CHARLY REUNIÓ A SERU GIRAN EN EL LUNA PARK
Los ex miembros de Serú Girán volvieron a tocar juntos luego de varios años en la función con la que Charly García cerró su ciclo de conciertos en el Luna Park.
Pedro Aznar, David Lebón y Chraly se reunieron en el escenario, por primera vez desde la muerte del baterista Oscar Moro, para los bises del show de la cuarta y última fecha programada por García en el mítico coliseo de box tuvo -como en sus anteriores funciones- localidades agotadas y un público entusiasta que jamás dejó de alentar.
El repertorio fue muy similar al de las presentaciones anteriores, con un repaso de la discografía de los años 80 del músico y algunas canciones de otras de sus bandas.
"Demoliendo hoteles", "Promesas sobre el bidet", "Rap del exilio" y "No soy un extraño" sonaron en el primer tramo, antes de que cayera un celular al escenario y Charly -fastidiado con el uso reiterado de dichos aparatos en el show- simulara usarlo para hablar, antes de estrellarlo contra el suelo y pisarlo repetidas veces.
Más tarde subió como invitado León Gieco, para interpretar junto al anfitrión "Los Salieris de Charly" y "El fantasma de Canterville". Tras la participación de Gieco llegó Lebón, quien tocó en "Esperando nacer" e "Influencia.
"Son un público maravilloso, todos parecen primos míos", dijo García cuando salió para los bises, que arrancaron con "Deberías saber por qué". A continuación subió a escena Aznar, con quien hizo "El perro andaluz".
A esa altura el público clamaba por la presencia de Lebón en escena. Y finalmente el guitarrista se unió a sus ex compañeros de Serú Girán para interpretar "Seminare", tras la cual Charly pidió un aplauso para el fallecido Moro.
Pasada la medianoche, y luego de expresar que no sabía "qué corno es el Bicentenario", llegaron el "Himno Nacional Argentino" y "Rock and roll yo", tras la cual García volvió a retirarse.
Pero ante la insistencia del público, el artista salió por tercera vez para los bises finales, que incluyeron "Mr. Jones" -junto a Juanse-, "No toquen" y "Canción para mi muerte". Ahí sí, el músico se permitió un saludo muy emocionado a sus seguidores y se retiró definitivamente.
EL "FLACO", EN EL ORFEO
El próximo 2 de julio, Luis Alberto Spinetta llegará al Orfeo Superdomo por segunda vez en su carrera (la primera fue en 2004 en el marco de
"Lamentablemente, no se pudo concretar la idea de traer ese mismo concierto, o parte de él, a Córdoba, así que será un show del 'Flaco' con su agrupación actual", explicó Carlos Espinosa, de prensa de Nueva Tribu. Desde la productora local también informaron que el formato del domo que se utilizará será "de teatro", y la novedad es que no se habilitarán tribunas (que estarán cubiertas con telones o elementos similares), sino que habrá dispuestas más de dos mil butacas en el espacio que habitualmente ocupa la pista.
Las entradas ya están a la venta en Tiendas Vesta de Dinosaurio Mall de Alto Verde, Ruta 20 y Dinosaurio Express de San Vicente, de
DANCING MOOD
Dancing Mood vuelve a Niceto, luego de festejar sus 100 presentaciones allí, y prepara disco triple para fin de año.
Federico Durán - Redacción de El Acople
Tras aquel memorable show al aire libre, Dancing Mood regresa a Niceto, es decir, a su casa. Bajo la consigna “ciclo otoñal para bailar al ritmo del reggae y ska”, el conjunto se presentará los domingos 9, 16, 23 y 30 de mayo.
Por otra parte, el jefe de la orquesta, Hugo Lobo, se encuentra actualmente en Londres grabando lo que será el próximo disco de estudio del proyecto. Dicho álbum llevará por nombre “Ska explotion”, será triple y contará con la participación de diversos artistas internacionales. Se prevee que en noviembre estará listo.
El pasado domingo, el trompetista fue entrevistado en un programa de Aculco Radio, emisora latina de Londres. Desde allí anticipó que Dancing Mood actuará el próximo 26 de agosto en el Gran Rex, con Rico Rodríguez como invitado estelar. El reconocido trombonista, además, será de la partida en el futuro disco de la banda.
Cerrando la nota, Hugo Lobo calificó a “Ska explotion” como “soñado”. Si se le preguntara por el presente de su grupo, seguramente diría lo mismo.
MICHEL PEYRONEL, EX BATERISTA DE RIFF
El regreso de un duro con banda nueva
El ex baterista del legendario grupo Riff, Michel Peyronel, volvió al ruedo al frente de una nueva banda de rock duro, bautizada Héroes del Asfalto, con la que trabaja en un ambicioso proyecto: realizar una suerte de "rockumental" sobre la Ruta 40.
La nueva agrupación de Michel, que lleva el nombre de uno de los recordados temas de Riff, se completa con Ponch (ex La 25) en guitarra, Garfield (ex Pier) en bajo, el benjamín Jean-Jacques Peyronel en la otra guitarra y el sorprendente vocalista Juan Tarjan. Héroes del Asfalto ya tuvo una suerte de riesgoso bautismo de fuego haciendo las veces de teloneros de AC/DC en el Monumental, y salió airoso en base a una fórmula que domina a la perfección: rock bien duro pero con melodías entradoras. Heavy rock para cantar, como sintetizan para definirlo.
La banda ya tiene en la calle su disco debut, titulado "Enfermo de rock" y compuesto por una docena de temas que llevan el sello de Peyronel en las letras, con un hábil manejo de las palabras para contar historias y describir situaciones, y ese perfil casi cinematográfico que en los '80 le dio a Riff himnos como "Pantalla del mundo nuevo" o "Susy Cadillac".
Peyronel, seguramente el más inspirado de todos los autores que se animaron al rock duro en la Argentina y el mejor coequiper compositivo que tuvo Pappo a lo largo de su carrera, conserva esa facilidad para crear personajes de películas de acción que alternan entre trasnoches agitadas y escenarios de ciencia ficción.
"Noches blancas en la nueva Havana", "Cóctel de redención", "Rita Dinamita" y "Sin salida" son buenas muestras del Pequeño Peyronel Ilustrado, y se complementan a la perfección con "Amante desalmado" y "A todo mákina", dos perlas de su único disco solista rescatadas para la ocasión.
Héroes del Asfalto actuará el 7 de mayo próximo en 990 Arte Club (Boulevard Los Andes 337) de Córdoba capital, y el 28 de mayo estarán en Abbey Road (Juan B. Justo 620) de Mar del Plata.
Mientras tanto, la banda trabaja en un proyecto por demás ambicioso: quieren registrar un video de su pegadizo rock and roll "Por la Ruta 40" en los escenarios naturales que atraviesa esa carretera que une a la Argentina de norte a sur paralela a la Cordillera de los Andes, para además conformar una suerte de documental rockero.
"La idea es ir a la ruta y recorrerla haciendo el clip del tema, pero además queremos registrar el back stage y los paisajes para armar una especie de ‘rockumental’ de la Ruta 40, algo que nunca se hizo sobre esa ruta y que pueda servir hasta como material de interés turístico", se entusiasma Michel en diálogo con Noticias Argentinas.
Y acelera: "nos gustaría contar con el apoyo de las once provincias que atraviesa la ruta porque el proyecto es complejo pero puede resultar muy beneficioso por lo que puede aportarle a cada una de ellas como material de difusión turística".
"Sería algo muy distinto a lo conocido y que llegaría a un público muy diferente, que seguramente nunca se sentaría a ver un documental tradicional y que en cambio bien puede engancharse por el lado del rock", sentencia Peyronel, quien no duda en definir a la Ruta 40 como "nuestra Route 66".
La Ruta 40 recorre
INAUGURAN UN MURAL EN HONOR A CHARLY GARCÍA
Será hoy a las 17 en Carlos Pellegrini 937. Formará parte de la campaña Amor Por Buenos Aires y contará con la presencia del músico
El Diputado Avelino Tamargo realizará hoy a las 17 horas la presentación de un mural en honor al artista Charly García en el marco de la campaña Amor Por Buenos Aires. Durante el evento el reconocido músico estará presente y pondrá su firma en la obra.
El objetivo de la campaña es promover la cultura popular y embellecer a
Los mismos serán la viva representación del espíritu de cada barrio ya que ilustrarán la imagen del CD más reconocido del artista o banda que nació entre sus calles.
Charly García será el primero de la lista de artistas en ser homenajeados. De esta manera se inaugurará la versión de su popular disco Clics Modernos en la esquina de Carlos Pellegrini al 937 entre Paraguay y Marcelo T. de Alvear.
La obra, elaborada por el artista plástico Mc Pyo contará a su vez con una reseña histórica de Clics Modernos y una pintura libre representativa de otros grandes discos de Charly García.
Asimismo se le entregará al famoso músico un cuadro pintado al óleo por el artista plástico a modo de recuerdo de la ocasión.
A BORDO DE EL BORDO
Rock, línea fundadora
Por Daniel Jiménez para Suplemento NO Pagina/12
No tocan con sponsors ni para el gobierno de Macri, pero sí a favor de movimientos obreros y por causas sociales. Siguiendo el camino político de
Todos los miembros de El Bordo –el cantante Ale Kurz y su hermano guitarrista Diego, el bajista Pablo Spivak, el baterista Miguel Soifer y el armoniquista Leandro Kohon– están relajados. Se encuentran deambulando en su sala de ensayo en medio de la sesión de fotos con el NO y el panorama, recién iniciado el mes de mayo, es alentador: en una semana se edita el ambicioso Historias perdidas, su cuarto disco, tienen una agenda importante de shows de aquí en adelante y ya llevan doce años como banda sin que el filoso paso del tiempo haya desgastado una relación que mantienen desde la escuela secundaria. Aquellos ámbitos de discusión en donde no solamente se remitía a lucubraciones fumadas sobre el sonido del bajo en un disco de los Who sino también por saber hacia dónde iba el mundo y tratar de entenderlo para la acción: meter las narices siendo pendejos en la reivindicación de causas sociales y políticas a través del compromiso artístico.
Saber decir que sí y saber decir que no. Sí a la lucha de los obreros de la ex Terrabusi; no a los eventos musicales y ciclos pro del macrismo. Ya desde aquel Obras, al que arribaron hace cuatro años sin publicidad ni compañías comerciales, dejaban bien en claro su forma de pensar en su sitio oficial: “El arte no debe ser contaminado por intereses económicos”. Recién pisando los veinte años de edad ya se manifestaban “en contra de la esponsorización del rock”, en línea con el pensamiento y la forma de trabajo de sus pares de
“Nosotros somos responsables de nuestra propia historia. Elegimos cómo y dónde nos sentimos más cómodos, pero las decisiones siempre fueron nuestras. Lo charlamos entre todos: dónde tocar, dónde no, y para nosotros es normal”, reconoce Miguel. “Me cuesta abstraerme y verlo de afuera, pero sí puedo decirte que me gusta cómo nos venimos manejando hasta acá. Que nuestras canciones suenen en la radio fue una consecuencia de todo un laburo y no una intención primaria, y que hoy nos pasé eso como señal de crecimiento está buenísimo.”
Doce años después de su nacimiento, y sin hacer muchas concesiones en el camino, El Bordo parió su mejor y más complejo álbum: once canciones intensas que terminan dando forma a una ópera rock urbana y callejera que gira sobre una historia sorprendente y demasiado real, anclada en los años duros de
En Historias perdidas, Ale Kurz escribe desde el punto de vista de los dos personajes y ocupa un tercer rol de narrador ocasional, para contar la historia desde la incertidumbre inicial (Buscando) hasta el épico desenlace final de Sueños de libertad, una mini suite de tono subversivo y atmósfera revolucionaria que cierra su trabajo más pretencioso.
–En Historias perdidas utilizan muchos más recursos que en los tres discos anteriores: la voz llega a otros planos, la composición es más compleja, se usan varios puntos de vista y existe un concepto general que envuelve el disco. ¿Era el punto adonde querían llegar?
Miguel: –Coincido en esa mirada, sí, puede ser más pretencioso, pero no fue algo que hayamos pensado previamente.
Leo: –Se trata de querer mejorar, querer crecer en un punto. Al menos tratamos de hacer algo diferente o meternos donde no nos hayamos metido antes.
Pablo: –La consigna fue “dejarse llevar por las canciones y no tener prejuicios”. En los discos anteriores quizá la pretensión pasaba por hacer un tema que vaya por tal ritmo mezclado con rock. Ahora dejamos que las canciones vayan solas y no nos atamos mucho a los arreglos, porque nos dimos cuenta de que la canción puede pegar un giro y explotar para donde no te habías imaginado. Artísticamente tal vez sí, es más pretencioso, pero la idea previa fue de lo más despojada.
Ale: –Lo que pasa es que Yacanto estaba pensado como un disco para tocar en vivo. En este caso si la canción pedía algo especial, íbamos a ponérselo si lo requería, y en vivo veremos cómo vamos a tratar los temas.
Miguel: –Yacanto fue un disco rápido y éste es más acorde a cómo fue concebido; tuvo más tiempo de desarrollo, probamos más cosas, hicimos más canciones. Al tener toda esa gama de posibilidades, el resultado te tiene que llevar necesariamente a tener más recursos, más variedad.
–El concepto sobre el cual gira el disco posee el espíritu de las viejas óperas rock. ¿Cuál fue el camino para llegar hasta ahí?
Ale: –Lo que era atractivo de esta historia que nos contaron, y que queríamos contar y que inspiró todo, era que nos parecía una muy buena idea que hoy El Bordo no te hable de El Bordo sino que te cuente una historia. Que la voz y el rol en las canciones pasen por varios lugares y no sólo por una primera persona, y eso, a lo que veníamos haciendo, es un gran salto y está bueno.
Miguel: –Pudimos dedicar el tiempo que tuviéramos ganas para probar cualquier tipo de orden en la lista, porque la sucesión de las canciones para llevar un hilo de la historia no era menor. Escuchamos todos los finales y los comienzos de los temas para que la historia estuviera encajada de la mejor manera en el disco, que tuviera coherencia. Y lo pudimos hacer relajados y sin apuro, aunque cambiamos mil veces el orden.
–¿La historia aparece justo con el comienzo del proceso del disco?
Ale: –La idea apareció con la canción Sueños de libertad, que es uno de los primeros temas que hicimos para el disco. Después las canciones fueron saliendo, aunque hicimos un proceso de selección con las que más nos cerraban para contar esta historia. Buscamos ciertos climas para enunciar ciertas cosas dentro de la historia. Los pasajes más tranquilos tienen que ver con lo que le pasa a ella, y los más rabiosos tienen que ver con lo que le pasa a él. Jugamos a contar una historia y eso nos permitió ponernos en lugares que son nuevos para nosotros.
–¿Qué les disparó la historia de este hombre y esta mujer?
Ale: –A nosotros nos impresionó la historia, que es uno de esos casos en que la realidad supera a la ficción; es una película. Y eso me sedujo al punto de escribir Sueños de libertad. Cuando me contaron la historia, me parecía que era para contarla en una canción, pero no me entraba en una canción de tres minutos, por eso el tema pasa por varios climas, tensiones y un desenlace intenso. Quería cantarlo desde lugares diferentes y por momentos la que cuenta es ella, por momentos él y en otro, un narrador. Y poner eso en voces hizo que el disco tuviera otro peso y se me hizo mucho más seductor a la hora de cantar.
–Es la primera vez que trabajan con un productor que se involucra tanto artísticamente en un disco de El Bordo. ¿Cómo fue hacerlo con Alvaro Villagra?
Miguel: –Y... Alvaro nos hizo tocar de otra manera. Tiene una gran experiencia en el estudio y grabó con artistas muy grossos. A mí, puntualmente, desde mi instrumento que es la batería, me hizo dar cuenta de que en el estudio garpaba más tocar a más bajo volumen sin así ser menos poderoso. Aprendés esas cosas, por ejemplo.
Ale: –Tiene mucha experiencia y sabe qué funciona y qué no. Y es muy divertido trabajar con él porque es muy ácido y muy irónico, y te cuenta todo el tiempo de gente que grabó ahí y no lo podés creer. Para nosotros fue un sueño grabar en El Abasto.
Diego: –Alvaro además nos ayudó a resaltar las ideas más fuertes o darle más peso a lo que él consideraba más sólido.
Pablo: –Era el momento en que teníamos la seguridad de hacerlo. En los otros discos no optamos por alguien así porque necesitábamos tal vez desarrollar la idea nosotros mismos; pero hoy, en el punto en que se encuentra la banda, decidimos que estábamos fuertes para que viniera alguien de afuera y patee el tablero.
Diego: –El Bordo sigue siendo El Bordo en cada momento. Hoy la fotografía de la banda es este disco.
Ale: –En cada disco siempre hubo una búsqueda y el fan de El Bordo está acostumbrado a que cambiemos.
–¿Qué cosas se filtran hoy en la lírica de El Bordo?
Ale: –Todo se filtra: lo que ves, lo que te pasa, los gustos musicales, que van cambiando con el tiempo, y las nuevas cosas que vas escuchando. Yo al menos trato de ir siempre a la raíz. Cuando escuchás algo que te gusta, vas a ir a ver qué le gustaba a ése, y después vas a ver qué le gustaba al que escuchaba a ése, y así. Si escuchás a los Stones vas a llegar a Robert Johnson, y vas a terminar en la raíz. La música que nos gusta a nosotros es la que tiene raíz. La banda es una manifestación de nuestras vidas y nuestra vida es mucho de eso: ser una especie de viajero en busca de las músicas que te gustan. Recuerdo estar grabando el disco y cuando algo no funcionaba, me iba a escuchar a los que saben, a ver si me decían algo. Los que lo hicieron primero y lo hicieron bien. En mitad de la grabación me pasó de ver algo que no cerraba y ponerme a escuchar vinilos de Robert Johnson para tratar de encontrar eso que no sabía y necesitaba saber. Todavía lo sigo buscando...
–¿Qué creés que puede generar el disco en los fans de la banda?
Ale: –Desde las letras, El Bordo hoy quiere transmitir que estamos viviendo en un contexto muy apocalíptico, y cuando uno se mete en el arte o escuchás un disco o ves una película, querés historias que te conmuevan. Y nosotros escuchamos una historia que nos conmovió tanto que llegó a que la queramos contar, y una historia con un final así era digna de contar. Me parece que va a generar algo lindo cuando lo escuchen.
–¿Cómo se hace para enganchar a un nuevo oyente a través de un disco líricamente denso y de carácter conceptual en tiempos tan veloces, donde todo debe ser dinámico?
Miguel: –Si me tengo que referir al que no conoce mucho la banda y se baja temas para conocer algo, puede ser un atractivo desde dónde está interpretado este disco. Y de esa manera el que lo escuche puede meterse en la historia de la banda, que es la misma de siempre.
Diego: –Es verdad, puede que éste no sea el mejor contexto para escuchar un disco de una temática pesada, pero cada canción tiene su propia personalidad y es interesante en sí misma. De todas maneras es un disco corto.
Pablo: –Buscamos que en el orden de los temas una canción fluya con la otra, y nos preocupamos hasta en ver si tonalmente estaban bien enganchadas, imaginate el trabajo que nos tomamos para que no escuchen el disco entero (risas).
–Cuando pueden, participan en movilizaciones y dieron un apoyo muy grande a los trabajadores despedidos de la ex Terrabusi con un show gratuito en Plaza de Mayo. ¿Por qué deciden abrazar esas causas?
Ale: –Porque nos parecía que había que estar, como estuvimos en muchos otros eventos sociales. Nosotros tenemos la costumbre de estar el 16 de septiembre en Plaza de Mayo, desde que estamos en el secundario. Y participamos de la marcha y aportamos como sabemos, que es tocando. Como siempre fuimos así, hay mucha gente que nos llama para algún evento de este tipo, o cuando hay una movilización o un hecho social que merezca ser reivindicado.
Miguel: –O por ejemplo cuando desapareció la chica Florencia Penachi, en 2005, fuimos a tocar a Plaza Houssay.
Pablo: –No hay que olvidar que a veces la banda puede ser una herramienta para mucha gente que organiza cosas puntuales y por otro lado podés ayudar a hacer más ruido por una causa justa y por gente que la está peleando y mucho. Decimos presente por una cuestión de empatía social. Somos una banda que cuando nos convocan y nos sentimos cómodos, participamos.
Leo: –Además, a veces sirve para que más gente se entere de algo que está pasando.
Miguel: –Quizás es una cuestión generacional. Yo diez años atrás me enteraba de eventos a beneficio donde tocaba
EL CUARTETO DE NOS LLEGARÁ EN JUNIO AL LUNA PARK
En medio de una enorme explosión de popularidad en Argentina y México, el grupo uruguayo El Cuarteto de Nos dará en junio su primer recital en el estadio Luna Park.
Con 25 años de trayectoria, la agrupación atraviesa un momento por demás fructífero de su carrera tras la edición de "Bipolar", su primer trabajo para la multinacional Warner Music.
Con ese disco se presentaron durante 2009 en escenarios de Uruguay y Argentina, en donde temas como "Me amo" y "El hijo de Hernández" recibieron amplia difusión televisiva y radial.
Pero la expansión del Cuarteto fue más allá y llegó hasta México, en donde hace un par de semanas actuaron ante 20 mil personas como parte del festival Vive Latino, en el que tuvieron excelente repercusión de crítica y público.
Además, el grupo quedó nominado a diez Premios Graffiti, que distinguen anualmente a los mejores artistas y producciones discográficas de su tierra natal.
En medio de este boom, El Cuarteto de Nos anunció que realizará durante las próximas semanas conciertos en Mendoza, Córdoba y Tucumán y que el 19 de junio harán su debut en el Luna Park de Buenos Aires.
Además, la banda tiene programado próximamente el lanzamiento de "Bipolar" -una placa que combina rock con rap, cumbia y pop de los años 60- en Colombia, Chile, Perú, Ecuador, Venezuela y España.
LAS PELOTAS - "ORUGAS"
Fuente: Revista RS
El tema de Máscaras de sal, forma parte de la banda de sonido de Carancho, la nueva película de Pablo Trapero.
Hoy, 6 de mayo de 2010, es un día muy importante: se cumplen 25 años del estreno de Esperando la carroza, pieza fundamental en la historia del cine nacional y largometraje responsable de entregar al mundo escenas memorables como esta y frases célebres como "Tres empanadas para dos personas", "¡Minusválida mental!" o "Daría mi reino por un vermouth", "¡Me cagó el loro!", "Yo pensé que eran flancitos" o "¡Porqué no se quedarán en sus países, esos comunistas muertos de hambre!", por citar algunas nomás. A pesar de la efeméride, bastante random por cierto, no vamos a hablar de la obra maestra de Alejandro Doria pero sí de otra película de acá que se estrena justo hoy, Carancho.
Dirigida por Pablo Trapero (Leonera, El Bonaerense, Mundo Grúa) y protagonizada por Ricardo Darín y Martina Gusmán, Carancho vuelve a llevar al director al Festival de Cannes y narra la historia de Sosa (Darín), un abogado que perdió su matrícula y se dedica a ayudar a víctimas de accidentes de tránsito. Además de una reflexión sobre el submundo de tramoyas (léase el negocio por las indemnizaciones) relacionado con la enorme cantidad de muertes por accidentes (un promedio de 22 por día, 8000 al año), la historia de amor entre los protagonistas sostiene la trama. Bueno, parece que promete.
Ahora bien, lo que nos atañe aquí es el hecho de que "Orugas" de Las Pelotas forma parte de la banda de sonido de la película. El tema perteneciente al discazo Máscaras de sal de 1994, suena en el trailer musicalizando la acción. La voz del inolvidable Sokol y una letra muy muy lisérgica.
El videoclip del tercer corte del disco Despierta
El videoclip de Pasajeros, tercer corte del disco Despierta, fue grabado íntegramente en Traslasierra, provincia de Córdoba, durante el mes de Marzo.
Basado en la idea original de Catalina Daffunchio, el video fue dirigido por Martin Domingo y Virginia Huespe y producido por Luis Coppié.
La idea de trasfondo es mostrar de manera idílica cómo los objetos que rodean la vida de alguien pierden sentido cuando éste deja de estar.
El video se organiza como un viaje, un recorrido de alguien por su hogar, una especie de despedida. Quien lo realiza no se muestra como una presencia definida ya que no se hace alusión a su edad, sexo, etc.
Durante el trascurso de la historia, este ser visita distintos lugares de la casa y a medida que avanza observamos cómo sus pertenencias recobran el color y en cierto modo la vida.
Entrando ya en la etapa final, cuando la presencia debe partir, estos objetos regresan paulatinamente a su estado inicial. La sensación de calma y armonía que se genera a lo largo de todo el video nos hace percibir la despedida como algo pacífico.
Por localidades agotadas, el trío encabezado por Ricardo Mollo agregó una función para el 3 de junio en el Luna Park.
Divididos agregó una nueva fecha, para el jueves 3 de junio, a la serie de presentaciones de su nuevo disco, Amapola del 66, en el estadio Luna Park.
Por entradas agotadas, el grupo compuesto por Ricardo Mollo, Diego Arnedo y Catriel Ciavarella sumó la fecha del 3 de junio a la del miércoles 2. Antes de presentarse en Capital, el grupo se encuentra realizando una gira por el interior del país que incluye un concierto el 15 de mayo en el estadio Ruca Che de Neuquén, y otra el jueves 27 de mayo en el auditorio Angel Bustelo, de Mendoza.
RIDDIM PRESENTA "HEY BREDDA"
Se trata del primer video clip de Donde brilla el sol, que cuenta con la participación de Dread Mar I, Hugo Lobo y Fidel Nadal. Mientras, el grupo se prepara para tocar el 26 de junio en
Antes de presentar de manera oficial su nuevo disco, Donde brilla el sol, Riddim estrenó el video de Hey Bredda, el octavo tema del álbum. El clip fue grabado en una estación de servicio, y en él participan tres grandes figuras del reggae local: Dread Mar I, Hugo Lobo y Fidel Nadal.
La banda liderada por Pety está ensayando para el show que darán el 26 de junio en
CALLEJEROS SE PRESENTA EN TUCUMÁN
Lo que tenés que saber
El próximo 15 de mayo. ¿Estas pensando ir? El organizado del recital habló hoy en una radio y brindó detalles del evento.
FUENTE: TUCUMAN A LAS 7 y noticiasdelrock.com
La popular y polémica banda de rock Callejeros regresará a los escenarios el próximo 15 de mayo, y lo hará en el club Central Córdoba, de nuestra capital.
En alusión al evento, el referente de la institución Rubén Urueña, realizó declaraciones a la emisora radial LV12.
"El recital está previsto para albergar a 6.000 personas, en un lugar techado", explicó.
Acto seguido, hizo referencia a un tema primordial: la seguridad. "Va a haber estrictos controles en los ingresos. No se permitirá asistir con banderas, bengalas ni nada del estilo. Tenemos que cuidar el prestigio del club", sentenció.
En alusión a los precios de las localidades, especificó que no habrá tickets de diversos valores y que las anticipadas tendrán un costo de $60. 48 horas antes del concierto, las mismas se elevarán a $70.
SE VIENE EL "BOB MARLEY DAY 2010"
En el mes de mayo, vuelve el festival internacional de reggae mas importante de argentina, el BOB MARLEY DAY, con las mejores bandas nacionales e internacionales.
Desde Jamaica, llega por primera vez a argentina, LUCIANO (The messenjah), uno de los mayores exponentes del reggae mundial, acompañado de su mega banda THE MESSENJAH BAND.
Se suman al festejo, LOS CAFRES, luego del reciente lanzamiento de “CLASSIC LOVER COVERS” disco en vivo con cooproducciòn de Mario Pergolini, vuelven a participar del Bob Marley Day, luego de haber participado en la 2º edicion, junto a ALPHA BLONDY y SKATALITES en el estadio Luna Park, con entradas agotadas.
DREAD MAR-I, con disco nuevo (Vivi-en-do) y presentaciòn con 2 shows agotados en el Teatro Gran Rex, se consolida como uno de los mayores exponentes del genero. Vuelve a ser parte del Bob Marley Day, luego de haber participado en la primera ediciòn.
GONDWANA, luego de realizar mas de 70 shows en argentina solo en 2 años, seràn parte del festival por primera vez. Son uno de los mayores exponentes del reggae latinoamericano, con 23 años de trayectoria, presentarán su primer DVD,grabado en vivo en buenos Aires, que tendrà lanzamiento simultaneo en Argentina, Chile y Mejico, el dia 16 de abril.
BOB MARLEY DAY TOUR:
21 DE MAYO - EL SANTO (MENDOZA) (GONDWANA, DREAD MAR-I)
24 DE MAYO - VOODOO (ALTA CORDOBA)
GONDWANA / DREAD MAR-I.
27 DE MAYO - GAP (MAR DEL PLATA) LUCIANO...
EL INAGOTABLE CATÁLOGO DE JIMI HENDRIX
Un análisis de los principales hallazgos de esta nueva ola hendrixiana.
Un hombre con una misión. Jimi Hendrix era un hombre poseído por una apremiante urgencia creativa, como si fuera consciente del escaso tiempo que le estaba concedido para permanecer en este planeta. Sólo así puede entenderse la aparentemente interminable cantidad de material que viene brotando de los archivos desde su fallecimiento en 1970. Más aun teniendo en cuenta que su carrera pública (a partir del "descubrimiento" a cargo del productor Chas Chandler y su consiguiente viaje a Inglaterra) duró sólo cuatro años, durante los cuales alcanzó a editar tres álbumes de estudio y uno en vivo. A esto hay que agregar First Rays of the New Rising Sun, el intento más coherente de reconstruir el álbum inconcluso en el que Jimi estaba trabajando en el momento de su muerte, que por el valor del material incluido se añade por derecho propio a su discografía oficial.
A partir de 1995, cuando tras extensas batallas legales la familia Hendrix recobró el control del catálogo del guitarrista y contrató al experto John McDermott y al ingeniero original de las sesiones, Eddie Kramer, como curadores de todo el material existente, las reediciones -con el sello Experience Hendrix- han tenido un consistente nivel de calidad, acorde con los altísimos estándares del artista.
La novedad en este ámbito es que al caducar el contrato que unía a Experience Hendrix con MCA/Universal, la empresa estableció una alianza con Legacy Recordings -una división de Sony Music- para el relanzamiento del catálogo de Jimi. El primer producto de esta nueva sociedad incluye ocho títulos: los cuatro álbumes de estudio, Are You Experienced, Axis: Bold as Love, Electric Ladyland y First Rays of the New Rising Sun , el disco en vivo, Band of Gypsys, más un compilado (The Best of Jimi Hendrix) y el relanzamiento ampliado a doble DVD de Live at Woodstock. Todos han sido remasterizados nuevamente, por McDermott y Kramer, con tecnología aparecida en los años transcurridos desde la primera reedición (1997); en el caso de los discos de estudio, se agrega un DVD que documenta el "making of " del álbum respectivo.
La joya de la corona es la aparición del disco "nuevo", Valleys of Neptune. Es una hora de música y lo primero que sorprende -en vista de que son grabaciones de estudio de una calidad excelente en todo sentido- remite a la cuestión planteada al comienzo de esta nota: ¿cómo puede ser que a cuarenta años de su fallecimiento y con la cantidad de lanzamientos póstumos realizados desde entonces, todavía exista material de esta calidad que no había visto la luz? Sin duda, Jimi trabajaba intensamente en una carrera contra el tiempo, y en un año de su vida producía lo que a otros artistas les llevaría décadas. Además, tenía la (buena) costumbre de grabar continuamente.
Valleys of Neptune está construido principalmente con grabaciones realizadas en 1969, un año de cambios para Hendrix, en el que tocó al menos con tres diferentes bandas y un sinnúmero de músicos. Muestra a
En cuanto a los otros álbumes de estudio, el principal atractivo radica en el DVD que acompaña cada uno de ellos, dirigidos por Bob Smeaton. En ellos, la estrella absoluta es el ingeniero Eddie Kramer, que nos lleva en un viaje apasionante a través de las grabaciones, sentado en la mesa del estudio manipulando los faders. Su humor y natural histrionismo, y por sobre todas las cosas el modo en que ama, conoce y aprecia la música de Hendrix, nos ayudan a descubrir y valorar aun más la genialidad del guitarrista y su visión en el estudio (un buen ejemplo es la "deconstrucción" que hace de "Night Bird Flying", en First Rays...). Lamentablemente, de la gente más cercana a Jimi, sólo Kramer y Cox aún permanecen, pero los otros artífices fundamentales (Chas Chandler, Mitch Mitchell, Noel Redding) igualmente están presentes con sus testimonios. Aunque cortos (alrededor de quince minutos) estos filmes pasan a formar parte de la bibliografía esencial sobre Hendrix.
Otro descubrimiento asombroso es Jimi Hendrix: Live at Woodstock. Esta reedición combina todas las filmaciones existentes de la legendaria actuación, incluyendo una algo maltrecha, pero reveladora, en blanco y negro, nunca antes vista (que integra el segundo DVD), a las que se suman varios documentales. Uno de ellos, The Road to Woodstock, contiene testimonios actuales de organizadores y participantes del evento, y provee un importante background histórico sobre Hendrix y su tiempo; otro, titulado Nashville Roots, con Billy Cox y Larry Lee -integrantes de Gypsy Sons and Rainbows, la banda que Jimi armó especialmente para tocar en el festival-, permite un acercamiento a su personalidad desde un ángulo más íntimo. La performance de Hendrix, bastante criticada en su momento, es literalmente increíble. Concentrado y con una energía apabullante desde el primer minuto, Jimi produce el milagro de transformar su entorno -miles de personas somnolientas, embarradas y limadas luego de tres días de música, amor, drogas y lluvia- en criaturas fascinadas ante un acontecimiento casi sobrenatural, que alcanza su clímax en el "Star Spangled Banner", la canción patriótica convertida en himno antibélico y collage hiperrealista.
FITO PÁEZ Y DADDY YANKEE
Despedirán a
Fito Páez y Daddy Yankee despedirán a
Además, como el encuentro formará parte de los festejos por el Bicentenario, los organizadores anunciaron que habrá shows en vivo, como los que darán Daddy Yankee y Fito Páez, quienes ya están confirmados.
Hasta el momento se vendieron más de 10 mil entradas para ver el partido, los shows y las demás sorpresas que preparan los organizadores.
CHINELASPERSAS
El grupo festeja sus primeros siete años de vida en el Teatro Santa María. Antes, nos cuentan su historia y cómo llegaron a donde están parados hoy.
Los finales de un ciclo suelen utilizarse como balance, o mejor dicho, balanza, para evaluar lo bueno y lo malo, y determinar qué pesa más.
En ese sentido, Gabriel, cantante de ChinelasPersas, banda que está cumpliendo siete años, nos cuenta sobre las buenas: “Arrancamos en el 2003, con ganas de crecer y afirmarnos. Tres años después de eso, ya editamos nuestro primer disco, o hijo”.
¿Cómo surgió el nombre de la banda?
Es creación de un amigo que no vemos hace mucho; Sergio Vidal, un genio total. Un día le fuimos con una lista de nombres tentativos, a preguntarle qué le parecían y si le gustaba alguno. Los leyó, nos miro, y así de una nos dijo: “¿Por qué no le ponen ChinelasPersas?”, “¿Que? ¿ChinelasPersas?”, “Sí, así todo junto, creo que es buenísimo”, dijo. Y nos fuimos con nuestra lista y ChinelasPersas, que por supuesto ganó por goleada. No vale la pena poner los nombres que componían la lista.
Acerca del sonido del grupo, Gabriel define “más allá de decir que tocamos rock, con dejos de pop y progresivo melódico, las fusiones no se terminan nunca y se puede escuchar en los discos. Fueron cambiando las etapas, la instrumentación y la forma de tocar. Ahora estamos tocando más crudo, mas tirando al rock, pero sin descuidar nuestra búsqueda minuciosa”.
¿De qué se trata esa búsqueda?
La verdad es que recién con el disco que va a venir, vamos a buscar una estética antes de cerrarlo, pero con los dos anteriores la fuimos buscando a medida que la música se presentaba en las grabaciones o ensayos. Al disco ya lo estamos maqueteando, pero aún es un espermatozoide.
El año pasado editaron “El yeite del nuevo día”, junto a Pichu Serniotti –ex Cabezones- en la producción. “Es un tipo al cual admiramos mucho por su frescura al escuchar y por su experiencia como productor de muchos discos”, dice Gabriel sobre Serniotti. “Fue uno de las personas que nos dio una mano gigante al momento de cerrar la sonoridad de los temas más rockeros. Y en la apertura del sonido general del disco, aparte de prestarnos su estudio. Un maestro para nosotros”.
MUNDANOS, KARAVANA Y CHAU! PEKIN
Si algo reúne a estas bandas, además de recorrer desde el flamenco y la tarantela hasta el reggae, la cumbia y la saya, es que las tres entienden al viaje como una forma de mantener la mente abierta.
Por Luis Paz para Suplemento NO – Pagina/12
Ya se fue el verano y pasaron los feriados largos de abril. Encima faltan meses para el receso invernal. El panorama viajero es desolador. ¿Quién podrá defendernos? ¿Dónde va la gente cuando llueve? La respuesta a la primera pregunta está en Mundanos, Karavana y Chau! Pekín, las tres bandas de música viajera / música de destierro / random music que charlaron con el NO para tratar de definir el segundo interrogante. No se pudo, pero hubo tiempo y lugar para hablar sobre el nuevo folklore, la juventud, la independencia y la música.
Si algo agrupa a estas bandas, además de revisar desde el flamenco y la tarantela hasta el reggae, la cumbia y la saya, es que las tres están relacionadas con el movimiento, el viaje y los paisajes. Son expresiones surgidas de las impresiones de viajes musicales, músicos prestidigitadores del crossover y cultores de las buenas vibras en compañía. Gente con la que tomarse una birra con mucho gusto. “En casi todos está el mal de la urbanidad. Muchos pensamos en irnos a Córdoba, a las sierras, al sur. El viaje te da aire, te hace seguir caminando y te ayuda a seguir viviendo en la ciudad. Es una forma de ver cómo zafar de la lógica de la urbanidad y qué nos interesa de ella”, arriesga Leo Parigi, cantante de Karavana, una banda de músicas desterradas, gitanas y tanas, y también de los ritmos terratenientes de Jamaica (reggae), Bolivia (saya) o Colombia (cumbia).
“Lo bueno es encontrar el hogar en todos lados”, especifica Charli Solimano, cantante de Mundanos, y bien sabe a qué se refiere: antes de haber publicado Filos, su reciente disco, Charli comenzó en la música barriendo el estudio de Pablo Guyot, tuvo decenas de familias, de padres y madres, durante los dos años que vivió en Italia; recorrió Holanda y Alemania (“de Amsterdam te enamorás y no querés volverte”, admite) e hizo escenografías para la emisora mexicana de Canal 22, de Estados Unidos. “Cuanto más afuera vas, más adentro podés ver”, resume Charli, tras de su peluda pelada.
De esos viajes que los Karavana –que andan presentando el disco Vagamundo, casualmente– también hicieron, estos músicos también se trajeron sonidos, ritmos, texturas, ideas y folklores, que por estos meses, con el lanzamiento también de Las horas no pasan lentas, de Chau! Pekín, alimentan las bateas de un mestizaje intergéneros, entre folklores y sonidos urbanos, de música popular, regional, pero mundial.
No es casualidad que estas bandas –nueva avanzada de ese movimiento que incluye a Manu Chao, Onda Vaga, Karamelo Santo, Arbolito, Falsa Cubana y hasta Vampire Weekend, cada una con su sonido patrón– tengan tan buena repercusión en fiestas: su amplitud viene siempre acompañada de una virtuosa buena onda, de baile, festejo, vasos y besos dulces. “La fiesta reemplazó al boliche, con sus pros y contras. Porque hay gente de fiestas a las que les interesa más el evento, la diversión y la música, y a otros cómo les rinde. Algunas fiestas son a las apuradas, en lugares reducidos, sin ventilación, son peligrosas”, alerta, de todos modos, Litmanovich, una voz conocida: la cortina de Metro y medio, el programa de Sebastián Wainraich en
“El camino de Karavana –completa Parigi– tiene que ver con una decisión de vida propia y con la crisis post-Cromañón. La banda surgió en un circuito social, en cortes de calles, escuelas, centros culturales y cárceles. Por elección, porque somos un grupo de artistas plásticos, docentes y músicos que comenzaron juntos sus primeros intentos serios de autogestión, y también porque eran los únicos lugares.” En esa doble vía tocaron en el penal de mujeres de Ezeiza y en el de pibes de Floresta, el Manuel Rocca. “En el de mujeres, lo loco fue ser seis tipos tocando para 60 mujeres, muchas encerradas hace 10 o 15 años, siempre con una conexión interesante. Bolivianas, peruanas, argentinas, una yanqui, la mayoría presa por mulear drogas, todas bailando. Y en el de pibes, lo raro es ver cómo el pibe que te pidió un tema de rock and roll se va a la celda con el guardiacárcel cuando termina el show”, contrapone Parigi.
“Está bueno que los grupos se conozcan entre sí; es la idea, compartir”, reflexiona el cantante. Y, en este caso, compartir equivale a convivir. Con el resto, con uno y con otras bandas, como para las fotos de esta nota. “Hay cada vez más grupos de random music –define Diego–, surgiendo de todas partes. Con el paso del tiempo, los géneros tienden a unirse.”
Y eso acaba excediendo a lo estrictamente musical: desde la casa de
Una de esas cosas que no les hacen bien a los demás, ni a los de menos, es la muerte, la desaparición física de los afectos. Charli se encontró escribiéndoles temas a su viejo y a un amigo. “Lo redundante de la muerte como viaje es que no se vuelve de ella. No tenemos nada tangible como para decir ‘loco, mi viejo vuelve, reencarna en este frasco’. Ningún padre nació con un manual, tampoco nosotros para entender la muerte, pero hay que aprovechar el regalo y a los padres”, comenta. Sabe Dios, dedicado a Nacho, está entre Pastoral y Pappo. Arquero maravilla, una preciosa pieza para su padre, entre el disco y el punk, y son sólo dos muestras del eclecticismo de la banda: Santana, The Police, Bad Religion, Pearl Jam, Sabina, Marley y Sumo andan por ahí, mientras Karavana apunta más hacia la música gitana, de murga y de tarantela, chacareras y sayas; y Chau! Pekín va por el reggae, el ska, el funk y el raggamuffin. Licuadoras de ritmo.
“No somos una banda de folklore”, asegura Diego. “Un sentimiento que tengo de nuestra identidad, de que somos jóvenes músicos, hijos y nietos de inmigrantes, muchos porteños. Esa es la idea de la música de Chau! Pekín, entendiendo que habitamos una ciudad y de que tenemos una búsqueda en la urbanidad. Si vas a Santiago del Estero y querés tocar una chacarera, te van a mirar raro”, aclara. Charli mete su crítica sobre la ciudad: “No sabes qué carajo de color le gusta a tu vecino, si tu amigo de Facebook fuma o no. Por eso trato, al estar sobre un escenario, de generar que haya respeto y ganas de pelear por una vida mejor”, invita.
O por un disco mejor, como intentó Karavana, para mostrar que en las pequeñas acciones también está el cambio. Vagamundo viene acompañado de “Los andares del Vagamundo y Malacara”, una fábula que completa la obra. “Tiene que ver con valorizar la producción artística y artesanal, aunque la impresión del disco sea en serie. Hay algo que es artesanal e intenta valorizar al disco como soporte, además de laburar la filosofía de la banda desde otro lado para que no sea todo tan literal”, explica Parigi.
En definitiva, lo que tanto Mundanos como Karavana y Chau! Pekín hacen es dar cuenta de que los problemas son más o menos los mismos para todos, y que la solución también parece poder darse entre todos. Entre cumbias y chacareras, docentes y artistas plásticos, productores mexicanos y escenógrafos argentinos. Una world life, un tipo humano de globalización para el que desde acá se propone una banda de sonido revoltosa, festiva, reflexiva, comunitaria y autogestiva, una música para desterrados, mundanos, vagamundos, karavaneros y gente random.
“El florecimiento de este mestizaje musical no se da sólo porque hay más gente de provincia en Buenos Aires, porque hay pibes que viajan o por Internet. Es tal el nivel de hacinamiento en Buenos Aires que buscamos en la poesía de otros lugares el aire, la naturaleza, la vida, las plantas y las flores que no vemos cuando salimos de casa y nos topamos con el edificio de enfrente”, concluye el vocalista de Karavana. Ahora todos toman aire, lo mantienen y posan para la foto, otra postal familiar.
FIESTA CORDOBESA EN BUENOS AIRES
Los Caligaris instalaron su fiesta en
Los Caligaris no pierden tiempo en descifrar si sin rockeros o cuarteteros. Hacen todo bien, y listo. Son once tipos capaces de instalar en una sala porteña una auténtica fiesta cordobesa, tal como lo hicieron en una Trastienda repleta con el pretexto de presentar su quinto y más reciente álbum, Transpirando Alegrías.
Pero más que nada para ratificar su rumbo fundacional, que es el de apabullar desde el escenario con temas nuevos y lujos de siempre: la vertiente cuartetera, la arista rockera, el presentador antiguo y los recursos heredados de un pasado en el circo, los colores estridentes y el sello particular de los vientos para aportarle el toque distintivo a su música.
En realidad, a veces se los etiqueta como cuarteto-fusión, pero más bien parece que se tratara de la convivencia amigable de dos repertorios diferentes, asumidos con igual naturalidad y solvencia. Cuando es cuarteto es cuarteto a secas, al que
El fenómeno Caligaris no puede analizarse sólo por lo mucho que baja del escenario, sino por el público que lo sigue. Para ese centenar largo de cordobeses -residentes en Buenos Aires unos, llegados desde distintos puntos de la provincia otros- que se agolpan, saltan, bailan, pasean en andas, hacen trencitos y gritan las canciones, el material editado en 2009, que aun puede ser visto como una novedad en Buenos Aires, no lo es en absoluto para ellos, que ya se saben las letras de pé a pá.
Junto a los temas que son puntas de lanza de lo nuevo, como Me gusta portarme mal, Tus besos, Cuarteto Rockero, Saber Perder, Tu fantasma o Estoy de oferta, irrumpieron sin previo aviso tradicionales como el redondito
En eso de acompañar las letras, la hinchada es a prueba de balas. Pueden repetir estribillos simples, como "Hagamo' un asado, tomemo' ferné", o bien "Para qué lo voy a negar, me gusta portarme mal". O un poco más extensos, como "Esta noche de verano, esta noche estoy de oferta, es que cualquier colectivo, a mí me deja en la puerta", interpretado en esta ocasión por quien se identifica pomposamente como Raúl Sencillez, uno de los fundadores de la banda. Los Caligaris, que el 21 y el 22 mostrarán su arte frente al Obelisco, están intactos. Ya no vuelan tanto por los aires para recordar al circo pero de vez en cuando gastan algunos malabares. No los asusta la diversidad ni la etiqueta.
El Negro Alvarez, cliente de peluquería de Cacho Buenaventura en el video de Asado y Fernet, desliza entre sus gags un temor que tal vez no sólo sea suyo. "No se hagan los rockeros, ustedes son cuar-te-te-ros".
En realidad, no importa si son o se hacen. Aunque sea de a una cosa por vez, hagan lo que hagan, les sale bien.
UNIDOS POR
John Frusciante y Omar Rodriguez Lopez editaron un disco conjunto. Lo mejor: se puede descargar completo por la web.
Por Redacción VOS
Los amantes de las seis cuerdas están de parabienes: dos de los guitarristas más originales de la escena norteamericana acaban de lanzar un álbum en conjunto. Se trata de Omar Rodríguez López -integrante de The Mars Volta- y John Frusciante, el ex violero de los Red Hot Chili Peppers.
El trabajo lleva por nombre, justamente, Omar Rodriguez Lopez & John Frusciante, y su forma de promoción es muy similar a la que utilizó Radiohead para lanzar In Rainbows. Es decir, se puede descargar en la web y es el usuario quien elige el precio a pagar.
De acuerdo a lo que publica el sitio de Rodríguez López, las ganancias del disco irán para la fundación "Keep Music in Schools". Aunque, como es lógico, el disco también se puede bajar de forma gratuita, especificando tal acción.
El trabajo en cuestión consta de 7 canciones, todas con títulos breves, en las que ambos guitarristas exploran diferentes texturas sonoras, tanto con electricidad como con elementos acústicos, dando lugar a una música experimental y progresiva. Omar Rodriguez Lopez & John Frusciante se puede descargar en esta página.
CIELO RAZZO
'Todo Es Una Consecuencia De Lo Que Somos'
Pablo Pino, voz de CIELO RAZZO habló con UOLMÚSICA:
UOLMÚSICA: ¿Como fueron los inicios de Cielo Razzo?
PABLO: La banda arranca por el año ‘93, ahí yo me sumo, era un grupo del barrio que conocía de vista. Y así fueron los inicios, tocando acá con gente conocida y como no teníamos experiencia, ninguno éramos músicos, lo único que teníamos era un acercamiento a la música por gusto así que así fue, juntarse a tocar y ver que pasaba.
UOLMÚSICA: ¿Cuáles son sus influencias musicales?
PABLO: Mira, las clásicas del momento. Se escuchaba mucho Sumo, mucho Las Pelotas, Divididos, Soda, Redondos, lo que había en ese momento. No había tanta difusión como ahora. Ahora hay más información para escuchar. Antes era a través de un cassette o a lo sumo algo grabado de la radio.
UOLMÚSICA: ¿Cómo fue salir de su Rosario natal para despegar para el resto del país?
PABLO: El primer show afuera lo hicimos después de 7 años que fue con el primer disco. Creo que fue a Santa Fe. Después recorrimos pueblos y un poco más tarde llegamos a Buenos Aires. Y fue buenísimo, uno de los momentos más lindos del grupo, que dejas de tocar para amigos para tocar en otro lado y a ver que pasa con gente que no te conoce.
UOLMÚSICA: Tocaron en varios festivales y escenarios, ¿Cuál es el show que más recordás y por qué?
PABLO: Y hay muchos. Uno que nos marcó mucho fue uno que hicimos en Rosario, en el estadio cubierto de Rosario Central. Fue un show que se hizo al tiempo que se muere nuestro baterista y nuestro escenógrafo, que fue un show homenaje y creo que ahí tuvimos una gran respuesta de la gente. Hubo cerca de 3 mil personas que en esa época nos sorprendía. Fue el show mas emotivo y el más extraño. Un show bisagra.
UOLMÚSICA: ¿Qué nos podés adelantar del nuevo disco?
PABLO: Estamos componiendo, la idea que tenemos es si podemos en 2 meses o 3 grabarlo y calculamos que si todo se hace como tenemos pensado, cerca de agosto debería estar en la calle. Estamos siguiendo el camino que empezamos en "Grietas", que es reformular algunas cosas, con otros elementos… creo que todo es una consecuencia de lo que somos.
UOLMÚSICA: ¿Cómo va a ser el show de el Ateneo?
PABLO: El show del Ateneo es totalmente acústico, que es la primera experiencia acústica que hacemos con público. Lo preparamos con músicos invitados (un chelo, un violín, y una traversa). Presentamos un tema nuevo, también acústico, que es inédito. Mostrar otra energía, otra cara de la banda, además de todo lo que significa para nosotros tocar en un teatro.
UOLMÚSICA: ¿Con quién te gustaría compartir un escenario o un disco?
PABLO: Con muchos. Ahora con Calamaro, Cerati, Fito, “el flaco” (Spinetta). Con ellos estaría buenísimo, pero sabemos que son cosas difíciles porque somos de otra generación. No tenemos el mismo circuito.
UOLMÚSICA: ¿En qué escenario te gustaría tocar?
PABLO: La verdad es que siempre se esta viendo la idea de que si la gente se sigue sumando hacer algún estadio. Pero realmente ya estamos conformes porque ya hicimos Obras o Luna Park, que nunca lo pensamos. Así que hoy por hoy no hay un lugar en mente.
UOLMÚSICA: ¿Qué proyectos tienen para este 2010?
PABLO: La del Ateneo creo yo que va a ser la última presentación. Por lo menos eso es lo que esta pautado desde hace un tiempito. Después vienen shows, que es lo que hacemos cotidianamente. Pero después del Ateneo nos ponemos firmes a cerrar el disco y grabarlo.
REPORTAJE: ANDRÉS CALAMARO
Calamaro aceptó una entrevista vía mail para darnos algunas precisiones sobre “On the rock”, su nuevo disco que saldrá en pocos días. Canciones, futbol y piratería, desde su propio teclado.
Pablo Díaz D'angelo (desde Rosario) para rock.com.ar
El whisky es una bebida de culto… ¿”On the rock” es mucho más de culto que el box de hits que fue “La lengua popular”?
El whisky no es una bebida “de culto”, quizas lo fue el Bourbon hace veinte años, o la absenta; no se si “On the rock” será un disco de CULTIVO, nunca se sabe; puedo hacer grabaciones para minorias aunque no puedo garantizar que sean consideradas grabaciones “de culto” , porque ese grado no depende de mi … Tampoco puedo negarle al disco el derecho de ser considerado disco de culto ni todo lo contrario. Pensandolo mejor , el disco se extingue entre las ofertas virtuales de download y seguir grabando discos no deja de ser un acto de fe.
En el anticipo del disco sos un samurai pero con RayBans ¿Tiene que ver con la fusión de estilos del nuevo material?
No lo habia pensado ; en realidad el Samurai es una broma visual de Cesar Sogbe, el ingeniero de mezclas … Pero el Samurai es un guerrero tan noble, con semejante fortaleza moral… Siempre se le puede encontrar fondo metaforico.
En la lengua popular había mucha relación con el amor, la paternidad. “On the rock”, ¿sigue esa línea?
Yo no diria que La Lengua Popular es un disco de “amor y paternidad” ; quizas “Soy Tuyo” y “Cada una de tus cosas” sean canciones de pasion y entrega, pero incluye un texto sofisticado como “Mi Cobain” que es una cancion de profunda reivindicación.
¿Qué track querés que suene en la radio para seguir siendo ese artista popular y cuál que se consagre místicamente como pasó con “Paloma”?
Todos me gustan para sonar en la radio ; no se que cancion va a permanecer entre las preferidas del publico ; quizas sea “Todos se van” o “Barcos” ; la verdad que no tengo idea.
¿Qué lugar se te hace más común para componer? ¿Una PC portátil, una birome y un papel, o el disco rígido en tu cabeza?
Supongo que la gran mayoria de las canciones las escribi sobre un papel.
Cuando viste el Estadio Azteca te quedaste duro ¿Y cuándo viste el de Independiente terminado?
No conozco el estadio Azteca ni el nuevo estadio de Independiente.
En tu web posteaste mucho sobre el fútbol ¿Cómo esperás el Mundial de Sudáfrica?
Con tranquilidad. Como si nada.
Si bien sos uno de los exponentes del rock nacional, siempre estás del lado de la tecnología y del mp3 ¿Favorece al artista la digitalización o genera piratería? ¿En qué lugar queda la obra?
La piratería ya no existe, en Argentina se piratean películas mas que discos ; cualquiera puede ver o escuchar lo que quiera en cuestion de segundos ; el acceso a tanta musica esta muy bien pero sospecho que hay gente que gana millardos en esta grieta legal (otros lo hacen por patriotismo pero la mayoria esta esperando ganar un mango); ademas habra que esperar unos años para comprobar el alcance de los daños de la libre tecnología ; quizas se extinga el arte de grabar discos …
La última vez que estuviste en Rosario lo catalogaste como: “El mejor concierto de nuestras vidas” ¿Cómo te enteraste del “sold out” en Rosario?
Por lo visto el anterior recital en Rosario fue bueno, ahora estamos estrenando un nuevo repertorio y espero que guste ; gustarnos y gustar.
4ALIENS1NO, NUEVO PROYECTO DE STUKA
Fuente: rock.com.ar
Gustavo Fossá, más conocido como Stuka, regresará próximamente a la Argentina para presentar 4aliens1no, un proyecto gestado entre Miami y Los Angeles junto al realizador David Kaumann y al compositor norteamericano Chris Chelius.
StukaEl ex guitarrista de Los Violadores grabó voz, guitarra, bajo y batería. La placa incluirá 16 tracks en inglés y 3 en castellano, entre los cuales habrá dos reversiones: “Ruidos” y “Chicas de la calle”, ambos de Los Violadores. Fueron registrados en su propio estudio de la ciudad de Seattle. Además, incluirá 4 videos también producidos por Stuka: “Hey You”, “All you Fascists”, “The Last of the Rebel Poets” y “A Forest” (cover de The Cure).
Varios temas de adelanto pueden escucharse en la web www.reverbnation.com.
