anteriores?
No, todo lo contrario. Es un video en blanco y negro que cuenta la historia de un tipo que vuelve a su barrio natal y que nos muestra a nosotros volviendo a la vieja sala. Tiene que ver con el concepto de extremos que queremos dar con el disco. La idea ahora es mostrar algo distinto a lo que venimos mostrando.
Por último, se viene un concierto en su tierra natal,
Pablo: Estamos preparando una lista bien larga, que abarque varias épocas del grupo. Hablamos de 25 canciones, entre 1 hora 40 minutos y 2 horas de show. También vamos a presentar parte del nuevo disco, aunque la presentacion oficial va a ser más a mitad de año, cerca de agosto. Eso último probablemente lo hagamos en un lugar más chico que de costumbre, para tener un mejor contacto con la gente.
NONPALIDECE A FUEGO
“Nonpa es lo más grande del reggae nacional” así alentaban los coros que llenaron el micro-estadio de Morón, mientras Nonpalidece presentaba “El Fuego en Nosotros” en la zona oeste. Colmaron por demás la capacidad del lugar a grada llena, y parecía hacerse más grande con todo esa gente respirando y exhalando al unísono.
El sonido fue excelente, el escenario se montó de cero, lo que es muy lindo de ver, como seguidor hay que sentirse especial, porque todo eso estaba hecho especialmente para uno que vienen a pasar un buen rato. Tres pantallas amenizaban las canciones y muchísimas luces fueron montadas. Más de 2 hs. nos regaló la mega banda, “hasta las 12 nos dejan quedar” dijo Néstor y la gente no los dejó irse hasta que colmaron el último minuto en su entrega.
Para los que no acostumbramos a ver reggae, y sí acostumbramos a ver bandas con beats más rápidos, tenemos un poco el prejuicio que una banda con este tipo de ritmo puede llegar a ser aburrido, que no vamos a poder disfrutarlo hasta el final, pero, para batir ese pensamiento llegó Nonpalidece, que da clases de diversión, no solo mirar al cantante, al coro y a cada uno de los músicos reír y bailar o correr por el escenario, también en lo musical mostraron un gran despliegue.
Durante el show podríamos hablar de momentos altos y muy altos, desde que empezaron con “Ciclo” hasta “Fin de Siglo”. Se le hizo el aguante a la banda siempre bailando, con algún amigo, con la novia o solito, vos, tu alma y Nonpa.
Una canción que despertó a todo el que estaba volando bajito fue “Reggae en el Universo” mientras el cantante pasaba haciendo algunos pasitos skataleros, con la carita pícara que nos hizo acordar por un momento al Mono de Kapanga, mucha pila en ese tema hasta un poco de pogo.
Después de “Tu Recompensa” el hit del nuevo disco de los chicos de Tigre, el cantante se detuvo un ratito a charlar con el público “Que bueno que estamos acá con ustedes, hace rato que no veníamos al Oeste. ¡Acá hay huevo loco! Ahora vamos con una, que yo se que la saben, están invitados a cantar” con una gran sonrisa empieza “El Fuego en Nosotros”, grandes llamas aparecen en las pantallas que hacen de fondo en la escena, después cambian y muestras chicos en situación de calle durante “Juanito”.
“Hace rato que no andábamos por el barrio, ¡Morón papá!, ustedes me sabrán decir, si está mejor o más peligroso” con estas palabras anunció “Danger Man”. Después Nonpalidece, parece que se va, pero solo a tomar algo para bajar el calor de las luces que hacen mella en la voluntad del más valiente. Volvieron por más, por 6 canciones más.
Se acerca el final, se anuncia, es el último, devuelve las banderas a los fanáticos, cada uno de los músicos da un pequeño show particular, musical y no musical, un bailecito, un solo o una coreografía o simplemente levantar las manos para alentar, estruendo y luces, después bajamos un cambio, los músicos se van de a uno, para que no sea tan fuerte la despedida, para no arrancar la flor de raíz, va bajando, se pone más lento, solo queda uno. Se terminó, gracias a todos, nos vamos a casa. Paz.
CIRO FOGLIATTA UN EX GATO SIEMPRE VIGENTE
Ciro Fogliatta vuelve con un nuevo CD de doce canciones.
Pasaron unos años desde de su último proyecto personal, el músico Ciro Fogliatta retorna al género que le proporcionó un lugar destacado en el rock de nuestro país. En Acordate de olvidarme se destaca "Balada para una bala" cuya letra pertenece al escritor Dalmiro Saenz.'Bordeando varios estilos nos encontramos con una buena dosis de rock n' roll plasmados en ese sonido "garage" que creara con Los Gatos Salvajes. También hay un rap, dos temas con ritmos latinos, una canción blues de su amigo Dicky Campilongo y una versión de Distinto Tiempo de Nito Mestre. Luego un blues-shuffle cantado por Florencia Andrada y una balada-folk que canta Paula Toth (hija del productor Alfredo Toth). Juanito Moro en batería, (hijo del inolvidable baterista Oscar Moro) grabó en todos los tracks y un invitado especial es el talentoso guitarrista Gonzalo Aloras que integrara la banda de Fito Páez que grabó "Laberintos del pasado" y "Canción para George" tema que Ciro dedica a George Harrison.Es muy valiosa también la participación en el disco de Alfredo Toth uno de los principales productores del rock nacional.
MASTIFAL
Mastifal, con 15 años de trayectoria,el grupo lanza su esperado cuarto album de estudio, Intermundia. Este disco llega luego de años de duro trabajo y producción, siendo el trabajo mas ambicioso y producido de la carrera de MASTIFAL y habiendo contado con un staff inmejorable para la realización del mismo: Una impecable producción de Demian Lorenzatti el cual trabajo junto a Alex Martin quien se desempeñó como co-productor. La grabación y mezcla fue realizada nuevamente en los estudios de
KARMA SUDAKA
En momentos que el grupo está a punto de iniciar una nueva gira vernácula, con el álbum Quema con tan solo cuatro meses en el mercado nacional, su cantante disfruta de este presente, sin olvidar el pasado y pensando en el futuro.
Sumergirse en la realidad de Karma Sudaca conlleva sentir un lindo calorcito en el corazón que transmite esa templanza que alcanzaron con su constante luchar por su sueño, por su arte, por su música, su gente. En este caso es el cantante Tony Molteni, el encargado de transferir el sentir del espíritu de la banda.
Del otro lado de la línea una voz cálida y alegre recibe con agrado el llamado, sorprendiendo el contrapunto que se genera cuando Tony de
be espetar todas sus verdades a través de la música de este grupo nacido en el “Jardín de
Nuevamente en gira por el país, esta vez acompañados por Nativo y los rosarinos Vudú, presentando el disco Quema que se despliega potente y directo, un material muy recomendado.
- Escuchando el disco se percibe una consolidación sonora de la banda, una voz poderosa, e influencias que van del heavy al folclore en perfecta armonía. ¿creen que alcanzaron su propio sonido o sienten que pueden aportar algo más y abrirse a mas estilos musicales?
- Creo que el disco está muy bien logrado, no solo en el aspecto sonoro sino en nuestra gran búsqueda de poder transmitir todos los sentimientos que cada canción lleva consigo. Cada disco es un nuevo desafío, nuevas historias para contar, nuevas cosas para decir, uno va aprendiendo en cada CD e intenta seguir creciendo.
Karma Sudaca logra llegar o alcanzar
con cada trabajo discográfico a una mayor cantidad de público que han obligado al grupo, por ejemplo, entre otras cosas, a reeditar al menos 3 veces el álbum de 2001 títulado Sangrando Sueños o reunir a 8.000 almas en su propia provincia en la presentación del también éxitoso Furia Interior de 2004, convirtiéndo esa comunión con su pueblo rockero en un hito histórico para Tucumán.
- ¿Cómo vienen las ventas del disco? ¿Y cual es la postura de la banda sobre la piratería reinante?
- Por suerte la venta anduvo muy bien, hubo que reeditarlo así que estamos muy agradecidos. Sobre la piratería es un tema escabroso. A nosotros los músicos nos gusta que las canciones lleguen a la gente no importa de que manera, pero de cualquier forma somos concientes que la piratería está cerrando fuentes de trabajo de muchísima gente, es algo muy triste.
- Hablando de lo que nutre a la música de Karma Sudaca, ¿cuales son las bandas, músicos, ideas o pensamientos que los influenciaron?
- No hay una banda en especial que haya influenciado a karma, nuestros gustos son bastante disímiles, en mi caso me gustan mucho las bandas de los "70" con Led Zeppelin a la cabeza, el colo es "Kissero", Calavera escucha mucho Metallica y Cacho es más del sinfónico como RUSH. Como verás es una verdadera ensalada.
Un detalle que puede hacer
comprender más la apertura que tiene esta banda preponderantemente rockera pero no por eso menos experimental, es que uno de sus integrantes, precisamente su baterista “Cacho” Palomino, forma parte de
En su último álbum tienen como invitados a músicos de Karamelo Santo, Don Vilanova y alguna vez trabajaron con Ricardo Mollo en la producción artística de Furia Interior.
- ¿Con que músicos les gustaría trabajar en el futuro y por qué?
- La verdad que con muchos, nosotros estamos deseosos de aprender y de estos monstruos se aprende un montón, la verdad es que estamos orgullosos y eternamente agradecidos de haber laburado con ellos, ojalá podamos seguir laburando con gente así, no te puedo nombrar uno porque vienen muchos a mi cabeza, lo que si hay alguien con quien nos hubiera encantado y no se pudo fue con Mercedes Sosa, una lástima, la admiramos mucho.
- ¿Cualés son los planes del grupo para este 2010?
- Girar y tocar presentand
o el disco en todos lados, ahora es la hora de la verdad, la hora de volver a estar con la gente frente a frente. Para nosotros el momento más feliz de nuestras vidas es arriba del escenario tocando, vibrando e intentando hacer vibrar, el rock es la pasión.
Una banda de rock o del estilo que fuere, que inicia el camino mostrando su arte debe luchar con innumerables inconvenientes que a medida que los afrontan van rasgando el velo que les impedía ver lo que su intención y esfuerzo es capaz de lograr, afianzando el conocimiento que uno mismo es el artífice de su propia realidad. Bien viene como ejemplo la frase de Ninon de Lenclos, cortesana francesa: “Cuando nuestros sueños se han cumplido es cuando comprendemos la riqueza de nuestra imaginación y la pobreza de la realidad”.
- ¿Cuál crees que fue el motivo por el cual Karma Sudaca alcanzó un renombre a nivel nacional, teniendo en cuenta lo difícil que se le hace a las bandas del interior del país poder progresar, aunque no es imposible, ustedes son la prueba que se puede?
- Son una mezcla de cosas, las ganas, la pasión que uno le pone a las cosas, el trabajo, el no renunciar ante todas las piedras que te pone el camino, la convicción de que si hay un sueño hay que sangrarlo, la suerte, pero por sobre todas las cosas es que sentimos que tenemos algo para decir, algo para compartir. La verdad es que estamos muy contentos con las cosas que nos han pasado, pero tomamos todo esto con mucha responsabilidad y día a día tratamos de esforzarnos mas por toda la gente que creyó en nosotros.
- Están en constante movimiento con sus presentaciones en vivo y participando en causas solidarias. ¿En Tucumán existe una escena rockera con el mismo compromiso laboral de ustedes?
- En el Norte hay una escena rockera impresionante con muchísimas bandas y muchísima gente que hace el aguante, y por suerte muchísimo compromiso.
- Se presentaron en distintos lugares del país, ¿ves alguna diferencia destacada en el público de cada una de la provincias que visitaron? ¿Con cuál sintieron más empatía?
- La verdad es que cada lugar es un mundo pero el rock se siente de la misma manera en todos lados, a nosotros nos han tratado con respeto y mucho calor en todos lados y estamos muy agradecidos por eso, no importan las distancias siempre nos hem
os sentido en casa.
- ¿Qué recuerdas de tu paso por Córdoba?
- Hermosos recuerdos, montones de anécdotas y de amigos, desde los primeros Cosquin rock donde nos tocó abrir el festival para una plaza llena y nos llevamos ese gran recuerdo de la gente pidiéndonos otra, hasta los recitales en el boliche de "Largo", en cada presentación nos hemos alimentado el alma.
- ¿Es realmente necesario para un grupo del interior poder hacerse un lugar en Buenos Aires para progresar y conseguir notoriedad? Porque Karma Sudaca han hecho de la autogestión casi un norte de vida, al menos con los primeros álbumes.
- Nosotros hicimos el camino contrario al que mandan los manuales, primero nos hicimos fuertes en el interior, y ahí empezaron a invitarnos a tocar allá, quizás es un camino más largo pero te aseguro que mas satisfactorio, hay una canción que dice "todo artista debe ir donde el pueblo está" y el pueblo está en todos lados no solo en Buenos Aires, aparte creemos que un artista no debe alejarse de sus raíces, sus olores, su gente pues es ahí donde radica su arte.
- Jugando con el nombre de la banda, ¿Cuál crees que es el Karma que recae sobre ustedes como grupo musical y cual es el Dharma, entendido esto como el propósito a cumplir en esta vida?
- Nuestro karma es la ansiedad, nos carcome la ansiedad, por mas que hablemos mas de mil veces entre nosotros de la importancia de la paciencia, explotamos de ansiedad y el propósito a cumplir es el de vivir y no sobrevivir, el de explorar cada segundo busca
ndo la plenitud, la felicidad, un mundo mejor es posible, estamos convencidos y esa es nuestra lucha.
Enriquece la experiencia de toparse con los detalles que forman el historial de vida, de una de las bandas del interior del país que más impacto ha conseguido a nivel nacional. Sobre todo la afable presencia de Tony, que con la cadencia de su voz y con el dictado de toda su humanidad, hizó letra para henchir nuestros corazones de esperanza.
DOBLE NN
Carlos Righetti, segunda guitarra y el cantante Lucas Alanis son las caras visibles de la banda que tiene 4 años de vida bajo el nombre de Doble N y que además integran Franco "Tano" Lunghitano en primera guitarra; Damian "El Pocho" Mozetich en bajo y Cristian "Oso" Mozetich en batería.
El quinteto se las ingenia para generar expectativas y oportunidades en la escena rockera cordobesa con creatividad, ganas y aprovechando hasta el detalle mas ínfimo, ofreciendo a su público un trabajo profesional en todos los aspectos: promociones, shows, relación con la prensa.
¿Quién dijo que de la nada no se puede generar abundancia? No es peyorativo lo de “Nada” y mucho menos cuando se está en una escena en crisis, entendido esto como una nueva oportunidad que el rock de Córdoba se da para poder proyectarse y Doble N es un ejemplo que los sueños pueden materializarse con un segundo disco por venir y a punto de registrar el primer DVD en vivo.
- ¿Como manejan las cuestiones de producción de Doble N? Parecen una banda consolidada, tienen afiches publicitando ropa, una destacada presentación fotográfica del grupo que los muestran como todos unos profesionales.
Carlos Righetti: En las fechas grandes, para llegar a ese tipo de publicidad “tapa de obra” necesitas de sponsor y lo hemos hecho todo a pulmón buscando sponsor de gente conocida, de amigos y en mi propio trabajo que quisieron ayudar a la banda. Es una autogestión absoluta la de Doble N.
Alanis: Nosotros tratamos de llevarlo a lo máximo que podíamos en cada momento, nos tropezamos mil veces y lo seguimos haciendo, vamos aprendiendo y creciendo.
Righertti: Somos nosotros cinco y Mauricio que es un amigo, como uno más de la banda que nos ayuda en muchas cosas extra musicales, escenografía, luces, contactos, es un chico joven y también está aprendiendo y tiene muchas ideas. Es como un manager y productor.
Righertti: Tratamos de hacer las cosas lo más profesionalmente posible. Buscamos hacer aquello que no se ha hecho en Córdoba, en detalles mínimos, quizás es una tontería, pero el hacer credenciales para la prensa es un detalle que vende.
Alanis: Queremos que la gente perciba que el rock tiene un lugar importante y que puede acceder a buenos espectáculos, que no es solo ir a un bar y “chuparse” toda la cerveza a morir. Podes ver gente que trabaja en serio para conseguir buenos shows.
Están por filmar el show que darán el 24 de abril en “Casa Babylon” para editar un DVD, llegando a esa decisión de una manera muy creativa y aprovechando oportunidades.
Alanis: Lo del DVD llegó como una tesis del bajista Damian Mozetich.
Righertti: Está haciendo una carrera de comunicación audiovisual y justo tiene que presentar la tesis y aprovechamos eso, que junto con sus compañeros van a ser como los “productores” de la fecha, bancan ellos la tesis y el show al mismo tiempo. Matamos dos pájaros de un tiro.
- ¿El lanzamiento del DVD ya lo tienen agendado?
Alanis: Eso será mas tarde porque vamos a necesitar dinero para publicarlo. Además, estamos componiendo canciones para el segundo disco que entraremos a grabar a mitad de año. Venimos con la producción de Guille Pigni y el ingeniero de sonido Javier Pedrocca.
Righertti: Planes hay bastante y lo vamos haciendo paso a paso. No proyectamos muy a futuro.
REUNION CUMBRE PARA HABLAR DE CELEBRACION DEL ROCK ARGENTINO
“Esto es la punta del iceberg de un repertorio valiosísimo”
Por Crist
ian Vitale
Litto Nebbia convocó a casi trescientos músicos para grabar doscientas versiones que acaban de salir en nueve CD. Fito Páez, León Gieco, Miguel Cantilo, Ricardo Soulé, Emilio Del Guercio, Rodolfo García y Silvina Garré participaron. Y todavía les dura la sonrisa.
Soulé, Del Guercio, Páez, García, Nebbia, Gieco, Garré y Cantilo: núcleo del songbook que es el sueño cumplido del ex Los Gatos.
Imagen: Pablo Piovano.
León Gieco: –¿Cómo se te ocurrió hacer semejante cosa?
Litto Nebbia: –Hace años tenía la idea de hacer un songbook mezclando gente de diversas generaciones, famosa y desconocida.
L. G.: –¿Los temas los elegiste vos?
L. N.: –El 40 por ciento del comienzo sí, pero después empecé a oír otras voces, a invitar gente que conocía. Entonces se me acercaba uno y me decía “che, no puede ser que no esté tal tema”.
Emilio del Guercio: –Ese era un lobbista (risas).
L. N.: –Un lobbista, claro. Entonces dije: “Vamos a hacerlo como si esto fuera un tapiz”. Acá hay doscientas canciones de estos diez años. No son la cosa representativa de todo, pero son doscientos temas, ¡la puta!
L. G.: –¿Y vas a seguir?
L. N.: –Sí.
La ciclópea edición de Una celebración del rock argentino –nueve discos con 200 canciones en versiones a cargo de casi 300 músicos, más un DVD, más un libro pleno de fotos y biografías, más un mapa genealógico del género– recién está dando sus primeros pasos y Litto Nebbia, imparable, ya está yendo a más. “Se vienen dos discos pero con música inglesa y estadounidense, de 25 temas cada uno”, sigue contestándole a León Gieco, que juega a ser periodista. “El inglés, con versiones de Kinks, Hollies, Zombies, y el otro con los yanquis que salen a contestarles: Lovin Spoonful, Jefferson Airplane o Byrds... Pero la verdad es que me gustaría hacer algo con el tango, ¿no?, porque todo el mundo conoce ‘Malena’ o ‘La última curda’, pero, ¿quién conoce ‘Yuyo verde’?”. Mientras Nebbia habla, miran azorados Rodolfo García, Fito Páez, Ricardo Soulé, Del Guercio, Miguel Cantilo y Silvina Garré. O sea, el resto de los músicos que llegaron hasta Melopea, el sello de Nebbia, para hablar de la obra con Página/12. “¿Ya estás pensado en más?”, se sorprende Cantilo. “La verdad es que yo ni en pedo podría hacer esto”, le sucede Gieco. “Le estás armando la charla a los gringos”, se ríe Páez.
Luego de una sesión de fotos callejera que aglomeró a medio Villa Urquiza en un mediodía de sol, los siete rodean a Nebbia. Abrazan al “padre del rock argentino”, según Gieco. Lo exaltan. Lo miman. El toma cerveza y se ríe. Está ansioso y feliz: es anfitrión, centro y parte. “Lo interesante de esto es que es como un espejo en el que nos miramos nuevamente y con otras versiones, con versiones de otros. Acá está su solidez”, se planta Del Guercio, sobre el espíritu de esta colección que el ex Los Gatos trabajó durante tres años para ofrecer al mundo en un paquete esencial.
“Hay gente de las nuevas generaciones o de las generaciones intermedias que no conoce cierto material, incluso muchos de los que empezaron con nosotros. Tenemos una radio de rock que sigue pasando ‘Jugo de tomate frío’, ‘Muchacha’ y ‘La balsa’. ¿Y estos temas, loco? ¿Qué pasa? A lo mejor, esta caja sirve para que un tipo escuche ‘Cruzando la calle’, y de hecho la cruce para comprarse un disco de Aquelarre. O para que otros no sigan pensando que Los Mockers eran un chocolate”, se embala Litto, tratando de encontrarle otro núcleo al compendio que condensa canciones del período 1963-1973, desde las más diversas miradas y enfoques, estéticos y generacionales. Y que será mostrado en vivo –por todos los que están sentados ante Página/12– el 21 de mayo en plena 9 de Julio, como parte de los actos del Bicentenario. Todos quieren hablar de la multijugada de Litto apoyada por la Secretaría de Cultura de la Nación. Se enciman. Se ríen. Levantan la mano.
Páez arranca: –La sensación primera y hermosa es que Litto, en su carácter de productor antropólogo de la Argentina, tiene la idea de juntar todo este repertorio y encima hacer nuevas versiones, porque esto también hay que contarlo como un gesto artístico de gran riesgo. Es de un valor importantísimo para la cultura argentina.
L. G.: –Porque no es sólo buscar los temas ya grabados y ponerlos en un disco. Hay que tener ganas y ánimo para hacer esto... Hay que sentirlo, y más viniendo de él, que nunca hace nada si no lo siente.
Silvina Garré: –Creo que este proyecto se puede hacer porque el que convoca es Litto.
L. G.: –El se inspiró en que todos decimos que es el padre del rock.
L. N.: –Y sí, dije: “¡A ver cómo se portan estos hijos de puta!”
Fito Páez: –De alguna forma, Litto está haciendo algo que debería hacer alguien del Estado: ordenar, curar, aunque no sea la historia certificada de todo lo que pasó aquí, ¿no? El está ocupando el lugar de un archivista de la nación y no es una tarea menor. Ojalá sirva esto para que las administraciones políticas tomen en cuenta que toda la actividad que se realiza en un lugar debe ser archivada para la constitución de esa nación.
Rodolfo García: –Sobre todo en un país como el nuestro, donde el tema de la memoria es crítico.
No para ellos, claro. Cada quien, entre los tres centenares de músicos que participaron de la celebración, se sumergió en versiones, cruces y reinterpretaciones de temas que ya tienen entre 37 y 47 años. Gieco, aunque no grabó en Melopea, como el 85 por ciento de los músicos, cedió “Es la lluvia y nada más”, una canción de Gabriela grabada en vivo en Olavarría, en 1978; “El rey lloró”, de Los Gatos, y “El fantasma de Canterville”. Páez se anotó junto a Los Gatos del regreso con “La balsa” –versión en vivo de agosto del 2007–, con Gonzalo Aloras en otro hit gatuno (“Viento, dile a la lluvia”) grabado en su casa, y en “Un ratón en vacaciones”. Y solo, en voz y piano, para recrear “A Starosta el idiota”, de Luis Alberto Spinetta. Soulé armó una banda de sueños para defender “Color humano”, de Almendra (Nebbia en piano, Alejandro Medina en bajo, Rodolfo García en batería y Gustavo Bazterrica en guitarra); y se mandó en solitario con una propia, “Los ojos del amor”. García, además de tocar la batería en muchas de las versiones, lideró la de “Campos verdes” –un viejo sueño”, dice–; su ex compañero de Almendra y Aquelarre, Del Guercio, encaró, junto a Nebbia, otro single de la banda señera (“Hoy todo el hielo en la ciudad”), y “Gloria y guitarra”, de Nebbia, en solitario. Cantilo visitó “Malena, no te rindas”, de Roque Narvaja; “Credulidad”, de Pescado Rabioso, y “Fuera de la ley”, de Los Gatos. Y Silvina Garré hizo “Sólo se trata de vivir”, de Nebbia y “Canción para los días de la vida”, de Spinetta.
F. P.: –“Un ratón en vacaciones” la grabé en mi casa y estaba bastante cagado porque le cambié los acordes, y cambiarle los acordes a Litto, bueno... te pone en el límite. Estábamos con Aloras y dije: “Bueno, vamos, que Dios y Nebbia me lo demanden” (risas).
Ricardo Soulé: –A mí me mandaron al frente directamente con una súper canción de Edelmiro Molinari como “Color humano”... Fue una honra total, nunca me había imaginado poder tocarlo con una banda de esas características.
Garré: –Yo me di el gusto con la única que se puede sacar de A 18 minutos del sol (disco solista de Spinetta de 1977), porque las demás son un moño (risas).
–¿Y el resto?
Miguel Cantilo: –Conforme por haber hecho justicia con “No te rindas, Malena”, un tema injustamente soslayado de Roque Narvaja.
L. N.: –Qué bueno, ¿no? Cuando encaré “Leves instrucciones”, de Almendra, lo hice instrumental, como si fuera una cosa de cámara, porque a veces hay músicas que para mí tienen abajo un trasfondo, otras posibilidades que te hacen acordar a otra cosa. Le cambiás alguna armonía y das paso a otro asunto, sin tocarle la esencia, claro.
–¿Por qué todas las canciones, excepto los dos discos dedicados a usted y a Spinetta, se restringen al período 63-73? ¿Es por eso de la memoria que mencionó García?
L. N.: –Más bien por la formalidad de hablar de diez años, y porque ese período ha sido un protagónico mío. Pensé que iba a ser más objetivo que si agarraba otra época... Eso que lo haga otro. Además, de ese momento apareció toda esta gente que le abre la pelota al rock argentino, con toda la trascendencia internacional que tiene. La verdad es que nuestro rock es el más reconocido de todos los de habla hispana.
M. C.: –Ojalá te copien la idea, Litto.
L. N.: –Ojalá, pero si a veces no sacan ni los discos originales de la monada, los secuestran. El otro día leí la ridiculez de que no va a ser de dominio público el disco de Mercedes Sosa...
–¿Costumbres argentinas?
F. P.: –Y... Si miramos a Brasil, vemos que hay una protección del material musical propio y además otra cosa: la circulación de repertorios y géneros surge como parte de la cultura de ellos, en la que no hay tanto prejuicio entre si venís de la bossa, el samba o el tropicalismo... Las cosas circulan vaya uno a saber por qué: motivos geopolíticos, el mar, la casaza, lo que sea. Acá nos ha costado mucho eso, básicamente por este monstruo que es Buenos Aires; la cabeza de Goliat, diría Martínez Estrada. Digo: es muy difícil que un porteño conozca a Isaco Abitbol.
–Y eso que está León...
F. P.: –Por supuesto que él ha hecho una tarea importantísima en ese sentido, pero nunca fue algo relajado aquí. Hubo, sí, grupetes que conocíamos el tango, el folklore y el rock, pero nunca circuló en serio a nivel cultural. Siempre fueron ghettos. Posiblemente, la figura de Litto sea fundamental como fue la de Mercedes. Ella juntó mucha gente en su mesa, incluso de los estratos más diferentes, se sentaba con Félix Luna, con Charly y con León.
L. G.: –O tocaba con los Illya Kuryaki cuando los pibes tenían 11 años... “Argentos, argentos...” ¡con el bombo!
F. P.: –Es motivo de celebración.
–¿Qué lugar ocupa el rock argentino en esta circulación?
Emilio Del Guercio: –Creo que es el gran anfitrión, el que invita a todas esas músicas, como el tango, el jazz o el folklore.
L. N.: –Para nosotros, en un inicio, aproximarnos a tipos diez años mayores con el jazz, el tango o el folklore fue como encontrarse con la policía, guarda. Fue muy duro, hasta que bajó un poco y uno pudo encontrarse con algunos de los talentosos y abiertos.
F. P.: –Me imagino la cara de algunos de ellos cuando mostraste “El bohemio va”, por ejemplo.
L. N.: –Bueno, algunos tipos te decían que tu música no tenía la medida exacta... ¿Qué te creés, que soy una modista?
El giro temático de Páez había incorporado dos tópicos súbitos: la comparación del trato cultural “desde arriba” entre la Argentina y Brasil, y la conjunción de géneros, algo que este compilado roza pero no besa (aparecen aportes de Pablo Agri, Fats Fernández o Ricardo Lew, pero la mayoría proviene del rock). “Lo que siempre me gustó de Brasil es que, no sé, hay compositores que tienen docenas de grabaciones de sus canciones, pero no de las que fueron hit, material de ellos que generalmente graba gente que no es compositora. Acá ha existido eso en algunos sectores y con algunos músicos, pero no de una manera natural. Y además es una cosa que se fue formateando con el business”, retoma Nebbia.
–¿A qué se refiere, específicamente?
L. N.: –Por ejemplo, si agarrás muchos de los últimos discos grabados en sellos grandes, los invitados son de la misma compañía... O sea que para tocar con un tipo le tenés que preguntar de qué sello es, si no no podés tocar con el tipo. Así, la vida es un embole.
–Es complicado darle un concepto unívoco a esta colección. ¿Podrían intentarlo?
M. C.: –Creo que esta colección es como la punta del iceberg para el rock argentino. Tenemos un repertorio tan amplio y valioso que, en realidad, lo que juntó Li-tto acá es un gran disparador.
E. D. G.: –Y hay algo más puntual, que es que la ansiedad de Litto de querer meter más y más material desembocó en una idea que me parece muy piola: las separaciones entre versiones completas, a través de viñetas. Me encantan las versiones instrumentales que unen canciones desarrolladas.
M. C.: –Claro, porque uno se da cuenta de que el rock argentino tenía temas factibles de ser instrumentalizados. Nunca se daba eso, y en este trabajo se da.
–La versión instrumental de “Muchacha”, de Ricardo Lew, cuenta entre las mejores. ¿Coinciden?
L. N.: –Impresionante. Muy linda.
R. S.: –Bueno, muchos dicen que cuando la música es instrumental es porque se pone los pantalones largos.
–Además, buscando otro “núcleo”, aparece la resignificación de todas esas grandes bandas de los ’60 y los ’70, ¿no? Hubo un momento, que más o menos coincide con el “discurso único” de los ’90, en que muchas de ellas habían sido omitidas.
L. N.: –A eso lo asocio con una cosa de las grandes compañías que creen que el mundo terminó, que no hay más discos... Pero hay cosas que no van a cambiar nunca. Al estar maltratado el negocio, ya no saben qué inventar y dicen que la vida pasó... No, lo que pasó es el trabajo que hacen ellos, por eso hay cada vez más sellos independientes, más grupos que se cobijan de esa manera. Y ser independiente, porque acá radica el sustrato de este trabajo, significa ser libre y que no te rompan las bolas. Todos los que están acá es porque quieren estar.
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