EL BALLOTTAGE Y EL ROCK
Arde la ciudad
Los ecos de la contratapa de Fito Páez en este diario, la bicicleteada del gobierno porteño a David Byrne, el uso sin permiso del tema de La Mancha de Rolando y un recital abierto en repudio a la política cultural PRO.
El pasado martes 12 de julio, Página/12 publicó en su contratapa una efusiva carta abierta de Fito Páez, en la que el músico rosarino expresaba sus sensaciones por el resultado de la primera vuelta, en la que el actual intendente Mauricio Macri quedó en primer lugar por el PRO, pero sin lograr la diferencia necesaria para ganarle en primera vuelta al candidato del Frente para la Victoria, Daniel Filmus. “Misterio”, “asco”, “repulsión” y otros conceptos de Páez alborotaron las redes sociales; y varios medios, especialmente los opositores, saltaron a intentar destruir a Fito.
Páez obtuvo apoyos y críticas también en el espacio 2.0. En Twitter, Andrés Calamaro aseguró: “Por supuesto que banco a Fito, que escribió en caliente como alguna vez hacemos todos”. El periodista Daniel Tognetti apuntó que “acusar a Fito de fascista por opinar (que le daba asco la mitad de Buenos Aires que votó a Macri) y haber tenido a Abel Posse como ministro de Educación me parece un exceso”. Vicentico también se expresó en esa línea: “La gestión de Macri es un desastre. Lo hecho por este tipo con la educación, con la salud y con el arte ha sido tremendo”, consideró el cantante, y aseguró que al intendente “claramente no le interesa la cultura popular”. El humorista Diego Capusotto también metió bocado: “Estoy abrumado por la tilinguería berreta de quienes gobiernan la Ciudad, gente que viene del ámbito empresarial, con toda esa estética de globos de colores tipo kermesse, a la usanza de los republicanos en Estados Unidos. Gente que cree que la Ciudad es una gran agencia de publicidad”, definió.
La polémica se replicó, pero no fue el único highlight de estos 15 días en los que se juega lo que ocurrirá en Buenos Aires los próximos cuatro años. Hace una semana, el músico escocés David Byrne llegó a Buenos Aires para presentar su libro Diarios de bicicleta. El ex Talking Heads llegó con ganas de firmar ejemplares de su libro, disertar sobre lo importante de una planificación urbana integradora y basada en la convivencia; y hasta con voluntad de responder las preguntas de su público. Pero se marchó muy confundido porque la presentación, organizada por Random House Mondadori (la editorial que aquí publicó su libro), fue ocupada por operadores PRO que convirtieron al encuentro cultural en publicidad sobre las ciclovías.
Mientras que cabe recordar el caso del afiche del PRO que utilizaba el logo de Sumo en una fotografía de campaña. Un día después de que el NO lo comunicara en una nota de Javier Aguirre, Ricardo Mollo y Diego Arnedo dieron precisiones en un comunicado oficial: “Nunca nos pidieron autorización y, de todos modos, si alguien lo hubiese hecho, de ninguna manera hubiésemos autorizado el uso de la misma para tan malintencionada operación”, por lo que pidieron la salida de circulación de esos afiches.
Otro músico que se sintió (por lo menos) inquieto respecto del actual jefe de gobierno, su partido y su campaña fue Manuel Quieto, la voz de La Mancha de Rolando. Es que en el festejo del PRO por la victoria en primera vuelta, el equipo de marketing del macrismo eligió su tema Arde la ciudad para musicalizar el evento, un tema que fuera compuesto como suerte de homenaje a aquellos que, durante el Mundial ‘78, luchaban por encontrar a sus familiares, compañeros y amigos detenidos-desaparecidos. “Macri, no uses Arde la ciudad, ¿no entendiste la letra?”, apuntó Quieto en Twitter, donde rebautizó al jefe de gobierno como “el impresentable Maurizio M”. De paso se solidarizó con Fito con contundencia: “Qué pena que sean tan boludos los porteños. Tienen el intendente que se merecen”. Arde Baires.
Por último, los anteriormente conocidos como Músicos Autoconvocados (que hicieran fuerza por el Régimen de Concertación para la Actividad Musical, Ley 3022), ahora llamados TRAMA (por Trabajadores Artistas por la Música en Argentina), y la asociación MECA (de centros culturales y sociales) convocan a una movida cultural de concientización de cara a la segunda vuelta, con el objetivo de desnudar la real política cultural del macrismo. Este sábado 23 se manifestarán en los parques Rivadavia, Lezama y Chacabuco, en las plazas Flores y Almagro, y en la Glorieta de Barrancas de Belgrano, con una convocatoria abierta a vecinos, músicos y artistas para realizar una jornada artística de protesta. Arde la ciudad, indudablemente, con su asco, con su misterio y con su furia. ¡A votar!
JAVIER MARTINEZ
Historia viviente en La Perla del Once
La cita fue en uno de los lugares históricos fundacionales de nuestro rock: La Perla del Once. La fecha: la fría noche del 16 de julio. El protagonista: un prócer, el señor Javier Martínez (líder de Manal) en formato trío, junto Maxi Delli Carpini en guitarra y Clavito Actis (bajo y voz).
Cerca de las 21.30 la banda ofreció una ‘muestra gratis’ (Javier Martínez dixit) con “Juan despierta ya” que sirvió de entremés hasta llegadas las 23.20, hora de inicio del show. La canción elegida para la apertura fue “Informe de una día” (del primer disco de Manal). La voz de Martínez se encuentra intacta, como si el tiempo no transcurrió para ella.
“No pibe”, otro clásico de Manal, prueba contestaria contra esa frase tan repetida que no se puede hacer rock & blues en castellano… “no debes cambiar tu origen, ni mentir sobre tu identidad. Es muy triste negar de donde vienes, lo importante es adonde vas”.
Como anticipo de su próximo disco, el “Blues de Pappo”, gran homenaje al Carpo, deleitó a los presentes. También el cover de “Ruta 66” interpretado por la voz Clavito. Pequeño corte y vuelta al escenario con “Una casa con diez pinos”, versión extendida jazzera y muy aplaudida por el público. Los clásicos siguieron con “Necesito un amor” que permitió apreciar una gran sonrisa en el rostro de Javier Martínez y “Salgan al sol”, cover de Billy Bond y la Pesada, banda de la cual Martínez fue integrante.
Son tres, el otro no viene después. Tres músicos desparramaron energía. Sin engaños ni artilugios, solo instrumento en mano para dejar en estado inquieto a mentes jóvenes y otras no tanto. Las canciones siguieron, “Avellaneda blues” pintó otra vez ese cuadro tan cercano y conocido por nosotros como la zona portuaria del sur de Buenos Aires. “Porque hoy nací” fue campo de juego para la voz de Martínez en tono gutural. El riff inicial de “Jugo de tomate” arrancó emociones. El cierre tuvo un amago con “Quiero estar mejor”, pero fue “Basta de boludos”, bis obligado pedido por los asistentes, la última que se escuchó mientras las manos y gargantas agradecían la vigencia de este héroe viviente del rock argentino.
GARDELITOS: FIN DE LA ESPERA SUDAKA
Los Gardelitos realizarán a fines de este mes la última gira barrial antes de la presentación de su tan ansiado DVD. Acá, Eli adelanta qué contendrá.
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Desde hace mucho se viene hablando del DVD y ahora si podemos decir: “está listo”. En esta entrevista, Eli Suarez adelanta un poco sobre lo que se viene y sobre lo que veremos al darle play al reproductor.
- ¿Cómo se llamará, finalmente, el DVD?
- “Cine Teatro Los Gardelitos”
- Hace rato que venís trabajando en él. ¿Cuáles fueron los motivos de la demora en salir?
- Hace rato que se viene hablando de la salida del primer DVD de Los Gardelitos, ya que la idea inicial era editarlo con material de los shows que dimos en Obras en 2006. Finalmente, sale con material del show que hicimos en El Teatro de Flores el 10 de diciembre del año pasado, junto con algunas escenas adicionales filmadas en Pampas Del Leoncito (Provincia de San Juan) el 21 de marzo pasado. La tardanza tiene que ver con motivos ajenos a la banda y con la idea de mostrar lo que somos hoy.
- ¿Filmaron en el interior algunas escenas… por qué?
- Fue para equilibrar las escenas de la noche y el vivo; a raíz de eso, decidimos sumar otras escenas diurnas y a modo de video. Funciona como una especie de yin yan, un concepto estético de dualidad que se extiende a lo largo de nuestro último disco “Oxigeno” (2008).
- Si tuvieras que elegir un momento del dvd, ¿cuál sería y por qué?
- Elijo todo el DVD, ya que se presenta como una obra integral. Aunque cada tema aporte una diversidad y se mantenga con una identidad propia.
- ¿Podes adelantarnos algo de lo que vamos a ver?
- Van a ver a Los Gardelitos en estado puro, en el contacto directo con la gente. Los flashes que aparecen de San Juan funcionan como recuerdos del futuro, aquellos viejos sueños de crecimiento que permanecen en nosotros.
- ¿Cuándo va a estar a la venta?
- A partir del 25 de Julio.
- ¿Cómo se preparan para estas tres fechas?
- A pleno! Esperamos que la gente se conecte con nosotros, como sucede en los shows desde siempre.
PEDRO AZNAR
“Estoy sembrando un mundo, y a su vez desde ahí vivo”
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El próximo 23 de julio, Pedro Aznar se presenta nuevamente en el teatro Coliseo. Festejará su cumpleaños, dicen. Seguramente celebrará que sus dotes interpretativos continúen en expansión y su capacidad creativa parezca no encontrar límites.
Y tal vez le cante a esa idea tan inasible como real que lo lleva a descubrirse cada día más, y en el acto, propiciar una especie de big bang creativo que conmueve todo a su alrededor. Una figura artistica con todas, todas las mayúsculas.
Al escuchar su bajo en Serú Girán se descubría de inmediato estar frente algo muy importante. Al escuchar a Serú Girán todo, se descubría estar frente algo más importante aún. Con el tiempo, se descubrió que escuchar eso que se escuchó en esos años de formación resultó fundamental para formar un gusto musical que se agradece y que permite, por ejemplo, escribir de música. Con un tiempo más, y siguiendo sus caminos solistas o en compañía, se descubre que aquel gusto musical que ayudó a formar también fue importante a la hora de ver el mundo. Y más aún: de soñarlo. Entonces la entrevista, la que se fantaseó en forma de encuentro apenas al descubrirlo, reviste un nerviosismo especial: que la profesión no aplaque el placer.
-A solas con el mundo semeja la idea de estar en un momento de conexión entre el universo y la persona. ¿Esta posibilidad es una característica de la música?
-Es algo que la música te provoca como buceador de ella y que también le provoca a la gente cuando se sumerge en ella. Después está la percepción que vos tengas y ponerlo en palabras. Otros músicos lo pueden poner de otra manera. Yo lo nombro o lo cuento, lo relato de esta manera. Para mí es una suerte de ritual que se produce entre la música, la obra, el autor o el intérprete, el oyente; me parece que es un marco que los abarca, que abarca a las tres instancias. En este caso soy sólo intérprete de las canciones, son de otros autores. Y creo que de todas formas la magia que ocurre atraviesa las tres instancias: el autor, el intérprete y el oyente.
-Este es un show en vivo, pero cuando las graba por primera vez…
-Es toda música que no había grabado en estudio previamente, eso es lo que tiene el disco de particular.
-¿Fue grabado en una sola toma en un solo show, o se tomaron distintos shows?
-Fue tomado de cinco shows, pero lo que tiene el disco es 85 por ciento de un mismo un show.
-¿Y qué pasa si una de las tres instancias no funciona?
-Si no funciona el autor, no elijo la canción jaja. Punto uno, eliminado de la variable; si no funciono yo, la gente no viene a verme ¡jajaja! Y el público viene predispuesto porque quiere verme. No pueden fallar las variables.
-¿Y en el momento que se interpreta? Los músicos en general hablan como de un estado mágico, de comunión.
-Sí, hay dos variables incógnitas: lo que le pasa noche a noche al intérprete, y lo que le pasa al público, que no es siempre es lo mismo. Por eso se graban tomas distintas. Porque incluso en un estudio de grabación, en condiciones “controlables”, nunca sabés exactamente qué va a pasar. Podés hacer cuatro tomas y decís: la que vale es la tercera; no, la primera. Momento a momento sos distinto como intérprete. Nunca tocás algo dos veces igual. Son esas cosas mágicas de la interpretación: hay noches que están encendidas y noches que no. Y las condiciones están dadas. Hay noches que el público no está tan encendido como otras, y eso modifica lo que pasa arriba del escenario también.
-¿Cómo lo modificaría?
-Es una energía. Si el público no es generoso en lo que te devuelve, le cambia la energía al espectáculo.
-¿Podría torcer esa energía con algo que haga arriba del escenario?
-Podés propiciar, pero si el público está amarrete, dificilmente lo puedas levantar.
-¿Y el público puede levantar a su músico?
-Podés estar muy cruzado, de muy mal humor por lo que fuera. Pero si la gente te recibe con una oleada de cariño, muy difícilmente no puedas subirte a esa oleada de amor. Después también depende del repertorio. Hay temas que se prestan más a las diferencias interpretativas y a la sorpresa de una noche a la otra. Particularmente cuando las canciones incluyen fragmentos de improvisación, pero hay otras instancias, como las canciones que están en este disco, las diferencias son más sutiles. En cuanto a la interpretación lo digo. Puede haber pequeñitas cosas, que vistas desde la lupa que uno tiene, que conoce el trabajo al dedillo, nota diferencias. Pero no sé si al público le resultarán aparentes o no. Sé que una noche me puedo decidir a enfocar determinada canción desde determinado ángulo. O a cargar de emoción a través de usar otra imagen mental que la que estoy usando. Porque no deja de ser un trabajo actoral. En el sentido de que para recrear la emoción de lo que hablan las canciones, utilizo imágenes y llamo o conecto con recuerdos emocionales propios. Y esa es la manera de que surja la energía emocional genuina, de estar yo comunicando la emoción que comunica la letra de la canción. Es mi manera de ponerle le cuerpo a las canciones. Entonces no todas las noches utilizo las mismas imágenes. En la mayoría de los casos son recuerdos de mi vida. El trabajo emocional es eso: trabajás con recuerdos propios.
-¿Eso lo trabajó especialmente?
-Fue creciendo espontáneamente y también el hecho de leer textos de dramaturgos, de técnica de gente de teatro, y ver cómo ellos encaran el trabajo actor y ver con qué cosas conecta el actor para que fuera genuina la expresión de una emoción. Y esto para un cantante es muy importante.
-¿Y puede suceder que en una canción elija imaginarse no desde el punto de vista del que cantó originalmente sino desde el lugar al que va dirigida la canción?
-No lo hago conscientemente. Por ejemplo Tan alta que está la luna, una baguala, es tan particular porque es un canto en el que tanto los hombres como las mujeres lo cantan prácticamente igual, y hacen las mismas quebrazones con la voz. Lo único que las bagualeras pueden llegar más alto. La baguala es una cosa como atemporal, no tiene género definido, es un canto cósmico, como lo llama Leda Valladares. No hay un ejercicio de mi parte respecto a eso. Estoy revisando: supongo que cuando canto baguala estoy muy imbuido de lo que aprendí de Leda y de que mucho de los vagualeros que más admiro son mujeres. Entonces es probable que eso en mí conecte con una energía femenina.
-En el disco parece escucharse a alguien que emprende un viaje en solitario pero no en soledad: anda solo, pero está conectado con todo lo que pasa alrededor.
-Puede ser. Creo que requiere de un gran coraje hacer una cosa tan despojada. No es para cualquiera. Pero si te sentís a gusto en ese viaje en solitario… Tiene algo de lo de Amelia, también (Amelia Earhart, la aviadora que quiso ser la primera mujer en dar la vuelta al mundo y su avión se cayó en el Pacífico y nunca se encontraron los restos): como navegante, me largo a dar la vuelta al mundo. Fijate lo que vinimos a descubrir: el tema que abre el disco es Amelia, el disco se llama A solas con el mundo y entabla un viaje en solitario.
-¿En cuánto la música puede deprenderse del ambiente en el que fue creada?
-En nada.
-¿Y cómo se entiende un disco tan amable en un estado que se siente como crispado?
-Yo no vivo crispado. Y no vivo desconectado de lo que pasa. Siempre va a haber gente que está crispada. Yo no estoy desprendido de mi contexto y ni mi música está desprendida del contexto. Simplemente es sintonizar con cómo a su vez yo estoy sintonizado con mi medio, mi momento. Todos elegimos con qué nos quedamos del momento. Cuando mirás televisión elegís un canal sobre los demás. De la misma manera sintonizás con algunas cosas y con otras no; y elegís de la realidad con qué te quedás. Y no significa por eso que no estás al tanto de lo que pasa, pero elegís dónde enfocar y con qué cosas quedarte. Yo también elijo con qué cosas me quedo. Y mi país, mi momento, mi realidad 2011 da como fruto este disco. Y no es un disco crispado.
-¿Siempre se puede elegir?
-Sí. Sino Serú Girán no podría haber hecho una música tan bella y tan libre en plena dictadura asesina. Parecería una contradicción brutal, y lo era. ¿Pero se puede? Claro. Es una de las grandes maravillas del arte: soñar mundos posibles, que no están del todo desconectados de la realidad, porque a su vez hacen mundo, crean la realidad. O re-crean la realidad, por lo menos la proponen.
-¿Es voluntario…
-Es voluntario, y necesario. Las dos cosas. Es una necesidad interior de plantear y plantar tu modo de ver el mundo, porque es tu manera de fundar un mundo en el cual ser. Yo vivo en A solas con el mundo, vivo en Quebrado (su anterior disco). Esa es mi realidad y es mi toma de posición. Ahí estoy sembrando un mundo, y a su vez desde ahí vivo.
-Pero decir quiero esto puede no alcanzar. ¿La voluntad es algo a lo que se llega o la propia condición emocional lo lleva a eso?
-Las dos cosas. Hay un peso de ser al qué llegás, hay una masa crítica en vos, de un trabajo de toda la vida que te va llevando a ser genuino con tu “tú mismo”. Cuando ese sí mismo alcanza su masa crítica no para de expresar su autenticidad. Eso genera un mundo. Y tu obra lo refleja. Es voluntario y necesario. No podés hacer otra cosa que eso, sino estarías traicionando lo más verdadero en vos. Y esa traición no te deja vivir. Al menos a mí. Cada cual sabrá. Creo que si vivís traicionándote a ese nivel estás muy jodido.
-A solas… es un sueño ya transitado (lleva más de 50 funciones) y seguramente en algún momento será suplantado por otro. ¿Ya lo tiene?
-Sí. Pero no lo voy a contar jajaja. Pero ya se está gestando.
-Y si A solas… es un disco amable, ¿cómo sería el nuevo sueño?
-(Piensa, piensa; mucho piensa para los modos acostumbrados de una entrevista). No sé si encuentro una palabra sola para definirlo, pero por lo que intuyo por dónde va a ir, va a tener algo de amable también pero desde un lugar más desafiante, creo, más intenso. A modo de como lo fue Quebrado, que fue un disco desafiante e intenso. Creo que va a profundizar esa veta. Y no deja de ser un disco amable Quebrado, que tiene muchos lugares tiernos por donde podés entrar. Pero una vez que entraste te encontrás que tiene muchas sacudidas; momentos en que el viaje es ripioso.
-Bueno, A solas… además de amable, cobija.
-Es verdad. Es un lindo lugar donde habitar. Un lugar de paisajes queridos y acogedores. Y creo que el próximo también va a tener mucho de eso, porque tiene que ver con mi momento personal. Estoy más sintonizado con eso que con otra cosa. Y a la vez tengo ganas de hablar como autor, y el próximo disco lo va a ser; será toda música mía exclusivamente. Estoy con ganas de hablar de cosas intensas, fuertes y queridas.
-Es extraño la cantidad de paisajes que puede tener la música.
-Es un mundo maravilloso. Porque permite hacer, y los lugares del otro que permite alcanzar. Va tanto más allá de la palabra; es poesía líquida. La poesía también va a más lugares que la palabra desprovista de poesía. La palabra utilitaria se queda muy corta. Toda esta chorrera de sintaxis que usamos para tratar de comunicarnos se queda tan corta al lado de la poesía que con una palabra te pone en un lugar emocional. Y la música tiene eso en forma de sonido. Y por eso es tan poderosa la canción que conjuga la música con la poesía. La canción es un medio expresivo de un poder ilimitado. Es impresionante.
-¿Sirve para cambiar el mundo?
-¡Ufff! Las pruebas están a la vista. No seríamos lo que somos hoy de no haber sido por los John Lennon, los Atahualpa Yupanqui, los Bob Dylan, por las Joni Mitchell, por las Violeta Parra; por tanta gente.
UTOPIANS: ROCK A LA VIEJA ESCUELA
Antes de su show en el Roxy Live, Barbi Recanati analiza el presente y el futuro de la banda
Revista RS
En el último año, Utopians lanzó su segundo disco, Freak, tocó en el Hot Festival, abrieron el escenario principal en la segunda fecha del último Cosquín Rock, participaron del Quilmes Rock y telonearon a The Cult. Sin sonar masivamente en las radios, este cuarteto garagero comandado por la explosiva Bárbara Recanati sigue subiendo escalones en el under. "No sé si hay un techo para nosotros", explica Barbi. "Hay un punto en el que creo que, si se llega, se deja de aspirar a escalar, pero pienso que debe ser así en cualquier aspecto de la vida. Por ahora estamos muy lejos de visualizar un techo".
En la más reciente edición de Gran Hermano, en uno de los debates, Sebastián De Caro apareció en pantalla con una remera de Utopians. La relación con el actor y panelista del reality viene desde hace tiempo: él dirigió los dos últimos videos de la banda. "Come Baby" mostraba peleas femeninas, una enfrentaba a Malena Pichot con Barbi, mientras Clemente Cancela arengaba a la humorista y Sebastián Rubín hacía de árbitro. En "Allá voy", el nuevo clip, la idea fue la contraria: mostrar a la banda, los instrumentos y concentrarse en la canción. Inhuman (2007), el álbum debut de la banda, tenía a Barbi cantando todos los temas en inglés; en Freak, no pasa lo mismo.
¿Por qué eligieron "Come Baby" y "Allá voy"?
Por un lado tenían el plus de ser en español. Y eso nos tira porque es un camino que estamos comenzando. "Allá voy" era la canción que casi se queda afuera, y la elegimos como segundo corte por la gente. Fue por lejos el tema más halagado por el público en los shows. Nos parecía muy necio ignorarlo, así que nos fuimos al extremo y le hicimos un video.
¿Qué bandas integrarían la fórmula química de Utopians?
La fórmula real de Utopians es que somos cuatro enfermos de la música y muy diferentes entre sí. No curtimos mucho la música de los últimos cinco años. El género que menos conocemos es el "indie". Pero el punk de los 70s, el grunge, el metal, el hard rock, el new wave, los 60s. Creo que esa es la fórmula: que somos una banda que escucha de todo y eso nos hace un poco "clásicos" en la instrumentación y en las canciones.
¿Con qué grupo les gustaría compartir escenario?
Si lo pienso como deseo, Pearl Jam es la banda que sé que haría llorar a los tres hombres de Utopians. Eso me gustaría, son muy fans y sé que sería una de esas cosas que justificarían todo. Personalmente si hay que soñar, sueño: Iggy Pop o Patti Smith. Creo que en los tres casos sería lograr compartir escenario con quienes nos iniciaron. Nos pasó hace poco con The Cult.
¿En qué etapa sentís que está Utopians?
En esa que no sabes si estas a mitad de camino del fracaso o del éxito.
¿Qué cosas le corregirías a la banda?
Me gustaría tener más canciones en español. Se vienen para el próximo disco. Pero ahora tenemos un show, y todos sentimos lo mismo, sin ganas de tocar muchos temas viejos y con muchas de hacer nuevos. Después en lo técnico, es muy poco rockero, pero estamos todos laburando en la resistencia física. A veces le ponemos mucho huevo al show y no duramos más de 40 minutos vivos. Estamos cuidándonos para poder dar conciertos más largos con la misma intensidad.
Al momento de componer, ¿tiene que haber una inspiración o lo tomás como un trabajo obligatorio?
Muchas veces es "hay que escribir". Son pocas las veces que tal vez vengo caminando y termino corriendo a casa para no olvidarme, y que eso se convierta en un tema. Muchas veces también pasa que estamos en la sala, Gus (Fiocchi, guitarrista) sale con un riff copado, yo le agrego una melodía, y ya...
¿Qué cosas te inspiran?
Me inspiran los extremos, la excesiva felicidad o el excesivo dolor. Pero en la mayoría de los temas es "hay que escribir" y ahí salen historias inventadas, o recuerdos viejos. El 80 por ciento de mis canciones están inspiradas en un suceso que me pasó en 2006. Murió ahí, pero lo guardé como para que me ayude a escribir, y por lo general funciona.
Janis Joplin decía que en cada presentación sentía
que le hacía el amor a miles de personas pero que después se iba a dormir sola a su casa... Es real. A mi me cuesta llevarlo mucho. Siempre me pregunté cómo se sentiría tocar en escenarios más grandes, festivales, etcétera, más seguido. Y nunca pensé que iba a terminar siendo así. Estar arriba del escenario es mejor que todo. El momento previo es genial. Las dos horas siguientes las disfruto. Pero cuando me voy a mi casa a dormir es fatal. A veces me tengo que tomar algo y dormir sin pensar mucho porque es nocivo. Estoy aprendiendo a manejarlo. Creo que tiene que ver con la intensidad con que me meto en el show. Hace poco me dijeron que la adrenalina y el éxtasis que enroscaba en un show era similar al de clavarte un ácido, así que el bajón es similar.
¿Qué deseás para el futuro de Utopians?
Poder crecer cada vez más. Me aterra un poco la idea del estancamiento en todo sentido, más que nada por lo que veo a mi alrededor. Nosotros tocamos hace muchos años pero siempre sentimos un crecimiento gradual. A veces veo músicos que están en un mismo momento hace nueve años. Eso me da miedo. Mi anhelo es nunca pasar por eso, no dejar de avanzar, aunque sean pasos muy pequeños. Y que la música sea nuestro sustento y nos permita poder realizarnos en el futuro. Todo esto suena frívolo, pero el hecho de poder vivir de la música y cada vez mejor, es también un reflejo de la aprobación por parte del público. Y no somos el tipo de banda que les da igual hacer música para pocos. Me gustaría que podamos dejar una huella en muchos a través de las canciones.
PAJARITO ZAGURI: EL ÚLTIMO BEATNIK
Una audición frustrada para El Club del Clan lo convirtió accidentalmente en el héroe tapado de La Cueva y el legendario bar La Perla del Once; la historia oculta de un pionero del blues y el rock barrial por Boom Boom Kid.
Pajarito, el pionero
Es febrero. Suena jazz de fondo y el que tengo enfrente es el tipo que le puso rock al rock nacional. Pajarito Zaguri, cofundador de Los Beatniks junto con Moris, construyó su leyenda siempre desde los márgenes, como una estrella suburbana. Fue el mago de los vagos junto a Tanguito, que era el rey, y ahora es el más divino de los náufragos. Un sobreviviente.
Son las... Mejor digamos que es tarde: ya se hizo de noche y seguimos hablando de música. El final del día llega mientras bebemos algo fresco en un bar del centro de la ciudad. Es la última parada de una gira por bares y restoranes que comenzó hace varias horas. Y así empieza la historia.
Pajarito, capaz que esto que te pregunto es un poco un vuelo personal mío sobre vos pero, para mí, aún tenés ese espíritu de "náufrago", de "divagante"...
Totalmente, sí. ¡Sigo fiel a los beatniks!
¿Cómo definirías lo que era ser un náufrago en los años 60?
Y... Un náufrago era alguien que salía a la calle sin saber adónde iba. Yo salía y hacía lo que pintara. Y aún estoy en ésa. O sea, si salgo de acá y primero pasa el 115, me tomo el 115. Y si pasa primero el 92, me tomo el 92. Una cosa así era ser un náufrago, un divagante. También nos decían "los jóvenes viejos".
¡Ah, como la película de Rodolfo Kuhn!
Sí, ese film es de unos pibes que andan en la nada. Como la juventud de hoy en día, que está en la nada. Por eso también Miguel [Abuelo] le puso a su banda Los Abuelos de la Nada. Y Kuhn fue el que me bautizó Zaguri a mí, porque yo estaba enamorado de Brigitte Bardot y Zaguri era el apellido del que estaba de novio con ella en esa época. Bob Zaguri.
¿Cómo conociste a Kuhn, entonces?
Yo aparezco en la película Los inconstantes de Kuhn. Esta película habla justamente de los primeros años de Gesell, y yo hago de mí mismo. Porque la mano viene así. yo estaba laburando de lavacopas en Gesell mientras él filmaba Los jóvenes viejos en Mar del Plata, y un día viene con [la actriz] Elsa Daniel a pasear por el fin de semana y yo, en el boliche, donde también hacía de mozo, tenía pegado en la puerta un póster importado gigante de Brigitte Bardot arriba de un caballo, con unos bluejeans ajustados. Era la primera vez que se veía a una mina usando unos jeans así, bien marcados, y yo estaba enamorado de ese culito. Y Rodolfo me empezó a decir: "Che, Zaguri, traeme un sánguche de milanesa". "Che Zaguri, traeme esto y lo otro". Y yo le dije: "¿Por qué me decís Zaguri?". Y cuando me dijo que Bardot estaba de novia dije: "Nooo. ¡qué cagada!". Y ahí me quedó el apellido, y de ahí también nos hicimos amigos y por eso aparecí en Los inconstantes. Fijate que, en esa película, por primera vez aparece en el cine que las minas también van al frente. O sea, por primera vez se muestra que viene la mina y le dice a los chabones: "Yo quiero hacer el amor con vos, vamos a la cama". Y era muy loco, eso, en aquellos tiempos.
¿Y aún seguís enamorado de la Bardot?
Todavía sí. Pero como me dijeron que era re fascista la chabona, ya no tanto.
Hay una especie de mito urbano y rockero que dice que vos en esa época mataste a Jesús. ¿Es verdad?
Ah, eso. Sí, es verdad. Resulta que la policía me echa de Villa Gesell por exhibición obscena, porque fui de los primeros que se bañaron en bolas. Eramos cuatro o cinco los que hacíamos eso, una "elite de locos", como nos decían. Nos pusimos en bolas, vino la cana, nos llevó presos y se corrió tanto el rumor de que ahí los jóvenes se bañaban desnudos que después iban todos a Gesell para ver cómo se bañaba en bolas la gente. Por eso, la policía la tenía conmigo. Y yo ya tenía antecedentes.
¿Por qué?
Porque me había robado un auto en San Isidro, viste, fue algo que se dio así, ocasional. Estaba caminando con una piba y me quería mandar la parte; vi un auto estacionado con las llaves puestas y le dije: "Vení, vamos en mi coche". Y chocamos frente al Zoológico, por avenida Del Libertador. Entonces, cuando en Gesell se pudre todo por lo del exhibicionismo, me tenía que rajar sí o sí. Y voy y le digo a la piba que estaba conmigo en ese momento: "¡Tenemos que huir de acá porque estoy hasta las manos!". Y la mina me dice: "Bueno, yo también me quiero ir. Vamos a Mar del Plata. Robale el auto a mi papá, está allá en el garaje". Y acelero. Agarramos la 3 de Gesell, que en aquellos tiempos era todo arena, y viene la policía y yo me como la película de que nos perseguían, y de que ella y yo éramos Bonnie & Clyde. Hago una maniobra y me llevo por delante una iglesia. Chocamos la cruz con Jesús de la entrada de la capilla, y salgo corriendo y me escapo por los médanos. Yo conocía Gesell tanto o más que el mismísimo Carlos Gesell. Y me escapo.
¿Y la chica?
La mina pobrecita no me pudo seguir, y la agarró la cana. Yo me tomé un bondi que justo pasaba por ahí, porque en aquellos tiempos se podía parar el colectivo en cualquier lado. En ese momento quería volver a Buenos Aires, pero el bondi iba a Mar del Plata, así que cuando llegué me fui al boliche El 51, en Playa Grande, a tocar blues, rock y canciones de protesta.
¿Cuáles canciones?
Las de Los Beatniks, que en ese momento era mi grupo, con Moris. Y ahí es donde luego nos hacen la primera nota, para el diario El Mundo, en una página de la sección Turismo. Y ahí sale eso de: "Hoy conocimos a un tal Pajarito Zaguri, que canta canciones contra el establishment, a favor del amor libre...".
La leí. Remarca que no querés dar tu nombre real.
Eso se dio porque me venía escapando. Escuchame, estaba re loco. ¡Exhibición obscena! Cuatro años después lo hizo el de los Doors y nos cagábamos de risa. Me decían: "Pajarito, le ganaste de mano". Igual que salir a cantar en una camioneta por la calle. Los Rolling Stones lo hicieron en Manhattan y se armó un quilombo terrible. Pero con Los Beatniks lo habíamos hecho mucho tiempo antes, sólo que en Buenos Aires y en calle Corrientes.
¡Y eso está filmado! ¿Quién lo filmó?
El hermano de Moris, Osvaldo Birabent.
Después también actuaste en otras películas...
Sí, estuve en Dar la cara también.
Y con La Barra de Chocolate, otra de tus bandas, también tocás en un film, ¿no?
¡Sí, muy bien! Con La Barra estuve en Con alma y vida. Ahí tocamos en un boliche, pero no fue nada. La historia pasaba por otro lado.
Pero en Dar la cara sí actuás varias escenas.
Sí. En esa yo me hice muy amigo de Leonardo Favio, que era protagonista de la película, un film de [José] Martínez Suárez, con guión de David Viñas. Un guión de la puta madre, de protesta, grosso. En fin, fue muy divertida esa filmación. Ahí conocí a María Vaner, Héctor Pellegrini, a todos los actores que en esa época estaban en boga. Y con Favio nos hicimos muy amigos. Seguimos amigos hasta hoy y, de hecho, también soy muy amigo de su hijo, Nicolás. Favio y yo hacíamos de colimbas en esa película. Yo tenía 20 años, y me acuerdo que tuvimos que filmar en el destacamento de Palermo y para entrar había que dejar los documentos. Y Leonardo se negó. En un momento, le preguntan por qué, y Leonardo dice: "Lo que pasa es que soy desertor".
No, un grosso... ¿Y entonces?
Y el tipo no sé cómo hizo, pero nos dejó pasar. Nos dijo: "Ustedes entren y no digan nada".
¿Vos también eras desertor?
¡Y claro! Milico ni a palos. Pero ésa es otra historia...
EL INDIO, MÁS CERCA DE JESÚS MARÍA
Faltan cerrar algunos detalles para que el ex cantante de Los Redondos se presente en Córdoba. ¿Antes del fin de año en Córdoba?
Nadie se anima a confirmarlo porque faltan algunos detalles, pero está cada vez más cerca la visita del Indio Solari a Córdoba, más precisamente a la ciudad de Jesús María. El ex vocalista de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota subiría escenario del Anfiteatro José Hernández antes de que termine 2011, según dijo a Canal 2 de esa ciudad Hugo Baldo, el presidente de la comisión directiva del Festival de Doma y Folklore, quien confirmó un encuentro hace 15 días con los empresarios que tienen a cargo la organización del show.
De concretarse, sería la segunda visita de Solari a Jesús María. Había estado en 2008, presentando en vivo su disco solita Porco Rex, ante 40 mil personas que colmaron el campo de la doma. Con Los Redondos en pleno, había estado por última vez en Córdoba en agosto de 2001
HUBO UNA VEZ UN TIEMPO…
Puede una canción cambiar el mundo? Vaya uno a saber. Posiblemente pueda modificar el mundo de unas cuantas personas, lo que es distinto y en parte no. Un día como hoy pero de 1965 se lanzaba "Like a rolling stone", el tema que pateó el tablero y el trasero de la música mundial, modificando para siempre el rock y representando los cambios del planeta… incluso antes de tiempo. Para Bob Dylan –su autor, ¿qué otro si no?– el sueño había terminado, mucho antes de que empezara y terminara el verano del amor, aconteciera Altamont y los setenta se devoraran el espíritu idealista de su década predecesora.
Perteneciente a Highway 61 Revisited, esta extensa e implacable canción representa el célebre comienzo de la electrificación de Dylan, algo que sólo sorprendería a los miopes que querían ver en el sólo al profeta que también era. "Nada de folkie o poeta. Es la gran bestia del rock´n´roll", dijo un tal Chuck Berry y pocos artistas y canciones pueden arrogarse el mote de rock con tanta autoridad. Porque desde su lírica hasta su duración (seis minutos, inadmisible para entonces), sus sonido y su interpretación, combinan como pocas obras en la historia de la humanidad crudeza y sofisticación, elaboración y espontaneidad.
Originalmente fue pensada en tiempo de vals y había surgido de un poema de más de diez paginas, con obvia referencia al tradicional blues "I´m a rolling stone" y con un guiño a… “La Bamba”, en las armonías del estribillo. Tuvo un par de grabaciones previas hasta la definitiva, que obviamente se dio al estilo Dylan: tocar sin muchas reglas hasta capturar la esencia. Un ejemplo de ello es el inmortal teclado de Al Kooper que a pesar de ser guitarrista y estar de visita por el estudio, se coló –literalmente– y grabó el hammond. Al terminar, el productor Tom Wilson quiso eliminarlo de la toma, pero Bob le pidió que le diera más volumen aún.
Esa toma –sin sobregrabaciones ni retoques, estilo Dylan hemos dicho– se filtraría y a pesar de la negación de las radio por pasar un tema tan largo, acabaría siendo número dos en los charts de Estados Unidos. Pero ese no sería el único rasgo distintivo del tema que años atrás The Rolling Stone consideró –a través del voto de personalidades de primer nivel mundial– la mejor canción de todos los tiempos. Rob Sheffield, editor de tal medio, asegura que desde el golpe de tambor inicial, uno siente que es el martillo del juicio final. Luego viene un comienzo tan clásico como poderoso: "Hubo una vez un tiempo en que vestías tan bien, lanzabas una moneda a los vagabundos desde tu pedestal." Como un cuentito, con "érase una vez" incluido, la voz de Dylan suena más cínica, filosa, arrogante y puntillosa que nunca, exponiendo toda su capacidad poética e interpretativa, capaz de frasear admirablemente todo tipo de aliteraciones, rimas y consonancias con una elegancia y cadencia dignas tanto de un rapero (antes de que existiera el rap) como de un músico de “be bop”. Si en sus discos previos ya había mostrado signos de escepticismo –a pesar de que muchos lo situaban en sus pancartas soñadoras– nunca él ni nadie habían sonado tan escépticos y despiadados. "¿Qué se siente? / ¿Qué se siente, al estar sin un hogar /como una completa desconocido/ como un vagabundo?". Poesía es lo que se pierde en la traducción, diría Robert Frost, y es difícil saber si es ese el significado de "rolling stone", así como "unknown" es desconocida o desconocido. Porque todo indica que está escrita para una mujer (muchos atribuyen su dedicatoria a Edie Sedgwick, una de las musas de Andy Warhol), pero tratándose de Dylan –poeta multidimensional y polisémico si los hay– los destinatarios pueden ser varios, incluso él mismo.
"Tenía una longitud de diez páginas –declaró alguna vez–. No decía nada, solo era una cosa rítmica en papel acerca de todo mi odio que en ese momento era verdadero. Finalmente no era odio, le decía a alguien algo que ellos no conocían, diciéndoles que eran afortunados. Venganza, esa es una mejor palabra. Yo nunca había pensado en ello como una canción, hasta que un día estaba en el piano, y sobre el papel en que cantaba, dije '¿Cómo se siente?' en cámara lenta, en la velocidad más lenta posible."
El artista ha sostenido que desde ella supo exactamente lo que debía hacer y era escribir canciones: ni novelas, ni cuentos ni nada. Canciones. Y sus contemporáneos y sucedáneos entendieron lo que implicaría desde entonces ESCRIBIR una canción. Ya no bastaría con "quiero tener tu mano" o cosas por el estilo.
Es por supuesto, uno de los temas más interpretados de de la historia: The Rolling Stones, Jimi Hendrix y Bob Marley han hecho versiones memorables. Pero se sabe que nadie versiona, re-versiona y "perversiona" los temas de Dylan como él mismo.
Todas las noches suena diferente y así sonó cuando la estrenó en vivo, un 25 de julio de 1965 en Newport Festival. Tal encuentro de folk se vio arrasado por un Dylan con campera de cuero, fender y banda súper ruidosa.(Imaginen que en los ‘60, Mercedes Sosa hubiera ido a Cosquín a tocar rock and roll). La respuesta fue una exclamación a la que se acostumbraría el músico por entonces: "¡Buuu!". Pero si hubiera que escoger una, está más que claro. En medio de una gira por Inglaterra en 1966, esos abucheos eran moneda corriente por parte de un público que no asimilaba al "nuevo" Dylan (ignorantes de tans transformaciones que seguirían). El registro más impactante y más ilustrativo quizá es el del Manchester Free Trade Hall, cuando desde un público inconforme con parte del rock más magnífico que se haya tocado (chequear "No Direction Home" de Scorsese) y aferrado a la ortodoxia folk, alguien le grita a Bob: "¡Judas". La gente aplaude tal injuria, pero Dylan redobla la apuesta. "No te creo", responde y arenga a su banda (The Band): "¡Toquen jodidamente fuerte!". Lo que sigue no sólo es la muestra más acaba de un artista incapaz de hacer concesiones –ni siquiera a su público– sino la interpretación más sinceramente furiosa de la historia de la música.
¿Puede una canción cambiar el mundo? De poderse, esta podría postularse. Pero mejor sería preguntarse si realmente puede cambiar el mundo. Y si la respuesta es no, y el mundo fue y será una porquería, nadie lo dejó más claro que “Like a Rolling Stone”. ¿Y? ¿Qué se siente?
SANTANA CUMPLE AÑOS Y LAS GUITARRAS LEVITAN
¿Habrá estado tarareando el tema de The Beatles, When I'm Sixty-Four, durante esta tarde? Es que Carlos Santana, glorioso guitarrista mexicano, místico de las seis cuerdas, cantó los 64. Héroe del rock latino, reconocido a nivel mundial. Santana y la guitarra, dos obras de arte, dos hechiceros.
Por Diego Pintos @diegopintos
Shaman. Así se llama un disco de Santana. Sin embargo, es mucho más que eso. Es toda una definición. El shamán es un individuo que ha atravesado en vida por saberes y preparaciones inconcebibles para el hombre occidental y moderno, usualmente sumido en el minuto a minuto diario, y perdido en el tiempo.
Ese ser shamánico, al que se le atribuye la capacidad de modificar la realidad o la percepción que ha sido acordada en forma colectiva, consigue esa apertura a través del conocimiento y la disciplina. Ese transporte místico es lo que ha conseguido Santana a través de los años, en su relación sobrehumana con el instrumento. Como Jim Morrison y sus poemas dionísiacos, como Jimmy Hendrix y sus guitarras aullantes.
Carlos Augusto Santana Alves nació el 20 de julio de 1947 en Autlán de Navarro, Jalisco, México. Desde 1965, su espíritu compositivo lo ha llevado a recorrer los más diversos estilos musicales y compartido historias con personajes de la talla de Eric Clapton, Michael Jackson, Chad Kroeger, Michelle Branch, Steven Tyler, Nickelback, Shakira, entre otros.
La fría crónica dirá que es un guitarrista mexicano de jazz rock y rock latino, multipremiado. Pero lo cierto es que, más allá de los reconocimientos físicos y tangibles, lo que destaca a Santana entre sus contemporáneos guitarristas, es la relación que ha mantenido con el instrumento, y los sonidos que ha logrado hacer parir de su vientre.
Texturas únicas, irrepetibles, con una delicadeza tal que ha influido certeramente en muchos músicos contemporáneos. Quizá, parte del secreto, -si es que hay un secreto a la hora de componer bajo los designios del alma desnuda-, es que su padre era músico popular. Fue violinista en una banda de mariachis.
Entonces, con esa raíz, ese crisol de sonidos con que el pequeño Carlos creció, fue determinante a la hora de acercarse a instrumentos de cuerdas. Aprendió a tocar el violín, pero lo cambió por la guitarra cuando tenía ocho años.
Fue delineando su estilo tocando encima de viejas grabaciones de B.B. King, T-Bone Walker y John Lee Hooker. Comenzó como todos los rockeros, aprovechando el hecho de poder expresarse en todos los lugares donde se podía tocar, hasta que en 1961 se mudó a San Francisco, California.
Durante algún tiempo, a principios de los 70, Santana adoptó el nombre "Devadip", otorgado por el líder espiritual Sri Chinmoy. Sumido en esa espiritualidad y el desarrollo de los demás sentidos, más allá de los cinco materialmente conocidos, Carlos comenzó a encontrar "palabras en forma de sonidos", y entablar diálogos trascendentales a través de su magia musical.
Devoto de la Virgen de Guadalupe, volcó al mundo una gran cantidad de álbumes en los 1970 y 1980. Colaboró con John Lee Hooker, Willie Nelson, Herbie Hancock, Booker T. Jones, Wayne Shorter, Ron Carter y The Fabulous Thunderbirds. Hombre de los mil festivales, de Woodstock a Valparaíso. Guitarras Les Paul que llevan su nombre. Eternidad.
Su resurgimiento a nivel mundial llegó en 1999 con el lanzamiento de Supernatural, disco en el cual lo acompañaron músicos como Rob Thomas, Eric Clapton, Lauryn Hill, Wyclef Jean, Dave Matthews y Maná. Supernatural se hizo platino 25 veces, fue el álbum de Santana de mayor venta, alcanzando número uno en la lista Billboard y manteniendo esa posición por 12 meses y ganando nueve Premios Grammy.
Otro aniversario. Apenas 64. Podrá juntarse con Paul Mc Cartney y zapar un rato "When I'm sixty four", aquella dulce canción que –según cuenta la leyenda- fue un regalo de cumpleaños, de Paul a su padre. Santana creó fascinación. Exaltación. Cambios abruptos y melodías maravillosas. Encantó a su público con su música, su impronta, sus mensajes de paz y amor, comprensión y pasión por la vida. Creativo, hechicero, leyenda del rock. Así es Carlos Santana.
CHARLY SUSPENDE SHOWS Y LO TIENEN QUE OPERAR
El músico tuvo que posponer sus presentaciones en Bolivia luego de que se le detectaran cálculos biliares. Según informaron los organizadores, el cantante fue hospitalizado el lunes y será sometido el viernes. La noticia hizo eco en los sitios de espectáculos.
Charly debía presentarse el viernes en la ciudad de La Paz.
El cantautor Charly García suspendió su show que estaba previsto que efectúe en la ciudad de La Paz, Bolivia, por una descompensación que lo alejará por unos días de su actividad.
Luego de que se le detectaran cálculos biliares, el artista será sometido el próximo viernes, día en el que debía actuar en el vecino país.
El director de VM-Music, David Maldonado, informó que García debió ser hospitalizado el lunes, mientras que sus médicos desalentaron el viaje a Bolivia.
Los productores del espectáculo anunciaron que el lunes próximo, quienes hayan adquirido los boletos para el show podrán realizar el canje para la respectiva devolución de su dinero en el mismo lugar de compra.
La noticia recorrió varios sitios de espectáculos y fue muy comentado en los foros al generar un fuerte malestar entre los fanáticos del cantante argentino.
GLOBOS DE COLORES
Por Eduardo Fabregat - Pagina/12
Los lentes son para el sol /
y para la gente que me da asco.
(“Mañana en el Abasto”, Luca Prodan)
Y de pronto, en el país donde la opinión viene a ser el segundo deporte nacional, Fito Páez se convierte en un villano. Los que querían tirar a Kirchner de un tren y quieren terminar con “la inmigración descontrolada” salen a dar clases de civismo. Los que sonrieron con Mirtha Legrand faltándole el respeto a Néstor Kirchner, los que escucharon impávidos a Carrió asegurando que “sería divino que Cristina quedara viuda” y que los miles de personas que fueron a despedir al ex presidente eran empleados de Fuerzabruta pagados por el Gobierno, piden la cabeza del músico que expresó su bronca en una contratapa. Y lo acusan, milagros de esos que los psicoanalistas llaman proyección, de hipócrita.
Como (afortunadamente) se comprueba desde hace mucho tiempo, en este país hay libertad total para expresar opiniones. Muchas veces esas opiniones son ofensivas o insultantes hacia algún sector social, pero el cinturón antikirchnerista ha decidido que lo de Páez no sólo es imperdonable, sino que además expresa la totalidad del pensamiento K. Más allá de la evidente manipulación interesada de la opinión de un ciudadano (opinión que este escriba no comparte del todo, pero no es el caso), lo que se deja a un lado es que esos conceptos vienen de alguien que procede de un mundo que en general no piensa en agradar, ni hace mayores estimaciones o cálculos políticos antes de expresar lo que piensa.
Hace algunos años, Iván Noble brindó en el estudio de Sábado Bus “por un cáncer en los huevos para Videla”. Luca cantaba sobre el asco que le daba la sociedad de las rubias taradas. Mucho antes de juntarse a cenar con él en Olivos, Charly sacudió públicamente a “Nemen” y a sus votantes como expresión de lo horrible de la sociedad. “No nos sentamos a la mesa de los que firmaron la Obediencia Debida”, señalaron los Cadillacs. Se pueden seguir buscando ejemplos, con mayor o menor moderación: el rock putea, bardea, incomoda, a veces se pasa de rosca. La crucifixión de Fito por parte de medios y personajes que destilaron y destilan un odio bien visible, legible, audible, por personas con ideología diferente es otro paso ridículo en la crispación anti-K. Y desvía otra vez la discusión, convirtiendo a los que armaron un aparato parapolicial para apalear indigentes, pidieron denuncia policial para estudiantes en conflicto y espiaron a opositores, en paladines de la tolerancia; ocultando la incompetencia de la gestión macrista bajo una montaña de globos de colores. Eso, más que la elección de un 47 por ciento del padrón capitalino, es lo que da real asco.
