CRONICAS DEL GRAN 30 DE MAYO

LOS PIOJOS EN LA CANCHA DE RIVER, ANTE 65 MIL FANS

Réquiem para una despedida anunciada

La banda del noroeste bonaerense inició el sábado su “parate” tras un recital contundente y emotivo que debió luchar, sin embargo, contra las inclemencias del tiempo. Ni la lluvia ni el frío amilanaron a los fans, que cantaron aquellas canciones con las que crecieron.

Por Matías Córdoba – Para Pagina 12

“Las despedidas son esos dolores dulces.” Así concluyó la carta que escribió un fanático de Los Piojos, que él mismo leyó ante las 65 mil personas presentes en el estadio de River Plate. Y sin quererlo, ese apotegma ricotero es el resumen de la noche del sábado, donde el frío, que calaba los huesos, y la lluvia, incesante, obligó al público a guarecerse en cualquier rincón del estadio. Fue la síntesis perfecta porque Los Piojos lucieron –de a ratos– esa potencia de la que hacen gala en sus conciertos, pero también la alegría de sus canciones y la desdicha que genera cualquier adiós. Todo eso sumado a la pelea del sonidista contra las inclemencias de la lluvia y los embates del viento, que parecían convertir al estadio en un conejillo de indias de la experiencia climática. No sólo el sonidista, los integrantes de la banda también tuvieron que lidiar con los caprichos del tiempo.

Sin embargo, más allá de los dolores de cabeza y las circunstancias que rodearon el ¿último? ritual piojoso, la banda supo demostrar por qué es de las más convocantes del país: la devoción de los músicos por su público (“Los amamos a todos”, “Son el mejor público de todo el mundo”, decía Andrés Ciro, cantante, entre tema y tema), es, sin duda alguna, similar a la que siente la hinchada piojosa por cada uno de los integrantes de la banda. Pero no es ésa la única característica que los hace masivos. Mal que les pese a los detractores de Los Piojos, ellos fueron, junto a La Renga y Viejas Locas, los que tatuaron en canciones las desesperanzas y el desencanto de los pibes de los barrios bajos. La versión amarga y apesadumbrada de “Todo pasa” dejó en claro esta situación: mientras tocaban el tema de Tercer arco (’96), pibes y pibas, abrazados, lloraban en las plateas, en el campo, y algunos de esos rostros curtidos por el frío y el viento, mojados por las lágrimas, se veían en las pantallas que flanqueaban el escenario. Fue la generación que creció con la ilusión puesta en una banda de rock.

La cita a Moris con “El mendigo del Dock Sud”, que abre “Genius”, es la conjunción de la primera y la segunda fundación del rock barrial. Y es el tema del disco Azul (’98) el que desata al público. Himnos. Eso es lo que construyeron los fanáticos alrededor de las canciones de Los Piojos en el ritual de River. La mayor parte de los clásicos de la banda provienen de Ay Ay Ay (’94). No es casual que cuatro de las primeras cinco canciones del recital fueran de aquel álbum: “Te diría”, “Babilonia”, “Manise” (que en la votación vía foro de Internet, fue, junto a “Los Mocosos”, la más votada) y “Ando ganas (llora, llora)”, para después continuar con una seguidilla de canciones de amor: “Tan solo”, “Todo pasa”, “Luz de marfil” y “Fijate”.

La banda se completa con Gustavo “Tavo” Kupinski (guitarra), Miguel Angel “Micki” Rodríguez (bajo), Sebastián “Roger” Cardero (batería), Juanchi Bisio (guitarra) y Chucky de Ipola (teclados). Antes de comenzar con “Pacífico”, Andrés Ciro se sincera: “No soy muy dado para los discursos. Así que todo lo que tenemos para agradecerles, lo vamos a hacer a través de esta canción”. Y justo es la que dice así: “voy a llevarte en mí / y ahora sé muy bien / que me llevarás / hasta donde estés / adonde vayas”. El público estalla en aplausos, y se nota a un Andrés Ciro conmovido cuando ve saltar a la gente en el estribillo de “Luz de marfil”, del disco Verde paisaje del infierno (’00). La alegría y la tristeza se ciernen sobre el estadio. Aunque también la poca certeza de saber cuál será el futuro de la banda. ¿Un parate cuánto significa? Para el público, sólo unos meses. Sin embargo, puede llegar a durar años. ¿Qué es lo que puede saturar a una banda que tocó cinco veces en el estadio de Núñez?

Al fin y al cabo, en la carta abierta que publicaron en su sitio oficial, hablan de no llegar a “una saturación definitiva” y de que si siguieran tocando “sería triste fingir espontaneidad”. La realidad demuestra que el alejamiento paulatino de algunos integrantes (Dani Buira, Daniel “Piti” Fernández), y, los rumores –previos a este último River– de una de una posible salida de Kupinski, desnudaron algunas internas dentro de la banda que, lamentablemente, no pudieron ocultar ni tampoco desmentir. Pero en el show no se vislumbró ningún cortocircuito. Sonaron con fuerza, sin dejarle respiro a un público que pedía más y más canciones.

Hasta tocaron más de la cuenta: después de “Finale” –esa canción que tiene la costumbre de cerrar todos los rituales piojosos–, hicieron “Ruleta”, “El Viejo” (cover de Pappo’s Blues), “Los Mocosos” y “Muévelo”, temas que dieron por terminado el show y no formaban parte de la lista oficial que recibió la prensa. En un recital de ¡tres horas y cuarto! la banda también hizo covers: “Debede”, de Sumo, “Around and around”, de Chuck Berry, “Sex Machine”, de James Brown. En “Cruel”, desde el campo, una persona encendió una bengala que el mismo público se encargó de apagar. Hubo algunos aplausos aislados. En ese mismo tema, subió a tocar la batería Dani Buira, baterista original de Los Piojos, y con su grupo de percusión La Chilinga se hicieron cargo de darle un toque trascendental a “Verano del ’92”.

Dio la sensación de que a la banda, la despedida se le fue de las manos. Era mucha la expectativa. En los alrededores la gente se acercaba con sigilo, mientras recibía los oportunistas volantes de la agrupación política Nuevo Encuentro, que era una colección de frases de la banda de El Palomar. Se fue de las manos porque la banda no quería, precisamente, una “despedida”. Y mucho menos una despedida grandilocuente (en un principio el show iba a realizarse en el Club Ciudad, pero la gran demanda de entradas obligó a mudar todo a River). Toda despedida es un hasta luego doloroso. Pero también, como sucedió el sábado en Núñez, un adiós dulce, entrañable. Mágico.

LA RENGA SE HIZO FUERTE EN LA PLATA

El rock calentó el ambiente

El trío que integran Chizzo, Tete y Tanque dio una nueva muestra de su vigencia rocanrolera, ante más de 45 mil personas. Tocó todos sus clásicos, desde “Panic show” hasta “El final es en donde partí”, y adelantó material de su nuevo CD de estudio.

Por Mario Yannoulas – Pagina 12

“La Renga no se separa.” Es lo que todos querían escuchar, y Gustavo Nápoli, Chizzo, cantante, guitarrista y compositor, lo dijo. Fue en el Estadio Ciudad de La Plata, ante las más de 45 mil personas que se acercaron el sábado a pesar de la lluvia para escuchar dos horas y media de su grupo favorito. La Renga está grabando un nuevo disco, y los rumores instalados por corridas mediáticas quedaron chiquititos.

“¡Qué frío!”, un comentario plausible que nadie pronunció el sábado en la capital de la provincia. Durante las horas de previa la lluvia fue constante, de ésa que no se termina de animar y por eso es la más molesta. De ésa que después de caminar un rato hace que las zapatillas se conviertan en biomas singulares, caldos de cultivo de enfermedades futuras. En los alrededores del Estadio Ciudad de La Plata, en el que otro boca en boca y algunos medios anunciaban que se presentaría La Renga, las condiciones climáticas eran hostiles. No era importante: el clima popular, desde las seis de la tarde, empezaba a mostrar su color. Ante la mala estrella de los vientos, lo mejor que podía hacerse era poner calidez. Así fue.

Cálida fue la voz de Norberto “Ruso” Verea, a la cabeza de una transmisión radial que recorrió la espera dentro del estadio, donde musicalizó y presentó un compacto de la historia del rock and roll, empezando por los bluseros negros: “Este es un regalo de los chicos para ustedes”, dijo el Ruso. A las nueve de la noche, hora a la que estaba anunciada la explosión, el lugar estaba a medio llenar y de fondo sonaba ZZ Top. Sobre el escenario, emplazado sobre una de las plateas, tres voluntariosos secaban el piso mientras la gente seguía llegando como cascadas humanas, derramándose desde las populares hacia el campo. La lluvia prometía regalar compasión, pero seguía sin importar.

A las diez estaban todos. Incluso en las populares, que minutos antes parecían no llenarse nunca. En menos de una hora, el lugar había quedado repleto, con unas 45 mil personas dentro. Puntualmente una hora después de lo anunciado se apagaron las luces y La Renga detonó con “Almohada de Piedra”, pieza de Truenotierra (2006), su último disco editado hasta el momento. “Tripa y corazón”, “A tu lado” y “El terco” completaron un inicio previsible pero eficaz.

Cálida era la banda, cálida la escenografía. El trío (Chizzo, Tete, Tanque) parecía refugiado entre las paredes de una construcción gótica, custodiado por gárgolas protectoras. En el fondo, una galería que conducía a quién sabe dónde. Se juntaban para darse calor, hornear la información más pura y darla a conocer a quienes realmente les interesaba escuchar. Días e incluso semanas antes de este concierto, alguien había lanzado el rumor de que La Renga se separaba, que grababan un último disco y listo, que la historia tal como venía tenía fecha de vencimiento. Por supuesto, esa posibilidad se fue pareciendo más a la verdad a medida que circulaba por distintos medios de comunicación sin que la banda se hubiese manifestado. Como si esto fuera poco, Los Piojos, la otra banda más convocante del rock local, había reprogramado su show seudo despedida en River para el mismo día, lo que le daba un aire más raro a la situación. Ahora era su turno para hablar, dar la palabra final, y Chizzo lo estaba esperando con los dientes apretados. “Con respecto a todo lo que estuvieron diciendo periodistas y locutores, creando confusión... dijeron que La Renga se separa, que se suspendía el show. Se ve que ustedes le hicieron caso –ironizó–. La Renga... La Renga no se separa. Y el show no se suspende tampoco.” La ovación fue enorme. “Este tema va dedicado para todos los que estuvieron hablando giladas”, introdujo el guitarrista voz de león, y punteó el riff de “Moscas verdes para el charlatán”, el único tema de la era pre Despedazado por mil partes que se hizo escuchar. Paró el agua, llovían calzados. “Paren loco con las zapatillas, que se puede lastimar algún músico y se termina el recital, ¿qué te pasa? ¿te mandan Los Piojos a vos?”, apuró a uno y levantó risas.

Cálidas eran las luces. Con las dudas disipadas, la noche se encaminó más distendida y el sonido se acomodó. El sector del campo más cercano al escenario ya era una caldera. De esas cabezas emergían vapor y polvo, levantado por el furor que rompió la lona protectora: “Se están calentando ahí”, advirtió Chizzo, y presentó “Canibalismo galáctico”, un adelanto del disco que graba el grupo por estos días: “Algo así como un espejo del cosmos, donde se ve cómo los seres se carcomen entre sí”, intentó. Cálida fue la lista, con temas como “El cielo del desengaño”, “La boca del lobo”, “Desnudo para siempre” y “Al que he sangrado”, que terminaron de delinear un plan basado en las buenas canciones, ágiles y potentes.

Luego de “Cuándo vendrán”, “Ruta 40” y “El viento que todo empuja” –en su versión ’96–, la falsa despedida se produjo a las 23.45 con “El rey de la triste felicidad”. “Este recital está siendo transmitido en vivo para todas las radios comunitarias del país y Latinoamérica. No hay monopolios de por medio, está trabajando gente que quiere que las cosas estén un poquito mejor cada día”, anunció Manu, el cuarto La Renga, encargado de casi todos los vientos desde que Chiflo debió abandonar por problemas de salud, si bien se sumó en algunos pasajes. Y Chizzo se plegó: “Por eso, cuando hablamos de redistribuir la riqueza, también hay que hablar de redistribuir los medios de comunicación”. “Detonador de sueños”, “Panic show” y “El rebelde” se sucedieron por allí hasta desembocar en el bloque final. “Esperen el nuevo disco. Ojalá les guste”, fue el deseo del cantante y de la banda. Llegaron “Oscuro diamante” y “El final es en donde partí”.

Una vez más, a la hora de ir a ver a La Renga se sabe con cierta certeza lo que va a ocurrir. Se sabe que no tocan el mismo tema con el mismo tempo dos veces seguidas. Se sabe que afuera la previa será un desmadre. Se sabe que además de tocar el bajo Tete barrerá el escenario en sentido horizontal y también vertical, saltando y tirándose al piso, cantando las letras de las canciones como un fan más. Se sabe que apostarán a una buena puesta en escena y buscarán sorprender hasta con el más mínimo detalle. Se sabe que cerrarán con “Hablando de la libertad”. Se sabe que agradecerán abrazados sobre el sonido algo irritante de una guitarra que quedó sonando. Esta vez, fue hasta las doce y media de la noche. Políticamente es importante que La Renga siga sobre los escenarios. Lo mejor es cuando todo eso sale bien. Y así fue el sábado en La Plata.

NOTABLE ACTUACION DE ANDRES CALAMARO EN EL LUNA PARK

Así es el estado de gracia rockera

Aunque su novedad discográfica, la flamante caja con cinco CD, haya sido excusa para este show, no hubo estrenos, tomas alternativas, covers ni rarezas. Sólo clásicos y más clásicos, que dieron cuenta del gran momento por el que atraviesa El Salmón.

Por Luis Paz – Para Pagina 12

García, Spinetta, Solari, Cerati, inclusive Sandro: ellos son los rockstars argentinos. Andrés Calamaro es definitivamente otra cosa. Un trovador más parecido a De Vitta, Aznavour o Simone que a Jagger. Un compositor de verdaderos himnos y no los del concepto bastardo. Casi con seguridad, el que más le cantó al Desamor en el rock argentino. Es que a diferencia de Charly o El Flaco, él no estuvo obligado a madurar antes de tiempo, no fue referencia filosófica o política del Rock sino hasta hace algunos años. Con tiempo para añejarse y la guía temprana de un paladín sensible (de Palermo, Miguel), mantiene dientes y pelo, siendo el contraejemplo contra todo pronóstico, porque es también el más politóxico rockero nacional, el que aquilata más temporadas en el Infierno. Por razones como ésas y un quehacer artístico tan simple como la creación a voluntad, por estos días toca el Cielo del Rock en estado de gracia, en la plenitud del Estado de Rock. El de verdad.

Es cierto, sí, que aunque hoy cumbias, trovas y tangos lo definen tanto como la distorsión (pero menos que el bardo), es rockero de ley y una estrella para la cosmogonía popular. Por eso hay que entender el comienzo de su show del sábado en el Luna Park como una iniciativa intimista: 6 mil personas sentadas obligan a una perspectiva y una disposición distintas de las de un recital para 40 mil cuerpos parados. Calamaro no arranca lento: arranca despacio y con cadencia tropical.

“La parte de adelante” presenta a su orquesta de salón. En “Carnaval de Brasil” es claro que, para esquivar el coro de masas y hacer valer la condición propia de cantante salmón regresado, romperá las melodías vocales para abstraerse del aforo. Hace gala con alaridos en “Mi gin tonic” y tocando el cencerro en “Donde manda marinero”, a la que le suma coreografía. Recién en “Media Verónica” se sale del traje para una comunión fuera del lenguaje musical: “Muchas gracias Buenos Aires”.

La gente estalla en el estribillo de “Todavía una canción de amor”, de unos Los Rodríguez que son tan argentinos como el mate amargo con el que Calamaro va regulando. Con “Elvis está vivo”, además de los estertores entre el público, ocurre que algunos se dan cuenta de que ya van siete temas y no apareció nada de su segmento autorreferencial. Hasta “Para seguir”, su nuevo canto de guerra: “Ya estoy yo para grandes canciones o para revelar emociones”. En realidad, hace rato ya.

Como maestro del Ilusionismo y la Desaparición (Deep Camboya, Madrid y después), a AC le iría perfecto un I’m not there (either); y como docente de Coti y Pity, de tipitos, estelares y decadentes, seguirá estando aquí, allá y en todas partes, ya dueño de su propia finca en las páginas grandes de la historia rockera y habiendo alcanzado antes el Salón de la Fama en la estima de los parias, infames y marginales.

Esas desapariciones geográficas y narcóticas hacia el interior de su búnker o el exterior de un país que empezaba a llorar una crisis que llegaría en 2001 aparecen reflejadas en “Todo lo demás”, “El día de la mujer mundial” (de los más altos puntos del recital, con guiños a “Stairway to Heaven”) y “Los aviones”, que lo encuadran en la escuela de storytellers de pulso rockero pero también en la de los tangueros, cuando aparecen la irónica “Jugar con fuego” (ya fuera de sincronía con su presente) y “Los mareados”. Antes de ese segmento arrabalero, recuerda la “tradición” del Luna Park: del Circo de Moscú y Holliday on Ice a Los Abuelos de La Nada y un “Miguel que sigue aquí”, del show simultáneo a los Stones y Dylan tocando en River (cuando junto al fallecido Guillermo Martín ayudó “a hacer de Buenos Aires la capital mundial del rock”) a las celebraciones recientes con Pappo y Juanse.

Son sólo elementos de una historia imposible de abarcar todavía y aquí, en un periódico. Una historia que ni El Salmón ni Andrés pueden contar completa. Y aunque su novedad discográfica (también conocida como La Caja) haya sido excusa para este show, no hubo estrenos, tomas alternativas, covers ni rarezas. Sólo clásicos y más clásicos a los que apenas se les puede agregar que “El novio del olvido” y “Copa rota” fueron los últimos momentos para estar sentado y disfrutar de lo que por momentos pareció una jam session entre amigos en buena forma, antes de la supernova que fue la seguidilla “Estadio Azteca”, “El salmón” y “Los chicos”, en la que este cantante popular jamás flaqueó.

“Tuyo siempre”, la celebradísima “A los ojos” y “Días distintos” (de las mayores punkeadas de AC) lo embravuconan tanto que despliega con osadía y confianza un chal como si fuera un torero resistiendo los embistes de la nostalgia farmacéutica: “Ole, ole, ole”, lo ayuda la gente, su gente, ganada en buena ley con años de trabajo sustentable. “Me dicen que el análisis de efedrina de Diego dio negativo y que ganamos el Mundial”, bromea para salirse de ese espiral memorial antes de “Me estás atrapando otra vez”. Sigue loco, pero libre y limpio.

“Crímenes perfectos”, “Me arde” y “Alta suciedad” aturden por emoción y musicalidad. Estira los fraseos, sigue falseteando y dando alaridos, bailando, percutiendo y tocando la viola en celebración renacentista. ¿Se puede sumar algo acerca de “Paloma”, esa canción grandiosa que –ya lo dijo el periodista Roque Casciero en estas páginas–, no tiene estribillo y nunca fue corte de difusión? Difícilmente. Solamente hay que sentirla como espina en el hígado del recuerdo amoroso perdido ya.

“Sé que pagaron mucho por estas entradas, cuando termine el recital pueden llevárselas a casa”, había bromeado un rato antes. Sin incurrir en análisis de presupuestos ajenos, el show fue excelso y cumplidor, con llantos en el público y confesiones amorosas de una rubia en estado de ebullición que aclamó “Andrés, te amo” en cada intermedio y que casi tuvo un orgasmo en la imperecedera y rodriguera “Canal 69”.

El punto y seguido, porque Calamaro repitió anoche en el Luna, fue con “Flaca”. Y así como había empezado anunciando que es “vulnerable” (en “La parte de adelante”), termina pidiéndole a esa figura fantasmal imprescindible de Alta Suciedad no volver a caer en la tentación.

NOTICIAS DEL ROCK DAK 03/06/09

LUIS ROBINSON, RICARDO TAPIA Y DANIEL RAFFO

Los tres mosqueteros del blues

El show de hoy en el Club Lounge servirá para abordar “el revés del blues”: acostumbrados a la fiereza eléctrica, mostrarán standards del género en versiones desenchufadas. “Necesitamos un respiro así. Somos tipos muy cableados”, dicen.

Por Cristian Vitale – para PAGINA 12

“Si nos damos la mano nos electrocutamos”, dispara Luis Robinson. Es, quizás, una forma elegante de dejar sentado el latir eléctrico que subyace al pulso blusero de los tres: él, Ricardo Tapia y Daniel Raffo, cada quien en su metier, no conciben al género de otra manera... a menos que se junten. Y aquí va el chiste: como un relax en el medio del devenir “normal”, estos tres mosqueteros del blues se juntaron, coparon una sala de ensayo, se pusieron a improvisar una serie de standards y esta noche mostrarán el resultado en el Club Lounge (Reconquista 974). “No sé. Nos damos el gusto de abordar el revés del blues, su otro lado. Somos todos muy eléctricos, extremadamente, diría, y necesitamos un respiro así. Somos tipos muy cableados”, refuerza Tapia, desenchufado. Trasnoche de blues se llama la cita y significa, dado el background de los tres, una de las propuestas intragénero más llamativas en lo que va del año.

–¿Cuesta bajar de los 220?

Luis Robinson: –Es divertido, porque te descontrolás o matizás un poco más, algo que lo eléctrico te impide, porque el sonido te juega en contra, o renegás de los lugares. En cambio, sabés que si tocás acústico, cualquier lugar va a sonar bien. Recuerdo que ser músico acústico con las Blacanblus era un placer, porque todos estábamos en función de lo vocal.

Ricardo Tapia: –Clima y tensión. El acústico tiene ambas cosas, porque la tensión surge y la manejás con volumen... a veces estamos tocando algo minimalista y de golpe sube y crea otro clima. Es un divertimento chiquitito pero bueno.

Daniel Raffo: –Aparte, la tensión aparece porque somos tan pocos que se equivoca uno, miramos, y ya sabemos quién fue (risas). No hay margen para el error.

El espíritu de la juntada es coyuntural y lúdico. Si bien hay cierta intención de grabar un disco “algo folk, algo relajado” –informa Tapia–, inicialmente emerge como un relax entre lo que cada quien hace aparte. Tapia con Mississippi y un disco que está a punto de editarse: 20 años, un compendio en vivo de versiones de temas viejos con Ricardo Mollo, Botafogo (Don Vilanova), La Mancha de Rolando, Tom Lupo y Nonpalidece como invitados. Raffo, con su eterno e itinerante proyecto (King Size) con otro disco en puerta: Daniel Raffo, King Size y otros. Y Robinson, ex armoniquista de Pappo y de todos, además de volver a Mississippi (la había integrado en las época de Mbugi), da clases y clínicas, rutea por el interior y motoriza un quinteto de blues de mujeres llamado Tropina. Redunda Tapia: “Es como un descansito para volver a lo eléctrico con más ganas. Hay muchos músicos que hacen esto, caso Neil Young, que siempre ondula entre lo súper acústico y lo súper eléctrico, y siempre con propuestas diferentes. Es muy lindo el contraste”.

–¿El trío tiene nombre?

R. T.: –No. Es como los grupos de tango que tienen los apellidos y ya está, una onda Salgán–De Lío... Ojalá lleguemos a la mitad.

La propuesta unplugged del terceto se circunscribe a un repertorio hecho, básicamente, de standards de blues clásico, más algunas versiones de Pappo y JJ Cale, siempre con Tapia en voz y guitarras acústicas; Raffo en guitarra eléctrica –una excepción– y Robinson en armónica. “Igual, lo que ensayamos es más teórico que práctico: nos juntamos en la sala y decimos ‘bueno, toquemos esto’, pero los temas los dejamos librados al show. La otra vez nos gustó tanto un tema (‘Magnolia’, de Cale) que lo tocamos dos veces en la sala. Fue demasiado (risas). La idea es marcar los inicios, ver quién hace los solos y dejarlo librado al azar”, señala Tapia.

–¿Cómo leen el presente de un género que, tiempo atrás, ha alternado períodos de auge con otros de retracción?

R. T.: –Yo creo que el blues está destinado a ser respetado, más que ser explosivo. Es un género destinado a gente que escucha música y no al cabezazo y el choque del pogo, ¿no?... creo que por esto logró un lugar de respeto. El público no es decreciente, no es el de los festivales, sino el que disfruta, por ejemplo, de ver un show de John Mayall tranquilo, disfrutando.

–Igual, es indisimulable que existe un antes y un después de Pappo, que su muerte fue una bisagra...

D. R.: –Sobre todo porque era el link directo del blues nacional al rock. Junto con Manal, él ya estaba tocando blues y lo tocaba como Clapton en Cream y los Bluesbreakers. Esa camada de gente agarró, a nivel guitarra, esa escuela y, a través de ellos, captó perfectamente a sus antecesores afroamericanos.

R. T.: –Yo creo que alguna vez se va a tomar distancia y se va a ver qué tipo de músico era Pappo. Se paraba en el escenario y capaz que estaba diez minutos sin moverse y la gente lo aplaudía igual... eso es muy fuerte.

L. R.: –Es notable cómo, a cuatro años de su muerte, cobró sentido su nombre. Es cierto que antes era respetado, pero yo, que toqué años junto a él, me acuerdo de que había luchado años en que las compañías reconocieran su música. La llama de Pappo es muy fuerte en todo el país: se lo venera. Pensé que iba a durar un año, dos, como pasó con Luca en su momento, pero Pappo está muy vigente. Cuando subía a tocar con él, cerraba los ojos y sentía que tenía a Johnny Winter al lado.

¿EL INDIO SOLARI TOCA EN SEPTIEMBRE?

Las dudas acerca de lo que sería la última presentación de Porco Rex son muchas. Desde Salta afirman que la organización del ex Redondos ya recorrió un estadio, y habría firmado todo para realizar el próximo show el 19 de septiembre. No hay nada confirmado.

Ya lo dijo el propio Indio Solari el año pasado: “Todavía les debo un show a la gente de Salta, que no pude ir la última vez”. Y ahí empezaron las corridas: ¿toca o no toca?¿se hace o no se hace? Bueno, después de un par de meses de silencio hay nuevas noticias acerca del show del cantante en la provincia norteña.

En la web Rock Salta, que sigue las alternativas musicales de todo el Norte argentino, se afirma que parte de la organización que acompaña a Solari estuvo visitante el estadio Padre Martearena, el cuál es el señalado para albergar a Los Fundamentalistas del Aire Acondicionado. Aparentemente todo estaba en regla y habrían cerrado una fecha.

19 de septiembre sería el día indicado para que las huestes ricoteras lleven a cabo otra peregrinación por el interior del país. Desde la producción de Salta adelantaron que está todo confirmado, aunque se sabe que con el Indio en definitiva nunca se sabe nada.

Hermetismo puro se empleó desde el entorno del “Pelado”. Pero en los próximos días se estaría dando por cierta (o no) esta información, ya que el reloj aprieta cada vez más.

INFIERNO 18 ESTÁ “SOLUCIONANDO PROBLEMAS”

Estos pequeños rockeros, que dicen hacer punk pop, están por presentar su nueva placa, “Ya era hora”, y el primer corte será “Solucionando Problemas”. Llegará a las bateas el 9 de junio y lo tocarán por primera vez en vivo en el ND Ateneo, el próximo 26 de junio. Luego, giraran por el interior y Latinoamérica.

La banda integrada por jóvenes talentos (20 años de edad promedio) tiene entre manos su nuevo trabajo. Se llamará “Ya era hora” y para amainar un poco la espera ya comenzaron a cortarle temas para promoción.

El primer track que podremos escuchar es Solucionando problemas. Este cuarto disco es bizagra para la banda de punk pop que busca hacerse un lugar en la escena local. Fue producido por Alejandro Taranto, y co-producido Tomás Taranto. Además se dieron el lujo de poder contar con la participación de Ronnie King (tecladista de The Offspring, Rancid, NOFx y Tupac entre otras).

Tendrá 14 tracks y será editado por la multinacional Sony BMG. La idea de los chicos, que ganaron el Premio MTVLA en la categoría Artista Promesa, es presentar este nuevo material el 26 de junio, en un lugar ideal, el ND Ateneo. Luego realizarán una gira por las principales ciudades del interior de Argentina e Hispanoamérica. El lanzamiento oficial de este nuevo material será el 9 de junio.

MASSACRE DEBUTA EN EL LUNA PARK

Con El Mamut, su trabajo más exitoso, los liderados por Wallas llegan por primera vez al Palacio de los Deportes. Será el 7 de agosto y las entradas ya están a la venta.

Se esperaba que después de tamaño éxito con su último disco, El Mamut, la banda de skate rock llegara al Luna Park, uno de los lugares más cómodos de Capital y que ayuda a confirmar la popularidad de un grupo.

Ahora los Massacre se la juegan a morir. Será el 7 de agosto y las entradas ya se encuentran en venta, aunque, se entiende por el lugar, un poco caras en relación a lo que normalmente abona un fanático de los liderados por Wallas para verlos en vivo. En fin, el rock es así.

Luego de realizar un Obras en el 2008 y de haber sido parte de cuál festival de rock se realice Massacre llega al Palacio de los Deportes.

JUAN SUBIRÁ PRESENTÓ FISURA EXPUESTA

Uno de los pilares de Bersuit tocó en el Buenos Aires Club, con una larga lista de invitados. La excusa era presentar su nuevo trabajo solista. Con un frío tremendo afuera, el Pelado se encargó de poner calor a las tablas de San Telmo. Emocionado y claramente contento Subirá comenzó su camino en soledad, pero lleno de amigos.

Viernes, 29 de Mayo en la noche porteña, sale a escena la banda de Juan Subirá presentando su nuevo trabajo solista. Sin que esto signifique ningún conflicto en las filas de la Bersuit, el Pelado presentó en San Telmo un trabajo muy particular pero con toda la magia a la que nos tiene acostumbrados.

Anunciado para las 21, concentró a sus seguidores puntualmente, dando un marco muy familiar e incluso hasta íntimo, se podría decir. La larga fila del público, de los invitados y de los diferentes medios que cubrieron el lanzamiento oficial de este disco así lo marcaba.

Arrancó una noche con un Buenos Aires Club colmado en su capacidad con la actuación del grupo de Murga y Folklores, con su trouppe con la interpretación desde el fondo de uno de sus temas, acompañados con la danza de 2 bailarinas, marcando un estilo muy propio.

Un breve pero emotivo video clip, dio cuenta de cómo surgió la idea de salir a la cancha con un material solista, en el video se vieron muchos momentos recorridos por un Subirá, humilde, carismático y lleno de creatividad, como también de su participación en el tema “Hoy”, del último trabajo de Bajo Fondo Tango Club.

De repente, así como si se tratara de la banda de los pibes del barrio, salió a escena un Juan Subirá con los ojos brillosos y casi emocionado de ver tanta gente amiga reunida sin importar el frío de afuera. Junto a Juan Subirá (teclados, acordeón y voz) Nano Campoliete (guitarra y voz); Miguel Suárez (bajo y voz); Hernán Kalliz (guitarras); Andrés Inchausti (batería de La bomba de tiempo); y Guillermo Campano (saxos). En la grabación del disco “Fisura Expuesta” participaron también: Daniel Buira, Carlos Rivero, Adriana Beltrán, Frichi Fridman, Palo Pandolfo, Tripa Bonfiglio, los integrantes de Bersuit y los integrantes de La Salud de los Enfermos.

Entre todos hicieron que disfrutáramos de temas como, “Ausente con libreta”, “Humor Linyera” y “Pájaro Negro”, que nos fueron acompañando a lo largo de este camino que iniciaba.

La noche se fue acomodando, dando lugar a la presentación de temas de este Fisura Expuesta y mientras tanto los amigos con mayúsculas, iban sumándose al show, así fue entonces que subieron Adriana Beltrán, “Limón” García, Pepe Céspedes, y el inconfundible Alberto “Tito” Valenzuela, integrantes de la Bersuit Vergarabat, que participaron además de esta noche, en la grabación como dijimos antes del material.

Juan comentó que el Pelado Cordera iba a estar presente pero por problemas de salud y no pudo presentarse, al igual que Daniel Buira, quién se encontraba en plena prueba de sonido en River, por el show de despedida de Los Piojos donde se presentaría junto a La Chilinga.

Emoción y mucho buen estilo al momento de cantar “Clara”, tema que oportunamente grabaran junto a los músicos de la Bersuit y Las Madres de Plaza de Mayo basada en una historia de vida real de una víctima del proceso militar que enluto nuestros años mozos. Esto fue emotivo, pero no dejó lugar al aburrimiento, al contrario, también subió “Palo” Pandolfo, acompañado en Bandoneón por “Tripa” Bonfiglio, quien es ya parte del elenco estable de invitados en las distintas presentaciones de la banda.

“Convalecencia en Valencia”, fue uno de los temas mas aplaudidos en la noche, y que dejo a la vista el genio de Subirá y su banda a la hora de interpretar buena música.

Si bien la nostalgia sobrevolaba cada tema, Juan se encargó de ponerle su magia, y el coqueteo permanente con el romanticismo, y la alegría de sus canciones, haciendo de esta, una noche para destapar una cerveza sentarse en una de las mesas del Buenos Aires Club, y escucharlo toda la noche.

PEDRO Y PABLO, EN VIVO A 40 AÑOS DE “YO VIVO EN ESTA CIUDAD”

Entrevista: Laura Lunardelli, para Reporter

Iniciadores del rock en la Argentina hace cuarenta años junto con artistas como Manal, Litto Nebbia o Luis Alberto Spinetta, Miguel Cantilo y Jorge Durietz, el dúo conocido como Pedro y Pablo, reedita su álbum debut “Yo vivo en esta ciudad” y lo presenta en vivo. ¿Nostalgia? ¡No! Evocación. Porque el repertorio de esta dupla conforma nada menos que el origen del rock nacional.

“La música, junto con los perfumes, es lo más evocativo que hay. La idea es que la gente venga y al escucharnos saque los sentimientos que tiene guardados, que afloren desde un romance que vivieron hasta la rebeldía que tenían en otra época”, dijo a Reporter Miguel Cantilo, en un alto en los intensos ensayos que por estos días lleva a cabo con Jorge Durietz para volver en tiempo y forma con Pedro y Pablo.

El próximo miércoles 17 de junio se presentarán Pedro y Pablo en el Teatro Maipo -en Esmeralda 443 de la Ciudad de Buenos Aires-, para evocar una sociedad musical que surgió hace nada menos que cuatro décadas.

Las canciones que estrenaban en el disco debut “Yo vivo en esta ciudad” (1969) hoy son clásicos del rock argentino, como es el caso de “Dónde va la gente cuando llueve”, “La Marcha de la bronca” o la composición que le da título.

La nueva edición de “Yo vivo en esta ciudad” incluye nueve Bonus Tracks, algunos de ellos inéditos, que junto con los originales serán reversionados en vivo con la máxima fidelidad al sonido primigenio. Lo cual, en el empobrecido presente que vive el género musicalmente, es todo un lujo.

¿Por qué la necesidad de volver como Pedro y Pablo? Más allá del aniversario redondo, el número 40, ¿hay una necesidad artística?

Miguel Cantilo: Uno busca excusas. En este caso, el aniversario es una excusa. En realidad, siempre disfrutamos trabajar juntos. Y aprovechamos esta ocasión para divertirnos una vez más, al mismo tiempo que para nosotros representa un desafío reproducir un sonido que data de hace décadas de la manera más fiel posible. Tenemos que lograr el equilibrio entre lo clásico y lo nuevo. Más que nada, nos juntamos por el placer de tocar estas canciones que para nosotros significan mucho porque tienen que ver con nuestro comienzo.

Jorge Durietz: Por mi parte, a lo largo de los años no he encontrado una persona más afín que Miguel musicalmente. Tenemos una química que nos permite ensamblar lo musical de una manera muy especial. Y, la verdad, nos pega un poco la nostalgia… (risas). Somos como una muestra viviente de lo que fue el rock argentino… con Miguel nos conocemos desde 1967 y nos hemos vuelto a juntar con cierta regularidad desde entonces, pero ahora quizá es especial porque ya hacía diez años que no tocábamos juntos. Vamos a ver cómo sonamos ahora que somos gente madura…

¿Cómo se imaginan que será el público que los verá en vivo en el Maipo?

Miguel Cantilo: No tengo la menor idea de qué gente irá a vernos pero sí sé que hay un público para nuestras canciones que oscila entre nuestra edad y muy jóvenes. La idea, sin llegar a la nostalgia, es atraer a aquella persona que sienta que le pasan cosas que la remontan a otra época cuando escuche una canción nuestra pero también que se acerque quien nunca nos vio en vivo. La música, junto con los perfumes, es lo más evocativo que hay. La idea es que la gente venga y al escucharnos saque los sentimientos que tiene guardados, que afloren desde un romance que vivieron hasta la rebeldía que tenían en otra época.

¿Por qué las canciones que hicieron hace 40 años no solamente siguen vigentes sino que son clásicos del rock argentino?

Miguel Cantilo: Porque formamos parte de un movimiento muy inspirado que no incluyó solamente rock sino que fue muy amplio. En aquella época los músicos de rock convivíamos con nombres como los de María Elena Walsh o los Les Luthiers que, en distintas disciplinas, teníamos en común una misma inquietud cultural. Porque había un movimiento de ebullición cultural. La energía que reinaba en el mundo pasaba tanto por el Mayo Francés como por Los Beatles y se tradujo en canciones.

Jorge Durietz: Se trataba de canciones que tenían un formato musical y literario muy adecuado para ser aceptado por la gente de aquella época, que no era poca. Gracias a Miguel, que es el responsable de una lírica tan trabajada. Hoy no sería igual. La letra ha sido el sostén de nuestras canciones y hoy, sin embargo, no es importante la letra en una canción de rock.

DEJA VU, EL NUEVO DISCO DE DAVID LEBON

Después de 7 años de no editar material nuevo (A excepción del doble en vivo junto a Pedro Aznar), El Ruso vuelve a sorprender con este disco llamado “Deja Vu”.

Un disco imperdible para los que disfrutan del talento y la sensibilidad del gran David del Rock DAK. El disco tiene un arte de tapa hecho por Luis Alberto Spinetta y canciones propias de Lebón, algunas con autoría compartida con sus hijos, otras con Hilda Lizarazu, su actual pareja, y otras con Julio Presas.

Cuanta con la participación, además de Lizarazu, de Ricardo Mollo, Silvio Furmansky, y mas.

Algunos títulos: "No quiero encerrarme", "En una hora", "Déjennos vivir", "Sos mi oasis", y una versión de "Viernes 3 AM" de Charly García.

Una vuelta que le hace muy bien al alicaído rock argentino y una nueva posibilidad e que el ruso vulva a codearse con el gran publico. David Lebón se lo merece.

AY, AY, AY

En una noche memorable para el rock nacional, por la cantidad de recitales disponibles, la despedida de Los Piojos es un hecho que nos duele a todos, pero con la esperanza de que su regreso sea muy pronto.

La despedida que será en el estadio de River Plate (tickets agotados), albergara a miles de fanáticos que nunca querían que este momento llegase.

Una de las bandas más convocantes de la última década, había comunicado en una carta abierta que se tomarían un descanso debido al fuerte desgaste entre sus integrantes, tras 20 años de carrera.

El show que estaba previsto que se realice en el Club ciudad de Buenos Aires, se mudo al Monumental de Núñez por la demanda de entradas de los fans, que no se querían perder este acontecimiento, que muchos afirman es el adiós a la banda oriunda del Palomar. El espectáculo que tendrá una duración de casi 3 horas, da por hecho que contara con la participación como invitado de Daniel Buira, el baterista original que se fue de la banda a fines del 2000.

La agrupación que en algún momento supo cambiar el previsible panorama del rock argentino con la inclusión de matices "afrolatinos" a sus composiciones anunció que la banda "no se separa", aunque tampoco puede dar precisiones respecto de cuándo se producirá el próximo show una vez finalizado el ´Ritual´ hoy en el Monumental de Núñez.

Pese a un aura "democrática" que predomina en la toma de decisiones grupales no son pocos los que cuentan que "en los últimos años se hace en la banda lo que dice Andrés", en referencia a la figura de su vocalista y líder, Andrés Ciro Martínez, quien ingresó a la formación, cuando ya había arrancado, como armoniquista.

En estos últimos meses, de esa manera, las relaciones entre el cantante y uno de los músicos de la banda "fueron empeorando", según narraron diferentes fuentes del denominado entorno "piojoso". Por tal motivo, la postura de parar después de este show en River parece lógica.

Desde septiembre pasado y en una salida que no fue lo suficientemente explicada ya no está Daniel ´Pity´ Fernández, guitarrista y uno de los miembros originales de la banda.

El músico argumentó en su momento no sentirse "en el mismo ritmo" que sus otrora compañeros de grupo y abandonó Los Piojos para situarse al frente de La Franela, formación con la que está dando sus primeros pasos.

Lo real y concreto es que el sábado será, casi con seguridad, el último show de un grupo que tomó como modelo a Los Redondos (sobre todo en su manera de conducirse en la organización y no tanto en el estricto aspecto musical).

Habrá casi tres horas de show sobre el escenario (el lugar donde el grupo se muestra seguro y sólido y no desconfía de nadie) y se descuenta la participación como invitado de Daniel Buira, junto a su grupo de percusión La Chilinga, el mismo con el que convivía mientras Los Piojos crecían e iban ganando en reconocimiento y popularidad.

El baterista original que se fue de la banda a fines del 2000, cuando se hizo pública una pelea con Kupinski, aunque la mayoría especulaba que su relación con Martínez era la que estaba en franco deterioro.

El resto de los invitados ingresa dentro del terreno de la especulación. Desde el seno de la banda confiaron que pueden darse las visitas de un Omar Mollo o hasta León Gieco "pero no hay nada confirmado".

El mentado "desgaste interno", la fuerte personalidad de un Ciro Martínez avasallante y el inexorable paso del tiempo ("ponete a pensar que ya no se trata de una banda de chicos, ya son tipos de cuarenta años", le confió a este agencia uno de sus colaboradores más cercanos) ponen a Los Piojos más cerca del "adiós" que de un "hasta luego".

Andrés Calamaro

volverá al Orfeo Superdomo el próximo 10 de diciembre, según se anuncia en calamaro.com. Desde la oficina de prensa del domo cordobés, además, dejaron abierta la posibilidad de que sean dos y no una las fechas del Salmón en tierra docta, con una función agregada el 9 de diciembre.

La excusa será presentar Andrés: Obras Incompletas, el disco séxtuple de reciente edición en España y Argentina y que ya agotó entradas para los recitales del 30 y 31 de mayo en el Luna Park.

Cabezones edita un disco triple

César Andino se despacha con la que es su gran obra maestra. Se trata de Germinal, un trabajo que saldrá editado en tres partes, con tres nombres distintos, apelando al proceso de la vida, como base creativa. Además estará presentándose en La Trastienda, a la espera de la salida del “Súperdisco”.

Cabezones adelanta temas de su primer disco triple, Germinal. El primer corte de difusión, “Contra el Mundo entero” estará rotando muy pronto en todas las radios del país. El disco, grabado durante los primeros meses del 2009, es una vuelta al sonido contundente, poderoso y melódico de Cabezones. Germinal será editado en tres partes (1. Espera; 2. Nace y 3. Crea).

Germinal Espera saldrá a la venta el 13 de julio. En el próximo show de la banda, en La Trastienda, el 13 de junio, Cabezones adelantará nuevo material, además de recorrer toda su discografía.

LOGOS

Este trabajo junta reversiones de temas de V8, así como también clásicos de Logos. Se llama A través de los tiempos y ya agotó dos tiradas desde su lanzamiento. Lo presentarán el 13 de junio en The End.

Luego del éxito obtenido en la primera etapa del Tour 2009, LOGOS vuelve a escena para presentar oficialmente su nuevo trabajo Discográfico titulado «A través de los Tiempos», el cual acaba de agotar las ventas de su segunda tirada durante los primeros meses de su lanzamiento.

«A través de los Tiempos» llega a las bateas en una co-producción con el sello Hurling Metal & Prisa Distribución y es una Magnífica obra en la que LOGOS reversionó himnos de V8, como así también sus Temas clásicos.

Las nuevas presentaciones de este material en vivo comenzarán el sábado 13 de junio donde se proyectará en exclusiva en pantalla gigante el nuevo video clip del tema "Miedo a la Libertad ", recientemente grabado y filmado.

Luego LOGOS continuará con una gira por las principales capitales argentinas y países limítrofes. Además prepara un show espectacular en el que incluirá el repertorio del nuevo CD en forma completa y tendrá un cuidado especial en el armado de luces y escenografía –algo pocas veces visto en nuestra querida escena nacional.

KARAMELO SANTO, DE EXPORTACION POR OCTAVO AÑO CONSECUTIVO

"Les regalamos la palabra rock a las compañías de celulares"

A punto de subirse a una interminable gira europea, Goy Ogalde dice que la palabra “rock” no significa mucho y que está cansado de que ahora aparezcan las caras que antes les decían que no y que ahora preguntan cómo hacen para tocar en esos festivales europeos. “Flaco, ¿sabés qué? Nosotros mirábamos el barrio y no a Mick Jagger”, dice Goy.

Por Juan Manuel Strassburger – Para Pagina 12

No hay registros oficiales. Pero difícilmente otra banda argentina haya logrado lo que consiguió Karamelo Santo en la última década. O sea: acumular, desde 2002, siete giras consecutivas por Europa (¡este año emprenden la octava!) y tener presencia asegurada en varios de sus festivales más importantes: el Roskilde de Dinamarca, el Southside de Alemania, el Greenfield de Suiza, el Rock for People de República Checa y el Hodovskas de Eslovaquia. ¿Qué tiene Karamelo Santo que a tantos europeos les gusta? ¿Cómo hizo esta banda nacida en Mendoza, pero radicada desde hace más de diez años en La Boca, para enamorar a una Europa tan diversa en sí misma, de la mano de un cóctel de ritmos latinos y letras agridulces, entre la advertencia política y el festejo social? Tal vez justamente eso: haber logrado retratar esa Argentina mestiza que la historia oficial –la que plantea una identidad heredada casi exclusivamente de España e Italia y reza que todo empezó cuando “bajamos de los barcos”– se niega a aceptar.

“Cuando vamos a Europa no decimos ‘hacemos cumbia’, decimos ‘venimos a mostrar una realidad de nuestro país’. Y eso ha sido efectivísimo, ha sido muy bien recibido”, explica Goy Ogalde, el frontman de esta banda que completan Piro y Gody en percusiones y voz, Diego Aput en bajo, Lucas Villafañe en teclado y acordeón, Mariano Ponce de León en batería, Pablo Clavijo en saxo alto y piano, y Alejandro Pozo en trombón; y a la que, sin duda, aquella crisis de 2001, que captó la atención del mundo con sus experiencias horizontalistas (del que se vayan todos y las asambleas al trueque y los movimientos sociales), ayudó a propulsar. “Durante esos años estuvimos bajo la lupa, éramos un elemento a analizar”, reconocen.

Sin embargo, y ya pasada la euforia de esos míticos 19 y 20 de diciembre, la banda liderada por Goy aún mantiene fuerte presencia en Europa. Y eso, seguramente, por haber tomado la acertada decisión de abrir el juego: “Al principio agitábamos mucho la bandera latina, los timbres que nuestra música latina tiene”, explica el percusionista Gody. “Pero con el tiempo nos dimos cuenta de que estaba bueno generar otros tipos de nexos y tratar de jugar un poco con el inglés, que funciona a modo de esperanto en muchas partes del mundo.” Así, por ejemplo, la banda versionó What a Wonderful World en clave de cumbia, y empezó a mechar frases en inglés en varios de sus temas más conocidos. “La respuesta fue muy buena y fortaleció nuestro vínculo con la gente”, aseguran.

De todos modos, la presencia del elemento latino –la cumbia, la salsa, el pasodoble– más el ska y el reggae característicos de los autores de La kulebra del amor nunca dejaron de existir. Más bien lo contrario: “La realidad es que el rock no tiene fronteras. Y que los músicos de todo el mundo, de Asia, de Africa, de India, de Europa, entendieron que el rock tenía que sacarse el estigma de su bandera y buscar otras influencias para sobrevivir”, postula Goy en una pausa de la charla con el NO en su estudio El Cangrejo, todavía entusiasmado por la inminente salida de El baile oficial, su primer CD-DVD en vivo que resume los casi 20 años de vida del grupo.

“Era algo que nos hacía falta”, sostiene sobre el lanzamiento. “Un disco que mostrara bien el costado rockero de Karamelo. Porque generalmente cuando grabás el disco no llegás al cenit de la interpretación. Los temas llegan muy blanditos al estudio. Y acá eso no pasa.” El hombre de las rastas negras y los ojos claros también cuenta que el DVD les sirvió para detectar errores y aprender cosas nuevas. “Por ejemplo –reconoce, autocrítico–, yo me di cuenta de que estoy triste todo el concierto, que pongo una cara seria. Y ahora me replanteo por qué me pasa eso, si lo que canto no es triste sino alegre. En ese sentido, creo que este álbum nos sirvió para subir otro escalón y evolucionar como banda.”

Cada tanto, durante la entrevista, se siente el golpetear de una pelota en un patio: es el hijo de Goy, baterista en ciernes, y ya fanático de Kiss. “Le compré una batería chica para que vaya practicando, pero ahora vio que los Kiss usan doble bombo y también me pidió uno”, cuenta el cantante, algo resignado. Sin embargo, lo que lo inquieta un poco más al frontman de Karamelo Santo es el acto escolar por el 25 de Mayo, que presenció el día anterior. “Era aterrador el mensaje que estaban dando. Seguimos diciendo que en el 25 de Mayo los negritos eran los que candomberos que vendían la mazamorra, y que los caballeros eran los descendientes de europeos. Me parece que somos un país machista y racista, y que no podemos dejar de discriminar”, sostiene.

Y acto seguido establece el vínculo entre esa realidad y el rock en la Argentina: “Vemos al originario como el marginal, como sinónimo de la cumbia y el folklore. Y eso el rockero lo odia, porque él quiere ser David Bowie o Robert Plant. Y está bien que existan esas personas, pero la realidad tuya es hacerte cargo de lo que sos. Acá existen un millón de bandas, pero siempre que quieren hacer un cover apuntan a Robert Smith, a Bryan Ferry, siempre todo el glamour. Y yo me pregunto: ¿por qué no le encontrás glamour a un tipo que muere descuartizado en Santiago del Estero o a Atahualpa? Porque no sabemos, no tenemos esa conciencia, no somos abiertos”, postula.

–¿Coincidís entonces con Cordera de Bersuit, quien hace poco dijo que el rock así como está se muere? ¿Y que una banda que no se hace cargo de los ritmos latinos y quiere sonar como el Norte es careta?

–Sí, es muy así eso. Toda la gente que hace rock en la Argentina no tiene nada que ver con el barrio o tomó el rock como una cuestión folklórica porque su padre o su hermano se compraban una remera de los Redondos y jamás supieron lo que es el rock. El rock es una cuestión de decisión. El rock era en los ‘70 o en los ‘80, cuando uno tenía información, se rebelaba contra lo que había y decía: “No, realmente esto no me gusta”. Y uno se hacía rockero. Pero hoy el iPhone te viene con el disco de los Cadillacs, de Calamaro, y eso no es rock. Es marketing puro. El rock no existe. Como ejercicio no existe más. Nadie es rebelde. Porque hay que rebelarse contra la tarjeta de crédito, contra la cuenta de débito, contra la imposición de que tengas Internet y te estén estafando. El rock era otra cosa, era el hippie que hacía la suya. Por eso, el que crea que el rock es hacer una música parecida a Led Zeppelin, The Cure o Depeche Mode, está equivocado; simplemente copia una cosa hecha. El verdadero rock es que te bajes de Internet algo distinto a lo que pasan por televisión. Ver televisión no es rock. Por eso estoy totalmente de acuerdo con lo dice Cordera.

Durante la larga charla con el NO, Goy vuelve varias veces, casi obsesivamente, sobre el estado actual del rock. Y también sobre su funcionamiento, a su modo de ver, ya perimido. “Ahora se esté hablando de que te van a poner un chip dentro de un par de años para convivir con el sistema y capaz que los rockeros vamos a ser los que nos resistamos a ese chip, los que decidamos apagar la televisión. O capaz que la palabra rock ya caiga en un desuso absoluto, que se la dejemos a Walt Disney. Y está bien: yo se la regalo a Apple, a las compañías de celulares. Que usen ellos la palabra. Si lo que ellos hacen es rock, yo puedo cambiar el nombre y llamarlo caca. Ser un caquero, los auténticos caqueros del mundo. Y hacer como hizo el punk en su momento, que le enseñó al rock que era un cagada. Tal vez necesitamos eso: ser caca de vuelta (risas).”

Y agrega: “El rocanrol va a quedar como una anécdota. Porque el rocanrol se nutría a sí mismo, y con todo esto de Cromañón, con todo esto de no generar nada, llevó a que el negocio no exista más. Porque la gente ahora se baja los discos y entonces los sellos tienen que salir corriendo a buscar las bandas mestizas que giran por el mundo. Por eso ahora estamos cansados de que aparezcan las caras que antes nos decían que no y que ahora nos preguntan: ‘¿Cómo hacen para tocar en todos esos festivales europeos?’. Yo les digo: ‘Flaco, ¿sabés qué? Nosotros mirábamos el barrio y no mirábamos a Mick Jagger’. A los sellos no les interesó jamás la cumbia o el mestizaje, prefirieron invertir en la lengua de los Rolling Stones con una bandera argentina”.

–¿Te parece? También hubo bandas como Los Decadentes o La Bersuit que tuvieron hits usando cumbia. Ahí el rock no le dio la espalda...

–Sí, pero ninguna de esas bandas... (piensa) Nosotros hemos tomado la cumbia como lo más paradigmático y lo más controvertido, porque cuando se habla de cumbia se habla de villas, de gente desocupada, de violencia, de drogas, de niños asesinos, y todo eso tiene que ver con la realidad de esa música.

–Por otro lado, con las fiestas de cumbia experimental y electrónica, la cumbia también llegó a Palermo...

–(Interrumpe) Eso no es cumbia. Va a costar mucho que en la puerta de esas fiestas dejen entrar a un flaco con gorrita y un Adidas trucho. Y si él no tiene entrada, ahí antropológicamente hay una falla.

Goy compara el nivel de mestizaje y libertad a ambos márgenes del océano y el saldo local es negativo. “Nosotros allá tocamos con grupos como Radio Bemba, que tiene influencias gitanas de Francia. O con Faith No More, que tiene a Mike Patton, que viene de hacer incursiones mestizas al palo. Totalmente lo contrario al mal llamado rock nacional. Acá la idea es hacer rocanrol o hacer tango electrónico, las dos cosas que se imaginan los argentinos, cuando en realidad hay mucha más riqueza en el folklore, en la chacarera, la cueca, el chamamé, el candombe”, enumera. Por eso, asegura, el futuro del rock argentino está en las bandas que se fusionan con el folklore. “Grupos como Imperio Diablo, como Semiya, como Arbolito, que son las bandas básicas, son las que van a generar la personalidad del rock argentino dentro de diez años.” Y entre los grupos de reggae-ska también destaca a Andando Descalzo y a Aztecas Tupro, el mestizaje en la tierra de Marley.

La flamante salida de El baile oficial sirve, también, para acomodar los tantos a nivel interno. Después de tantos años en carrera, los conflictos a veces se suceden y el famoso desgaste (tan recurrente en las bandas masivas el último tiempo) se potencia. “Con el tiempo decantó que las decisiones las bandas las manejáramos entre todos. Somos una banda democrática”, subraya. Y apunta sobre uno de los grandes focos de conflicto de toda banda de rock: los derechos de autor. “Nosotros decidimos que todos los integrantes participen de las ganancias. Gracias a eso, y lo digo con mucho orgullo porque muchas bandas no hacen esto y estaría bueno que se saquen la careta y aprendan, todos los músicos de Karamelo Santo cuentan con el seguro de Sadaic, viajan con la seguridad de Sadaic y pueden tener a todos sus hijos en la obra social.”

Para Goy, ese equilibrio es importante, porque “los flacos cuando vienen a tocar te están haciendo el aguante. Hay muchos que se dicen profetas mandados por un determinado Dios de tal religión, pero no te puede contestar qué pasó con el flaco que tocaba con ellos la batería y que creía en eso que tocaban. ¿Qué pasó? ¿Dónde quedó? Es muy fácil escribir una canción sobre cambiar el mundo cuando tu vecino no está bien”.

–En estos casi 20 años de carrera, ¿de qué te arrepentís?

–Me arrepiento de no haber estado más tiempo con la guitarra en la espalda y haciendo canciones. Yo, por más que tenga 7 discos y estén buenos, creo que podría haber hecho otros 40. Porque siempre hay canciones para cada uno, para cada ser humano y hay que hacerlas. La música es la única arma en la calle. No existe arma más pura que la música. Muy pocas tienen lo cristalino que tiene la música. Y yo he perdido mucho tiempo produciendo bandas que de algún modo me siento orgulloso, pero que en el fondo me quitaron tiempo para hacer más canciones, aclarar mis cosas a través de mis canciones. Después, tal vez también me arrepienta de no haberles hecho el aguante a algunos integrantes que necesitaban quedarse, pero que ya no podían estar en la banda por una razón física o psíquica. Pienso que me hubiera gustado que estuvieran en estos viajes, que visitáramos estos lugares juntos. Me hubiera gustado tener un poco más de paciencia.

–¿Y qué te alegra o enorgullece?

–Me enorgullezco de haber subido a esta aventura tan loca. Y de la voluntad que tuve para no abandonar la carrera.

WILLY CROOK VUELVE A ENCENDER LOS MOTORES DE LOS FUNKY TORINOS

Un incidente en un show rosarino lo llevó a una reclusión que llevó a este presente: “¡Tocar sobrio es una experiencia embriagadora!”, dice antes de su show de regreso, hoy en Palermo.

Por Juan Ignacio Provéndola - Para Pagina 12

El tiempo tiene sus caprichos. Willy Crook permanecerá en el imaginario popular como aquel que pudo ser y no fue, y no como el que terminó siendo a partir de un largo camino que comenzó hace más de dos décadas, cuando decidió abandonar a los Redondos, tras un breve paso en donde música y grupo se dejaron mutuamente la marca indeleble de Gulp (‘85) y Oktubre (‘86). Repasar su carrera a partir de ese entonces sería evocar una larga biografía en donde la música se coló en las maletas de un viaje a veces sin rumbo, a veces sin fin. Y tantos años de trajín turbulento pasaron factura de la forma más despiadada: en pleno show. “Fue en Rosario, el año pasado”, recuerda Crook. “Se me salió la cadena groseramente y tuve que recluirme un tiempo en un campo cercano a Villa Gesell donde viví hasta los 14 años. Empecé a practicar cómo se hacía para tocar sobrio y, como mis días terminaban temprano, hacía nada con total éxito.”

–Los 40 se le presentaron poco amables...

–¡Absolutamente! ¡Jóvenes éramos los de antes! La vida empieza a los 40... ¡y se acaba! Verdaderamente, tenía muchos problemas con el alcohol y logré cortarla. Una mochila menos, porque en todos estos años ya no era una novedad, sino directamente una mochila. ¡Tocar sobrio es una experiencia embriagadora! Descubrí cosas nuevas como, por ejemplo, todos mis errores. ¡No era tan bueno como creía! Estuve en Gesell hasta que mi madre, que siempre me reclamaba por no visitarla nunca, me dijo: “Hijo, ¿todavía estás acá?”. Comprobé que la visita es como el pescado: a los dos días se pudre.

–¿Dónde vive ahora?

–Comprobé que no soy indispensable en ningún lado, así que mantengo mi parque automotor en condiciones y no vivo precisamente en ningún lado. Tuve que vender mi casa por sugerencia de mi socia en la fábrica de hijos así que, así las cosas, tengo un par de lugares en Capital donde parar cuando hay algo realmente que hacer. Si no, dispongo de un circuito de amigos molestables en diversas localidades.

De allí hasta acá pasó menos de un año. Será poco para el oficinista que tacha días en su agenda como un autómata, pero una eternidad para quien hizo del tiempo una simple anécdota que sólo puede medirse en años–Crook. Es que únicamente bajo esas coordenadas podrá entenderse ese recorrido que, desde la debacle en Rosario, pasó de presentaciones íntimas en Pinamar acompañado por pistas (“un coñazo”, Willy dixit) a su intención de recuperar lo mejor de su mejor versión solista con el virtual regreso de los Funky Torinos que propondrá hoy en Belushi (Honduras 5333). “No sé si hablar de vuelta, ¡porque nadie se dio por aludido de que nos fuimos!”, bromea el saxofonista y guitarrista, que ahora cuenta entre sus filas con sesionistas de fuste como el tecladista Patán Vidal y el vientista Fabián Silberman, con los cuales recreará las canciones grabadas entre 1994 y 2000 “como quien vuelve a paladear una vieja golosina o rasca con la novia de la adolescencia. Es una gozada mayúscula, de la que se ruborizaría un marinero yugoslavo”.

–¿Quiere grabar un nuevo disco o prefiere probar un poco más con el último que sacó?

–Fuego amigo (2005) pasó sin pena ni gloria, pero supongo que debería sacar uno nuevo, pese a que los antecedentes de cómo fueron tratados mis últimos discos no me entusiasman mucho. También sucedió que fue todo tan fantástico y tan fluido que cuando llegó el momento de tomármelo como un trabajo, mi escaso método hizo que lo arruinase todo. Como buen cobarde coherente, la única fuga que conozco es hacia delante y hacia arriba, así que mi disco anterior es historia vieja.

–Con esa mentalidad, su paso por Redondos sonaría prehistórico.

–Supongo que muchos periodistas lo pueden contar solos, sin mi ayuda... ¡e incluso sorprenderme! Creo que en la banda estuve lo justo y necesario. Ojalá hubiese tenido ese tino para haberme separado de algunas mujeres. Fue una parte de mi vida que no tuvo desperdicio, así que estoy muy orgulloso. Patricio Rey es mi ex novia, porque ella me lo dijo así, así que haber vuelto a tocar con ellos años después en Mar del Plata fue muy grato.

–¿Nunca pensó qué hubiese sido de su carrera si permanecía en la banda?

–En el momento tal vez no me daba cuenta, pero con el tiempo me volví orgulloso de la mochila espiritual que me dio Patricio Rey a la hora de las libertades artísticas y todo eso. De otro modo, no hubiese estado tan bueno mi devenir artístico posterior. Asistí al nacimiento de Los Redondos como banda de rock, justo en el momento en el cual ellos se deshacen de la parafernalia multidisciplinaria que los rodeaba y se convierten en lo que luego fueron. Con los cambios que tuvo el mundo, sería imposible actualmente armar algo similar.

–¿Se siente un músico muy conocido pero poco reconocido?

–Suele suceder que en cualquier show alguien me salte con un “¡vamos Los Redondos!” y yo, con mi habitual diplomacia, le conteste: “Te equivocaste de show, pelotudo”. Me gustaría que vengan a buscar algo nuevo, antes de morir por un golpe de la P mayúscula que precede a la voz de “¡puto!”. Tocar música siempre justificó mi existencia. Me transformó de un simple reventado a un reventado que tocaba música. Eso te cuelga un sambenito que te hace lo suficientemente conocido como para no poder trabajar de otra cosa, pero lo insuficientemente famoso como para no poder vivir de ese prestigio. Como dijera Miguel Abuelo: lo que gané con mi éxito no me alcanza para comprar medio fracaso decente.

–¿Hay tiempo para los arrepentimientos?

–A esta altura, ya no puedo reparar en eso. Estoy tranquilo de haber sido absolutamente sincero en cada letra que escribí y en cada nota que toqué. No hay máculas y todo fue un suceso formidable que habita en cada uno de mis discos y, sobre todo, en sus respectivos agujeros del medio.

–¿Qué tiene para ofrecer en este momento?

–Una delicia que nadie se debería perder, con posibilidades de más. Aunque de momento no puedo comprometerme más que a asistir a mi propio show, debidamente bañado, con todos mis dientes y en un insólito estado de sobriedad.